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May 20, 2015 - No Comments!

★ Blommers & Schumm (NL) | One-of-a-kind Fashion Photography

Dutch photographers Anuschka Blommers and Niels Schumm are the two talented master-minds behind Blommers Schumm, a creative duo that remarkably balances art, fashion and photography to produce the most striking photoshoots. Based in Amsterdam, they have revolutionized the portrayal of multiple ideas by producing images that not only catch the eye of the viewer, but which also challenge the ordinary notions of photography. Since 1997, they have exhibited their work in diverse museums and galleries around the world and appeared in publications like Fantastic Man, Gentlewoman, Another Magazine, Purple, Dazed & Confused and NY Times Magazine, and many more.

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April 22, 2015 - No Comments!

★ Chaim Machlev (GE) | Timeless Ink Art

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Berlin-based tattoo artist Chaim Machlev uses lines and dots to engrave appealing yet unconventional designs on people’s skins. Usually of a large-scale and minimalistic style, his monochromatic tattoos achieve a remarkable sense of three-dimensionality and movement thanks to the delicate intertwining of organic and geometric elements that match the curves of the body shape. With clients from all over the world - Australia, Africa, America, South America, and the Middle East – Machlev has rapidly positioned as one of the most coveted tattoo artists in the last three years.


[Ver artículo en español abajo]

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[youtube http://www.youtube.com/watch?v=vDmo5YMQAy8]

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“A dot is something so simple that you can make things in a thousand different ways” – Chaim Machlev

Native from Tel Aviv, Israel, rising tattoo artist Chaim Machlev creates elegant line and dot designs inside his private studio, DotsToLines, in Berlin, Germany. A former project manager for an IT company, Machlev decided to start his tattooing career in 2012, after getting his first tattoo at Psycho Tattoo Studio in Tel Aviv and knowing tattoo artist Avi Vanunu. Chaim thinks of his first tattoo process as a life-changing experience that contributed to the definite unleash of his creativity. Because of it, today, he is the author of extraordinary body-art designs and one of the most trending tattooist of the moment.

The style of his work is simple yet distinctively sophisticated. Usually of a large-scale and symmetrical nature, Chaim’s tattoos are engraved across an arm, leg, back or chest, using black ink –the only color he thinks will make his designs timeless. The geometric shapes and wavy lines that he intertwines to produce abstract forms impeccably adapt and flow throughout the human body.

Through his art, Machlev attempts to beautify the body in movement and to make tattoos less intimidating for those who see them as a “negative” form of expression. Always striving for individuality, Chaim conceives each complex design separately according to the body shape in which it will be engraved.

“I experiment a lot, like on a daily basis—which is a bit risky when it comes to a non-reversible form of art, but I guess that is the only way to develop your own style as an artist and create something individual daily”. – Chaim Machlev told Inked Magazine

Influenced by nature and the spiritual world, Chaim Machlev gets his main inspiration from insects, lotus flowers and the symbol of universe, Mandala. As a meticulous and perfectionist artist, the high quality of his work has attracted thousands of online followers around the world creating a 1-2 years waiting time to get an appointment.

More information on Chaim Machlev here.

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“A dot is something so simple that you can make things in a thousand different ways” – Chaim Machlev

Native from Tel Aviv, Israel, rising tattoo artist Chaim Machlev creates elegant line and dot designs inside his private studio, DotsToLines, in Berlin, Germany. A former project manager for an IT company, Machlev decided to start his tattooing career in 2012, after getting his first tattoo at Psycho Tattoo Studio in Tel Aviv and knowing tattoo artist Avi Vanunu. Chaim thinks of his first tattoo process as a life-changing experience that contributed to the definite unleash of his creativity. Because of it, today, he is the author of extraordinary body-art designs and one of the most trending tattooist of the moment.

The style of his work is simple yet distinctively sophisticated. Usually of a large-scale and symmetrical nature, Chaim’s tattoos are engraved across an arm, leg, back or chest, using black ink –the only color he thinks will make his designs timeless. The geometric shapes and wavy lines that he intertwines to produce abstract forms impeccably adapt and flow throughout the human body.

Through his art, Machlev attempts to beautify the body in movement and to make tattoos less intimidating for those who see them as a “negative” form of expression. Always striving for individuality, Chaim conceives each complex design separately according to the body shape in which it will be engraved.

“I experiment a lot, like on a daily basis—which is a bit risky when it comes to a non-reversible form of art, but I guess that is the only way to develop your own style as an artist and create something individual daily”. – Chaim Machlev told Inked Magazine

Influenced by nature and the spiritual world, Chaim Machlev gets his main inspiration from insects, lotus flowers and the symbol of universe, Mandala. As a meticulous and perfectionist artist, the high quality of his work has attracted thousands of online followers around the world creating a 1-2 years waiting time to get an appointment.

More information on Chaim Machlev here.

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“Un punto es algo tan simple que uno puede hacer cosas de mil maneras distintas” – Chaim Machlev

Originario de Tel Aviv, Israel y con residencia actual en Berlín, Alemana, Chaim Machlev es un artista y tatuador contemporáneo que utiliza líneas y puntos para crear sus atractivos y originales diseños. Generalmente de tamaño considerable y un estilo minimalista, sus tatuajes se caracterizan por su tridimensionalidad y sensación de movimiento gracias al elegante entrelazado de elementos orgánicos y  geométricos que se adaptan a las líneas del cuerpo.

Actualmente Chaim Machlev crea sus delicados diseños en su estudio DotsToLines. Años atrás, trabajaba como gerente de proyectos para una compañía de tecnologías de información, sin embargo, después de obtener su primer tatuaje en el 2012 en el Psycho Tattoo Studio en Tel Aviv y platicar con el artista Avi Vanunu, decidió comenzar su propia carrera como tatuador. Chaim opina que el proceso de hacerse su primer tatuaje fue una experiencia que le cambió la vida y lo que finalmente hizo que su creatividad saliera a flote. Debido a eso, hoy es el creador de extraordinarios diseños y uno de los tatuadores más buscados del momento.

El estilo de su trabajo es simple pero con una sofisticación única. Sus diseños -generalmente grandes y simétricos- son realizados en la superficie de un brazo, una pierna, la espalda o el pecho, usando tinta negra – el único color que él considera hará que sus diseños se vuelvan atemporales. Las figuras geométricas y las líneas curveadas que el artista logra entrecruzar para formar figuras abstractas se adaptan de manera impecable al cuerpo y fluyen a través de él.

A través de su arte, Machlev pretende hacer de la figura humana en movimiento algo más bello, además de hacer del arte del tatuaje una forma de expresión menos intimidante para aquellas personas que piensan de él como algo “negativo”. Siempre en búsqueda de la individualidad, Chaim crea el concepto de cada uno de sus diseños de manera separada, basándose en la forma única que tiene el cuerpo de la persona en el que será realizado el tatuaje.

“Experimento mucho, prácticamente todos los días – lo cual es un poco riesgoso si hablamos de un tipo de arte que no es reversible, pero supongo que es la única manera de desarrollar un estilo propio como artista y de crear algo individual diariamente”. - Chaim Machlev compartió con Inked Magazine

Influenciado por la naturaleza y el mundo espiritual, Chaim Machlev obtiene su principal fuente de inspiración de insectos, las flores de loto y del Mándala, el símbolo del universo. Como un artista perfeccionista y meticuloso, crea sus tatuajes con la más alta calidad, logrando un amplio número de seguidores en línea y una lista de espera de 1 a 2 años para la obtención de una cita.

Más información sobre Chaim Machlev aquí.

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“Un punto es algo tan simple que uno puede hacer cosas de mil maneras distintas” – Chaim Machlev

Originario de Tel Aviv, Israel y con residencia actual en Berlín, Alemana, Chaim Machlev es un artista y tatuador contemporáneo que utiliza líneas y puntos para crear sus atractivos y originales diseños. Generalmente de tamaño considerable y un estilo minimalista, sus tatuajes se caracterizan por su tridimensionalidad y sensación de movimiento gracias al elegante entrelazado de elementos orgánicos y  geométricos que se adaptan a las líneas del cuerpo.

Actualmente Chaim Machlev crea sus delicados diseños en su estudio DotsToLines. Años atrás, trabajaba como gerente de proyectos para una compañía de tecnologías de información, sin embargo, después de obtener su primer tatuaje en el 2012 en el Psycho Tattoo Studio en Tel Aviv y platicar con el artista Avi Vanunu, decidió comenzar su propia carrera como tatuador. Chaim opina que el proceso de hacerse su primer tatuaje fue una experiencia que le cambió la vida y lo que finalmente hizo que su creatividad saliera a flote. Debido a eso, hoy es el creador de extraordinarios diseños y uno de los tatuadores más buscados del momento.

El estilo de su trabajo es simple pero con una sofisticación única. Sus diseños -generalmente grandes y simétricos- son realizados en la superficie de un brazo, una pierna, la espalda o el pecho, usando tinta negra – el único color que él considera hará que sus diseños se vuelvan atemporales. Las figuras geométricas y las líneas curveadas que el artista logra entrecruzar para formar figuras abstractas se adaptan de manera impecable al cuerpo y fluyen a través de él.

A través de su arte, Machlev pretende hacer de la figura humana en movimiento algo más bello, además de hacer del arte del tatuaje una forma de expresión menos intimidante para aquellas personas que piensan de él como algo “negativo”. Siempre en búsqueda de la individualidad, Chaim crea el concepto de cada uno de sus diseños de manera separada, basándose en la forma única que tiene el cuerpo de la persona en el que será realizado el tatuaje.

“Experimento mucho, prácticamente todos los días – lo cual es un poco riesgoso si hablamos de un tipo de arte que no es reversible, pero supongo que es la única manera de desarrollar un estilo propio como artista y de crear algo individual diariamente”. - Chaim Machlev compartió con Inked Magazine

Influenciado por la naturaleza y el mundo espiritual, Chaim Machlev obtiene su principal fuente de inspiración de insectos, las flores de loto y del Mándala, el símbolo del universo. Como un artista perfeccionista y meticuloso, crea sus tatuajes con la más alta calidad, logrando un amplio número de seguidores en línea y una lista de espera de 1 a 2 años para la obtención de una cita.

Más información sobre Chaim Machlev aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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April 1, 2015 - No Comments!

★ Susi Kenna & Mei Kawajiri (USA) | Nail Art At Your Fingertips

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in New York City since 2012, artist Miho “Mei” Kawajiri and social media assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna have challenged the craft of making nail-art. Passionate to express themselves through beautiful and artistic nails, Mei and Kenna have collaborated to create a flawless nail-style inspired by the works of world-renowned artists like Pablo Picasso, Andy Warhol and Vincent Van Gogh, among others.


[Ver artículo en español abajo]

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With more than 15 years of experience in the nail industry and an extraordinary eye for detail and precision, Japanese artist Miho “Mei” Kawajiri has positioned herself as one of the most transcendental manicurists in the fashion world. She grew up in Kyoto and studied in Osaka, and since her arrival to New York City three years ago, she has been the skilled creator of artistic hand-painted nails characterized by a modern style and impeccable quality.

In 2012, a collaboration inspired in the work of different painters and illustrators was worn. Mei and assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna began to use the work of artists like Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden and Trudy Benson, to name just a few, and adapted it to the tiny surface of 10 fingernails.

As a nail-lover, Kenna creates beautiful digital designs backed up by a meticulous image research and a creative process using software like Photoshop. The final design is later taken to the surface of the nails by Mei’s surprising steady hand. Her craftsmanship is of a complicated and laborious nature and is achieved without using any kind of stencils, stickers or other special tools.

Today, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continue to transform the nails of countless of women into authentic miniature canvases.

More information on Miho “Mei” Kawajiri here.

More information on Susi Kenna here.

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With more than 15 years of experience in the nail industry and an extraordinary eye for detail and precision, Japanese artist Miho “Mei” Kawajiri has positioned herself as one of the most transcendental manicurists in the fashion world. She grew up in Kyoto and studied in Osaka, and since her arrival to New York City three years ago, she has been the skilled creator of artistic hand-painted nails characterized by a modern style and impeccable quality.

In 2012, a collaboration inspired in the work of different painters and illustrators was worn. Mei and assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna began to use the work of artists like Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden and Trudy Benson, to name just a few, and adapted it to the tiny surface of 10 fingernails.

As a nail-lover, Kenna creates beautiful digital designs backed up by a meticulous image research and a creative process using software like Photoshop. The final design is later taken to the surface of the nails by Mei’s surprising steady hand. Her craftsmanship is of a complicated and laborious nature and is achieved without using any kind of stencils, stickers or other special tools.

Today, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continue to transform the nails of countless of women into authentic miniature canvases.

More information on Miho “Mei” Kawajiri here.

More information on Susi Kenna here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Con residencia en Nueva York desde el 2012, la artista Miho “Mei” Kawajiri y la encargada de redes sociales en la firma de relaciones públicas Fitz and Co. Susi Kenna, han revolucionado por completo la naturaleza del manicure. Apasionadas del arte de crear y vestir uñas artísticas, Mei y Kenna han colaborado en la creación de un estilo moderno de uñas inspiradas en el trabajo de artistas de renombre internacional, como Pablo Picasso, Andy Warhol y Vincent Van Gogh, entre otros.

Con más de 15 años de experiencia en la industria del manicure y con una extraordinaria habilidad para el detalle y la precisión, la artista japonesa Miho “Mei” Kawajiri se ha posicionado como una de las más transcendentales manicuristas en el mundo de la moda. Después de haber crecido en Kioto y estudiado en Osaka, llegó a la ciudad de Nueva York hace tres años, y desde entonces se ha convertido en la autora de magníficos diseños de uñas pintadas a mano caracterizados por un estilo vanguardista y una calidad impecable.

Fue en el 2012 cuando surgió la colaboración entre Mei y Susi Kenna. Su estilo se encuentra inspirado en el trabajo de artistas e ilustradores como Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden y Trudy Benson, por nombrar sólo algunos, y es adaptado a la diminuta superficie de las uñas.

Como amante del arte en uñas, Kenna se dedica a crear los diseños digitales después de una extenuante búsqueda de imágenes y modificaciones llevadas a cabo con programas como Photoshop. Posteriormente, el diseño final es aplicado a las uñas gracias al sorprendente pulso de Mei. Su trabajo es complicado y altamente laborioso y lo logra sin utilizar algún tipo de platillas o calcomanías.

Hoy en día, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continúan transformado las uñas de infinidad de mujeres en extraordinarios lienzos en miniatura.

Más información sobre Miho “Mei” Kawajiri aquí.

Más información sobre Susi Kenna aquí.

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Con residencia en Nueva York desde el 2012, la artista Miho “Mei” Kawajiri y la encargada de redes sociales en la firma de relaciones públicas Fitz and Co. Susi Kenna, han revolucionado por completo la naturaleza del manicure. Apasionadas del arte de crear y vestir uñas artísticas, Mei y Kenna han colaborado en la creación de un estilo moderno de uñas inspiradas en el trabajo de artistas de renombre internacional, como Pablo Picasso, Andy Warhol y Vincent Van Gogh, entre otros.

Con más de 15 años de experiencia en la industria del manicure y con una extraordinaria habilidad para el detalle y la precisión, la artista japonesa Miho “Mei” Kawajiri se ha posicionado como una de las más transcendentales manicuristas en el mundo de la moda. Después de haber crecido en Kioto y estudiado en Osaka, llegó a la ciudad de Nueva York hace tres años, y desde entonces se ha convertido en la autora de magníficos diseños de uñas pintadas a mano caracterizados por un estilo vanguardista y una calidad impecable.

Fue en el 2012 cuando surgió la colaboración entre Mei y Susi Kenna. Su estilo se encuentra inspirado en el trabajo de artistas e ilustradores como Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden y Trudy Benson, por nombrar sólo algunos, y es adaptado a la diminuta superficie de las uñas.

Como amante del arte en uñas, Kenna se dedica a crear los diseños digitales después de una extenuante búsqueda de imágenes y modificaciones llevadas a cabo con programas como Photoshop. Posteriormente, el diseño final es aplicado a las uñas gracias al sorprendente pulso de Mei. Su trabajo es complicado y altamente laborioso y lo logra sin utilizar algún tipo de platillas o calcomanías.

Hoy en día, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continúan transformado las uñas de infinidad de mujeres en extraordinarios lienzos en miniatura.

Más información sobre Miho “Mei” Kawajiri aquí.

Más información sobre Susi Kenna aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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December 3, 2014 - No Comments!

★ Iris Van Herpen (NE) | A Future Of Sculptural Fashion

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Always surrounded by multi-disciplinary artists and scientists, Dutch fashion designer Iris Van Herpen creates enigmatic garments made out of brand-new materials, innovative technologies and eclectic manufacture techniques. Her bizarre inspiration, futuristic style and unusual fabrication process have made her designs attractive to eccentric celebrities like Björk, Lady Gaga and Beyoncé.


[Ver artículo en español abajo]

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Native from the town of Wamel in The Netherlands, 30-year-old Iris Van Herpen has rapidly positioned herself as one of the most transcendental fashion designers in the international couture industry. With a background in Fashion Design at the Artez Institute of the Arts in Arnhem and internships at Alexander McQueen in London and Claudy Jongstra in Amsterdam, Van Herpen’s futuristic style has become her most fascinating trademark.

Since the conception of her label in 2007, Van Herpen’s collections have been characterized by their fictional style, which is only achieved through the hard work of a multi-disciplinary team. A professional group of artists, architects, photographers, dancers, musicians, and scientists, to mention just a few, work together to manufacture entirely new materials, forms and structures that can jointly become a medium of a woman’s self-expression.

“For me fashion is an expression of art that is very close related to me and to my body. I see it as my expression of identity combined with desire, moods and cultural setting. In all my work I try to make clear that fashion is an artistic expression, showing and wearing art, and not just a functional and devoid of content or commercial tool.” – Shared Iris Van Herpen on her website.

With no specific design laid out, Iris Van Herpen starts the creative process of each garment with only a vision in her mind that she explains to her co-workers. Such idea develops into unexpected features as the fabrication procedure progresses. The final piece is a masterful combination of a diligent craftsmanship and exclusive production techniques – particularly 3D printing, injection molding, and laser cutting- which give the clothing a sculpture-like appearance that remarkably adapts to the body’s movement.

Among her most remarkable collections are her Autumn/Winter 2014 exhibition "Biopiracy", in which her models were suspended in a fetus-like position within a vacuumed plastic installation wearing gleaming dresses; “Crystallization”, a digitally printed collection of garments based on the transformation of liquids into crystals; “Mummification”, a couture collection based on the Egyptian mummies and their wrapping practices; and her Spring/Summer 2015 exhibition titled "Magnetic Motion", which depicts magnetic clothing inspiried by the fusion of technology and nature.

With a strong passion for dancing and other creative disciplines, like painting and sculpting, Iris Van Herpen continues to create beautiful and elusive garments. She never lets that ordinary fabrics limit her creativity and point out how far she can go with her designs. For her, anything is possible within the realm of fashion.

More information on Iris Van Herpen here.

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Native from the town of Wamel in The Netherlands, 30-year-old Iris Van Herpen has rapidly positioned herself as one of the most transcendental fashion designers in the international couture industry. With a background in Fashion Design at the Artez Institute of the Arts in Arnhem and internships at Alexander McQueen in London and Claudy Jongstra in Amsterdam, Van Herpen’s futuristic style has become her most fascinating trademark.

Since the conception of her label in 2007, Van Herpen’s collections have been characterized by their fictional style, which is only achieved through the hard work of a multi-disciplinary team. A professional group of artists, architects, photographers, dancers, musicians, and scientists, to mention just a few, work together to manufacture entirely new materials, forms and structures that can jointly become a medium of a woman’s self-expression.

“For me fashion is an expression of art that is very close related to me and to my body. I see it as my expression of identity combined with desire, moods and cultural setting. In all my work I try to make clear that fashion is an artistic expression, showing and wearing art, and not just a functional and devoid of content or commercial tool.” – Shared Iris Van Herpen on her website.

With no specific design laid out, Iris Van Herpen starts the creative process of each garment with only a vision in her mind that she explains to her co-workers. Such idea develops into unexpected features as the fabrication procedure progresses. The final piece is a masterful combination of a diligent craftsmanship and exclusive production techniques – particularly 3D printing, injection molding, and laser cutting- which give the clothing a sculpture-like appearance that remarkably adapts to the body’s movement.

Among her most remarkable collections are her Autumn/Winter 2014 exhibition "Biopiracy", in which her models were suspended in a fetus-like position within a vacuumed plastic installation wearing gleaming dresses; “Crystallization”, a digitally printed collection of garments based on the transformation of liquids into crystals; “Mummification”, a couture collection based on the Egyptian mummies and their wrapping practices; and her Spring/Summer 2015 exhibition titled "Magnetic Motion", which depicts magnetic clothing inspiried by the fusion of technology and nature.

With a strong passion for dancing and other creative disciplines, like painting and sculpting, Iris Van Herpen continues to create beautiful and elusive garments. She never lets that ordinary fabrics limit her creativity and point out how far she can go with her designs. For her, anything is possible within the realm of fashion.

More information on Iris Van Herpen here.

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Rodeada continuamente por científicos y artistas provenientes de distintas disciplinas, la diseñadora de modas holandesa Iris Van Herpen se dedica a crear enigmáticas prendas de vestir a partir de innovadores materiales y tecnologías y eclécticas técnicas de producción. Sus vanguardistas diseños son el resultado de una extraña fuente inspiración, un estilo futurista y un inusual proceso creativo que han atraído a excéntricas celebridades como Björk, Lady Gaga y Beyoncé.

Proveniente de la ciudad de Wamel, Holanda y con tan solo 30 años de edad, Iris Van Herpen se ha posicionado rápidamente como una de las más trascendentales diseñadoras de moda en la industria internacional de alta costura. Estudió Diseño de Modas en el Artez Institute of the Arts en Arnhem y adquirió experiencia en las casas de moda Alexander McQueen en Londres y Claudy Jongstra en Ámsterdam. Su innovador estilo la ha diferenciado del resto desde la concepción de su marca en el año 2007.

Desde sus inicios, las colecciones de Van Herpen se han distinguido por su magnífico estilo de naturaleza ficticia el cual es logrado gracias a un arduo trabajo de equipo. Artistas, arquitectos, fotógrafos, bailarines, músicos y científicos profesionales –entre otros- trabajan en conjunto para crear materiales, formas y estructuras completamente nuevas que al unirse sean capaces de formar un medio de expresión para la mujer que los viste.

“Para mí, la moda es una expresión del arte que se relaciona directamente conmigo y con mi cuerpo. La veo como una expresión de identidad combinada con deseo, carácter y ambiente cultural. En todos mis diseños trato de dejar en claro que la moda –el mostrarla y el vestirla- es una forma de expresión artística y no una herramienta comercial sin significado.” – Iris Van Herpen comenta en su página de Internet.

El proceso creativo de la diseñadora holandesa es una experiencia totalmente diferente. Comienza la fabricación de cada prenda únicamente con una idea/imagen en su mente, la cual comparte con su equipo de trabajo y toma formas inesperadas conforme el proceso se desarrolla. La pieza final se convierte en una magnífica combinación de trabajo artesanal y técnicas de producción exclusivas -como impresión en 3D, moldeado por inyección y cortes con láser- las cuales dan al vestido una apariencia escultórica que de manera notable se adapta al movimiento del cuerpo.

Entre sus colecciones más sobresalientes se encuentran su exhibición de Otoño/Invierno 2014 "Biopiracy", en la cual sus modelos vistieron brillantes vestidos y fueron suspendidas en posición fetal en una instalación plástica a la que se le extrajo el aire; “Cristalización”, prendas impresas en 3D inspirada en la transformación de líquidos en cristales; “Mummification”, una colección basada en las momias egipcias y sus prácticas de envoltura; y su exhibición Primavera/Verano 2015 titulada "Magnetic Motion", la cual presenta vestidos fabricados con imanes y está inspirada en la fusión de la tecnoloía y la naturaleza.

Apasionada por el baile y otras disciplinas creativas, como la pintura y la escultura, Iris van Herpen continua creando sorprendentes prendas de alta costura. Jamás permite que lo ordinario de un material textil la limite y le indique hasta dónde puede llegar como diseñadora. Para ella, todo es posible dentro del mundo de la moda.

Más información sobre Iris Van Herpen aquí.

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Rodeada continuamente por científicos y artistas provenientes de distintas disciplinas, la diseñadora de modas holandesa Iris Van Herpen se dedica a crear enigmáticas prendas de vestir a partir de innovadores materiales y tecnologías y eclécticas técnicas de producción. Sus vanguardistas diseños son el resultado de una extraña fuente inspiración, un estilo futurista y un inusual proceso creativo que han atraído a excéntricas celebridades como Björk, Lady Gaga y Beyoncé.

Proveniente de la ciudad de Wamel, Holanda y con tan solo 30 años de edad, Iris Van Herpen se ha posicionado rápidamente como una de las más trascendentales diseñadoras de moda en la industria internacional de alta costura. Estudió Diseño de Modas en el Artez Institute of the Arts en Arnhem y adquirió experiencia en las casas de moda Alexander McQueen en Londres y Claudy Jongstra en Ámsterdam. Su innovador estilo la ha diferenciado del resto desde la concepción de su marca en el año 2007.

Desde sus inicios, las colecciones de Van Herpen se han distinguido por su magnífico estilo de naturaleza ficticia el cual es logrado gracias a un arduo trabajo de equipo. Artistas, arquitectos, fotógrafos, bailarines, músicos y científicos profesionales –entre otros- trabajan en conjunto para crear materiales, formas y estructuras completamente nuevas que al unirse sean capaces de formar un medio de expresión para la mujer que los viste.

“Para mí, la moda es una expresión del arte que se relaciona directamente conmigo y con mi cuerpo. La veo como una expresión de identidad combinada con deseo, carácter y ambiente cultural. En todos mis diseños trato de dejar en claro que la moda –el mostrarla y el vestirla- es una forma de expresión artística y no una herramienta comercial sin significado.” – Iris Van Herpen comenta en su página de Internet.

El proceso creativo de la diseñadora holandesa es una experiencia totalmente diferente. Comienza la fabricación de cada prenda únicamente con una idea/imagen en su mente, la cual comparte con su equipo de trabajo y toma formas inesperadas conforme el proceso se desarrolla. La pieza final se convierte en una magnífica combinación de trabajo artesanal y técnicas de producción exclusivas -como impresión en 3D, moldeado por inyección y cortes con láser- las cuales dan al vestido una apariencia escultórica que de manera notable se adapta al movimiento del cuerpo.

Entre sus colecciones más sobresalientes se encuentran su exhibición de Otoño/Invierno 2014 "Biopiracy", en la cual sus modelos vistieron brillantes vestidos y fueron suspendidas en posición fetal en una instalación plástica a la que se le extrajo el aire; “Cristalización”, prendas impresas en 3D inspirada en la transformación de líquidos en cristales; “Mummification”, una colección basada en las momias egipcias y sus prácticas de envoltura; y su exhibición Primavera/Verano 2015 titulada "Magnetic Motion", la cual presenta vestidos fabricados con imanes y está inspirada en la fusión de la tecnoloía y la naturaleza.

Apasionada por el baile y otras disciplinas creativas, como la pintura y la escultura, Iris van Herpen continua creando sorprendentes prendas de alta costura. Jamás permite que lo ordinario de un material textil la limite y le indique hasta dónde puede llegar como diseñadora. Para ella, todo es posible dentro del mundo de la moda.

Más información sobre Iris Van Herpen aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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June 25, 2014 - No Comments!

★ Dorhout Mees (NE) | Musical & Elegant Designs

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Conversion” is Dorhout Mees second collection presented at Amsterdam Fashion Week. In her new work, she describes how oxidation, is a metaphor for observing the beauty of impermanence and how “the material transformation is similar to a spiritual one”.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

“Using film and music to tell my story is something I’ve always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do”. (Dorhout Mees)

What is inspiration for you?

I feel inspiration is in everything. Literally, it just depends on which way you’re looking. So it can be a feeling you notice in yourself and your surroundings, like the search of origin in my summer collection “Become”, or something more concrete like architecture. But if I would have to narrow it down, I would say Nature and Architecture are always great sources of beauty and contrasts.

Is there a memory, a moment you remember you thought about doing fashion?

To begin with a project I was always drawing. My very first memories are of me drawing everything and all the time. I wanted to make my own clothes when I was around eight years old. They were very simple tops and skirts made with the help of my grandmother. Later on, I started making prints on them by drawing and painting it on. So the love for prints was already there as well!

When did you start using music and video in your work?

Using film and music to tell my story is something I have always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do. Take them on that journey I went on; involve them as much as I can.

What about other material use?

I start from different types of silk, soft chiffon and stiff organza, wool, cashmere that I often work with. Then if inspiration takes me somewhere I choose a material, like in this collection I did with copper and copper oxidation process. I used this material for shoes, belts, necklaces, bracelets and even knitted it from copper thread from a machine.

What is it like to be part of the Fashion Week? How would you describe it?

First of all is a big honor. It’s such a great platform to show your work. It’s very hectic the last week leading up to it, actually, it is so until the last model walks onto the catwalk. But it is a beautiful feeling, magical even, everything that you’ve worked for falls into place at that very moment.

In your last show presented at the Fashion Week you used a music loop from the Pixies. Why did you choose that song? Could you list the top five of your favorite songs at the moment?

Great question! I feel that music is life, and it is very important to me. The reason I chose for parts of the song “Where is my mind” by Pixies, is first of all I felt the title was fitting me. It’s about transformation, spiritual transformation, in which you have to start a journey inwards trying to leave that hardworking mind behind and simply go on feeling and intuition.

Then, I just love the song, but I wanted to reflect the contrast of the difference in oxidation. The organic one, organic shapes and colors, and the microscopic one where everything is geometric and grey and white. So I looked for a classical interpretation of the song, even mixed a piano version vs a string quartet version. I like contrasts. Then I used the original during the final moment on the catwalk only.

My loves at the moment ;-):

Damien Rice, everything he has written, “Little Bird” by Lisa Hannigan, “Josephine” by Teitur, “Hollo Talk” by Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” by Bat for Lashes, and just one more, “C’mon Talk” by Bernhoft.

What do you like to share with your work in fashion?

With my collections I like to tell stories, but I also want to give power to women. I love the power of women who go after whatever it is they want to get out of life. I admire women like that and I would like to add something to that passion for life. I constantly search for the delicate balance between telling a story and the fact that it has to look great on a woman’s body. For me those aspects are equally important.

More information on Dorhout Mees here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

“Using film and music to tell my story is something I’ve always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do”. (Dorhout Mees)

What is inspiration for you?

I feel inspiration is in everything. Literally, it just depends on which way you’re looking. So it can be a feeling you notice in yourself and your surroundings, like the search of origin in my summer collection “Become”, or something more concrete like architecture. But if I would have to narrow it down, I would say Nature and Architecture are always great sources of beauty and contrasts.

Is there a memory, a moment you remember you thought about doing fashion?

To begin with a project I was always drawing. My very first memories are of me drawing everything and all the time. I wanted to make my own clothes when I was around eight years old. They were very simple tops and skirts made with the help of my grandmother. Later on, I started making prints on them by drawing and painting it on. So the love for prints was already there as well!

When did you start using music and video in your work?

Using film and music to tell my story is something I have always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do. Take them on that journey I went on; involve them as much as I can.

What about other material use?

I start from different types of silk, soft chiffon and stiff organza, wool, cashmere that I often work with. Then if inspiration takes me somewhere I choose a material, like in this collection I did with copper and copper oxidation process. I used this material for shoes, belts, necklaces, bracelets and even knitted it from copper thread from a machine.

What is it like to be part of the Fashion Week? How would you describe it?

First of all is a big honor. It’s such a great platform to show your work. It’s very hectic the last week leading up to it, actually, it is so until the last model walks onto the catwalk. But it is a beautiful feeling, magical even, everything that you’ve worked for falls into place at that very moment.

In your last show presented at the Fashion Week you used a music loop from the Pixies. Why did you choose that song? Could you list the top five of your favorite songs at the moment?

Great question! I feel that music is life, and it is very important to me. The reason I chose for parts of the song “Where is my mind” by Pixies, is first of all I felt the title was fitting me. It’s about transformation, spiritual transformation, in which you have to start a journey inwards trying to leave that hardworking mind behind and simply go on feeling and intuition.

Then, I just love the song, but I wanted to reflect the contrast of the difference in oxidation. The organic one, organic shapes and colors, and the microscopic one where everything is geometric and grey and white. So I looked for a classical interpretation of the song, even mixed a piano version vs a string quartet version. I like contrasts. Then I used the original during the final moment on the catwalk only.

My loves at the moment ;-):

Damien Rice, everything he has written, “Little Bird” by Lisa Hannigan, “Josephine” by Teitur, “Hollo Talk” by Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” by Bat for Lashes, and just one more, “C’mon Talk” by Bernhoft.

What do you like to share with your work in fashion?

With my collections I like to tell stories, but I also want to give power to women. I love the power of women who go after whatever it is they want to get out of life. I admire women like that and I would like to add something to that passion for life. I constantly search for the delicate balance between telling a story and the fact that it has to look great on a woman’s body. For me those aspects are equally important.

More information on Dorhout Mees here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Conversion” es la segunda colección de Dorhout Mees que ha sido presentada en la Semana Fashion de Ámsterdam. En su nuevo trabajo, ella describe cómo la oxidación es la metáfora para observar la belleza de la impermanencia y cómo “la transformación del material es similar al del espíritu”.

“Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo”. (Dorhout Mees)

¿Dónde encuentras tu inspiración?

Prácticamente en todas partes. Literalmente sólo depende de hacia dónde mires. Puede ser un sentimiento que uno encuentre en sí mismo o en los alrededores, como la búsqueda del origen en mi colección de verano “Become”, o algo más concreto como la arquitectura. Sin embargo, si tuviera que escoger entre dos aspectos, la Naturaleza y la Arquitectura son siempre excelentes fuentes de belleza y contraste.

¿Hay algún recuerdo o momento que te llevó a dedicarte al diseño de modas?

Para empezar, siempre estaba dibujando. Mis primeros recuerdos los tengo de estar dibujando todo el tiempo. Para cuando tenía ocho años de edad ya quería hacer mi propia ropa. Eran blusas y faldas sencillas que hice con la ayuda de mi abuela.  Posteriormente, comencé a hacer mis propias impresiones pintando y dibujando sobre ellas. ¡Así que el amor por los gráficos nació en ese momento también!

¿Cuándo comenzaste a utilizar el cine y el video en su trabajo?

Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo. Me gusta llevarlos en el mismo viaje que yo e involucrarlos lo más que se pueda.

¿Qué otros materiales utilizas?

Comienzo con diferentes tipos de seda, chiffon, organza, lana y casimir, eso es con lo que más trabajo. Después, si la inspiración me lleva más lejos, escojo un material, como hice en esta colección en la que utilicé cobre y su proceso de oxidación. Utilicé dicho material para hacer zapatos, cinturones, collares, pulseras e incluso cosí hilos de cobre con ayuda de una máquina.

¿Qué significa para ti formar parte de la Semana Fashion? ¿Cómo describirías tu experiencia?

Primero que nada pienso que es un gran honor. Es una extraordinaria plataforma en la que uno logra exhibir el trabajo. Todo es muy agitado, la última semana antes del evento, hasta el último momento en el que la modelo camina por la pasarela. Pero a su vez es un sentimiento hermoso, mágico incluso, pues todo por lo que has trabajado es revelado en ese preciso momento.

En tu último show que presentaste en la Semana Fashion, utilizaste música del grupo los Pixies. ¿Por qué escogiste esa música? ¿Podrías enlistar tus cinco canciones favoritas hasta el momento?

¡Excelente pregunta! Pienso que la música es vida, por lo que es muy importante para mí. La razón por la que escogí fragmentos de la canción “Where is my mind” (Dónde está mi mente) de Los Pixies es primero que nada porque el título encajaba con mi trabajo. Habla de la transformación espiritual en la que uno debe iniciar una búsqueda interior para dejar atrás la mente trabajadora y simplemente continuar sintiendo.

Por otra parte, me encanta esa canción, y quise reflejar el contraste de la diferencia en la oxidación. Lo orgánico, los colores y las formas naturales, y lo microscópico donde todo es geométrico, gris y blanco. Así que busqué diferentes versiones de la canción, con piano y con instrumentos de cuerdas. Me gustan los contrastes. Finalmente, utilicé la versión original en la última parte del desfile de modas.

Mis canciones favoritas en este momento ;-):

Todo lo de Damien Rice, “Little Bird” por Lisa Hannigan, “Josephine” por Teitur, “Hollo Talk” por el Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” por Bat for Lashes, y una más, “C’mon Talk” por Bernhoft.

¿Qué es lo que te gusta compartir en tu trabajo como diseñadora de modas?

Con mis colecciones me gusta contar historias, pero también quiero dar poder a las mujeres. Me encanta el poder que las mujeres tienen para perseguir aquello que más quieren en la vida. Las admiro y me gustaría añadir algo a esa pasión que sienten por la vida. Contantemente busco un balance entre contar una historia y lograr que los diseños se vean lo mejor posible en el cuerpo de una mujer. Para mí, esos dos aspectos son de igual importancia.

Más información sobre Dorhout Mees aquí.

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Conversion” es la segunda colección de Dorhout Mees que ha sido presentada en la Semana Fashion de Ámsterdam. En su nuevo trabajo, ella describe cómo la oxidación es la metáfora para observar la belleza de la impermanencia y cómo “la transformación del material es similar al del espíritu”.

“Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo”. (Dorhout Mees)

¿Dónde encuentras tu inspiración?

Prácticamente en todas partes. Literalmente sólo depende de hacia dónde mires. Puede ser un sentimiento que uno encuentre en sí mismo o en los alrededores, como la búsqueda del origen en mi colección de verano “Become”, o algo más concreto como la arquitectura. Sin embargo, si tuviera que escoger entre dos aspectos, la Naturaleza y la Arquitectura son siempre excelentes fuentes de belleza y contraste.

¿Hay algún recuerdo o momento que te llevó a dedicarte al diseño de modas?

Para empezar, siempre estaba dibujando. Mis primeros recuerdos los tengo de estar dibujando todo el tiempo. Para cuando tenía ocho años de edad ya quería hacer mi propia ropa. Eran blusas y faldas sencillas que hice con la ayuda de mi abuela.  Posteriormente, comencé a hacer mis propias impresiones pintando y dibujando sobre ellas. ¡Así que el amor por los gráficos nació en ese momento también!

¿Cuándo comenzaste a utilizar el cine y el video en su trabajo?

Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo. Me gusta llevarlos en el mismo viaje que yo e involucrarlos lo más que se pueda.

¿Qué otros materiales utilizas?

Comienzo con diferentes tipos de seda, chiffon, organza, lana y casimir, eso es con lo que más trabajo. Después, si la inspiración me lleva más lejos, escojo un material, como hice en esta colección en la que utilicé cobre y su proceso de oxidación. Utilicé dicho material para hacer zapatos, cinturones, collares, pulseras e incluso cosí hilos de cobre con ayuda de una máquina.

¿Qué significa para ti formar parte de la Semana Fashion? ¿Cómo describirías tu experiencia?

Primero que nada pienso que es un gran honor. Es una extraordinaria plataforma en la que uno logra exhibir el trabajo. Todo es muy agitado, la última semana antes del evento, hasta el último momento en el que la modelo camina por la pasarela. Pero a su vez es un sentimiento hermoso, mágico incluso, pues todo por lo que has trabajado es revelado en ese preciso momento.

En tu último show que presentaste en la Semana Fashion, utilizaste música del grupo los Pixies. ¿Por qué escogiste esa música? ¿Podrías enlistar tus cinco canciones favoritas hasta el momento?

¡Excelente pregunta! Pienso que la música es vida, por lo que es muy importante para mí. La razón por la que escogí fragmentos de la canción “Where is my mind” (Dónde está mi mente) de Los Pixies es primero que nada porque el título encajaba con mi trabajo. Habla de la transformación espiritual en la que uno debe iniciar una búsqueda interior para dejar atrás la mente trabajadora y simplemente continuar sintiendo.

Por otra parte, me encanta esa canción, y quise reflejar el contraste de la diferencia en la oxidación. Lo orgánico, los colores y las formas naturales, y lo microscópico donde todo es geométrico, gris y blanco. Así que busqué diferentes versiones de la canción, con piano y con instrumentos de cuerdas. Me gustan los contrastes. Finalmente, utilicé la versión original en la última parte del desfile de modas.

Mis canciones favoritas en este momento ;-):

Todo lo de Damien Rice, “Little Bird” por Lisa Hannigan, “Josephine” por Teitur, “Hollo Talk” por el Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” por Bat for Lashes, y una más, “C’mon Talk” por Bernhoft.

¿Qué es lo que te gusta compartir en tu trabajo como diseñadora de modas?

Con mis colecciones me gusta contar historias, pero también quiero dar poder a las mujeres. Me encanta el poder que las mujeres tienen para perseguir aquello que más quieren en la vida. Las admiro y me gustaría añadir algo a esa pasión que sienten por la vida. Contantemente busco un balance entre contar una historia y lograr que los diseños se vean lo mejor posible en el cuerpo de una mujer. Para mí, esos dos aspectos son de igual importancia.

Más información sobre Dorhout Mees aquí.

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★ Original Article by HoopDoop Magazine #20. Interview by Agnese Roda. Photography by Monyart.  Spanish edition by Dalia Vasquez.

 

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HoopDoopMag243

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June 2, 2014 - No Comments!

★ CuteCircuit (UK) | A Perfect Combination Of High-Tech And Fashion

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A pioneer duo in the field of wearable technology resolved to create attractive fashion designs that visually an emotionally interact with the user.


[Ver artículo en español abajo]

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cutecircuit_stripey

Illuminated jackets for Samsung

cute-circuit-aurora-led-dress-1

kdress-kdress70x490

katy-perry-et-4-870x490

Galaxy Dress

U1-copy

eiza-gonzalez-in-cutecircuit1-960x710

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=uyVEOEcvJ9U]

 

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=j5aP_5xmmQ8]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Established in 2004 and based in the district of Shoreditch, in the East End of London, CuteCircuit is an international fashion house recognized for their attractive high-tech couture clothing. Fashion designer and creative director Francesca Rosella and interface designer and CEO Ryan Genz, are the founders of the company who work together merging beauty and functionality to create the ultimate fashionable designs.

They have manufactured garments for different celebrities like Laura Pausini, U2, Sarah Brightman and Katy Perry, and for companies like Samsung and Mercedes-Benz. Among their creative projects are: the Twitter Dress, which displayed tweets in real time by using the hashtag #tweetthedress and which was worn by American singer Nicole Scherzinger; the Twirkle Disc Collection, which includes clothes that light up according to the wearer’s movements; the Galaxy Dress, which was commissioned by the Museum of Science and Industry in Chicago and exhibited 24000 color pixels; and the Pink&Black Collection, in which the Magnum dress became the first one ever to be controlled by anyone via an iPhone, which meant than by sending a tweet using the hashtags #makeitblack or #makeitpink, the dress instantly changed color from black to pink and viceversa.

CuteCircut’s high-class interactive attires have become a noteworthy trend within the fashion world. They are constantly studying new technologies and looking for original ways of making wearable designs more intelligent for the future. They use smart textiles, micro-electronics and sensors to bring to live their innovative illuminated designs which they complement with the best fabrics and materials, Swarovski crystals and LEDs.

More information on CuteCircuit here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Established in 2004 and based in the district of Shoreditch, in the East End of London, CuteCircuit is an international fashion house recognized for their attractive high-tech couture clothing. Fashion designer and creative director Francesca Rosella and interface designer and CEO Ryan Genz, are the founders of the company who work together merging beauty and functionality to create the ultimate fashionable designs.

They have manufactured garments for different celebrities like Laura Pausini, U2, Sarah Brightman and Katy Perry, and for companies like Samsung and Mercedes-Benz. Among their creative projects are: the Twitter Dress, which displayed tweets in real time by using the hashtag #tweetthedress and which was worn by American singer Nicole Scherzinger; the Twirkle Disc Collection, which includes clothes that light up according to the wearer’s movements; the Galaxy Dress, which was commissioned by the Museum of Science and Industry in Chicago and exhibited 24000 color pixels; and the Pink&Black Collection, in which the Magnum dress became the first one ever to be controlled by anyone via an iPhone, which meant than by sending a tweet using the hashtags #makeitblack or #makeitpink, the dress instantly changed color from black to pink and viceversa.

CuteCircut’s high-class interactive attires have become a noteworthy trend within the fashion world. They are constantly studying new technologies and looking for original ways of making wearable designs more intelligent for the future. They use smart textiles, micro-electronics and sensors to bring to live their innovative illuminated designs which they complement with the best fabrics and materials, Swarovski crystals and LEDs.

More information on CuteCircuit here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

CuteCircuit es una compañía de diseño de modas reconocida a nivel internacional por sus atractivos diseños que integran tecnología y alta costura. Se estableció en el 2004 y actualmente se encuentra ubicada en el distrito de Shoreditch en Londres, Reino Unido. Los fundadores son Francesca Rosella, diseñadora de modas y directora creativa de la empresa y Ryan Genz, presidente ejecutivo y diseñador de interfaces. Juntos, trabajan fusionando belleza y funcionalidad para crear increíbles diseños de último momento.

CuteCircuit ha fabricado prendas para diversas celebridades como Laura Pausini, U2, Sarah Brightman y Katy Perry, y para compañías como Samsung y Mercedes-Benz. Entre sus proyectos creativos se encuentran: el vestido Twitter, el cual muestra mensajes tweets en tiempo real utilizando los hashtags #tweetthedress y fue utilizado por la cantante estadounidense Nicole Scherzinger; la Colección Twirkle Disc, la cual incluye prendas que brillan de acuerdo al movimiento de quien las viste; el vestido Galaxy, el cual fue comisionado por el Museo de Ciencia e Industria de Chicago y el cual exhibió 24000 pixeles de color; y la Colección Pink&Black, en donde el vestido llamado Magnum se convirtió en la primera prenda de vestir en ser controlada por un iPhone, lo que quiere decir que si alguien mandaba un tweet usando los hashtags #makeitblack o #makeitpink, el vestido cambiaba de color de negro a rosa y viceversa.

Los elegantes diseños interactivos de CuteCircuit se han convertido en una reveladora tendencia dentro del mundo de la moda. Constantemente se encuentran estudiando nuevas formas de tecnología y buscando innovadoras maneras de hacer que los atuendos se vuelvan más inteligentes en un futuro. Utilizan tecnología micro-electrónica, sensores y telas inteligentes para confeccionar sus innovadores diseños iluminados, los cuales complementan con las mejor calidad en tela y materiales, cristales Swarovsky y luces LED.

Más información sobre CuteCircuit aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

CuteCircuit es una compañía de diseño de modas reconocida a nivel internacional por sus atractivos diseños que integran tecnología y alta costura. Se estableció en el 2004 y actualmente se encuentra ubicada en el distrito de Shoreditch en Londres, Reino Unido. Los fundadores son Francesca Rosella, diseñadora de modas y directora creativa de la empresa y Ryan Genz, presidente ejecutivo y diseñador de interfaces. Juntos, trabajan fusionando belleza y funcionalidad para crear increíbles diseños de último momento.

CuteCircuit ha fabricado prendas para diversas celebridades como Laura Pausini, U2, Sarah Brightman y Katy Perry, y para compañías como Samsung y Mercedes-Benz. Entre sus proyectos creativos se encuentran: el vestido Twitter, el cual muestra mensajes tweets en tiempo real utilizando los hashtags #tweetthedress y fue utilizado por la cantante estadounidense Nicole Scherzinger; la Colección Twirkle Disc, la cual incluye prendas que brillan de acuerdo al movimiento de quien las viste; el vestido Galaxy, el cual fue comisionado por el Museo de Ciencia e Industria de Chicago y el cual exhibió 24000 pixeles de color; y la Colección Pink&Black, en donde el vestido llamado Magnum se convirtió en la primera prenda de vestir en ser controlada por un iPhone, lo que quiere decir que si alguien mandaba un tweet usando los hashtags #makeitblack o #makeitpink, el vestido cambiaba de color de negro a rosa y viceversa.

Los elegantes diseños interactivos de CuteCircuit se han convertido en una reveladora tendencia dentro del mundo de la moda. Constantemente se encuentran estudiando nuevas formas de tecnología y buscando innovadoras maneras de hacer que los atuendos se vuelvan más inteligentes en un futuro. Utilizan tecnología micro-electrónica, sensores y telas inteligentes para confeccionar sus innovadores diseños iluminados, los cuales complementan con las mejor calidad en tela y materiales, cristales Swarovsky y luces LED.

Más información sobre CuteCircuit aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

★ By Dalia Vasquez

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May 26, 2014 - No Comments!

★ Nick Gentry (UK) | Flashbacks Of Yesterday Turned Into Paintings

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A British artist who combines obsolete materials and technology with a detailed artistic technique.


[Ver artículo en español abajo]

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[vimeo 61918795 w=100 h=275]

Nick Gentry - Solo Exhibition XCHANGE from user on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

“I actually love the way that art doesn’t always make sense and it doesn’t always appear as an essential part of daily life, but somehow it does feel like it’s ultimately helping us to find out who we are.” 

Born in 1980 in London, United Kingdom, Nick Gentry is a contemporary visual artist best known for his portraits constructed with old media formats, like disquettes and film negatives. He was part of the first generation of children who grew up with computers, a factor that strongly influenced his life and artistic style.

Gentry studied at Central St. Martins in London in a time when floppy disks, cassettes and VHS tapes where the latest trends among people. Since then, he has witnessed the rapid influence of cyberculture in our society. Through his art, Nick speaks of information, waste, and our loss of identity thanks to the great impact the Internet has had in our lives.

Nick uses up to 300 disquettes per painting. He started buying them on eBay and continuously expresses his fascination of knowing that some of them may contain information of people which has stayed locked inside forever. Currently, Gentry creates a fictitious “canvas” using the disquettes that people send him from all around the world; he layers them on a surface and then paints on top of them. That way, he creates a unique connection with the viewers.

“I think it’s amazing that people are giving me their old disks to make art with. Really that is the most inspiring part. The labels on the disks give me clues as to what kind of information is stored on there and it starts the whole creative process.”

His portraits are characterized by distorted graphics in shadowed colors. Eyes are usually the most affected elements, given that he places the round metal fragment of the disquette as the eye, which frequently heightens the sinister and nostalgic look to the figures.

More information on Nick Gentry here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

“I actually love the way that art doesn’t always make sense and it doesn’t always appear as an essential part of daily life, but somehow it does feel like it’s ultimately helping us to find out who we are.” 

Born in 1980 in London, United Kingdom, Nick Gentry is a contemporary visual artist best known for his portraits constructed with old media formats, like disquettes and film negatives. He was part of the first generation of children who grew up with computers, a factor that strongly influenced his life and artistic style.

Gentry studied at Central St. Martins in London in a time when floppy disks, cassettes and VHS tapes where the latest trends among people. Since then, he has witnessed the rapid influence of cyberculture in our society. Through his art, Nick speaks of information, waste, and our loss of identity thanks to the great impact the Internet has had in our lives.

Nick uses up to 300 disquettes per painting. He started buying them on eBay and continuously expresses his fascination of knowing that some of them may contain information of people which has stayed locked inside forever. Currently, Gentry creates a fictitious “canvas” using the disquettes that people send him from all around the world; he layers them on a surface and then paints on top of them. That way, he creates a unique connection with the viewers.

“I think it’s amazing that people are giving me their old disks to make art with. Really that is the most inspiring part. The labels on the disks give me clues as to what kind of information is stored on there and it starts the whole creative process.”

His portraits are characterized by distorted graphics in shadowed colors. Eyes are usually the most affected elements, given that he places the round metal fragment of the disquette as the eye, which frequently heightens the sinister and nostalgic look to the figures.

More information on Nick Gentry here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

“Me encanta cómo el arte puede llegar a no tener sentido y la manera en que puede constituir una parte poco esencial en la vida diaria, pero de alguna manera, cómo puede servirnos de ayuda para descubrir quiénes somos realmente” 

Nacido en 1980 en la ciudad de Londres, en el Reino Unido, Nick Gentry es un artista visual contemporáneo mejor conocido por sus retratos elaborados con objetos tecnológicos antiguos, como disquetes y negativos. Formó parte de la primera generación de niños que crecieron con computadoras, lo que se transformó en un factor que indudablemente influenció su vida y su estilo artístico.

Gentry estudió en la Universidad de Central St. Martins en Londres en una época en que los disquetes, los casetes y las videocaseteras conformaban las tendencias de último momento en su país. Desde entonces, ha sido testigo de la rápida influencia que la ciberculura ha tenido en la sociedad. A través de su arte, Nick nos habla sobre información, desperdicio y nuestra pérdida de identidad debido al profundo impacto que el Internet ha tenido en nuestras vidas.

Nick utiliza hasta 300 disquetes en una pintura. Comenzó comprándolos en eBay y continuamente expresa su fascinación de saber que alguno de esos aparatos contiene información de alguna persona y que ha quedado archivada para siempre. En la actualidad, Gentry crea “lienzos” ficticios con la ayuda de personas de todo el mundo que le envían disquetes. Los coloca sobre una superficie y posteriormente pinta sobre ellos. De esa manera, crea una conexión única con el observador.

“Me parece increíble que la gente me de sus viejos disquetes para que yo realice mi arte. Verdaderamente esa es la parte más inspiradora. Las marcas en los discos me dan pistas sobre el tipo de información que está guardada en cada uno de ellos y es ahí cuando el proceso creativo comienza” 

Sus retratos se caracterizan por imágenes y gráficos distorsionados llenos de color y de sombras. Generalmente son los ojos los elementos más afectados, pues ubica el fragmento redondo y metálico del disquete en su lugar; dicha acción frecuentemente acentúa el aspecto siniestro y nostálgico a sus figuras.

Más información sobre Nick Gentry aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

“Me encanta cómo el arte puede llegar a no tener sentido y la manera en que puede constituir una parte poco esencial en la vida diaria, pero de alguna manera, cómo puede servirnos de ayuda para descubrir quiénes somos realmente” 

Nacido en 1980 en la ciudad de Londres, en el Reino Unido, Nick Gentry es un artista visual contemporáneo mejor conocido por sus retratos elaborados con objetos tecnológicos antiguos, como disquetes y negativos. Formó parte de la primera generación de niños que crecieron con computadoras, lo que se transformó en un factor que indudablemente influenció su vida y su estilo artístico.

Gentry estudió en la Universidad de Central St. Martins en Londres en una época en que los disquetes, los casetes y las videocaseteras conformaban las tendencias de último momento en su país. Desde entonces, ha sido testigo de la rápida influencia que la ciberculura ha tenido en la sociedad. A través de su arte, Nick nos habla sobre información, desperdicio y nuestra pérdida de identidad debido al profundo impacto que el Internet ha tenido en nuestras vidas.

Nick utiliza hasta 300 disquetes en una pintura. Comenzó comprándolos en eBay y continuamente expresa su fascinación de saber que alguno de esos aparatos contiene información de alguna persona y que ha quedado archivada para siempre. En la actualidad, Gentry crea “lienzos” ficticios con la ayuda de personas de todo el mundo que le envían disquetes. Los coloca sobre una superficie y posteriormente pinta sobre ellos. De esa manera, crea una conexión única con el observador.

“Me parece increíble que la gente me de sus viejos disquetes para que yo realice mi arte. Verdaderamente esa es la parte más inspiradora. Las marcas en los discos me dan pistas sobre el tipo de información que está guardada en cada uno de ellos y es ahí cuando el proceso creativo comienza” 

Sus retratos se caracterizan por imágenes y gráficos distorsionados llenos de color y de sombras. Generalmente son los ojos los elementos más afectados, pues ubica el fragmento redondo y metálico del disquete en su lugar; dicha acción frecuentemente acentúa el aspecto siniestro y nostálgico a sus figuras.

Más información sobre Nick Gentry aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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May 21, 2014 - No Comments!

★ Andres Medina (MX) | El Fanzine, A Rewarding Life Experience

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A writer, cultural journalist, art enthusiast and current editorial director of Mexican creative magazine El Fanzine.


[Ver artículo en español abajo]

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Meet Andres Medina in this exclusive interview for Saketekilla*.

Could you please tell us a bit about yourself and your background? What took you to be the editorial director of El Fanzine?

I was born in Mexico City and all my life I lived in Colonia Del Valle. Since I was a little boy I attended private schools, however, the bohemian life was what really attracted me. It was there where I found my true influence. My parents love music, dancing and parties, so, at a very young age I was used of having contact with the artistic world. My mother was a librarian for thirty years; as a result, reading was a common habit in our home. I studied Communication at Universidad Iberoamericana and specialized in cinema. Later on, my path crossed with the editorial world.

I met El Fanzine when I was in the final stage of college. The first edition I was truly involved was number 6. Since then, alongside all the people who have been part of the project, we have created amazing things with absolute dedication.

Who/what has been a key factor in the creation of El Fanzine? How did it transform into something tangible and especial, into something that people would like? Since the beginning did you imagine to have the success you have experienced so far?

This question could be better answered by its creators; however, I will tell you what I know. Mariano Rocha had the ambitious idea of creating a magazine called SODA. Along the way, he did an exhibition about two friends of him: Julio Pineda (photographer) and Daniel Coca (designer), with the collaboration of Landy Bustamente, who commercialized the event. They realized that they could work together very well, so they decided to launch El Fanzine, which has been functioning for five years now. How did it transform into something tangible and especial? Well, the answer is easy: they did it. Since the beginning it was a successful project because of its honesty, eccentricity and passion; besides, it is one of the first free proposals in Mexico City with an attractive look and large format that informs about art, music, design, fashion and photography. In my opinion, the successful proposals are built stronger when they are the result of the willingness of the authors to create; when passion drives them, and not success.

In Mexico, no other magazine approaches the reader to Mexican and international culture, artist expressions and talents as El Fanzine does. What is the philosophy behind all that? What do you expect to achieve in the future? What are your biggest dreams?

The main objective of El Fanzine is to share, to make people think and to open dialogues between them to be able to enjoy culture and art. I believe that what distinguish El Fanzine from other editorials is how it approaches art, without pretensions and with the solely desire to reciprocate and to grow. The editorial line has a constructive profile; it does not inflict a certain point of view on readers, but it shares, reaching people with the same likes.

We do not like to talk about the future; we prefer to think about the present. But when we do, we always see ourselves deeper involved in society. We want to make a difference in our colony, our delegation, our state, our country and our planet.

My biggest dreams have always been related to creation; to be able to write a book, to make a painting, to write a song; but honestly, I think we are already living our own dreams.

What has been the biggest challenge El Fazine has faced throughout its trajectory?

Day after day we face new challenges, and that is what keeps us alive and what makes of this great experience something dynamic and real, far from perfection. But, talking about a challenge in particular, such adversity has been to maintain us different and unpredictable without transforming El Fanzine into a tedious editorial. We make sure that we grow personally so we can be in movement. Being united has also been a challenge we have learned to accept and which we all have faced positively. 

How did you come up with this amazing creative Mexican retro style of El Fanzine?

We have such style thanks to the good taste and sensitivity of Art Director Daniel Coca. The visual power and the effect that it has in the reader is characterized by Coca’s magical design. He lives a life full of creativity, and I dare to say that he achieves such style because he has very well established what he loves.

Regarding the editorial content, how do you choose the artists to discuss? What is your selection process? How do you make magic happen?

The process is absolutely personal and experience related, which I think is what makes El Fanzine so especial. The themes we choose are related to what we live every day. Even people who participate are individuals who cross our paths. Some collaborators are so deeply involved in the project and they understand so well our philosophy that we work together very often. The magic happens thanks to the energy and love of the almost 40 people that participate each month.

What are the most noticed artists right now, national and internationally?

As in everything else, it is all a matter of taste; actually it is there where the job of a curator or editor is most valuable, they get to share with the audience what they consider truly worthy. Personally, I like the work of Neck Face, Saner, JR, Ai Weiwei, Parra, Mark Ryden, Mario Testino, Pharrell Williams, Barry McGee, David Cook, and many others.

What are your main sources of inspiration?

I like to visit the official sites of Juxtapoz and Interview magazines, Mass Appeal, Ego Tripland, Dazed & Confused. However, I am starting to notice much more Instagram and what friends of mine share with me.

Lately, we have seen a great wave of Mexican artistic culture with incredible talent, what do you think of the current artistic scenario in Mexico and what do you think is going to happen in the years to come?

It is true that Mexico is living an amazing creative moment, and I think we should make the most of it by revealing ourselves to the world; the quality of our products and ideas is very high. I believe is important to notice bussiness strategies and project consolidations. As you say, there are a lot of proposals, but not a lot of action to carry them out. I think that if you want to do it, you should do it. This is the time, it is now or never. In my opinion, the artistic scenario in Mexico is earning international recognition; artists from all over the world want to come to Mexico and show themselves to society, which is eager for artistic culture. How do I see the future? I think it all depends on what we do now; I imagine that all those fakers will soon fall.

There are incredible artists related to different disciplines: urban and digital artists, illustrators, industrial designers, fashion designers and many more. Which artistic area do you consider stronger and with more potential in Mexico?

I think each area has its strength, they are all growing and I believe they all have great potential; each one will define how far they want to go. I would rather talk about the current failures. It seems to me that until Mexico starts to use its own products, the industries will consolidate. For example, I do not think a fashion industry exists. When I say “industry” I mean with its correspondent revenues, even for Mexico. Right now, it sees that there is only an industry which plays to be an industry. 

Years ago this was impossible because the market was not educated to use the fashion trends or extravagant proposals, and I mean it in all artistic disciplines. Today, even in architecture, the perceptions and necessities of the consumers are evolving. So, all of them have great potential.

London is fashion, Japan is technology, Mexico is…

Passionate surrealism.

How do the local brands, the media and organizations support the artistic scenario in Mexico?

I think we find ourselves in continuous growth; some have leaded the way since years ago, others have improved it, and others have evolved it. To some of us is our turn to think it over again because of the arrival of the social networks and technology, which offer broader paths. Brands have managed to adapt to such artist movement, not all of them have succeeded of course, but there are some who really support the content and do not seek personal credit.

How could they support such scenario?

I believe hiring sensitive people who really understand artists’ ideas; people who are not afraid of risking themselves. Artists know how to get to people, how to make them feel, if they gave them more creative power we would have fun, intellectual and conceptual advertising companies. I am sick of looking at meaningless and stupid TV spots all the time.

What are your future expectations collaborating with Saketekilla? Are there other future projects you would like to help develop or launch internationally?

It is always good to collaborate with someone new, the results are different and the energy built is never the same with everybody. A friend of mine always told me this: “it is better to gain a ally than an enemy” (laughs).

We thank Andres Medina for this great interview. More information on El Fanzine here.

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Meet Andres Medina in this exclusive interview for Saketekilla*.

Could you please tell us a bit about yourself and your background? What took you to be the editorial director of El Fanzine?

I was born in Mexico City and all my life I lived in Colonia Del Valle. Since I was a little boy I attended private schools, however, the bohemian life was what really attracted me. It was there where I found my true influence. My parents love music, dancing and parties, so, at a very young age I was used of having contact with the artistic world. My mother was a librarian for thirty years; as a result, reading was a common habit in our home. I studied Communication at Universidad Iberoamericana and specialized in cinema. Later on, my path crossed with the editorial world.

I met El Fanzine when I was in the final stage of college. The first edition I was truly involved was number 6. Since then, alongside all the people who have been part of the project, we have created amazing things with absolute dedication.

Who/what has been a key factor in the creation of El Fanzine? How did it transform into something tangible and especial, into something that people would like? Since the beginning did you imagine to have the success you have experienced so far?

This question could be better answered by its creators; however, I will tell you what I know. Mariano Rocha had the ambitious idea of creating a magazine called SODA. Along the way, he did an exhibition about two friends of him: Julio Pineda (photographer) and Daniel Coca (designer), with the collaboration of Landy Bustamente, who commercialized the event. They realized that they could work together very well, so they decided to launch El Fanzine, which has been functioning for five years now. How did it transform into something tangible and especial? Well, the answer is easy: they did it. Since the beginning it was a successful project because of its honesty, eccentricity and passion; besides, it is one of the first free proposals in Mexico City with an attractive look and large format that informs about art, music, design, fashion and photography. In my opinion, the successful proposals are built stronger when they are the result of the willingness of the authors to create; when passion drives them, and not success.

In Mexico, no other magazine approaches the reader to Mexican and international culture, artist expressions and talents as El Fanzine does. What is the philosophy behind all that? What do you expect to achieve in the future? What are your biggest dreams?

The main objective of El Fanzine is to share, to make people think and to open dialogues between them to be able to enjoy culture and art. I believe that what distinguish El Fanzine from other editorials is how it approaches art, without pretensions and with the solely desire to reciprocate and to grow. The editorial line has a constructive profile; it does not inflict a certain point of view on readers, but it shares, reaching people with the same likes.

We do not like to talk about the future; we prefer to think about the present. But when we do, we always see ourselves deeper involved in society. We want to make a difference in our colony, our delegation, our state, our country and our planet.

My biggest dreams have always been related to creation; to be able to write a book, to make a painting, to write a song; but honestly, I think we are already living our own dreams.

What has been the biggest challenge El Fazine has faced throughout its trajectory?

Day after day we face new challenges, and that is what keeps us alive and what makes of this great experience something dynamic and real, far from perfection. But, talking about a challenge in particular, such adversity has been to maintain us different and unpredictable without transforming El Fanzine into a tedious editorial. We make sure that we grow personally so we can be in movement. Being united has also been a challenge we have learned to accept and which we all have faced positively. 

How did you come up with this amazing creative Mexican retro style of El Fanzine?

We have such style thanks to the good taste and sensitivity of Art Director Daniel Coca. The visual power and the effect that it has in the reader is characterized by Coca’s magical design. He lives a life full of creativity, and I dare to say that he achieves such style because he has very well established what he loves.

Regarding the editorial content, how do you choose the artists to discuss? What is your selection process? How do you make magic happen?

The process is absolutely personal and experience related, which I think is what makes El Fanzine so especial. The themes we choose are related to what we live every day. Even people who participate are individuals who cross our paths. Some collaborators are so deeply involved in the project and they understand so well our philosophy that we work together very often. The magic happens thanks to the energy and love of the almost 40 people that participate each month.

What are the most noticed artists right now, national and internationally?

As in everything else, it is all a matter of taste; actually it is there where the job of a curator or editor is most valuable, they get to share with the audience what they consider truly worthy. Personally, I like the work of Neck Face, Saner, JR, Ai Weiwei, Parra, Mark Ryden, Mario Testino, Pharrell Williams, Barry McGee, David Cook, and many others.

What are your main sources of inspiration?

I like to visit the official sites of Juxtapoz and Interview magazines, Mass Appeal, Ego Tripland, Dazed & Confused. However, I am starting to notice much more Instagram and what friends of mine share with me.

Lately, we have seen a great wave of Mexican artistic culture with incredible talent, what do you think of the current artistic scenario in Mexico and what do you think is going to happen in the years to come?

It is true that Mexico is living an amazing creative moment, and I think we should make the most of it by revealing ourselves to the world; the quality of our products and ideas is very high. I believe is important to notice bussiness strategies and project consolidations. As you say, there are a lot of proposals, but not a lot of action to carry them out. I think that if you want to do it, you should do it. This is the time, it is now or never. In my opinion, the artistic scenario in Mexico is earning international recognition; artists from all over the world want to come to Mexico and show themselves to society, which is eager for artistic culture. How do I see the future? I think it all depends on what we do now; I imagine that all those fakers will soon fall.

There are incredible artists related to different disciplines: urban and digital artists, illustrators, industrial designers, fashion designers and many more. Which artistic area do you consider stronger and with more potential in Mexico?

I think each area has its strength, they are all growing and I believe they all have great potential; each one will define how far they want to go. I would rather talk about the current failures. It seems to me that until Mexico starts to use its own products, the industries will consolidate. For example, I do not think a fashion industry exists. When I say “industry” I mean with its correspondent revenues, even for Mexico. Right now, it sees that there is only an industry which plays to be an industry. 

Years ago this was impossible because the market was not educated to use the fashion trends or extravagant proposals, and I mean it in all artistic disciplines. Today, even in architecture, the perceptions and necessities of the consumers are evolving. So, all of them have great potential.

London is fashion, Japan is technology, Mexico is…

Passionate surrealism.

How do the local brands, the media and organizations support the artistic scenario in Mexico?

I think we find ourselves in continuous growth; some have leaded the way since years ago, others have improved it, and others have evolved it. To some of us is our turn to think it over again because of the arrival of the social networks and technology, which offer broader paths. Brands have managed to adapt to such artist movement, not all of them have succeeded of course, but there are some who really support the content and do not seek personal credit.

How could they support such scenario?

I believe hiring sensitive people who really understand artists’ ideas; people who are not afraid of risking themselves. Artists know how to get to people, how to make them feel, if they gave them more creative power we would have fun, intellectual and conceptual advertising companies. I am sick of looking at meaningless and stupid TV spots all the time.

What are your future expectations collaborating with Saketekilla? Are there other future projects you would like to help develop or launch internationally?

It is always good to collaborate with someone new, the results are different and the energy built is never the same with everybody. A friend of mine always told me this: “it is better to gain a ally than an enemy” (laughs).

We thank Andres Medina for this great interview. More information on El Fanzine here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Andrés Medina, escritor, periodista cultural y amante del cine; actualmente director en jefe de la revista creativa Mexicana El Fanzine.

Conócelo en esta entrevista exclusiva para Saketekilla*.

Primero que nada, nos gustaría saber más de ti. ¿De dónde vienes? ¿Qué estudiaste? De igual forma, ¿Qué fue lo que te llevó a la creación de El Fanzine?

Nací en la ciudad de México y toda mi vida viví en la colonia Del Valle. Fui a escuelas privadas desde niño pero mi ambiente siempre fue bohemio, de ahí viene mi mayor influencia. Mis padres son amantes de la música, bailarines natos y fiesteros, así que desde chico estuve en contacto con el arte. Mi mamá fue bibliotecaria por treinta años, por lo que siempre se inculcó la lectura en mi casa. Estudié Ciencias de la Comunicación en la Universidad Iberoamericana, me especialicé en cine y por asares del destino terminé en el mundo editorial.

Me crucé con El Fanzine antes de terminar la carrera, justo ya en la especialidad. Recuerdo que el primer número en el cual estuve involucrado fue el #6. Desde entonces, junto con todas las personas que han formado parte de la comunidad que da vida al proyecto, hemos creado cosas increíbles, con corazón.

¿Qué o quiénes fueron las piezas claves en la realización de El Fanzine? ¿Cómo pasó de ser una idea a algo tangible, y en especial, a algo que fuera gustar a la gente? ¿Desde un inicio imaginaron tener el éxito que han logrado hasta el momento?

Esta pregunta la podrían responder mejor sus creadores, pero les cuento lo que sé. Mariano Rocha tenía la inquietud de hacer una revista que llamaría SODA; era un proyecto ambicioso. En el camino a lograrlo hizo una exposición de dos amigos suyos: Julio Pineda (fotógrafo) y Daniel Coca (diseñador), con ayuda de Landy Bustamante quien comercializó el evento. Al ver que los cuatro trabajaban bien en equipo, decidieron armar el proyecto y pues hasta ahora lleva cinco años de vida. Sobre como pasó de ser una idea a algo tangible creo que la respuesta es sencilla, lo hicieron. El proyecto desde un inicio tuvo éxito por su sinceridad, rareza y por estar hecho con pasión, además de ser una de las primeras propuestas de la ciudad de México gratuitas, con un formato grande y atractivo, que habla de arte, música, diseño, moda y fotografía. En mi opinión, las propuestas exitosas o que se mantienen fuertes son las que se hacen por la necesidad de los autores por crear; llevan pasión y no se hacen pensando en alcanzar el éxito. 

No se ha visto otra revista en México como El Fanzine, la cual acerca al lector tanto a la cultura mexicana, a sus expresiones y talentos, como a tendencias mundiales. ¿Cuál es la filosofía detrás de todo eso? ¿Qué esperan alcanzar en un futuro? ¿Cuáles son tus mayores sueños?

El principal objetivo de El Fanzine es compartir, incitar a pensar y generar un diálogo para así disfrutar de la cultura y el arte. Creo que lo que distingue a El Fanzine de las demás publicaciones es la forma en la que se acerca al arte, sin pretensiones y con el deseo de intercambiar y crecer. La línea editorial tiene un perfil constructivo; no impone su punto de vista, sino que comparte y al compartir, agrada a quienes gustan de compartir.

No nos gusta pensar en el futuro; procuramos pensar mejor en el presente, pero cuando lo hacemos, siempre nos vemos involucrados con mayor profundidad y fuerza con la sociedad. Queremos tener un efecto en nuestra colonia, delegación, estado, país y planeta.

Mis mayores sueños siempre han girado en torno a la creación, poder escribir un libro, pintar un cuadro, hacer una canción; pero sinceramente creo que ya estamos viviendo nuestros sueños.

¿Cuál ha sido el mayor reto que El Fanzine ha enfrentado a lo largo de su trayectoria?

Día a día nos enfrentamos a nuevos retos, y eso es lo que nos mantiene vivos y lo que hace que no se vuelva aburrido y perfecto. Pero hablando sobre un reto en específico, que creo éste ha sido la base de todo: mantenernos interesantes, propositivos y no aburrirle al lector siendo predecible. Procuramos crecer personalmente para así estar en movimiento. Estar unidos también ha sido un reto que hemos aceptado y que hasta ahora hemos cumplido perfectamente.

¿Cómo llegaron a ese impactante y creativo estilo visual retro-mexicano que tiene El Fanzine?

Esto es consecuencia del gran gusto y la enorme sensibilidad de nuestro Director de Arte, Daniel Coca. El poder visual y el efecto que tiene en el lector es la magia que caracteriza el diseño de Coca, quien vive de una manera creativa la vida. Me arriesgo a decir que creo que gran parte de su estilo es gracias a que es un gran observador y a que tiene muy claro lo que ama.

En relación a tu equipo de trabajo, ¿cómo encuentran a los artistas y temas que desean cubrir? ¿Cuál es el proceso de selección? ¿Cómo logras que suceda la magia?

Este proceso es totalmente vivencial y personal, creo que es justamente lo que hace tan especial a El Fanzine. Los temas que elegimos nacen de las experiencias y situaciones que estamos viviendo en el momento, incluso las personas que participan son las personas que la vida pone en nuestro camino. Algunos de los colaboradores se involucran a un nivel tan profundo con nosotros que logran entender perfectamente la intención y la línea editorial de nuestro proyecto, por esta razón colaboramos con ellos muy seguido. La magia sucede gracias a la energía y amor de todos los involucrados, cada mes participan cerca de 40 personas.

¿Cuáles son los principales artistas del momento? Local e internacionalmente.

Pues creo que como en todo es cuestión de gustos, justo ahí es donde entra el trabajo de un curador o un editor, compartir con su audiencia lo que él considera valioso. En lo personal me gusta mucho el trabajo de Neck Face, Saner, JR, Ai Weiwei, Parra, Mark Ryden, Mario Testino, Pharrell Williams, Barry McGee, David Cook… existen muchísimos.

¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración en línea?

Me gusta consultar el sitio de Juxtapoz, Interview, Mass Appeal, Ego Tripland, Dazed & Confused, pero creo que mi consumo visual se está enfocando mucho ya en Instagram y en lo que mis amigos comparten conmigo.

Hemos visto una gran ola emergente de cultura artística en México con un increíble talento (¡aunque hay que indagar mucho para encontrarla!). Como mexicano, ¿cómo ves el actual escenario artístico en México y qué piensas que sucederá en los siguientes años?

Es verdad que México se encuentra en un momento creativo increíble, lo debemos aprovechar y es justo ahora cuando debemos exponernos al resto del mundo; la calidad de nuestros productos y nuestras ideas está en un punto muy alto. Creo que es momento de poner atención también a las estrategias de negocios y a la consolidación de los proyectos. Como dices, hay mucha propuesta, pero hay pocas que tienen la suficiente fuerza para realmente hacer las cosas. Pero definitivamente si lo quieres hacer, es ahora o nunca. Creo que la escena de arte en México está cobrando renombre internacional, todos los artistas de otras partes del mundo quieren venir y mostrarse a la sociedad, la cual está sedienta de arte. ¿Cómo veo el futuro?, pues creo que depende de cómo rifemos ahorita, pero imagino caerán los que eran pose y no tenían contenido.

Existen increíbles artistas, desde los dedicados al arte urbano, hasta los artistas digitales, los ilustradores y los diseñadores industriales y de moda. ¿Cuál área artística o de diseño consideras es la más fuerte y tiene mayor potencial en México?

Creo que cada área tiene su fuerza, todas están creciendo y creo que todas tienen un potencial grande, cada una definirá hasta donde llegar. Pero más bien podría hablarte un poco de las fallas que hay todavía. Me parece que hasta que el mismo México no consuma sus propios productos no se consolidarán las industrias; por ejemplo no creo que exista una industria de la moda. Con industria me refiero a que exista una ganancia y que incluso signifique una ganancia para el país. Ahora me parece que se mantiene en un sector que juega a tener una industria.

Hace unos años era imposible porque el mercado no estaba educado para consumir tendencias o propuestas extravagantes, y me refiero a todas las áreas artísticas que mencionas; incluso en la arquitectura, las necesidades y gustos del consumidor han evolucionado. Así que pues todas están en potencia.

Londres es moda de último momento, Japón es diseño de tecnología, México es…

Surrealismo pasional

¿Cómo apoyan las marcas locales, los medios y las organizaciones el medio artístico en México? 

Creo que nos encontramos en crecimiento; algunos llevan trazando el camino desde hace años, otros lo mejoraron y lo evolucionaron, a otros nos tocó pensarlo de nuevo, ya que llegaron las redes sociales y la tecnología ofrece muchos más caminos. Las marcas han sabido relacionarse con el movimiento, con esta explosión artística de la cual hablamos, no todas han sabido hacerlo ni han acertado, pero hay unos cuantos que realmente apoyan el contenido y no buscan el crédito como objetivo principal.

¿Cómo podrían éstos apoyar dicho escenario?

Creo que contratando personas sensibles, que realmente comprendan las ideas de los artistas; personas que no tengan miedo de arriesgar. Los artistas saben cómo llegar a las personas, cómo hacerlas sentir, si les dieran más poder creativo tendríamos campañas publicitarias divertidas, conceptuales e intelectuales. Estoy harto de seguir viendo anuncios vacíos, patéticos y tontos en la tele y por todos lados.

¿Cuáles son tus expectativas en tu colaboración con Saketekilla? ¿Existen otros proyectos a futuro que pienses te gustaría ayudar a desarrollar o lanzar internacionalmente?

Siempre es bueno hacer un link con alguien nuevo, los resultados son diferentes, la energía que se construye con alguien nunca es la misma que construiste con otro. Siempre me lo dijo un amigo, “más vale ganar un amigo que un enemigo” (risas).

Agradecemos a Andrés Medina por esta gran entrevista. Más información sobre El Fanzine aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Andrés Medina, escritor, periodista cultural y amante del cine; actualmente director en jefe de la revista creativa Mexicana El Fanzine.

Conócelo en esta entrevista exclusiva para Saketekilla*.

Primero que nada, nos gustaría saber más de ti. ¿De dónde vienes? ¿Qué estudiaste? De igual forma, ¿Qué fue lo que te llevó a la creación de El Fanzine?

Nací en la ciudad de México y toda mi vida viví en la colonia Del Valle. Fui a escuelas privadas desde niño pero mi ambiente siempre fue bohemio, de ahí viene mi mayor influencia. Mis padres son amantes de la música, bailarines natos y fiesteros, así que desde chico estuve en contacto con el arte. Mi mamá fue bibliotecaria por treinta años, por lo que siempre se inculcó la lectura en mi casa. Estudié Ciencias de la Comunicación en la Universidad Iberoamericana, me especialicé en cine y por asares del destino terminé en el mundo editorial.

Me crucé con El Fanzine antes de terminar la carrera, justo ya en la especialidad. Recuerdo que el primer número en el cual estuve involucrado fue el #6. Desde entonces, junto con todas las personas que han formado parte de la comunidad que da vida al proyecto, hemos creado cosas increíbles, con corazón.

¿Qué o quiénes fueron las piezas claves en la realización de El Fanzine? ¿Cómo pasó de ser una idea a algo tangible, y en especial, a algo que fuera gustar a la gente? ¿Desde un inicio imaginaron tener el éxito que han logrado hasta el momento?

Esta pregunta la podrían responder mejor sus creadores, pero les cuento lo que sé. Mariano Rocha tenía la inquietud de hacer una revista que llamaría SODA; era un proyecto ambicioso. En el camino a lograrlo hizo una exposición de dos amigos suyos: Julio Pineda (fotógrafo) y Daniel Coca (diseñador), con ayuda de Landy Bustamante quien comercializó el evento. Al ver que los cuatro trabajaban bien en equipo, decidieron armar el proyecto y pues hasta ahora lleva cinco años de vida. Sobre como pasó de ser una idea a algo tangible creo que la respuesta es sencilla, lo hicieron. El proyecto desde un inicio tuvo éxito por su sinceridad, rareza y por estar hecho con pasión, además de ser una de las primeras propuestas de la ciudad de México gratuitas, con un formato grande y atractivo, que habla de arte, música, diseño, moda y fotografía. En mi opinión, las propuestas exitosas o que se mantienen fuertes son las que se hacen por la necesidad de los autores por crear; llevan pasión y no se hacen pensando en alcanzar el éxito. 

No se ha visto otra revista en México como El Fanzine, la cual acerca al lector tanto a la cultura mexicana, a sus expresiones y talentos, como a tendencias mundiales. ¿Cuál es la filosofía detrás de todo eso? ¿Qué esperan alcanzar en un futuro? ¿Cuáles son tus mayores sueños?

El principal objetivo de El Fanzine es compartir, incitar a pensar y generar un diálogo para así disfrutar de la cultura y el arte. Creo que lo que distingue a El Fanzine de las demás publicaciones es la forma en la que se acerca al arte, sin pretensiones y con el deseo de intercambiar y crecer. La línea editorial tiene un perfil constructivo; no impone su punto de vista, sino que comparte y al compartir, agrada a quienes gustan de compartir.

No nos gusta pensar en el futuro; procuramos pensar mejor en el presente, pero cuando lo hacemos, siempre nos vemos involucrados con mayor profundidad y fuerza con la sociedad. Queremos tener un efecto en nuestra colonia, delegación, estado, país y planeta.

Mis mayores sueños siempre han girado en torno a la creación, poder escribir un libro, pintar un cuadro, hacer una canción; pero sinceramente creo que ya estamos viviendo nuestros sueños.

¿Cuál ha sido el mayor reto que El Fanzine ha enfrentado a lo largo de su trayectoria?

Día a día nos enfrentamos a nuevos retos, y eso es lo que nos mantiene vivos y lo que hace que no se vuelva aburrido y perfecto. Pero hablando sobre un reto en específico, que creo éste ha sido la base de todo: mantenernos interesantes, propositivos y no aburrirle al lector siendo predecible. Procuramos crecer personalmente para así estar en movimiento. Estar unidos también ha sido un reto que hemos aceptado y que hasta ahora hemos cumplido perfectamente.

¿Cómo llegaron a ese impactante y creativo estilo visual retro-mexicano que tiene El Fanzine?

Esto es consecuencia del gran gusto y la enorme sensibilidad de nuestro Director de Arte, Daniel Coca. El poder visual y el efecto que tiene en el lector es la magia que caracteriza el diseño de Coca, quien vive de una manera creativa la vida. Me arriesgo a decir que creo que gran parte de su estilo es gracias a que es un gran observador y a que tiene muy claro lo que ama.

En relación a tu equipo de trabajo, ¿cómo encuentran a los artistas y temas que desean cubrir? ¿Cuál es el proceso de selección? ¿Cómo logras que suceda la magia?

Este proceso es totalmente vivencial y personal, creo que es justamente lo que hace tan especial a El Fanzine. Los temas que elegimos nacen de las experiencias y situaciones que estamos viviendo en el momento, incluso las personas que participan son las personas que la vida pone en nuestro camino. Algunos de los colaboradores se involucran a un nivel tan profundo con nosotros que logran entender perfectamente la intención y la línea editorial de nuestro proyecto, por esta razón colaboramos con ellos muy seguido. La magia sucede gracias a la energía y amor de todos los involucrados, cada mes participan cerca de 40 personas.

¿Cuáles son los principales artistas del momento? Local e internacionalmente.

Pues creo que como en todo es cuestión de gustos, justo ahí es donde entra el trabajo de un curador o un editor, compartir con su audiencia lo que él considera valioso. En lo personal me gusta mucho el trabajo de Neck Face, Saner, JR, Ai Weiwei, Parra, Mark Ryden, Mario Testino, Pharrell Williams, Barry McGee, David Cook… existen muchísimos.

¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración en línea?

Me gusta consultar el sitio de Juxtapoz, Interview, Mass Appeal, Ego Tripland, Dazed & Confused, pero creo que mi consumo visual se está enfocando mucho ya en Instagram y en lo que mis amigos comparten conmigo.

Hemos visto una gran ola emergente de cultura artística en México con un increíble talento (¡aunque hay que indagar mucho para encontrarla!). Como mexicano, ¿cómo ves el actual escenario artístico en México y qué piensas que sucederá en los siguientes años?

Es verdad que México se encuentra en un momento creativo increíble, lo debemos aprovechar y es justo ahora cuando debemos exponernos al resto del mundo; la calidad de nuestros productos y nuestras ideas está en un punto muy alto. Creo que es momento de poner atención también a las estrategias de negocios y a la consolidación de los proyectos. Como dices, hay mucha propuesta, pero hay pocas que tienen la suficiente fuerza para realmente hacer las cosas. Pero definitivamente si lo quieres hacer, es ahora o nunca. Creo que la escena de arte en México está cobrando renombre internacional, todos los artistas de otras partes del mundo quieren venir y mostrarse a la sociedad, la cual está sedienta de arte. ¿Cómo veo el futuro?, pues creo que depende de cómo rifemos ahorita, pero imagino caerán los que eran pose y no tenían contenido.

Existen increíbles artistas, desde los dedicados al arte urbano, hasta los artistas digitales, los ilustradores y los diseñadores industriales y de moda. ¿Cuál área artística o de diseño consideras es la más fuerte y tiene mayor potencial en México?

Creo que cada área tiene su fuerza, todas están creciendo y creo que todas tienen un potencial grande, cada una definirá hasta donde llegar. Pero más bien podría hablarte un poco de las fallas que hay todavía. Me parece que hasta que el mismo México no consuma sus propios productos no se consolidarán las industrias; por ejemplo no creo que exista una industria de la moda. Con industria me refiero a que exista una ganancia y que incluso signifique una ganancia para el país. Ahora me parece que se mantiene en un sector que juega a tener una industria.

Hace unos años era imposible porque el mercado no estaba educado para consumir tendencias o propuestas extravagantes, y me refiero a todas las áreas artísticas que mencionas; incluso en la arquitectura, las necesidades y gustos del consumidor han evolucionado. Así que pues todas están en potencia.

Londres es moda de último momento, Japón es diseño de tecnología, México es…

Surrealismo pasional

¿Cómo apoyan las marcas locales, los medios y las organizaciones el medio artístico en México? 

Creo que nos encontramos en crecimiento; algunos llevan trazando el camino desde hace años, otros lo mejoraron y lo evolucionaron, a otros nos tocó pensarlo de nuevo, ya que llegaron las redes sociales y la tecnología ofrece muchos más caminos. Las marcas han sabido relacionarse con el movimiento, con esta explosión artística de la cual hablamos, no todas han sabido hacerlo ni han acertado, pero hay unos cuantos que realmente apoyan el contenido y no buscan el crédito como objetivo principal.

¿Cómo podrían éstos apoyar dicho escenario?

Creo que contratando personas sensibles, que realmente comprendan las ideas de los artistas; personas que no tengan miedo de arriesgar. Los artistas saben cómo llegar a las personas, cómo hacerlas sentir, si les dieran más poder creativo tendríamos campañas publicitarias divertidas, conceptuales e intelectuales. Estoy harto de seguir viendo anuncios vacíos, patéticos y tontos en la tele y por todos lados.

¿Cuáles son tus expectativas en tu colaboración con Saketekilla? ¿Existen otros proyectos a futuro que pienses te gustaría ayudar a desarrollar o lanzar internacionalmente?

Siempre es bueno hacer un link con alguien nuevo, los resultados son diferentes, la energía que se construye con alguien nunca es la misma que construiste con otro. Siempre me lo dijo un amigo, “más vale ganar un amigo que un enemigo” (risas).

Agradecemos a Andrés Medina por esta gran entrevista. Más información sobre El Fanzine aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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March 21, 2014 - No Comments!

★ Andy Warhol And The Velvet Underground | When Rock Became Visual

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

The Velvet Underground and The Exploding Plastic Inevitable of Andy Warhol.


[Ver artículo en español abajo]

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[youtube http://www.youtube.com/watch?v=fEyg4MnLIy4]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

It was 1965 in the fading and decadent city of New York, where phony artists were getting along with true art in an easier and more insolent way than the hippies in San Francisco. The town was a laboratory of endless expression that proved to be a dramatic and subversive change for American culture; among other things, there was the epic club Max's Kansas City, a gathering spot for pretentious and authentic alike artists; The Factory, Andys Warhol's studio and meeting point for him and his snob followers; the avant-garde designs of American artist La Monte Young, the experimental cinema of Jonas Mekas, as well as the creations of Jack Kerouac, Burroughs and Allen Ginsberg.

But something was missing, a portrayal of the realism and decay with all the commotion and horror of New York streets. Someone who exposed what no one else dared to portray or touch.

We all know how things went. A new rebellious group of artists and composers who transformed and influenced popular music of the time was born. We are talking about characters like Lou Reed and his rough rock and roll sound as a portrayal of prostitution, sex, drugs and perversion of the streets, and his incredible collaboration with the avant-garde style of John Cale; the blues of Sterling Morrison, the androgynous looks and the monotonous style of Maureen Tucker; and Andy Warhol and his idea of including cold singer Nico into his art, to mention just a few.

The Exploding Plastic Inevitable: when rock became casual

It was not secret that the experimental movies of Andy Warhol were receiving an almost non-existing response from the public. It was because of this, that he wished to combine his movies (with a substantial amount performance, lights and visual elements) with the sound of a rock band. This collaborative audiovisual idea had never been put into practice before and it was called first Andy Warhol Up-Tight (with actress Edie Sedgwick in the foreground) and later The Exploding Plastic Inevitable.

Thanks to their cacophonic and crude style, The Velvet Underground came to Gerard Malanga and Barbara Rubin’s attention. They were members of The Factory and they let Andy know about the group’s incomparable sound and scheduled an encounter that took place in Café Bizarre in 1965. This was the turning point where the alliance between Warhol and The Velvets established. The Factory became the rehearsal studio and Andy the creator and pioneer of audiovisual performances.

Live and full of amphetamines, The Exploding Plastic Inevitable located The Velvet Underground playing with their backs to the public in a high volume beyond imagination. They all wore black and dark glasses, being Nico the visual focus, the one that represented beauty and did not match with the horror taking place in the scenario: the resonant chaos, the visual transgression of Andy’s movies combined with multicolor projections by Danny Williams and performances by Gerard Malanga and others, that placed them laying on the floor and simulating a heroin pinch, while Lou Reed sang a song of the same name, or simulating a sadomasochistic lashing in “Venus In Furs”.

“You were shocked because sometimes your imagination wasn´t strong enough to imagine people shooting up on stage, being crucified and licking boots” (Ronnie Cutrone) 

“The Velvets played so loud and crazy I couldn´t even begin to guess the decibels, and there were images projected everywhere” (Andy Warhol)

The Exploding Plastic Inevitable included up to 12 members and took place between 1966 and mid-1967, when the partnership between Andy and The Velvet Underground & Nico ended. His legacy was the starting point (next to the first project of Pink Floyd with Syd Barrett in England) of audiovisual performance with a transgressor show, and as a result it was one of the most important albums of all times.

After this, music and popular culture were never the same.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

It was 1965 in the fading and decadent city of New York, where phony artists were getting along with true art in an easier and more insolent way than the hippies in San Francisco. The town was a laboratory of endless expression that proved to be a dramatic and subversive change for American culture; among other things, there was the epic club Max's Kansas City, a gathering spot for pretentious and authentic alike artists; The Factory, Andys Warhol's studio and meeting point for him and his snob followers; the avant-garde designs of American artist La Monte Young, the experimental cinema of Jonas Mekas, as well as the creations of Jack Kerouac, Burroughs and Allen Ginsberg.

But something was missing, a portrayal of the realism and decay with all the commotion and horror of New York streets. Someone who exposed what no one else dared to portray or touch.

We all know how things went. A new rebellious group of artists and composers who transformed and influenced popular music of the time was born. We are talking about characters like Lou Reed and his rough rock and roll sound as a portrayal of prostitution, sex, drugs and perversion of the streets, and his incredible collaboration with the avant-garde style of John Cale; the blues of Sterling Morrison, the androgynous looks and the monotonous style of Maureen Tucker; and Andy Warhol and his idea of including cold singer Nico into his art, to mention just a few.

The Exploding Plastic Inevitable: when rock became casual

It was not secret that the experimental movies of Andy Warhol were receiving an almost non-existing response from the public. It was because of this, that he wished to combine his movies (with a substantial amount performance, lights and visual elements) with the sound of a rock band. This collaborative audiovisual idea had never been put into practice before and it was called first Andy Warhol Up-Tight (with actress Edie Sedgwick in the foreground) and later The Exploding Plastic Inevitable.

Thanks to their cacophonic and crude style, The Velvet Underground came to Gerard Malanga and Barbara Rubin’s attention. They were members of The Factory and they let Andy know about the group’s incomparable sound and scheduled an encounter that took place in Café Bizarre in 1965. This was the turning point where the alliance between Warhol and The Velvets established. The Factory became the rehearsal studio and Andy the creator and pioneer of audiovisual performances.

Live and full of amphetamines, The Exploding Plastic Inevitable located The Velvet Underground playing with their backs to the public in a high volume beyond imagination. They all wore black and dark glasses, being Nico the visual focus, the one that represented beauty and did not match with the horror taking place in the scenario: the resonant chaos, the visual transgression of Andy’s movies combined with multicolor projections by Danny Williams and performances by Gerard Malanga and others, that placed them laying on the floor and simulating a heroin pinch, while Lou Reed sang a song of the same name, or simulating a sadomasochistic lashing in “Venus In Furs”.

“You were shocked because sometimes your imagination wasn´t strong enough to imagine people shooting up on stage, being crucified and licking boots” (Ronnie Cutrone) 

“The Velvets played so loud and crazy I couldn´t even begin to guess the decibels, and there were images projected everywhere” (Andy Warhol)

The Exploding Plastic Inevitable included up to 12 members and took place between 1966 and mid-1967, when the partnership between Andy and The Velvet Underground & Nico ended. His legacy was the starting point (next to the first project of Pink Floyd with Syd Barrett in England) of audiovisual performance with a transgressor show, and as a result it was one of the most important albums of all times.

After this, music and popular culture were never the same.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

El año era 1965 en la gris y decadente ciudad de Nueva York donde la pretensión y los farsantes congeniaban con el arte verdadero y los genios aún con más descaro que los hippies en San Francisco. Nueva York era un laboratorio de expresión. Entre muchos otros factores: el mítico club, Max´s Kansas City – el punto de encuentro de pretensiosos y auténticos – The Factory de Andy Warhol y su séquito esnob, el avant-garde de La Monte Young, el cine experimental de Jonas Mekas así como las plumas de Kerouac, Burroughs y Ginsberg, fueron los encargados de brindar un cambio contracultural y subversivo en la cultura estadounidense.

Pero faltaba un reflector del realismo y decadencia neoyorkina que mezclara el ruido y el horror de sus calles con poesía; algo que viniera de abajo y que retratara lo que nadie se atrevía a retratar y a tocar.

La historia la conocemos todos: Lou Reed con su rock n' roll crudo y poesía ultra realista como retrato de la prostitución, el sexo, las drogas y la perversión en las calles mezclado con el avant-garde y la viola de John Cale. Y sí a eso le sumamos las seis cuerdas tan arraigadas en lo más crudo del blues de Sterling Morrison, la estética andrógina y el estilo monótono en las percusiones de Maureen Tucker y mas tarde y a petición de Warhol, la inclusión de la belleza y frialdad de un tesoro teutón llamado Nico, obtenemos como resultado al grupo más irreverente, auténtico e influyente en la historia de la música popular (lo siento Beatle-maníacos).

The Exploding Plastic Inevitable: cuando el rock se volvió visual. 

Debido al poco o nulo reconocimiento mediático que sus películas experimentales recibían, Andy Warhol buscaba entrar al mundo del rock n´roll para obtener mayor exposición comercial al crear un show multimedia en el que tanto el performance, las luces y sus películas como elementos visuales, se mezclaran con el sonido de una banda de rock en un concepto audiovisual nunca antes visto llamado en un principio Andy Warhol Up-Tight (con Edie Sedgwick en la primera alineación) y más tarde, The Exploding Plastic Inevitable.

La estética e inigualable sonido cacofónico y crudo de The Velvet Underground fue suficiente para que Gerard Malanga y Barbara Rubin – miembros en The Factory – dieran aviso a Andy Warhol sobre este grupo de inadaptados con un sonido inigualable. El mítico encuentro de The Velvets con Warhol se dio a finales de 1965 en el Café Bizarre. Después de escuchar una parte del set de Lou Reed y compañía, la alianza quedaría firmada, The Factory se convertiría en los cuarteles de ensayo y Warhol en el curador de un proyecto que sentaría las bases de la teatralidad audiovisual en el rock.

En vivo y en anfetaminas The Exploding Plastic Inevitable incluía a The Velvet Underground inmersos en estrobos, tocando generalmente de espaldas al público, a decibeles que serían penalizados actualmente, vestidos de negro, con lentes oscuros desiguales a Nico que fungía como arquetipo de todo lo bello y que contrastaba con el horror que se percibía en el escenario: el caos sonoro con la transgresión visual que incluía películas de Warhol de fondo empalmadas con proyecciones multicolores a cargo de Danny Williams y performances de Gerard Malanga y compañía en el escenario, tirados en el piso simulando un pinchazo de heroína en lo que Lou Reed cantaba la canción del mismo nombre o una simulación sadomasoquista con látigo en “Venus In Furs”.

“You were shocked because sometimes your imagination wasn´t strong enough to imagine people shooting up on stage, being crucified and licking boots” (Ronnie Cutrone) 

“The Velvets played so loud and crazy I couldn´t even begin to guess the decibels, and there were images projected everywhere” (Andy Warhol)

The Exploding Plastic Inevitable llegó a contar con hasta 12 miembros y su duración abarcaría de 1966 a mediados de 1967 hasta que la alianza Warhol - The Velvet Underground & Nico terminara. Su legado: sentaría las bases (al lado de la primera gestación de Pink Floyd con Syd Barrett en Inglaterra) de la teatralidad audiovisual en la música con un espectáculo transgresor para la audiencia así como la construcción del disco más importante de todos los tiempos.

Después de esto, la música y la cultura popular no serían las mismas.

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El año era 1965 en la gris y decadente ciudad de Nueva York donde la pretensión y los farsantes congeniaban con el arte verdadero y los genios aún con más descaro que los hippies en San Francisco. Nueva York era un laboratorio de expresión. Entre muchos otros factores: el mítico club, Max´s Kansas City – el punto de encuentro de pretensiosos y auténticos – The Factory de Andy Warhol y su séquito esnob, el avant-garde de La Monte Young, el cine experimental de Jonas Mekas así como las plumas de Kerouac, Burroughs y Ginsberg, fueron los encargados de brindar un cambio contracultural y subversivo en la cultura estadounidense.

Pero faltaba un reflector del realismo y decadencia neoyorkina que mezclara el ruido y el horror de sus calles con poesía; algo que viniera de abajo y que retratara lo que nadie se atrevía a retratar y a tocar.

La historia la conocemos todos: Lou Reed con su rock n' roll crudo y poesía ultra realista como retrato de la prostitución, el sexo, las drogas y la perversión en las calles mezclado con el avant-garde y la viola de John Cale. Y sí a eso le sumamos las seis cuerdas tan arraigadas en lo más crudo del blues de Sterling Morrison, la estética andrógina y el estilo monótono en las percusiones de Maureen Tucker y mas tarde y a petición de Warhol, la inclusión de la belleza y frialdad de un tesoro teutón llamado Nico, obtenemos como resultado al grupo más irreverente, auténtico e influyente en la historia de la música popular (lo siento Beatle-maníacos).

The Exploding Plastic Inevitable: cuando el rock se volvió visual. 

Debido al poco o nulo reconocimiento mediático que sus películas experimentales recibían, Andy Warhol buscaba entrar al mundo del rock n´roll para obtener mayor exposición comercial al crear un show multimedia en el que tanto el performance, las luces y sus películas como elementos visuales, se mezclaran con el sonido de una banda de rock en un concepto audiovisual nunca antes visto llamado en un principio Andy Warhol Up-Tight (con Edie Sedgwick en la primera alineación) y más tarde, The Exploding Plastic Inevitable.

La estética e inigualable sonido cacofónico y crudo de The Velvet Underground fue suficiente para que Gerard Malanga y Barbara Rubin – miembros en The Factory – dieran aviso a Andy Warhol sobre este grupo de inadaptados con un sonido inigualable. El mítico encuentro de The Velvets con Warhol se dio a finales de 1965 en el Café Bizarre. Después de escuchar una parte del set de Lou Reed y compañía, la alianza quedaría firmada, The Factory se convertiría en los cuarteles de ensayo y Warhol en el curador de un proyecto que sentaría las bases de la teatralidad audiovisual en el rock.

En vivo y en anfetaminas The Exploding Plastic Inevitable incluía a The Velvet Underground inmersos en estrobos, tocando generalmente de espaldas al público, a decibeles que serían penalizados actualmente, vestidos de negro, con lentes oscuros desiguales a Nico que fungía como arquetipo de todo lo bello y que contrastaba con el horror que se percibía en el escenario: el caos sonoro con la transgresión visual que incluía películas de Warhol de fondo empalmadas con proyecciones multicolores a cargo de Danny Williams y performances de Gerard Malanga y compañía en el escenario, tirados en el piso simulando un pinchazo de heroína en lo que Lou Reed cantaba la canción del mismo nombre o una simulación sadomasoquista con látigo en “Venus In Furs”.

“You were shocked because sometimes your imagination wasn´t strong enough to imagine people shooting up on stage, being crucified and licking boots” (Ronnie Cutrone) 

“The Velvets played so loud and crazy I couldn´t even begin to guess the decibels, and there were images projected everywhere” (Andy Warhol)

The Exploding Plastic Inevitable llegó a contar con hasta 12 miembros y su duración abarcaría de 1966 a mediados de 1967 hasta que la alianza Warhol - The Velvet Underground & Nico terminara. Su legado: sentaría las bases (al lado de la primera gestación de Pink Floyd con Syd Barrett en Inglaterra) de la teatralidad audiovisual en la música con un espectáculo transgresor para la audiencia así como la construcción del disco más importante de todos los tiempos.

Después de esto, la música y la cultura popular no serían las mismas.

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★ Written by Alejandro De Luna González,  English edition by Dalia Vasquez

elFANZINE

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June 21, 2013 - No Comments!

★ Emanuel Boldo (MX) | The Hippest Gif Art

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Emanuel Boldo a graphic designer and photographer from Mexico City tells us about his passion for collages, gifs, glitch and his zine Novato.


[Ver artículo en español abajo]

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Emanuel Boldo - SKTK
Emanuel Boldo - SKTK Emanuel Boldo - SKTK Emanuel Boldo - SKTKtumblr_mn6pv2kzHK1r5lhi1o1_400tumblr_mo221u1MO11r5lhi1o1_400Emanuel Boldo - SKTK
Emanuel Boldo - SKTK

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Emanuel Boldo

Graphic designer and photographer from Mexico City.

 

Emanuel recreates a unique point of view about the world that surrounds him with his analog camera and through a complete new twist, achieving highly creative (and also psychedelic) gifs.

We wanted to know more about his impressive visual appreciation and his creative process, therefore we interviewed Emanuel exclusively for Saketekilla*.

 

Tell us about the first memory that you have about practicing photography, how did this passion arise on you?

Actually when I was a kid I wanted to be a writer, the connection with photography arose when I was in high school. Since then I consider my photos reminders of things that happen around me.

 

Beside the photography, do you create any other kind of art?

I’m inspired by different forms of art, like creating collages to develop the editorial design of my projects and digital techniques like GIF. Lately I’m obsessed with “glitch” (screen image mistakes), which is produced when you change a .jpg to .txt and modify the structure of the image.

 

What kind of resources do you use to create your images, how long does it take you to get to a final result?

I use analog cameras of 35 mm and 120 mm, so the creative process is slower; but I like that. Sometimes I forget what I’ve shot! When I digitalize the images it’s when I begging to think what to do with them. Many of them remain on the screen; I haven’t figured out how to transfer a gif to paper… yet.

I transform the images that I take with my digital camera until they look totally low-re, sometimes this are the projects on which I concentrate the most.

 

As we know you live in Mexico City, what is your point of view about this city as a creative platform? What is happening in the local scene, what do you think about the emergent artists?

In the Mexican scene there are always gaps to generate new ideas outside the conventional blogs that are so called "fashionable" these days, simply because not everyone agrees with the concepts that they present as “emergent” or “different” or “independent”. Actually having a lot of sponsorships and institutions behind your projects doesn’t make you any “independent”. I think that Mexico City needs to get away of all that kind of media which standardizes the “alternative” concept, and  start to find new projects instead.

 

What inspires you?

Most of the time is a random though: People inspire me. What they are doing at that certain moment... and then I connect the dots until everything makes sense. Occasionally when I shot a scene I already think how it will look printed.

 

What are you doing lately? What projects do you have in mind?

I am a social media manager because I need to pay my bills (laugh), I write city recommendations for JOIN, a citizen news agency. I dedicate a lot of time to edit my zine “Novato”, I take a lot of photos and I write my thesis about the metamorphosis of editorial design and DIY.

 

In your tumblr you share a DIY “zine”, with the note: “I’m not going to wait until they publish me”. How did you come with that creative concept and how do you promote it?

Hey it is 2013, now we have Internet! “I’m not going to wait until they publish me” is because we don’t need to publish anything anymore! You need to value your own ideas. They are thousands of ways to print, commercialize and make your ideas go pretty far.

It is actually a zine that I named “Novato”, is a DIY project that consists of an auto edition exercise of a lot of my ideas, with a lot of photos that an editor would never accept. I presented the project at Garage Art, an event showcasing “emerging artists”.

I promote Novato in tumblr and I made an edition of 30 printed copies. About the prize, free ideas spread faster, so I decided to give it away to anyone who asks for it.

 

Your portfolio contains a lot of images from Mexico City, which place would you recommend to anyone who visit this world capital?

I would recommend the José Vasconcelos library (Morelos district), I think is a great place to spend your afternoon. The neighborhood San Rafael is also one of my favorites because is one of the first ones in town.

 

Which are your actual obsessions, meaning, songs you can’t stop listening to, the book you can’t stop reading or the movie that you can’t stop watching?

Song: “In my room” by the Beach Boys, Xtatic Truth (Spanish version) Crystal Fighters. Book: Ravens of Daniel Krauze. Movie: the last that I saw, “On the Road”.

-

We thank Emanuel for this inspiring interview. See more of his work on his SAKETEKILLA Portfolio.

 

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Emanuel Boldo

Graphic designer and photographer from Mexico City.

 

Emanuel recreates a unique point of view about the world that surrounds him with his analog camera and through a complete new twist, achieving highly creative (and also psychedelic) gifs.

We wanted to know more about his impressive visual appreciation and his creative process, therefore we interviewed Emanuel exclusively for Saketekilla*.

 

Tell us about the first memory that you have about practicing photography, how did this passion arise on you?

Actually when I was a kid I wanted to be a writer, the connection with photography arose when I was in high school. Since then I consider my photos reminders of things that happen around me.

 

Beside the photography, do you create any other kind of art?

I’m inspired by different forms of art, like creating collages to develop the editorial design of my projects and digital techniques like GIF. Lately I’m obsessed with “glitch” (screen image mistakes), which is produced when you change a .jpg to .txt and modify the structure of the image.

 

What kind of resources do you use to create your images, how long does it take you to get to a final result?

I use analog cameras of 35 mm and 120 mm, so the creative process is slower; but I like that. Sometimes I forget what I’ve shot! When I digitalize the images it’s when I begging to think what to do with them. Many of them remain on the screen; I haven’t figured out how to transfer a gif to paper… yet.

I transform the images that I take with my digital camera until they look totally low-re, sometimes this are the projects on which I concentrate the most.

 

As we know you live in Mexico City, what is your point of view about this city as a creative platform? What is happening in the local scene, what do you think about the emergent artists?

In the Mexican scene there are always gaps to generate new ideas outside the conventional blogs that are so called "fashionable" these days, simply because not everyone agrees with the concepts that they present as “emergent” or “different” or “independent”. Actually having a lot of sponsorships and institutions behind your projects doesn’t make you any “independent”. I think that Mexico City needs to get away of all that kind of media which standardizes the “alternative” concept, and  start to find new projects instead.

 

What inspires you?

Most of the time is a random though: People inspire me. What they are doing at that certain moment... and then I connect the dots until everything makes sense. Occasionally when I shot a scene I already think how it will look printed.

 

What are you doing lately? What projects do you have in mind?

I am a social media manager because I need to pay my bills (laugh), I write city recommendations for JOIN, a citizen news agency. I dedicate a lot of time to edit my zine “Novato”, I take a lot of photos and I write my thesis about the metamorphosis of editorial design and DIY.

 

In your tumblr you share a DIY “zine”, with the note: “I’m not going to wait until they publish me”. How did you come with that creative concept and how do you promote it?

Hey it is 2013, now we have Internet! “I’m not going to wait until they publish me” is because we don’t need to publish anything anymore! You need to value your own ideas. They are thousands of ways to print, commercialize and make your ideas go pretty far.

It is actually a zine that I named “Novato”, is a DIY project that consists of an auto edition exercise of a lot of my ideas, with a lot of photos that an editor would never accept. I presented the project at Garage Art, an event showcasing “emerging artists”.

I promote Novato in tumblr and I made an edition of 30 printed copies. About the prize, free ideas spread faster, so I decided to give it away to anyone who asks for it.

 

Your portfolio contains a lot of images from Mexico City, which place would you recommend to anyone who visit this world capital?

I would recommend the José Vasconcelos library (Morelos district), I think is a great place to spend your afternoon. The neighborhood San Rafael is also one of my favorites because is one of the first ones in town.

 

Which are your actual obsessions, meaning, songs you can’t stop listening to, the book you can’t stop reading or the movie that you can’t stop watching?

Song: “In my room” by the Beach Boys, Xtatic Truth (Spanish version) Crystal Fighters. Book: Ravens of Daniel Krauze. Movie: the last that I saw, “On the Road”.

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We thank Emanuel for this inspiring interview. See more of his work on his SAKETEKILLA Portfolio.

 

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Emanuel Boldo

Diseñador gráfico y fotógrafo de la Ciudad de México.

 

A pesar de lo común que pueda denominarse ese espacio laboral en la actualidad, Emanuel recrea su alrededor y lo impregna con su cámara análoga, dándole un nuevo concepto a sus fotografías, transformándolas en creativos (e incluso algo psicodélicos) gifs que comparte en su Diario Fotográfico “Novato”.

Para adentrarnos un poco a su singular manera de apreciación visual y su proceso creativo, nos comparte esta entrevista exclusiva para Saketekilla*.

 

¿Cuál es el primer recuerdo que tienes respecto a practicar fotografía?, Cómo nació dicha pasión en ti?

En realidad cuando era niño quería ser escritor, la fotografía llegó hasta la preparatoria, y la conexión se da porque considero mis fotos como anotaciones de sucesos que me rodean.

 

Aparte de la fotografía ¿creas otro tipo de arte? 

Me baso en algunas corrientes artísticas como el collage para desarrollar el diseño editorial de mis proyectos, las técnicas digitales como GIF, últimamente me obsesionado con el glitch (errores de imagen en la pantalla) que se producen al cambiar una imágenes .jpg a .txt y modificar su estructura.

 

Además de la cámara, ¿Qué medios utilizas para crear tus imágenes y exponerlas ya como un proyecto final?, ¿Tardas mucho en la producción de las mismas?

Como utilizo cámaras análogas de 35 mm y 120 mm, el proceso creativo se vuelve más lento; y me agrada. Hay veces que olvidó que había tomado, digitalizo las imágenes y es ahí cuando empiezo a pensar que hacer con ellas, muchas solo se quedan en la pantalla porque aún no ideó la forma de pasar un .gif al papel.

La imágenes que llegó a tomar con la cámara digital, las transformó hasta que parezcan totalmente de baja definición a veces son en las que más me concentro.

 

Sabemos que vives en la Ciudad de México, ¿Podrías darnos tu punto de vista acerca del DF como plataforma creativa?, ¿Qué está pasando en este ámbito y qué opinas de los artistas emergentes de dicha ciudad?

Considero que a veces son las mismas personas adulándose unos a otros todo el tiempo, pero siempre hay espacio para generar ideas que están  fuera de los blogs de moda, no todos debemos de estar de acuerdo con lo que nos presentan como “emergente” o diferente, tener un chingo de patrocinio e instituciones detrás de tus proyectos no te hace independiente. Creo que en la Ciudad de México necesitamos alejarnos de todos los medios que estandarizan lo “alternativo” para encontrar nuevos proyectos.

 

¿Qué te inspira para tomar una fotografía?, ¿Qué te llama la atención para que esa escena sea recreada por ti.

Muchas veces es el azar: me inspiran las personas, lo que está haciendo en ese momento, todo interfiere  la mayoría de las veces me imagino la escena impresa.

 

¿A qué te dedicas en la actualidad, en que proyectos trabajas últimamente?

Soy social media manager, porque de algo tengo que vivir (risa) escribo recomendaciones de la ciudad para JOIN una agencia ciudadana de noticias, le dedico mucho tiempo a editar mi zine Novato, tomó muchas fotografías, escribo mi tesis sobre la metamorfosis del diseño editorial, y el “hazlo tu mismo”.

 

En tu tumblr aparece una pequeña revista hecha por ti mismo, con la nota “No voy a esperar a que me publiquen”. ¿Cómo se te ocurrió esta idea, y de qué manera la difundes?

En cuanto a “no voy a esperar a que me publiquen” es como decir,  es 2013 y no necesito que nadie valide mis ideas, existe el internet, hay miles de formas de imprimir, comercializar, y hacer llegar tus ideas muy lejos.

Es un zine (una pequeña publicación de baja circulación) que se llama Novato, es un proyecto “hazlo tu mismo”  consiste en un ejercicio de autoedición de muchas de mis ideas, muchas fotografías que ningún editor hubiera aceptado,  lo presente en Garage Art una feria dedicada a los “artistas emergentes”  lo promociono por medio de tumblr y cada edición es de 30 piezas. ¿El costo? las ideas libres se difunden más rápido, así que he decidido regalarlo a quien me lo pida.

 

En tu portafolio aparece muchos encuadres de la ciudad (DF), ¿Tienes algún lugar predilecto o un punto que recomiendes ampliamente para quienes visiten la capital?

El punto que más recomiendo es la biblioteca José Vasconcelos, en la Colonia Morelos se me hace un buen lugar para pasar el día, la colonia San Rafael también es de mis favoritas ya que es de las primeras  colonias que se trazaron en la ciudad.

 

¿Cuáles son tus obsesiones actuales? La canción que no puedas dejar de escuchar, el libro que no sueltas o la película que no salga de tu cabeza en los últimos días.

Canción: “In my room” de los Beach Boys /  Xtatic Truth (versión en español) Crystal Fighters.

Libro: Cuervos de Daniel Krauze.

Película: la última que vi “On the Road”.

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Agrademos a Emanuel por esta entrevista inspiradora. Más de él en el portafolio de creativos de SAKETEKILLA.

 

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

 

Emanuel Boldo

Diseñador gráfico y fotógrafo de la Ciudad de México.

 

A pesar de lo común que pueda denominarse ese espacio laboral en la actualidad, Emanuel recrea su alrededor y lo impregna con su cámara análoga, dándole un nuevo concepto a sus fotografías, transformándolas en creativos (e incluso algo psicodélicos) gifs que comparte en su Diario Fotográfico “Novato”.

Para adentrarnos un poco a su singular manera de apreciación visual y su proceso creativo, nos comparte esta entrevista exclusiva para Saketekilla*.

 

¿Cuál es el primer recuerdo que tienes respecto a practicar fotografía?, Cómo nació dicha pasión en ti?

En realidad cuando era niño quería ser escritor, la fotografía llegó hasta la preparatoria, y la conexión se da porque considero mis fotos como anotaciones de sucesos que me rodean.

 

Aparte de la fotografía ¿creas otro tipo de arte? 

Me baso en algunas corrientes artísticas como el collage para desarrollar el diseño editorial de mis proyectos, las técnicas digitales como GIF, últimamente me obsesionado con el glitch (errores de imagen en la pantalla) que se producen al cambiar una imágenes .jpg a .txt y modificar su estructura.

 

Además de la cámara, ¿Qué medios utilizas para crear tus imágenes y exponerlas ya como un proyecto final?, ¿Tardas mucho en la producción de las mismas?

Como utilizo cámaras análogas de 35 mm y 120 mm, el proceso creativo se vuelve más lento; y me agrada. Hay veces que olvidó que había tomado, digitalizo las imágenes y es ahí cuando empiezo a pensar que hacer con ellas, muchas solo se quedan en la pantalla porque aún no ideó la forma de pasar un .gif al papel.

La imágenes que llegó a tomar con la cámara digital, las transformó hasta que parezcan totalmente de baja definición a veces son en las que más me concentro.

 

Sabemos que vives en la Ciudad de México, ¿Podrías darnos tu punto de vista acerca del DF como plataforma creativa?, ¿Qué está pasando en este ámbito y qué opinas de los artistas emergentes de dicha ciudad?

Considero que a veces son las mismas personas adulándose unos a otros todo el tiempo, pero siempre hay espacio para generar ideas que están  fuera de los blogs de moda, no todos debemos de estar de acuerdo con lo que nos presentan como “emergente” o diferente, tener un chingo de patrocinio e instituciones detrás de tus proyectos no te hace independiente. Creo que en la Ciudad de México necesitamos alejarnos de todos los medios que estandarizan lo “alternativo” para encontrar nuevos proyectos.

 

¿Qué te inspira para tomar una fotografía?, ¿Qué te llama la atención para que esa escena sea recreada por ti.

Muchas veces es el azar: me inspiran las personas, lo que está haciendo en ese momento, todo interfiere  la mayoría de las veces me imagino la escena impresa.

 

¿A qué te dedicas en la actualidad, en que proyectos trabajas últimamente?

Soy social media manager, porque de algo tengo que vivir (risa) escribo recomendaciones de la ciudad para JOIN una agencia ciudadana de noticias, le dedico mucho tiempo a editar mi zine Novato, tomó muchas fotografías, escribo mi tesis sobre la metamorfosis del diseño editorial, y el “hazlo tu mismo”.

 

En tu tumblr aparece una pequeña revista hecha por ti mismo, con la nota “No voy a esperar a que me publiquen”. ¿Cómo se te ocurrió esta idea, y de qué manera la difundes?

En cuanto a “no voy a esperar a que me publiquen” es como decir,  es 2013 y no necesito que nadie valide mis ideas, existe el internet, hay miles de formas de imprimir, comercializar, y hacer llegar tus ideas muy lejos.

Es un zine (una pequeña publicación de baja circulación) que se llama Novato, es un proyecto “hazlo tu mismo”  consiste en un ejercicio de autoedición de muchas de mis ideas, muchas fotografías que ningún editor hubiera aceptado,  lo presente en Garage Art una feria dedicada a los “artistas emergentes”  lo promociono por medio de tumblr y cada edición es de 30 piezas. ¿El costo? las ideas libres se difunden más rápido, así que he decidido regalarlo a quien me lo pida.

 

En tu portafolio aparece muchos encuadres de la ciudad (DF), ¿Tienes algún lugar predilecto o un punto que recomiendes ampliamente para quienes visiten la capital?

El punto que más recomiendo es la biblioteca José Vasconcelos, en la Colonia Morelos se me hace un buen lugar para pasar el día, la colonia San Rafael también es de mis favoritas ya que es de las primeras  colonias que se trazaron en la ciudad.

 

¿Cuáles son tus obsesiones actuales? La canción que no puedas dejar de escuchar, el libro que no sueltas o la película que no salga de tu cabeza en los últimos días.

Canción: “In my room” de los Beach Boys /  Xtatic Truth (versión en español) Crystal Fighters.

Libro: Cuervos de Daniel Krauze.

Película: la última que vi “On the Road”.

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Agrademos a Emanuel por esta entrevista inspiradora. Más de él en el portafolio de creativos de SAKETEKILLA.

 

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By Liz Dmz

 

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