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May 13, 2015 - No Comments!

★ Seb Lester (UK) | A New Approach To Calligraphy

UK-based illustrator, type designer, and self-thought calligrapher Sebastian “Seb” Lester has achieved international praise in the last couple of years due to his extraordinary talent to create handmade letterings. Passionate of the Latin alphabet and the revival of Western calligraphy, Lester’s accurate, effortless, and beautiful calligraphy style -admired by almost a million followers on social media- has taken him to collaborate with renowned brands like NASA, Nike, Apple, and British Airways, among others.

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April 8, 2015 - No Comments!

★ Damon Hunter (AU) | Hidden Urban Beauty

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Native from Melbourne, Australia, Damon Hunter’s brilliant street photographs have risen to public attention due to their versatile and unusual style. From colorful glass surfaces to overlooked homeless people, Hunter makes the best out his photographic expertise and sharp observation to give the viewer a fresh and truthful perspective of the outside world.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Passionate of natural light and urban life, Melbourne-based street photographer Damon Hunter gets his stronger inspiration from the outer world. Since the official beginning of his photographic career in 2011, he has developed a neat style where spontaneity and order meet to provoke a profound sense of truthfulness.

An adventurer, Hunter wanders around the streets, carefully observing his surroundings and finding beauty in the ordinary. His two most internationally acclaimed projects, “The Color of Glass” and “Living Rough”, are stunning examples of his versatile talent and great predisposition to capture remarkable detailed shoots in urban settings.

The Color of Glass” is a project about patterns, luminosity and color. Hunter chose the outdoor crystal façades of buildings like hospitals, universities and corporate offices, to represent multiple iridescent hues and gradations of color. Keen for perfection and order, Hunter focused in four specific elements for each one of his snapshots: symmetry, shapes, angles and color. Only by analyzing each of those features, Damon found the best viewpoint from where to capture unique shimmering compositions.

In contrast to the vibrant style of his crystal shoots, “Living Rough” is an ongoing black and white project about the harsh reality of homeless people. Hunter makes each photograph unique by creating an unconventional composition capable to tell the story of the protagonist. He does not prepare his models, but captures them without further notice and positions them within a perfectly thought scene. Hunter complements his work with interviews that can be found in the official Facebook website of the project. His goal is to make people aware that “… these individuals had and have dreams and aspirations, they have skills and talents, and their reasons for being where they are may surprise, shock and disturb you”.

More information on Damon Hunter here.

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Passionate of natural light and urban life, Melbourne-based street photographer Damon Hunter gets his stronger inspiration from the outer world. Since the official beginning of his photographic career in 2011, he has developed a neat style where spontaneity and order meet to provoke a profound sense of truthfulness.

An adventurer, Hunter wanders around the streets, carefully observing his surroundings and finding beauty in the ordinary. His two most internationally acclaimed projects, “The Color of Glass” and “Living Rough”, are stunning examples of his versatile talent and great predisposition to capture remarkable detailed shoots in urban settings.

The Color of Glass” is a project about patterns, luminosity and color. Hunter chose the outdoor crystal façades of buildings like hospitals, universities and corporate offices, to represent multiple iridescent hues and gradations of color. Keen for perfection and order, Hunter focused in four specific elements for each one of his snapshots: symmetry, shapes, angles and color. Only by analyzing each of those features, Damon found the best viewpoint from where to capture unique shimmering compositions.

In contrast to the vibrant style of his crystal shoots, “Living Rough” is an ongoing black and white project about the harsh reality of homeless people. Hunter makes each photograph unique by creating an unconventional composition capable to tell the story of the protagonist. He does not prepare his models, but captures them without further notice and positions them within a perfectly thought scene. Hunter complements his work with interviews that can be found in the official Facebook website of the project. His goal is to make people aware that “… these individuals had and have dreams and aspirations, they have skills and talents, and their reasons for being where they are may surprise, shock and disturb you”.

More information on Damon Hunter here.

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Con residencia en la ciudad de Melbourne, Australia, Damon Hunter es un fotógrafo urbano cuyo versátil estilo ha llamado la atención del público internacional gracias a su extraordinaria peculiaridad. Capturando desde coloridas superficies de cristal, hasta la cruda realidad que viven los vagabundos, Hunter aprovecha su experiencia y agudo sentido de observación para crear imágenes que brinden al observador una nueva y auténtica perspectiva del mundo exterior.

Apasionado de la luz natural y de la vida urbana, Damon Hunter obtiene de la calle su principal fuente de inspiración. Desde el inicio oficial de su carrera como fotógrafo en el año 2011, ha desarrollado un formidable estilo donde la espontaneidad y el orden se unen para provocar un profundo sentido de franqueza y belleza.

Como todo un aventurero, Damon pasea por las calles observando cuidadosamente sus alrededores para encontrar la perfección donde menos se lo espera. Dos de sus más reconocidos proyectos a nivel mundial, “The Color of Glass” (El Color del Cristal) y “Living Rough” (Viviendo Sin Comodidades), son ejemplos de su gran versatilidad y predisposición para capturar escenas urbanas llenas de detalle y originalidad.

The Color of Glass” es un proyecto enfocado en patrones, luminosidad y color. Hunter escogió las fachadas de edificios como hospitales, universidades y oficinas corporativas para representar infinidad de gradaciones de colores. Contantemente interesado en la perfección y el orden, Damon analizó minuciosamente cuatro elementos básicos en cada toma para lograr innovadoras perspectivas: simetría, forma, ángulos y color.

Contrario al estilo vibrante de su proyecto en cristal, “Living Rough” es un trabajo en blanco y negro enfocado en capturar la cruda realidad que viven los vagabundos. Aún en curso, este proyecto se compone de fotografías creadas a base de composiciones poco convencionales pero capaces de relatar la historia del protagonista. Hunter no prepara a sus modelos, sino que los fotografía sin hacerles saber que están siendo producto del arte y usualmente los posiciona en una escena perfectamente pensada. El artista complementa su trabajo entrevistando a sus modelos; dichos relatos pueden ser encontrados en la página oficial de Facebook del proyecto. Su objetivo es hacer que la gente se percate que “estos individuos tuvieron y aún tienen sueños y aspiraciones, tienen habilidades y talentos, y la razón por la cual están en dicha situación puede a lo mejor sorprenderte, alarmarte o perturbarte”.

Más información sobre Damon Hunter aquí.

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Con residencia en la ciudad de Melbourne, Australia, Damon Hunter es un fotógrafo urbano cuyo versátil estilo ha llamado la atención del público internacional gracias a su extraordinaria peculiaridad. Capturando desde coloridas superficies de cristal, hasta la cruda realidad que viven los vagabundos, Hunter aprovecha su experiencia y agudo sentido de observación para crear imágenes que brinden al observador una nueva y auténtica perspectiva del mundo exterior.

Apasionado de la luz natural y de la vida urbana, Damon Hunter obtiene de la calle su principal fuente de inspiración. Desde el inicio oficial de su carrera como fotógrafo en el año 2011, ha desarrollado un formidable estilo donde la espontaneidad y el orden se unen para provocar un profundo sentido de franqueza y belleza.

Como todo un aventurero, Damon pasea por las calles observando cuidadosamente sus alrededores para encontrar la perfección donde menos se lo espera. Dos de sus más reconocidos proyectos a nivel mundial, “The Color of Glass” (El Color del Cristal) y “Living Rough” (Viviendo Sin Comodidades), son ejemplos de su gran versatilidad y predisposición para capturar escenas urbanas llenas de detalle y originalidad.

The Color of Glass” es un proyecto enfocado en patrones, luminosidad y color. Hunter escogió las fachadas de edificios como hospitales, universidades y oficinas corporativas para representar infinidad de gradaciones de colores. Contantemente interesado en la perfección y el orden, Damon analizó minuciosamente cuatro elementos básicos en cada toma para lograr innovadoras perspectivas: simetría, forma, ángulos y color.

Contrario al estilo vibrante de su proyecto en cristal, “Living Rough” es un trabajo en blanco y negro enfocado en capturar la cruda realidad que viven los vagabundos. Aún en curso, este proyecto se compone de fotografías creadas a base de composiciones poco convencionales pero capaces de relatar la historia del protagonista. Hunter no prepara a sus modelos, sino que los fotografía sin hacerles saber que están siendo producto del arte y usualmente los posiciona en una escena perfectamente pensada. El artista complementa su trabajo entrevistando a sus modelos; dichos relatos pueden ser encontrados en la página oficial de Facebook del proyecto. Su objetivo es hacer que la gente se percate que “estos individuos tuvieron y aún tienen sueños y aspiraciones, tienen habilidades y talentos, y la razón por la cual están en dicha situación puede a lo mejor sorprenderte, alarmarte o perturbarte”.

Más información sobre Damon Hunter aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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April 1, 2015 - No Comments!

★ Susi Kenna & Mei Kawajiri (USA) | Nail Art At Your Fingertips

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Based in New York City since 2012, artist Miho “Mei” Kawajiri and social media assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna have challenged the craft of making nail-art. Passionate to express themselves through beautiful and artistic nails, Mei and Kenna have collaborated to create a flawless nail-style inspired by the works of world-renowned artists like Pablo Picasso, Andy Warhol and Vincent Van Gogh, among others.


[Ver artículo en español abajo]

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With more than 15 years of experience in the nail industry and an extraordinary eye for detail and precision, Japanese artist Miho “Mei” Kawajiri has positioned herself as one of the most transcendental manicurists in the fashion world. She grew up in Kyoto and studied in Osaka, and since her arrival to New York City three years ago, she has been the skilled creator of artistic hand-painted nails characterized by a modern style and impeccable quality.

In 2012, a collaboration inspired in the work of different painters and illustrators was worn. Mei and assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna began to use the work of artists like Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden and Trudy Benson, to name just a few, and adapted it to the tiny surface of 10 fingernails.

As a nail-lover, Kenna creates beautiful digital designs backed up by a meticulous image research and a creative process using software like Photoshop. The final design is later taken to the surface of the nails by Mei’s surprising steady hand. Her craftsmanship is of a complicated and laborious nature and is achieved without using any kind of stencils, stickers or other special tools.

Today, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continue to transform the nails of countless of women into authentic miniature canvases.

More information on Miho “Mei” Kawajiri here.

More information on Susi Kenna here.

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With more than 15 years of experience in the nail industry and an extraordinary eye for detail and precision, Japanese artist Miho “Mei” Kawajiri has positioned herself as one of the most transcendental manicurists in the fashion world. She grew up in Kyoto and studied in Osaka, and since her arrival to New York City three years ago, she has been the skilled creator of artistic hand-painted nails characterized by a modern style and impeccable quality.

In 2012, a collaboration inspired in the work of different painters and illustrators was worn. Mei and assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna began to use the work of artists like Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden and Trudy Benson, to name just a few, and adapted it to the tiny surface of 10 fingernails.

As a nail-lover, Kenna creates beautiful digital designs backed up by a meticulous image research and a creative process using software like Photoshop. The final design is later taken to the surface of the nails by Mei’s surprising steady hand. Her craftsmanship is of a complicated and laborious nature and is achieved without using any kind of stencils, stickers or other special tools.

Today, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continue to transform the nails of countless of women into authentic miniature canvases.

More information on Miho “Mei” Kawajiri here.

More information on Susi Kenna here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Con residencia en Nueva York desde el 2012, la artista Miho “Mei” Kawajiri y la encargada de redes sociales en la firma de relaciones públicas Fitz and Co. Susi Kenna, han revolucionado por completo la naturaleza del manicure. Apasionadas del arte de crear y vestir uñas artísticas, Mei y Kenna han colaborado en la creación de un estilo moderno de uñas inspiradas en el trabajo de artistas de renombre internacional, como Pablo Picasso, Andy Warhol y Vincent Van Gogh, entre otros.

Con más de 15 años de experiencia en la industria del manicure y con una extraordinaria habilidad para el detalle y la precisión, la artista japonesa Miho “Mei” Kawajiri se ha posicionado como una de las más transcendentales manicuristas en el mundo de la moda. Después de haber crecido en Kioto y estudiado en Osaka, llegó a la ciudad de Nueva York hace tres años, y desde entonces se ha convertido en la autora de magníficos diseños de uñas pintadas a mano caracterizados por un estilo vanguardista y una calidad impecable.

Fue en el 2012 cuando surgió la colaboración entre Mei y Susi Kenna. Su estilo se encuentra inspirado en el trabajo de artistas e ilustradores como Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden y Trudy Benson, por nombrar sólo algunos, y es adaptado a la diminuta superficie de las uñas.

Como amante del arte en uñas, Kenna se dedica a crear los diseños digitales después de una extenuante búsqueda de imágenes y modificaciones llevadas a cabo con programas como Photoshop. Posteriormente, el diseño final es aplicado a las uñas gracias al sorprendente pulso de Mei. Su trabajo es complicado y altamente laborioso y lo logra sin utilizar algún tipo de platillas o calcomanías.

Hoy en día, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continúan transformado las uñas de infinidad de mujeres en extraordinarios lienzos en miniatura.

Más información sobre Miho “Mei” Kawajiri aquí.

Más información sobre Susi Kenna aquí.

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Con residencia en Nueva York desde el 2012, la artista Miho “Mei” Kawajiri y la encargada de redes sociales en la firma de relaciones públicas Fitz and Co. Susi Kenna, han revolucionado por completo la naturaleza del manicure. Apasionadas del arte de crear y vestir uñas artísticas, Mei y Kenna han colaborado en la creación de un estilo moderno de uñas inspiradas en el trabajo de artistas de renombre internacional, como Pablo Picasso, Andy Warhol y Vincent Van Gogh, entre otros.

Con más de 15 años de experiencia en la industria del manicure y con una extraordinaria habilidad para el detalle y la precisión, la artista japonesa Miho “Mei” Kawajiri se ha posicionado como una de las más transcendentales manicuristas en el mundo de la moda. Después de haber crecido en Kioto y estudiado en Osaka, llegó a la ciudad de Nueva York hace tres años, y desde entonces se ha convertido en la autora de magníficos diseños de uñas pintadas a mano caracterizados por un estilo vanguardista y una calidad impecable.

Fue en el 2012 cuando surgió la colaboración entre Mei y Susi Kenna. Su estilo se encuentra inspirado en el trabajo de artistas e ilustradores como Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden y Trudy Benson, por nombrar sólo algunos, y es adaptado a la diminuta superficie de las uñas.

Como amante del arte en uñas, Kenna se dedica a crear los diseños digitales después de una extenuante búsqueda de imágenes y modificaciones llevadas a cabo con programas como Photoshop. Posteriormente, el diseño final es aplicado a las uñas gracias al sorprendente pulso de Mei. Su trabajo es complicado y altamente laborioso y lo logra sin utilizar algún tipo de platillas o calcomanías.

Hoy en día, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continúan transformado las uñas de infinidad de mujeres en extraordinarios lienzos en miniatura.

Más información sobre Miho “Mei” Kawajiri aquí.

Más información sobre Susi Kenna aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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March 18, 2015 - No Comments!

★ Alejandra Quesada (MX) | Mexico, A Unique Stream Of Inspiration

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Born in Mexico City, Alejandra Quesada is rapidly becoming one of the most transcendental fashion designers in the couture industry. Her colorful collections, beautifully influenced by her intrinsic Mexican background and her distinctive feminine trademark, are making of her youthful designs unique and versatile outfits.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Specialized in embroidery, knitting and textile design, Mexican fashion designer Alejandra Quesada has achieved outstanding recognition since the beginning of her brand in 2006. Her particular girly style has revolutionized the Mexican fashion industry and has also successfully positioned her in the international fashion sphere, including Dubai, Hong Kong, and Japan.

Alejandra studied Fashion Design at the IESModa Casa de Francia in Mexico and at the ESMOD International in Paris, France. She also worked with couture houses like Tata-Naka, Alexander McQueen and Isabel Marant and with the textile design bureau Fortier & Price. It was during these experiences that she found her love for textiles and decorative prints. She also felt drawn to the techniques and colorful designs and embroideries found in Indian fashion, which she realized that at some extent are very much alike to the ones in Mexico.

In time, Alejandra developed a fresh style influenced by Mexican tradition and color, incorporating a woman-girl distinctive quality that makes her work balance between two worlds. The first world is the one of a girl, a universe occupied by innocence, curiosity, and playfulness; the second one is the one of a woman, a world marked by vanity, stylishness and a daring spirit. In the end, the outcomes are remarkable feminine collections that belong to a fantastic world and which Quesada complements with beautiful patterns and embroideries, Mexican-inspired colors and artisanal techniques, high-end fabrics and laces, and a talented teamwork.

Inspired by told stories, memories, movies and books, Alejandra starts every project looking for the right textile design. “For me, fabric is what makes a collection unique” she told La Ciudad de Frente. Among her most interesting projects are her 2012 collection where she used works created by the Mexican painter Pedro Friedeberg as inspiration; and her latest Spring-Summer 2015 collection called “The Visit”, which is inspired by the metaphoric visit of a raccoon. It includes a gamut of extraordinary long and short dresses, pants and tops, all with different patterns and designs that reflect the nature of such peculiar animal.

In a high-competitive world, Alejandra Quesada works day by day to keep growing and developing her brand. In the future, she hopes to be able to create clothing for men and children as well.

More information on Alejandra Quesada here.

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Specialized in embroidery, knitting and textile design, Mexican fashion designer Alejandra Quesada has achieved outstanding recognition since the beginning of her brand in 2006. Her particular girly style has revolutionized the Mexican fashion industry and has also successfully positioned her in the international fashion sphere, including Dubai, Hong Kong, and Japan.

Alejandra studied Fashion Design at the IESModa Casa de Francia in Mexico and at the ESMOD International in Paris, France. She also worked with couture houses like Tata-Naka, Alexander McQueen and Isabel Marant and with the textile design bureau Fortier & Price. It was during these experiences that she found her love for textiles and decorative prints. She also felt drawn to the techniques and colorful designs and embroideries found in Indian fashion, which she realized that at some extent are very much alike to the ones in Mexico.

In time, Alejandra developed a fresh style influenced by Mexican tradition and color, incorporating a woman-girl distinctive quality that makes her work balance between two worlds. The first world is the one of a girl, a universe occupied by innocence, curiosity, and playfulness; the second one is the one of a woman, a world marked by vanity, stylishness and a daring spirit. In the end, the outcomes are remarkable feminine collections that belong to a fantastic world and which Quesada complements with beautiful patterns and embroideries, Mexican-inspired colors and artisanal techniques, high-end fabrics and laces, and a talented teamwork.

Inspired by told stories, memories, movies and books, Alejandra starts every project looking for the right textile design. “For me, fabric is what makes a collection unique” she told La Ciudad de Frente. Among her most interesting projects are her 2012 collection where she used works created by the Mexican painter Pedro Friedeberg as inspiration; and her latest Spring-Summer 2015 collection called “The Visit”, which is inspired by the metaphoric visit of a raccoon. It includes a gamut of extraordinary long and short dresses, pants and tops, all with different patterns and designs that reflect the nature of such peculiar animal.

In a high-competitive world, Alejandra Quesada works day by day to keep growing and developing her brand. In the future, she hopes to be able to create clothing for men and children as well.

More information on Alejandra Quesada here.

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Proveniente de la Ciudad de México, Alejandra Quesada es una de las diseñadoras de moda más trascendentales que se encuentra actualmente en rápidas vías de crecimiento dentro el mercado nacional e internacional de la alta costura. Sus fuertes raíces mexicanas, su gran talento y su extraordinario toque femenino, son aspectos que están logrado que sus juveniles colecciones se conviertan en reconocidos diseños.

Con especialidad en bordado, tejido y diseño textil, Alejandra ha obtenido un amplio reconocimiento desde el inicio de su marca homónima en el 2006. Sus femeninos atuendos han revolucionado la industria de la moda mexicana y la han posicionado fuertemente en lugares como Dubái, Hong Kong y Japón.

Quesada estudió Diseño de Modas en el IESModa Casa de Francia en México y en el ESMOD International en París, Francia. También ha trabajado en casas de alta costura como Tata-Naka, Alexander McQueen e Isabel Marant y en el buró de diseño Fortier & Price. Durante esta época fue cuando se sintió atraída por las técnicas de costura, coloridos diseños y bordados de la India, los cuales le recordaron inmediatamente a los encontrados en su país natal.

Con el tiempo, Quesada desarrolló un estilo novedoso influenciado por la tradición y el color de México y al que incorporó un rasgo femenino distintivo que hace que su trabajo se equilibre entre dos mundos. El primer mundo es aquel de una niña, un universo dominado por la inocencia, la curiosidad y la gracia infantil; el segundo es el de una mujer, un mundo definido por la vanidad, la coquetería, el estilo y la astucia. Al final, lo que resulta de esta fusión es una extraordinaria colección femenina que pertenece únicamente a un mundo de fantasía y la cual Alejandra complementa con bellos patrones y bordados, colores y técnicas artesanales únicas de su país, telas y encajes de alta calidad y un talentoso trabajo en equipo.

Inspirada por historias antiguas, recuerdos, películas y libros, Alejandra comienza cada proyecto enfocándose en el diseño de la tela. “Para mí, la tela es lo que hace que una colección sea única” comentó la diseñadora con La Ciudad de Frente. Entre sus proyectos más interesantes están su colección del 2012, para la cual tomó como inspiración obras del pintor mexicano Pedro Friedeberg; y su más reciente colección Primavera-Verano 2015, un trabajo que lleva por nombre “La Visita” y el cual se basa en la metáfora de la visita de un mapache. Dicha colección incluye una gama de extraordinarios vestidos largos y cortos, pantalones y blusas confeccionados en telas de distintos colores, patrones y diseños que reflejan la naturaleza de tan peculiar animal.

En un mundo tan competitivo como el de ahora, Alejandra Quesada continúa trabajando para seguir creciendo y desarrollando su marca. En un futuro, espera poder diseñar ropa para hombre y niños.

Más información sobre Alejandra Quesada aquí.

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Proveniente de la Ciudad de México, Alejandra Quesada es una de las diseñadoras de moda más trascendentales que se encuentra actualmente en rápidas vías de crecimiento dentro el mercado nacional e internacional de la alta costura. Sus fuertes raíces mexicanas, su gran talento y su extraordinario toque femenino, son aspectos que están logrado que sus juveniles colecciones se conviertan en reconocidos diseños.

Con especialidad en bordado, tejido y diseño textil, Alejandra ha obtenido un amplio reconocimiento desde el inicio de su marca homónima en el 2006. Sus femeninos atuendos han revolucionado la industria de la moda mexicana y la han posicionado fuertemente en lugares como Dubái, Hong Kong y Japón.

Quesada estudió Diseño de Modas en el IESModa Casa de Francia en México y en el ESMOD International en París, Francia. También ha trabajado en casas de alta costura como Tata-Naka, Alexander McQueen e Isabel Marant y en el buró de diseño Fortier & Price. Durante esta época fue cuando se sintió atraída por las técnicas de costura, coloridos diseños y bordados de la India, los cuales le recordaron inmediatamente a los encontrados en su país natal.

Con el tiempo, Quesada desarrolló un estilo novedoso influenciado por la tradición y el color de México y al que incorporó un rasgo femenino distintivo que hace que su trabajo se equilibre entre dos mundos. El primer mundo es aquel de una niña, un universo dominado por la inocencia, la curiosidad y la gracia infantil; el segundo es el de una mujer, un mundo definido por la vanidad, la coquetería, el estilo y la astucia. Al final, lo que resulta de esta fusión es una extraordinaria colección femenina que pertenece únicamente a un mundo de fantasía y la cual Alejandra complementa con bellos patrones y bordados, colores y técnicas artesanales únicas de su país, telas y encajes de alta calidad y un talentoso trabajo en equipo.

Inspirada por historias antiguas, recuerdos, películas y libros, Alejandra comienza cada proyecto enfocándose en el diseño de la tela. “Para mí, la tela es lo que hace que una colección sea única” comentó la diseñadora con La Ciudad de Frente. Entre sus proyectos más interesantes están su colección del 2012, para la cual tomó como inspiración obras del pintor mexicano Pedro Friedeberg; y su más reciente colección Primavera-Verano 2015, un trabajo que lleva por nombre “La Visita” y el cual se basa en la metáfora de la visita de un mapache. Dicha colección incluye una gama de extraordinarios vestidos largos y cortos, pantalones y blusas confeccionados en telas de distintos colores, patrones y diseños que reflejan la naturaleza de tan peculiar animal.

En un mundo tan competitivo como el de ahora, Alejandra Quesada continúa trabajando para seguir creciendo y desarrollando su marca. En un futuro, espera poder diseñar ropa para hombre y niños.

Más información sobre Alejandra Quesada aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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February 22, 2013 - No Comments!

★ MEXICO | JAIME MARTINEZ X M.I.A, PHOTOGRAPHY AND GIFS

Jaime Martinez
[toggle title="Español" type="1" open="0"] Jame Martinez es un fotógrafo y artista visual de Monterrey, México. Su trabajo lo dice todo, su estilo irreverente, dinámico, surrealista y cinematográfico lo ha llevado a colaborar con M.I.A, Vice, Dazed and Confused, Rollings Stone Alemania entre otros. Jaime Martínez hizo una gira con M.I.A en el 2010, una de sus fotos apareció en la contraportada del libro de esta cantante, el cual fue lanzado en el 2012. El es un maestro de la animación gif, llevando la fotografía a otro nivel. Aún antes de que Cinemagram o Vine salieran al mercado, Jaime ya había explorado esta idea, haciendo de sus fotografías fantásticas piezas animadas. "Quiero seguir experimentando hasta que me canse, los gifs animados son solo una parte de la búsqueda de mi estilo. Quiero seguir haciendo fotografía <regular> y preocuparme menos de la técnica y más del el tema o impacto de la foto. Más que un fotografo quiero ser alguien que pueda crear imágenes visuales" - Jaime para Dazed Digital. Jaime Martinez es definitivamente uno de los favoritos de SAKETEKILLA, y no solo por ser mexicano. Lo seguiremos de cerca. [/toggle]

Jaime Martinez is a photographer and visual artist from Monterrey, Mexico. His work says it all, his surrealistic, experimental, irreverent, motion and cinematic style has gained the likes of M.I.A, Vice, Dazed and Confused, Rolling Stones Germany among others.

Jaime Martinez x M.I.A
Jaime Martinez toured with M.I.A in 2010, one of his pictures even made it to the back cover of her book, launched in 2012. He is a master of gifs animation, bringing photography to another level. Even before Cinemagram or Vine were on the market, Jaime already explored that idea, turning his photographies into great animated pieces.
Jaime Martinez x M.I.A
"I want to keep experimenting until I get tired of it, the animated gifs are just a part of my search for my style. I want to keep doing "regular" photography and worry less about the technique and more about the theme and the impact of the photo. More than a photographer I want to be someone who can create visual images" - Jaime Martinez for Dazed Digital.
Jaime Martinez x M.I.A
Jaime Martinez is definitely one of SAKETEKILLA favorite creatives, and not only because he's Mexican. We'll keep an eye on him.
Photos © Jaime Martínez
SAKETEKILLA
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February 7, 2013 - No Comments!

★ FRANCE | JONAS & FRANCOIS, THE NEXT LEVEL OF GRAPHICS

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[toggle title="English" type="1" open="0"] Jonas & François, born in 1982, is a French directing team (Jonas Euvremer, François Rousselet) of music videos and commercials. They were interviewed by The Creators Projects, watch the interview here: http://www.thecreatorsproject.com/creators/jonas-francois. [/toggle]

Jonas & François es un duo de directores franceses (Jonas Euvremer, François Rousselet) nacido en 1982 que realiza videos musicales y comerciales. Fueron entrevistados para The Creators Project, aquí de lo que hablaron.

 

[youtube link="http://www.youtube.com/watch?v=SQSHg-SJXR8"]

 

Su primer video (Testarosa Autodrive, Kavinsky) lo hicieron cuando aún estaban en la universidad. J&F cuentan que al principio querían realizar todo a mano, hasta que tuvieron que cooperar con la tecnología y empezaron a integrar elementos en 3D, con estilo de cómics en movimiento.

 

[youtube link="http://www.youtube.com/watch?v=sy1dYFGkPUE"]

 

No es sorpresa que su gran relación con el diseño y la fuerte identidad de Ed Banger Records atrajera a este duo para colaborar con este sello discográfico. En el 2007 trabajaron para Justice (D.A.N.C.E.). El resultado de hacer un video en blanco y negro fue la causa de una falla en las pruebas. Inicialmente lo querían hacer a color, sin embargo lograron un mejor efecto en blanco y negro ya que hace que la animación se desplegue de los personajes del fondo. Hoy en día este es su video favorito y el efecto, causado por error, inspiró a Kanye West para el video de Good Life (2007).

 

[youtube link="http://www.youtube.com/watch?v=FEKEjpTzB0Q"]

 

"Los vídeos musicales se tratan de eso (experimentar), nos interesa todo lo nuevo y hasta complicado" comenta François en la entrevista . El link de estos tres vídeos se llama la técnica de "tracking", es decir, cuando se filma una escena y se aplican elementos de post-producción. En el caso de D.A.N.C.E fue el diseño gráfico sobre una playera que se mueve. Para Kanye West fue el fondo.

 

[youtube link="http://www.youtube.com/watch?v=MUIqR0IzJCY"]

 

Jonas y François usan continuamente tecnológicas contra el ¨grano¨, aplicándolas en una forma más creativa. Por ejemplo usando la "rotoscopia" (rotoscopy), dibujando sobre algo que se filmó para obtener movimientos más realísticos. En el video que dirigieron para Flairs (Better than Prince, 2009) hicieron este efecto aún más obvio.

 

[youtube link="http://www.youtube.com/watch?v=bHHUhcV2eVY"]

 

Al principio trabajaban con tecnología que les era accesible, hoy trabajan con artistas famosos y esto les ha dado acceso a una tecnología más cara. Para el video de Madonna, 4 minutes (2009) reemplazaron dos dibujos con 3D y accesorios más caros, filmando en un estudio sin limitación alguna.

 

Finalmente cuentan sobre algo con lo que sueñan, "me encantaría tener una impresora que escanea objetos 3D y los imprime como esculturas, pero que también puedas imprimir en la ropa, como por ejemplo quiero usar una playera de cuadros rojos, la fabrico en mi computadora y la imprimo ¡Es una impresora que imprime todo!".

 

Photo @ Jonas & Francois
SAKETEKILLA
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January 31, 2013 - No Comments!

★ 門脇 太一MARU SUN KAKU | Reinventing the light source

KNOT_LAMP01

[toggle title="English" type="1" open="0"]  門脇 太一 / Taichi Kadowaki is a designer from Osaka, Japan. He graduated from the Kyoto Seika University and the Kuwasawa Design School. He worked for an adversiging and design firm and in 2012 stablished MARU SUN KAKU. He exhibited recently in Tokyo Designers Week 2012. "KNOP LAMP is the light of the light source illuminating the shape" says Taichi Kadowaki. Usually a lamp is made of two pieces, the (bulb) light and the lamp shade, the Knop Lamp goes beyond that and unifies the conventional concept in just one piece. This is a decorative product which is the light source and the decorative feature at the same time. It is a totally new light source itself. HOUSE LIGHT is another lighting design in the shape of a house. Taichi uses a very thin layer of material as the light source to create illumination, shine and glow in a three-dimensional shape. Both products represent new light sources and the future of lighting. SAKETEKILLA [/toggle]

 

門脇 太一 / Taichi Kadowaki es un diseñador de Osaka, Japón. Graduado de la Universidad Seika en Kioto y de la Escuela de Diseño de Kuwasawa. Taichi trabajó para una agencia de diseño y publicidad, en el 2012 estableció MARU SUN KAKU. El exhibió recientemente en la Semana de los Diseñadores de Tokio 2012.

KNOT_LAMP02

"KNOP LAMP es la luz de la fuente de la luz iluminando la forma" dice Taichi Kadowaki. Usualmente una lámpara esta hecha de dos piezas, el foco (o la fuente) y la pantalla (estructura), la lámpara Knop va más allá, debido a que unifica el concepto convencional en una sola pieza. Es un producto decorativo que es la fuente de la luz y al mismo tiempo la característica decorativa. Es totalmente una nueva fuente de luz en sí misma.

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HOUSE LIGHT es otro diseño de iluminación en forma de casa. Taichi usa una capa muy ligera como fuente de luz para crear la iluminación, el brillo y resplandor en una forma tridimensional.

Ambos diseños representan nuevas fuentes de luz y el futuro de la iluminación.

Photos © Marusunkaku.com

 

SAKETEKILLA

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