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May 6, 2015 - No Comments!

★ C215 (FR) | Stencil Anonymity

French street artist Christian Guémy, also known as C215, travels around the world capturing wondrous close-up portraits of street people. Thanks to his extraordinary stencil expertise -developed since 2006- Guémy transforms the image of smokers, beggars, homeless and old-age people, refugees, and street kids, into authentically emotive works of art.

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April 8, 2015 - No Comments!

★ Damon Hunter (AU) | Hidden Urban Beauty

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Native from Melbourne, Australia, Damon Hunter’s brilliant street photographs have risen to public attention due to their versatile and unusual style. From colorful glass surfaces to overlooked homeless people, Hunter makes the best out his photographic expertise and sharp observation to give the viewer a fresh and truthful perspective of the outside world.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Passionate of natural light and urban life, Melbourne-based street photographer Damon Hunter gets his stronger inspiration from the outer world. Since the official beginning of his photographic career in 2011, he has developed a neat style where spontaneity and order meet to provoke a profound sense of truthfulness.

An adventurer, Hunter wanders around the streets, carefully observing his surroundings and finding beauty in the ordinary. His two most internationally acclaimed projects, “The Color of Glass” and “Living Rough”, are stunning examples of his versatile talent and great predisposition to capture remarkable detailed shoots in urban settings.

The Color of Glass” is a project about patterns, luminosity and color. Hunter chose the outdoor crystal façades of buildings like hospitals, universities and corporate offices, to represent multiple iridescent hues and gradations of color. Keen for perfection and order, Hunter focused in four specific elements for each one of his snapshots: symmetry, shapes, angles and color. Only by analyzing each of those features, Damon found the best viewpoint from where to capture unique shimmering compositions.

In contrast to the vibrant style of his crystal shoots, “Living Rough” is an ongoing black and white project about the harsh reality of homeless people. Hunter makes each photograph unique by creating an unconventional composition capable to tell the story of the protagonist. He does not prepare his models, but captures them without further notice and positions them within a perfectly thought scene. Hunter complements his work with interviews that can be found in the official Facebook website of the project. His goal is to make people aware that “… these individuals had and have dreams and aspirations, they have skills and talents, and their reasons for being where they are may surprise, shock and disturb you”.

More information on Damon Hunter here.

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Passionate of natural light and urban life, Melbourne-based street photographer Damon Hunter gets his stronger inspiration from the outer world. Since the official beginning of his photographic career in 2011, he has developed a neat style where spontaneity and order meet to provoke a profound sense of truthfulness.

An adventurer, Hunter wanders around the streets, carefully observing his surroundings and finding beauty in the ordinary. His two most internationally acclaimed projects, “The Color of Glass” and “Living Rough”, are stunning examples of his versatile talent and great predisposition to capture remarkable detailed shoots in urban settings.

The Color of Glass” is a project about patterns, luminosity and color. Hunter chose the outdoor crystal façades of buildings like hospitals, universities and corporate offices, to represent multiple iridescent hues and gradations of color. Keen for perfection and order, Hunter focused in four specific elements for each one of his snapshots: symmetry, shapes, angles and color. Only by analyzing each of those features, Damon found the best viewpoint from where to capture unique shimmering compositions.

In contrast to the vibrant style of his crystal shoots, “Living Rough” is an ongoing black and white project about the harsh reality of homeless people. Hunter makes each photograph unique by creating an unconventional composition capable to tell the story of the protagonist. He does not prepare his models, but captures them without further notice and positions them within a perfectly thought scene. Hunter complements his work with interviews that can be found in the official Facebook website of the project. His goal is to make people aware that “… these individuals had and have dreams and aspirations, they have skills and talents, and their reasons for being where they are may surprise, shock and disturb you”.

More information on Damon Hunter here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Con residencia en la ciudad de Melbourne, Australia, Damon Hunter es un fotógrafo urbano cuyo versátil estilo ha llamado la atención del público internacional gracias a su extraordinaria peculiaridad. Capturando desde coloridas superficies de cristal, hasta la cruda realidad que viven los vagabundos, Hunter aprovecha su experiencia y agudo sentido de observación para crear imágenes que brinden al observador una nueva y auténtica perspectiva del mundo exterior.

Apasionado de la luz natural y de la vida urbana, Damon Hunter obtiene de la calle su principal fuente de inspiración. Desde el inicio oficial de su carrera como fotógrafo en el año 2011, ha desarrollado un formidable estilo donde la espontaneidad y el orden se unen para provocar un profundo sentido de franqueza y belleza.

Como todo un aventurero, Damon pasea por las calles observando cuidadosamente sus alrededores para encontrar la perfección donde menos se lo espera. Dos de sus más reconocidos proyectos a nivel mundial, “The Color of Glass” (El Color del Cristal) y “Living Rough” (Viviendo Sin Comodidades), son ejemplos de su gran versatilidad y predisposición para capturar escenas urbanas llenas de detalle y originalidad.

The Color of Glass” es un proyecto enfocado en patrones, luminosidad y color. Hunter escogió las fachadas de edificios como hospitales, universidades y oficinas corporativas para representar infinidad de gradaciones de colores. Contantemente interesado en la perfección y el orden, Damon analizó minuciosamente cuatro elementos básicos en cada toma para lograr innovadoras perspectivas: simetría, forma, ángulos y color.

Contrario al estilo vibrante de su proyecto en cristal, “Living Rough” es un trabajo en blanco y negro enfocado en capturar la cruda realidad que viven los vagabundos. Aún en curso, este proyecto se compone de fotografías creadas a base de composiciones poco convencionales pero capaces de relatar la historia del protagonista. Hunter no prepara a sus modelos, sino que los fotografía sin hacerles saber que están siendo producto del arte y usualmente los posiciona en una escena perfectamente pensada. El artista complementa su trabajo entrevistando a sus modelos; dichos relatos pueden ser encontrados en la página oficial de Facebook del proyecto. Su objetivo es hacer que la gente se percate que “estos individuos tuvieron y aún tienen sueños y aspiraciones, tienen habilidades y talentos, y la razón por la cual están en dicha situación puede a lo mejor sorprenderte, alarmarte o perturbarte”.

Más información sobre Damon Hunter aquí.

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Con residencia en la ciudad de Melbourne, Australia, Damon Hunter es un fotógrafo urbano cuyo versátil estilo ha llamado la atención del público internacional gracias a su extraordinaria peculiaridad. Capturando desde coloridas superficies de cristal, hasta la cruda realidad que viven los vagabundos, Hunter aprovecha su experiencia y agudo sentido de observación para crear imágenes que brinden al observador una nueva y auténtica perspectiva del mundo exterior.

Apasionado de la luz natural y de la vida urbana, Damon Hunter obtiene de la calle su principal fuente de inspiración. Desde el inicio oficial de su carrera como fotógrafo en el año 2011, ha desarrollado un formidable estilo donde la espontaneidad y el orden se unen para provocar un profundo sentido de franqueza y belleza.

Como todo un aventurero, Damon pasea por las calles observando cuidadosamente sus alrededores para encontrar la perfección donde menos se lo espera. Dos de sus más reconocidos proyectos a nivel mundial, “The Color of Glass” (El Color del Cristal) y “Living Rough” (Viviendo Sin Comodidades), son ejemplos de su gran versatilidad y predisposición para capturar escenas urbanas llenas de detalle y originalidad.

The Color of Glass” es un proyecto enfocado en patrones, luminosidad y color. Hunter escogió las fachadas de edificios como hospitales, universidades y oficinas corporativas para representar infinidad de gradaciones de colores. Contantemente interesado en la perfección y el orden, Damon analizó minuciosamente cuatro elementos básicos en cada toma para lograr innovadoras perspectivas: simetría, forma, ángulos y color.

Contrario al estilo vibrante de su proyecto en cristal, “Living Rough” es un trabajo en blanco y negro enfocado en capturar la cruda realidad que viven los vagabundos. Aún en curso, este proyecto se compone de fotografías creadas a base de composiciones poco convencionales pero capaces de relatar la historia del protagonista. Hunter no prepara a sus modelos, sino que los fotografía sin hacerles saber que están siendo producto del arte y usualmente los posiciona en una escena perfectamente pensada. El artista complementa su trabajo entrevistando a sus modelos; dichos relatos pueden ser encontrados en la página oficial de Facebook del proyecto. Su objetivo es hacer que la gente se percate que “estos individuos tuvieron y aún tienen sueños y aspiraciones, tienen habilidades y talentos, y la razón por la cual están en dicha situación puede a lo mejor sorprenderte, alarmarte o perturbarte”.

Más información sobre Damon Hunter aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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March 11, 2015 - No Comments!

★ Robert Montgomery (UK) | Inspiring Subversive Words

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

London-based artist Robert Montgomery is one of the recent figures who have captivated countless of worldwide readers with his poetic narratives placed in public locations. Of a tender and melancholic nature, his text-art installations are writings that express his deepest beliefs regarding modern life and the detrimental influence that capitalism and the advertisement industry have over society.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text] montgomery20 montgomery19 montgomery23 montgomery1 montgomery21 montgomery3 montgomery9 montgomery22 montgomery8 montgomery12 montgomery10 [/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in Chapelhall, Scotland, Robert Montgomery is a fine artist who has gained public acknowledgement -particularly in magazines and online blogs- for his extraordinary use of text-art installations. He got his BA and MFA at the Edinburgh College of Art, and during his time as a student, he became passionate of the text-based art and the Situationist Movement from the 1960s.

The Situationists were a group of artists, writers, and filmmakes in Europe that criticized the power of public images, the loss of the people’s willpower to make decisions, and the creation of a society immersed in an unreal and materialistic world. They advertised their ideas in the form of public communication-guerilla propaganda, like comics, pamphlets, posters, slogans, collages and graffitis.

Following the same principle, Robert Montgomery works in what is now called “Brandalism” (graffiti + brand + vandalism), a contemporary movement that challenges the advertising industry by publicly placing different artworks in the same rectangular spaces where people usually find commercial ads. In 2012, Montgomery and other 25 artists appropriated 37 billboards in five important cities across the United Kingdom and altered them with their defiant artistic style.

Montgomery uses a simple yet effective tactic to make his work as impactful as possible. Unlike the regular ads which people should be able to read in a few seconds while walking, Robert makes his texts long enough so people have to stop and read them. By disregarding the established time that should take a billboard to be read by passers-by, he defies one of the most basic guidelines of advertising.

Among his most renowned texts are “THE PEOPLE YOU LOVE BECOME GHOSTS INSIDE OF YOU AND LIKE THIS YOU KEEP THEM ALIVE” and his 2009 piece “WHENEVER YOU SEE THE SUN REFLECTED IN THE WINDOW OF A BUILDING IT IS AN ANGEL”, which was then selected to appear in the new pop-up Dior Homme store in SoHo, New York in 2012.

Tired of meaningless ads, Robert Montgomery started his career by “illegally” working on someone else’s billboards in 2004. Today, he also creates recycled sunlight artworks, fire poems that burn and disintegrate, woodcut panels, and watercolors. His style remains simple, frequently working in white and black and often adding bright LED lights to illuminate his remarkable poems.

More information on Robert Montgomery here.

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Born in Chapelhall, Scotland, Robert Montgomery is a fine artist who has gained public acknowledgement -particularly in magazines and online blogs- for his extraordinary use of text-art installations. He got his BA and MFA at the Edinburgh College of Art, and during his time as a student, he became passionate of the text-based art and the Situationist Movement from the 1960s.

The Situationists were a group of artists, writers, and filmmakes in Europe that criticized the power of public images, the loss of the people’s willpower to make decisions, and the creation of a society immersed in an unreal and materialistic world. They advertised their ideas in the form of public communication-guerilla propaganda, like comics, pamphlets, posters, slogans, collages and graffitis.

Following the same principle, Robert Montgomery works in what is now called “Brandalism” (graffiti + brand + vandalism), a contemporary movement that challenges the advertising industry by publicly placing different artworks in the same rectangular spaces where people usually find commercial ads. In 2012, Montgomery and other 25 artists appropriated 37 billboards in five important cities across the United Kingdom and altered them with their defiant artistic style.

Montgomery uses a simple yet effective tactic to make his work as impactful as possible. Unlike the regular ads which people should be able to read in a few seconds while walking, Robert makes his texts long enough so people have to stop and read them. By disregarding the established time that should take a billboard to be read by passers-by, he defies one of the most basic guidelines of advertising.

Among his most renowned texts are “THE PEOPLE YOU LOVE BECOME GHOSTS INSIDE OF YOU AND LIKE THIS YOU KEEP THEM ALIVE” and his 2009 piece “WHENEVER YOU SEE THE SUN REFLECTED IN THE WINDOW OF A BUILDING IT IS AN ANGEL”, which was then selected to appear in the new pop-up Dior Homme store in SoHo, New York in 2012.

Tired of meaningless ads, Robert Montgomery started his career by “illegally” working on someone else’s billboards in 2004. Today, he also creates recycled sunlight artworks, fire poems that burn and disintegrate, woodcut panels, and watercolors. His style remains simple, frequently working in white and black and often adding bright LED lights to illuminate his remarkable poems.

More information on Robert Montgomery here.

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Nacido en Chapelhall, Escocia y con residencia actual en Londres, Reino Unido, Robert Montgomery es uno de los más recientes artistas que ha logrado cautivar a un sin fin de lectores con sus extraordinarios poemas ubicados en lugares públicos. De una naturaleza tierna y melancólica, sus instalaciones de arte-texto son escritos que expresan sus más profundas creencias en cuanto a la vida moderna y el inquietante impacto que el capitalismo y la industria publicitaria tienen sobre la sociedad.

Su trabajo ha recibido gran reconocimiento principalmente en revistas y blogs en línea. Estudió su licenciatura y maestría en Arte en el Edinburgh College of Art y fue durante su época como estudiante que nació su pasión por el arte basado en textos y su interés en el Movimiento Situacionista de los años 60’s.

Los Situacionistas fueron un grupo de artistas, escritores y cinematógrafos en Europa que criticaron la influencia de las imágenes públicas, la pérdida del poder de las personas para tomar decisiones y la creación de una sociedad inmersa en un mundo irreal y materialista. Se dedicaron a publicar sus protestas a través de métodos de mercadotecnia poco convencionales, como cómics, panfletos, posters, slogans, collages y graffitis.

Bajo el mismo principio, Robert Montgomery trabaja en lo que hoy en día ha sido definido como “Brandalism” (graffiti + brand (marca) + vandalism), un movimiento contemporáneo que desafía la industria publicitaria por medio de la creación de obras en los mismos espacios públicos donde se suelen observar los anuncios publicitarios de diversas marcas. En el 2012, Montgomery y 25 otros artistas se apropiaron “ilegalmente” de 37 carteles en cinco ciudades importantes del Reino Unido, alterándolos con su desafiante estilo artístico.

Montgomery utiliza una técnica simple pero altamente efectiva para lograr que su trabajo tenga el mayor impacto posible en las personas. A diferencia de los anuncios comunes que deben tomar sólo unos segundos en ser leídos mientras la gente camina, Robert hace que sus escritos sean lo suficientemente largos para que el transeúnte se vea en la necesidad de detenerse a leerlos. De esta manera, al ignorar el tiempo establecido que debe tomar un anuncio en ser leído, el artista desafía una de las pautas más básicas de la publicidad.

Entre sus escritos más famosos se encuentran “THE PEOPLE YOU LOVE BECOME GHOSTS INSIDE OF YOU AND LIKE THIS YOU KEEP THEM ALIVE” (La gente que amas se convierte en fantasma dentro de ti y de esta manera los mantienes vivos) y su trabajo creado en el 2009 “WHENEVER YOU SEE THE SUN REFLECTED IN THE WINDOW OF A BUILDING IT IS AN ANGEL” (Cuando quiera que veas el sol reflejado en la ventana de un edificio es un ángel), el cual fue posteriormente seleccionado para aparecer en el nuevo aparador de Dior Homme en Soho, Nueva York en el 2012.

Harto de anuncios publicitarios sin sentido, Robert Montgomery comenzó su carrera apropiándose de manera “ilegal” de escaparates ajenos en el 2004. Hoy en día también es creador de trabajos que reciclan la luz solar, poemas que se incendian y se desintegran, páneles de madera y acuarelas. Su estilo se mantiene simple, trabajando frecuentemente en blanco y negro y añadiendo luz LED para iluminar sus increíbles pensamientos.

Más información sobre Robert Montgomery aquí.

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Nacido en Chapelhall, Escocia y con residencia actual en Londres, Reino Unido, Robert Montgomery es uno de los más recientes artistas que ha logrado cautivar a un sin fin de lectores con sus extraordinarios poemas ubicados en lugares públicos. De una naturaleza tierna y melancólica, sus instalaciones de arte-texto son escritos que expresan sus más profundas creencias en cuanto a la vida moderna y el inquietante impacto que el capitalismo y la industria publicitaria tienen sobre la sociedad.

Su trabajo ha recibido gran reconocimiento principalmente en revistas y blogs en línea. Estudió su licenciatura y maestría en Arte en el Edinburgh College of Art y fue durante su época como estudiante que nació su pasión por el arte basado en textos y su interés en el Movimiento Situacionista de los años 60’s.

Los Situacionistas fueron un grupo de artistas, escritores y cinematógrafos en Europa que criticaron la influencia de las imágenes públicas, la pérdida del poder de las personas para tomar decisiones y la creación de una sociedad inmersa en un mundo irreal y materialista. Se dedicaron a publicar sus protestas a través de métodos de mercadotecnia poco convencionales, como cómics, panfletos, posters, slogans, collages y graffitis.

Bajo el mismo principio, Robert Montgomery trabaja en lo que hoy en día ha sido definido como “Brandalism” (graffiti + brand (marca) + vandalism), un movimiento contemporáneo que desafía la industria publicitaria por medio de la creación de obras en los mismos espacios públicos donde se suelen observar los anuncios publicitarios de diversas marcas. En el 2012, Montgomery y 25 otros artistas se apropiaron “ilegalmente” de 37 carteles en cinco ciudades importantes del Reino Unido, alterándolos con su desafiante estilo artístico.

Montgomery utiliza una técnica simple pero altamente efectiva para lograr que su trabajo tenga el mayor impacto posible en las personas. A diferencia de los anuncios comunes que deben tomar sólo unos segundos en ser leídos mientras la gente camina, Robert hace que sus escritos sean lo suficientemente largos para que el transeúnte se vea en la necesidad de detenerse a leerlos. De esta manera, al ignorar el tiempo establecido que debe tomar un anuncio en ser leído, el artista desafía una de las pautas más básicas de la publicidad.

Entre sus escritos más famosos se encuentran “THE PEOPLE YOU LOVE BECOME GHOSTS INSIDE OF YOU AND LIKE THIS YOU KEEP THEM ALIVE” (La gente que amas se convierte en fantasma dentro de ti y de esta manera los mantienes vivos) y su trabajo creado en el 2009 “WHENEVER YOU SEE THE SUN REFLECTED IN THE WINDOW OF A BUILDING IT IS AN ANGEL” (Cuando quiera que veas el sol reflejado en la ventana de un edificio es un ángel), el cual fue posteriormente seleccionado para aparecer en el nuevo aparador de Dior Homme en Soho, Nueva York en el 2012.

Harto de anuncios publicitarios sin sentido, Robert Montgomery comenzó su carrera apropiándose de manera “ilegal” de escaparates ajenos en el 2004. Hoy en día también es creador de trabajos que reciclan la luz solar, poemas que se incendian y se desintegran, páneles de madera y acuarelas. Su estilo se mantiene simple, trabajando frecuentemente en blanco y negro y añadiendo luz LED para iluminar sus increíbles pensamientos.

Más información sobre Robert Montgomery aquí.

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December 24, 2014 - No Comments!

★ Binho Ribeiro (BR) | The Brazilian Side Of Graffiti

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in São Paulo, Binho Ribeiro is currently one of the most influential artistic figures and pioneers of the street art scene in Brazil. At a very young age he witnessed the exciting art of the graffiti and felt immediately drawn to its beauty and representation technique. Today, Ribeiro is the author of vibrant artworks depicting extraordinary 3D texts and different characters inspired by Brazilian wildlife and color. Throughout his career, he has created his flamboyant paintings in places like Paris, Tokyo, Los Angeles, Amsterdam, Beirut, Cape Town, Beijing and almost the entire Brazilian country.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Fabio Luiz Santos Ribeiro, also known as Binho Ribeiro, is a passionate artist and one of the first ones to bring to life the art of the graffiti in Brazil. His career began in 1984 as a result of his experience as a break-dancer and skater. “It was natural for me to express myself through graffiti” he shared with Global Street Art. Other sources of great influence were also his acquaintances with urban artists Os Gemeos and Speto, who would go out to the streets and paint. Little by little, Binho’s graffiti artworks grew in creativity and technique and soon enough he was able to transition from the representation of characters to a fantastic depiction of letters. Nowadays, his humorous style is known worldwide for his balanced contrast of smooth strokes, colors and forms inspired on Brazilian elements.

Nevertheless, Ribeiro’s 3D graffiti letters, illustrations and comical characters are by far his unique interest. He also works to help people, create a better environment for society, and support the street art platform in Brazil. In recent years, he has organized and curated street art cultural events –like the International Biennial of Fine Art Graffiti at the MUBE museum (Museu Brasileiro de Esculturas / Brazilian Museum of Sculptures) - in the hopes of reuniting young artists, expose their work and expand the embellishment of Brazilian streets.

“In Brazil graffiti is an art that educates young people. In many places it is used as a force against crime and vandalism. People support us now and we do projects with a big impact, supported by companies and the government”. – Binho Ribeiro told Global Street Art

Brazil is a country where street art is turning into a way a life. Artists from all over the world travel to Brazilian lands to participate in this collective movement in which they create magnificent works of art in all types of cities and neighborhoods. There is no doubt that in a place with such a powerful source of inspiration and support, the imaginary art of Binho Ribeiro will continue to thrive.

More information on Binho Ribeiro here.

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Fabio Luiz Santos Ribeiro, also known as Binho Ribeiro, is a passionate artist and one of the first ones to bring to life the art of the graffiti in Brazil. His career began in 1984 as a result of his experience as a break-dancer and skater. “It was natural for me to express myself through graffiti” he shared with Global Street Art. Other sources of great influence were also his acquaintances with urban artists Os Gemeos and Speto, who would go out to the streets and paint. Little by little, Binho’s graffiti artworks grew in creativity and technique and soon enough he was able to transition from the representation of characters to a fantastic depiction of letters. Nowadays, his humorous style is known worldwide for his balanced contrast of smooth strokes, colors and forms inspired on Brazilian elements.

Nevertheless, Ribeiro’s 3D graffiti letters, illustrations and comical characters are by far his unique interest. He also works to help people, create a better environment for society, and support the street art platform in Brazil. In recent years, he has organized and curated street art cultural events –like the International Biennial of Fine Art Graffiti at the MUBE museum (Museu Brasileiro de Esculturas / Brazilian Museum of Sculptures) - in the hopes of reuniting young artists, expose their work and expand the embellishment of Brazilian streets.

“In Brazil graffiti is an art that educates young people. In many places it is used as a force against crime and vandalism. People support us now and we do projects with a big impact, supported by companies and the government”. – Binho Ribeiro told Global Street Art

Brazil is a country where street art is turning into a way a life. Artists from all over the world travel to Brazilian lands to participate in this collective movement in which they create magnificent works of art in all types of cities and neighborhoods. There is no doubt that in a place with such a powerful source of inspiration and support, the imaginary art of Binho Ribeiro will continue to thrive.

More information on Binho Ribeiro here.

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Con residencia en São Paulo, Binho Ribeiro es en la actualidad uno de los pioneros y figuras artísticas más sobresalientes en el mundo del arte urbano en Brasil. A muy temprana edad fue testigo del no tan conocido arte del graffiti y desde entonces se sintió atraído por su belleza y técnica de representación. Hoy en día, Ribeiro es el creador de vibrantes obras de arte que expresan extraordinarios textos en tercera dimensión y diversos personajes cuya inspiración ha nacido de la fauna y los llamativos colores Brasileños. A lo largo de su carrera, Binho ha trabajado en lugares como París, Tokio, Los Ángeles, Ámsterdam, Beirut, Ciudad del Cabo, Beijing y casi todos los estados en Brasil.

Fabio Luiz Santos Ribeiro, también conocido como Binho Ribeiro, es un apasionado artista y uno de los primeros en iniciar el movimiento del arte urbano en Brasil. Su carrera comenzó en 1984 como resultado de sus experiencias como bailarín de break-dance y patinador. “Era natural para mi expresarme a través del graffiti” comentó con Global Street Art. Otras fuentes de inspiración fueron a su vez su amistad con los artistas urbanos Os Gemeos y Speto, con quienes solía salir a las calles a pintar. Poco a poco, los graffitis hechos por Binho evolucionaron en creatividad y técnica y muy pronto fue capaz de crear no solamente personajes sino también fantásticas letras y textos. En la actualidad su estilo lleno de humor es conocido a nivel internacional por su excelente balance de contrastes de líneas suaves, colores y formas inspiradas en elementos Brasileños.

Sin embargo, los graffitis, letras, ilustraciones y cómicos personajes creados por Ribeiro están lejos de ser su único interés. También trabaja para ayudar a la gente, crear un mejor ambiente para la sociedad y apoyar la plataforma del arte urbano en Brasil. En los últimos años, Binho ha sido el organizador y curador de diversos eventos culturales -como el International Biennial of Fine Art Graffiti at the MUBE museum (Museu Brasileiro de Esculturas / Museo Brasileño de Esculturas)- con la esperanza de reunir a artistas jóvenes, exponer su trabajo y expandir la decoración en las calles del país.

“En Brasil el graffiti es un arte que educa a personas jóvenes. En muchos lugares es usado como un arma en contra del crimen y el vandalismo. La gente nos apoya ahora y nosotros creamos proyectos con un gran impacto, muchas veces con el apoyo de diferentes compañías y del gobierno”. Binho Ribeiro dijo a Global Street Art

Brasil es un país donde el arte urbano es una forma de vida. Artistas de todas partes del mundo viajan a las tierras del país sudamericano para participar en este gran movimiento colectivo en donde son capaces de decorar todo tipo de ciudades y vecindarios. No cabe duda de que en un lugar con fuente de inspiración tan grande y un apoyo incondicional, el imaginario arte de Binho Ribeiro continuará prosperando.

Más información sobre Binho Ribeiro aquí.

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Con residencia en São Paulo, Binho Ribeiro es en la actualidad uno de los pioneros y figuras artísticas más sobresalientes en el mundo del arte urbano en Brasil. A muy temprana edad fue testigo del no tan conocido arte del graffiti y desde entonces se sintió atraído por su belleza y técnica de representación. Hoy en día, Ribeiro es el creador de vibrantes obras de arte que expresan extraordinarios textos en tercera dimensión y diversos personajes cuya inspiración ha nacido de la fauna y los llamativos colores Brasileños. A lo largo de su carrera, Binho ha trabajado en lugares como París, Tokio, Los Ángeles, Ámsterdam, Beirut, Ciudad del Cabo, Beijing y casi todos los estados en Brasil.

Fabio Luiz Santos Ribeiro, también conocido como Binho Ribeiro, es un apasionado artista y uno de los primeros en iniciar el movimiento del arte urbano en Brasil. Su carrera comenzó en 1984 como resultado de sus experiencias como bailarín de break-dance y patinador. “Era natural para mi expresarme a través del graffiti” comentó con Global Street Art. Otras fuentes de inspiración fueron a su vez su amistad con los artistas urbanos Os Gemeos y Speto, con quienes solía salir a las calles a pintar. Poco a poco, los graffitis hechos por Binho evolucionaron en creatividad y técnica y muy pronto fue capaz de crear no solamente personajes sino también fantásticas letras y textos. En la actualidad su estilo lleno de humor es conocido a nivel internacional por su excelente balance de contrastes de líneas suaves, colores y formas inspiradas en elementos Brasileños.

Sin embargo, los graffitis, letras, ilustraciones y cómicos personajes creados por Ribeiro están lejos de ser su único interés. También trabaja para ayudar a la gente, crear un mejor ambiente para la sociedad y apoyar la plataforma del arte urbano en Brasil. En los últimos años, Binho ha sido el organizador y curador de diversos eventos culturales -como el International Biennial of Fine Art Graffiti at the MUBE museum (Museu Brasileiro de Esculturas / Museo Brasileño de Esculturas)- con la esperanza de reunir a artistas jóvenes, exponer su trabajo y expandir la decoración en las calles del país.

“En Brasil el graffiti es un arte que educa a personas jóvenes. En muchos lugares es usado como un arma en contra del crimen y el vandalismo. La gente nos apoya ahora y nosotros creamos proyectos con un gran impacto, muchas veces con el apoyo de diferentes compañías y del gobierno”. Binho Ribeiro dijo a Global Street Art

Brasil es un país donde el arte urbano es una forma de vida. Artistas de todas partes del mundo viajan a las tierras del país sudamericano para participar en este gran movimiento colectivo en donde son capaces de decorar todo tipo de ciudades y vecindarios. No cabe duda de que en un lugar con fuente de inspiración tan grande y un apoyo incondicional, el imaginario arte de Binho Ribeiro continuará prosperando.

Más información sobre Binho Ribeiro aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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September 24, 2014 - No Comments!

★ Little Shao (FR) | A Flawless Portrayal Of Rhythm

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in Paris, France, Little Shao is a photographer, film maker and art director of Vietnamese background whose pictures of dancers, models, actors and singers have called the public attention thanks to their astonishing composition, quality, and emotion. After transitioning from finance to photography many years ago, he discovered the way to capture the most outstanding moments within the dancing world, especially the ones related to the Hip-Hop culture.


[Ver artículo en español abajo]

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With a deep passion for traveling and pictures, and as a dedicated Bboy (break-dancer), Little Shao has positioned himself as an exceptional photographer of the contemporary dancing and artistic community. He has worked with the best dancers and choreographers of celebrities like Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé, and Justin Timberlake.

As a young photographer in a highly-competitive world and with a large number of photographic tools available in the market, Shao considers the task of achieving the ideal shoot harder every day. He obtains his inspiration from different sources, like movies, music and the everyday life, and believes that a balance between talent, creativity and the right equipment is the perfect combination for a successful and valuable portfolio.

Little Shao’s style is spotless and delicate. Either in motion or static, the arrangement of his models inside the frame transforms a specific dancing moment into a sensational experience truly worth seen. He is not only portraying an image, he is creating a memory by asking people to take dancers –even the ones in early stages- seriously, and making them understand the meaning that life has to the people that practice such art.

“My goal is to innovate and push the Hip-Hop community to understand that “Communication & Marketing” should be much more important than their dance skills. That if they want to survive being a dancer, they should also take care of their image and how they are spreading it. Life as a dancer is not only about dance, it’s also about strategy, communication and networking”.

More information on Little Shao here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

With a deep passion for traveling and pictures, and as a dedicated Bboy (break-dancer), Little Shao has positioned himself as an exceptional photographer of the contemporary dancing and artistic community. He has worked with the best dancers and choreographers of celebrities like Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé, and Justin Timberlake.

As a young photographer in a highly-competitive world and with a large number of photographic tools available in the market, Shao considers the task of achieving the ideal shoot harder every day. He obtains his inspiration from different sources, like movies, music and the everyday life, and believes that a balance between talent, creativity and the right equipment is the perfect combination for a successful and valuable portfolio.

Little Shao’s style is spotless and delicate. Either in motion or static, the arrangement of his models inside the frame transforms a specific dancing moment into a sensational experience truly worth seen. He is not only portraying an image, he is creating a memory by asking people to take dancers –even the ones in early stages- seriously, and making them understand the meaning that life has to the people that practice such art.

“My goal is to innovate and push the Hip-Hop community to understand that “Communication & Marketing” should be much more important than their dance skills. That if they want to survive being a dancer, they should also take care of their image and how they are spreading it. Life as a dancer is not only about dance, it’s also about strategy, communication and networking”.

More information on Little Shao here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Little Shao es un fotógrafo, director de cine y de arte con antecedentes vietnamitas y con actual residencia en París, Francia. Sus fotografías de bailarines, modelos, actores y cantantes han llamado fuertemente la atención del público gracias a su extraordinaria composición, calidad y emotividad que las caracteriza. Su carrera sufrió una gran transición cuando dejó el mundo de las finanzas y decidió dedicarse de lleno a la fotografía. Con los años, Shao ha descubierto la manera de capturar momentos únicos dentro del mundo del baile, en particular, aquellos pertenecientes a la cultura del hip-hop.

Shao es un apasionado fotógrafo, viajero y practicante del break dance. Desde el inicio de su carrera como artista, se ha posicionado como un fotógrafo excepcional dentro de su actual comunidad de baile. Ha trabajado con los mejores bailarines y coreógrafos de celebridades como Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé y Justin Timberlake.

Como un talentoso y joven artista que se desarrolla en mundo altamente competitivo, y con un sin fin de herramientas tecnológicas a la mano, Shao considera que el lograr una fotografía innovadora es una tarea cada día más difícil. Él obtiene su inspiración de diversas fuentes, como películas, música y la vida diaria, y cree que un balance entre el talento, la creatividad y el material de trabajo es la combinación perfecta para crear un portafolio atractivo y de alto valor.

Su estilo es delicado e impecable. Ya sea que sus modelos se encuentren en movimiento o estáticos dentro de su composición, el arreglo que da a los elementos en la toma transforma un momento dentro del mundo del baile en toda una experiencia totalmente nueva. No sólo se dedica a plasmar imágenes, sino que crea recuerdos en los que pide al espectador tomar la carrera de un bailarín en serio, y los invita a comprender el significado que tiene la vida para las personas que practican dicho arte.

“Mi objetivo es innovar y sacar adelante a la comunidad del hip-hop haciéndolos entender que la comunicación y la mercadotecnia deben ser mucho más importantes que sus habilidades como bailarines. Que si desean sobrevivir haciendo lo que les gusta, deben tomar en cuenta su imagen y la manera en que ésta es difundida. La vida de un bailarín no solo consiste en bailar, sino también en pensar en la estrategia a utilizar, la comunicación y su red de contactos.”

Más información sobre Little Shao aquí.

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Little Shao es un fotógrafo, director de cine y de arte con antecedentes vietnamitas y con actual residencia en París, Francia. Sus fotografías de bailarines, modelos, actores y cantantes han llamado fuertemente la atención del público gracias a su extraordinaria composición, calidad y emotividad que las caracteriza. Su carrera sufrió una gran transición cuando dejó el mundo de las finanzas y decidió dedicarse de lleno a la fotografía. Con los años, Shao ha descubierto la manera de capturar momentos únicos dentro del mundo del baile, en particular, aquellos pertenecientes a la cultura del hip-hop.

Shao es un apasionado fotógrafo, viajero y practicante del break dance. Desde el inicio de su carrera como artista, se ha posicionado como un fotógrafo excepcional dentro de su actual comunidad de baile. Ha trabajado con los mejores bailarines y coreógrafos de celebridades como Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé y Justin Timberlake.

Como un talentoso y joven artista que se desarrolla en mundo altamente competitivo, y con un sin fin de herramientas tecnológicas a la mano, Shao considera que el lograr una fotografía innovadora es una tarea cada día más difícil. Él obtiene su inspiración de diversas fuentes, como películas, música y la vida diaria, y cree que un balance entre el talento, la creatividad y el material de trabajo es la combinación perfecta para crear un portafolio atractivo y de alto valor.

Su estilo es delicado e impecable. Ya sea que sus modelos se encuentren en movimiento o estáticos dentro de su composición, el arreglo que da a los elementos en la toma transforma un momento dentro del mundo del baile en toda una experiencia totalmente nueva. No sólo se dedica a plasmar imágenes, sino que crea recuerdos en los que pide al espectador tomar la carrera de un bailarín en serio, y los invita a comprender el significado que tiene la vida para las personas que practican dicho arte.

“Mi objetivo es innovar y sacar adelante a la comunidad del hip-hop haciéndolos entender que la comunicación y la mercadotecnia deben ser mucho más importantes que sus habilidades como bailarines. Que si desean sobrevivir haciendo lo que les gusta, deben tomar en cuenta su imagen y la manera en que ésta es difundida. La vida de un bailarín no solo consiste en bailar, sino también en pensar en la estrategia a utilizar, la comunicación y su red de contactos.”

Más información sobre Little Shao aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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September 17, 2014 - No Comments!

★ Jana & JS (AU) | The Perfect Combination Of Talent And Technique

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A Franco-Austrian creative duo based in Salzburg, Austria, who specialize in the stencil technique and who have found in their alluring street-art murals the best instrument to portray their formidable passion for photography and architecture.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Jana, from Austria, and Jean-Sébastien, from France, met in Madrid in 2004. It was around that time that by looking at street artists in the city they discovered the simplicity and uniqueness of the stencil technique -which is the art of creating an image out of a cut-out layer- and its viable compatibility with painting and photography.

Since they started to work together in 2006, they have developed their own style characterized by a splendid human scale and a perfect assemblage of artistic mediums. They acquire their main inspiration from portraits, cityscapes, the urban architecture and its endless transformation.

Using their own photographic work of friends and family, and with the aid of their own innovative stencils, spray painting and acrylics, Jana & JS create specific murals for each place they choose to decorate. They merge the artwork with its surroundings taking into account the history of the wall, the architecture, the people who live near it and the feelings it inspires in them. The artists typically depict people in melancholic and thoughtful situations, people with cameras and couples in the midst of an intimate embrace.

The duo’s artworks are usually found in European cities and urban centers, but from time to time they enjoy exploring the adaptation of their work in different environments, like the paintings they created directly in the surfaces of tree trunks in a German countryside.

About this new experience they stated: “For us painting outside doesn’t mean finding the most visible spot but it is more about finding the perfect placement for a particular image. Usually our paintings are inspired by the city and integrated in urban environments. It was very exciting exploring this new support and seeing our work in a completely new ambience.” 

More information on Jana & JS here.

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Jana, from Austria, and Jean-Sébastien, from France, met in Madrid in 2004. It was around that time that by looking at street artists in the city they discovered the simplicity and uniqueness of the stencil technique -which is the art of creating an image out of a cut-out layer- and its viable compatibility with painting and photography.

Since they started to work together in 2006, they have developed their own style characterized by a splendid human scale and a perfect assemblage of artistic mediums. They acquire their main inspiration from portraits, cityscapes, the urban architecture and its endless transformation.

Using their own photographic work of friends and family, and with the aid of their own innovative stencils, spray painting and acrylics, Jana & JS create specific murals for each place they choose to decorate. They merge the artwork with its surroundings taking into account the history of the wall, the architecture, the people who live near it and the feelings it inspires in them. The artists typically depict people in melancholic and thoughtful situations, people with cameras and couples in the midst of an intimate embrace.

The duo’s artworks are usually found in European cities and urban centers, but from time to time they enjoy exploring the adaptation of their work in different environments, like the paintings they created directly in the surfaces of tree trunks in a German countryside.

About this new experience they stated: “For us painting outside doesn’t mean finding the most visible spot but it is more about finding the perfect placement for a particular image. Usually our paintings are inspired by the city and integrated in urban environments. It was very exciting exploring this new support and seeing our work in a completely new ambience.” 

More information on Jana & JS here.

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Jana & JS es un dúo creativo ubicado en Salzburgo, Austria, el cual se especializa en el arte urbano creado a través de plantillas. Jana, proveniente de Austria, y Jean-Sébastien, de origen Francés, han encontrado en sus atrayentes murales urbanos la herramienta ideal para representar su indudable pasión por la fotografía y la arquitectura.

Ambos artistas se conocieron en Madrid en el 2004. Fue entonces que observando a otros artistas urbanos en la ciudad descubrieron lo simple y ventajoso que es trabajar con platillas (stencils) y su gran compatibilidad con la pintura y la fotografía.

En el 2006 comenzaron a trabajar juntos y desde entonces han desarrollado sus propias plantillas y estilo caracterizados por el uso de una extraordinaria escala humana y una unión perfecta de diversos medios artísticos. Obtienen su inspiración principalmente de retratos, paisajes urbanos, la arquitectura y su continua alteración.

Utilizando sus propias fotografías de amigos y familia, y con la ayuda de sus propias innovadoras plantillas, sprays y acrílicos, Jana & JS crean murales individuales para cada lugar que deciden decorar. Incorporan la obra a su alrededor, tomando en cuenta la historia de la pared, la arquitectura, la gente que vive cerca y los sentimientos que infunde en las personas. Los artistas comúnmente representan personas en un estado pensativo o melancólico, personas con cámaras en mano o parejas en medio de un abrazo íntimo.

Las obras de esta pareja usualmente se pueden ver en ciudades y centros urbanos de Europa; sin embargo, de vez en cuando disfrutan adaptar su trabajo a otros ambientes completamente distintos, como las pinturas que realizaron directamente sobre la superficie de los árboles en un campo en Alemania.

Sobre esta nueva experiencia comentaron: “Para nosotros, pintar al aire libre no significa encontrar el lugar más visible [para sus obras] sino encontrar la ubicación perfecta para una imagen en particular. Usualmente nuestras pinturas están inspiradas en la ciudad y su integración en el ambiente urbano. Fue una experiencia muy emocionante el explorar esta nueva idea y ver nuestro trabajo en un ambiente completamente nuevo." 

Más información sobre Jana & JS aquí.

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Jana & JS es un dúo creativo ubicado en Salzburgo, Austria, el cual se especializa en el arte urbano creado a través de plantillas. Jana, proveniente de Austria, y Jean-Sébastien, de origen Francés, han encontrado en sus atrayentes murales urbanos la herramienta ideal para representar su indudable pasión por la fotografía y la arquitectura.

Ambos artistas se conocieron en Madrid en el 2004. Fue entonces que observando a otros artistas urbanos en la ciudad descubrieron lo simple y ventajoso que es trabajar con platillas (stencils) y su gran compatibilidad con la pintura y la fotografía.

En el 2006 comenzaron a trabajar juntos y desde entonces han desarrollado sus propias plantillas y estilo caracterizados por el uso de una extraordinaria escala humana y una unión perfecta de diversos medios artísticos. Obtienen su inspiración principalmente de retratos, paisajes urbanos, la arquitectura y su continua alteración.

Utilizando sus propias fotografías de amigos y familia, y con la ayuda de sus propias innovadoras plantillas, sprays y acrílicos, Jana & JS crean murales individuales para cada lugar que deciden decorar. Incorporan la obra a su alrededor, tomando en cuenta la historia de la pared, la arquitectura, la gente que vive cerca y los sentimientos que infunde en las personas. Los artistas comúnmente representan personas en un estado pensativo o melancólico, personas con cámaras en mano o parejas en medio de un abrazo íntimo.

Las obras de esta pareja usualmente se pueden ver en ciudades y centros urbanos de Europa; sin embargo, de vez en cuando disfrutan adaptar su trabajo a otros ambientes completamente distintos, como las pinturas que realizaron directamente sobre la superficie de los árboles en un campo en Alemania.

Sobre esta nueva experiencia comentaron: “Para nosotros, pintar al aire libre no significa encontrar el lugar más visible [para sus obras] sino encontrar la ubicación perfecta para una imagen en particular. Usualmente nuestras pinturas están inspiradas en la ciudad y su integración en el ambiente urbano. Fue una experiencia muy emocionante el explorar esta nueva idea y ver nuestro trabajo en un ambiente completamente nuevo." 

Más información sobre Jana & JS aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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July 30, 2014 - No Comments!

★ James Reka (AU) | The Awakening Of A New Style

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A self-thought street artist that combines detailed graphic designs with the rough art of graffiti style. His pseudo-human portraits are characterized by the abstract and dynamic deconstruction of their own bodies.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Native from Melbourne, Australia, James Reka is a contemporary street artist and painter based in Berlin, Germany. He began his visual journey back in 1999 when he attended high school and enjoyed doing graffiti along with his friends.

With a background in logo design, Reka’s main interest and artistic trademark have been to portray characters rather than simply graffiti forms. His creatures are surreal, abstract and structured figures, sometimes even robot-like images, which stand out in the urban environment thanks to their clean and simple yet heavy brush strokes mixed with strong coloring.

Texture and history are two essential elements in Reka’s art. He often chooses old cities and abandoned places, like alleyways, train-lines and inner-suburbs, to expose his artworks. James combines humorous and menacing components to create bizarre and fantastical figures that are constantly influenced by cartoons, comics, illustrations and pop culture. He manages to give a more human look to his drawings by adding natural and earthy colors.

More information on James Reka here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Native from Melbourne, Australia, James Reka is a contemporary street artist and painter based in Berlin, Germany. He began his visual journey back in 1999 when he attended high school and enjoyed doing graffiti along with his friends.

With a background in logo design, Reka’s main interest and artistic trademark have been to portray characters rather than simply graffiti forms. His creatures are surreal, abstract and structured figures, sometimes even robot-like images, which stand out in the urban environment thanks to their clean and simple yet heavy brush strokes mixed with strong coloring.

Texture and history are two essential elements in Reka’s art. He often chooses old cities and abandoned places, like alleyways, train-lines and inner-suburbs, to expose his artworks. James combines humorous and menacing components to create bizarre and fantastical figures that are constantly influenced by cartoons, comics, illustrations and pop culture. He manages to give a more human look to his drawings by adding natural and earthy colors.

More information on James Reka here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

James Reka es un pintor y artista urbano contemporáneo nacido en Melbourne, Australia y con residencia actual en Berlín, Alemania. Comenzó su carrera como artista visual en el año 1999 cuando estudiaba la preparatoria y disfrutaba realizar graffiti con sus amigos.

Su estilo se caracteriza por la combinación de detallados diseños gráficos y el arte del graffiti. Los portarretratos que realiza representan figuras humanas imaginarias identificadas por la abstracta y dinámica deconstrucción de sus cuerpos.

Con antecedentes en diseño de logos, Reka se dedica a crear imágenes de personajes más que las típicas formas de estilo graffiti. Sus criaturas son surreales, abstractas y bien estructuradas, y en ocasiones les da un particular toque robótico. Cada una de sus imágenes resalta en el ambiente urbano en el que es creada gracias a sus trazos fuertes, limpios y simples, los cuales combina con una enérgica tonalidad de colores.

La textura y la historia son dos elementos esenciales en el arte de James Reka. Es común que escoja ciudades y lugares abandonados, como callejones, líneas de tren y barrios pobres, para trabajar. En sus obras, James combina componentes humorísticos y amenazadores para crear extrañas y fantásticas figuras en donde las caricaturas, los cómics, las ilustraciones y la cultura pop se asocian entre sí. Finalmente, logra que sus dibujos tengan un aspecto más humano utilizando colores naturales y más terrenales.

Más información sobre James Reka aquí.

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James Reka es un pintor y artista urbano contemporáneo nacido en Melbourne, Australia y con residencia actual en Berlín, Alemania. Comenzó su carrera como artista visual en el año 1999 cuando estudiaba la preparatoria y disfrutaba realizar graffiti con sus amigos.

Su estilo se caracteriza por la combinación de detallados diseños gráficos y el arte del graffiti. Los portarretratos que realiza representan figuras humanas imaginarias identificadas por la abstracta y dinámica deconstrucción de sus cuerpos.

Con antecedentes en diseño de logos, Reka se dedica a crear imágenes de personajes más que las típicas formas de estilo graffiti. Sus criaturas son surreales, abstractas y bien estructuradas, y en ocasiones les da un particular toque robótico. Cada una de sus imágenes resalta en el ambiente urbano en el que es creada gracias a sus trazos fuertes, limpios y simples, los cuales combina con una enérgica tonalidad de colores.

La textura y la historia son dos elementos esenciales en el arte de James Reka. Es común que escoja ciudades y lugares abandonados, como callejones, líneas de tren y barrios pobres, para trabajar. En sus obras, James combina componentes humorísticos y amenazadores para crear extrañas y fantásticas figuras en donde las caricaturas, los cómics, las ilustraciones y la cultura pop se asocian entre sí. Finalmente, logra que sus dibujos tengan un aspecto más humano utilizando colores naturales y más terrenales.

Más información sobre James Reka aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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June 5, 2014 - No Comments!

★ Hopare (FR) | Explosion Of Colors

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A Franco-Portuguese street artist whose inspiring murals have become a trademark in the abandoned walls of Paris.


[Ver artículo en español abajo]

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[vimeo 24092748 w=100 h=339]

Hopare from Ambroise Prince on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Alexandre Monteiro, also known as Hopare, is a widely recognized graffiti artist currently living in the city of Paris, France. He creates emotional urban paintings combining abstract and figurative images to create a splash of colors and forms.

His sprayed portraits and shapes are made of organic interlaced strokes which he delimits with black and fluid lines. Hopare creates an illusion of three-dimensionality thanks to his excellent use of shadows, light and space, and works with a vast hue and emotive expressions in order to achieve an ethereal look that captivates the spectator.

Movement, speed, modernity and emotion, are the main elements that influence Hopare’s street art murals. His dynamic artworks immerse the viewer in a contrasting world of colorful walls and grey streets.

Hopare sometimes uses his talent to create graffiti of famous people like the Mona Lisa, Nelson Mandela and Salvador Dali. His work can be found in different cities around the world like Paris, Montreal, Hong Kong and Venice.

More information on Hopare here.

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Alexandre Monteiro, also known as Hopare, is a widely recognized graffiti artist currently living in the city of Paris, France. He creates emotional urban paintings combining abstract and figurative images to create a splash of colors and forms.

His sprayed portraits and shapes are made of organic interlaced strokes which he delimits with black and fluid lines. Hopare creates an illusion of three-dimensionality thanks to his excellent use of shadows, light and space, and works with a vast hue and emotive expressions in order to achieve an ethereal look that captivates the spectator.

Movement, speed, modernity and emotion, are the main elements that influence Hopare’s street art murals. His dynamic artworks immerse the viewer in a contrasting world of colorful walls and grey streets.

Hopare sometimes uses his talent to create graffiti of famous people like the Mona Lisa, Nelson Mandela and Salvador Dali. His work can be found in different cities around the world like Paris, Montreal, Hong Kong and Venice.

More information on Hopare here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Alexandre Monteiro, también conocido como Hopare, es un artista urbano Franco-Portugués con residencia actual en la ciudad de París, Francia. Crea emotivas pinturas en las paredes abandonadas de su ciudad y combina imágenes abstractas y figurativas con el objetivo de crear la impresión de una explosión de formas y colores.

Sus retratos realizados con pinturas en spray están hechos a base de trazos orgánicos que se interconectan y los cuales delinea con pintura negra. Hopare crea una ilusión de tridimensionalidad gracias a su excelente uso de sombras, luz y espacio. Utiliza a su vez una amplia gama de tonalidades de colores y expresivas emociones con el fin de obtener un aspecto etéreo que cautive al observador.

Movimiento, velocidad, modernidad y emoción son los principales elementos que influencian los murales callejeros de Hopare. Sus dinámicas obras absorben al observador en un mundo contrastante de paredes de colores y lúgubres calles.

En ocasiones, Hopare utiliza su talento para crear los graffitis de personajes famosos como La Mona Lisa, Salvador Dalí y Nelson Mandela. Su trabajo puede encontrarse en diferentes ciudades alrededor del mundo como París, Montreal, Hong Kong y Venecia.

Más información sobre Hopare aquí.

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Alexandre Monteiro, también conocido como Hopare, es un artista urbano Franco-Portugués con residencia actual en la ciudad de París, Francia. Crea emotivas pinturas en las paredes abandonadas de su ciudad y combina imágenes abstractas y figurativas con el objetivo de crear la impresión de una explosión de formas y colores.

Sus retratos realizados con pinturas en spray están hechos a base de trazos orgánicos que se interconectan y los cuales delinea con pintura negra. Hopare crea una ilusión de tridimensionalidad gracias a su excelente uso de sombras, luz y espacio. Utiliza a su vez una amplia gama de tonalidades de colores y expresivas emociones con el fin de obtener un aspecto etéreo que cautive al observador.

Movimiento, velocidad, modernidad y emoción son los principales elementos que influencian los murales callejeros de Hopare. Sus dinámicas obras absorben al observador en un mundo contrastante de paredes de colores y lúgubres calles.

En ocasiones, Hopare utiliza su talento para crear los graffitis de personajes famosos como La Mona Lisa, Salvador Dalí y Nelson Mandela. Su trabajo puede encontrarse en diferentes ciudades alrededor del mundo como París, Montreal, Hong Kong y Venecia.

Más información sobre Hopare aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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May 21, 2014 - No Comments!

★ Andres Medina (MX) | El Fanzine, A Rewarding Life Experience

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A writer, cultural journalist, art enthusiast and current editorial director of Mexican creative magazine El Fanzine.


[Ver artículo en español abajo]

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Meet Andres Medina in this exclusive interview for Saketekilla*.

Could you please tell us a bit about yourself and your background? What took you to be the editorial director of El Fanzine?

I was born in Mexico City and all my life I lived in Colonia Del Valle. Since I was a little boy I attended private schools, however, the bohemian life was what really attracted me. It was there where I found my true influence. My parents love music, dancing and parties, so, at a very young age I was used of having contact with the artistic world. My mother was a librarian for thirty years; as a result, reading was a common habit in our home. I studied Communication at Universidad Iberoamericana and specialized in cinema. Later on, my path crossed with the editorial world.

I met El Fanzine when I was in the final stage of college. The first edition I was truly involved was number 6. Since then, alongside all the people who have been part of the project, we have created amazing things with absolute dedication.

Who/what has been a key factor in the creation of El Fanzine? How did it transform into something tangible and especial, into something that people would like? Since the beginning did you imagine to have the success you have experienced so far?

This question could be better answered by its creators; however, I will tell you what I know. Mariano Rocha had the ambitious idea of creating a magazine called SODA. Along the way, he did an exhibition about two friends of him: Julio Pineda (photographer) and Daniel Coca (designer), with the collaboration of Landy Bustamente, who commercialized the event. They realized that they could work together very well, so they decided to launch El Fanzine, which has been functioning for five years now. How did it transform into something tangible and especial? Well, the answer is easy: they did it. Since the beginning it was a successful project because of its honesty, eccentricity and passion; besides, it is one of the first free proposals in Mexico City with an attractive look and large format that informs about art, music, design, fashion and photography. In my opinion, the successful proposals are built stronger when they are the result of the willingness of the authors to create; when passion drives them, and not success.

In Mexico, no other magazine approaches the reader to Mexican and international culture, artist expressions and talents as El Fanzine does. What is the philosophy behind all that? What do you expect to achieve in the future? What are your biggest dreams?

The main objective of El Fanzine is to share, to make people think and to open dialogues between them to be able to enjoy culture and art. I believe that what distinguish El Fanzine from other editorials is how it approaches art, without pretensions and with the solely desire to reciprocate and to grow. The editorial line has a constructive profile; it does not inflict a certain point of view on readers, but it shares, reaching people with the same likes.

We do not like to talk about the future; we prefer to think about the present. But when we do, we always see ourselves deeper involved in society. We want to make a difference in our colony, our delegation, our state, our country and our planet.

My biggest dreams have always been related to creation; to be able to write a book, to make a painting, to write a song; but honestly, I think we are already living our own dreams.

What has been the biggest challenge El Fazine has faced throughout its trajectory?

Day after day we face new challenges, and that is what keeps us alive and what makes of this great experience something dynamic and real, far from perfection. But, talking about a challenge in particular, such adversity has been to maintain us different and unpredictable without transforming El Fanzine into a tedious editorial. We make sure that we grow personally so we can be in movement. Being united has also been a challenge we have learned to accept and which we all have faced positively. 

How did you come up with this amazing creative Mexican retro style of El Fanzine?

We have such style thanks to the good taste and sensitivity of Art Director Daniel Coca. The visual power and the effect that it has in the reader is characterized by Coca’s magical design. He lives a life full of creativity, and I dare to say that he achieves such style because he has very well established what he loves.

Regarding the editorial content, how do you choose the artists to discuss? What is your selection process? How do you make magic happen?

The process is absolutely personal and experience related, which I think is what makes El Fanzine so especial. The themes we choose are related to what we live every day. Even people who participate are individuals who cross our paths. Some collaborators are so deeply involved in the project and they understand so well our philosophy that we work together very often. The magic happens thanks to the energy and love of the almost 40 people that participate each month.

What are the most noticed artists right now, national and internationally?

As in everything else, it is all a matter of taste; actually it is there where the job of a curator or editor is most valuable, they get to share with the audience what they consider truly worthy. Personally, I like the work of Neck Face, Saner, JR, Ai Weiwei, Parra, Mark Ryden, Mario Testino, Pharrell Williams, Barry McGee, David Cook, and many others.

What are your main sources of inspiration?

I like to visit the official sites of Juxtapoz and Interview magazines, Mass Appeal, Ego Tripland, Dazed & Confused. However, I am starting to notice much more Instagram and what friends of mine share with me.

Lately, we have seen a great wave of Mexican artistic culture with incredible talent, what do you think of the current artistic scenario in Mexico and what do you think is going to happen in the years to come?

It is true that Mexico is living an amazing creative moment, and I think we should make the most of it by revealing ourselves to the world; the quality of our products and ideas is very high. I believe is important to notice bussiness strategies and project consolidations. As you say, there are a lot of proposals, but not a lot of action to carry them out. I think that if you want to do it, you should do it. This is the time, it is now or never. In my opinion, the artistic scenario in Mexico is earning international recognition; artists from all over the world want to come to Mexico and show themselves to society, which is eager for artistic culture. How do I see the future? I think it all depends on what we do now; I imagine that all those fakers will soon fall.

There are incredible artists related to different disciplines: urban and digital artists, illustrators, industrial designers, fashion designers and many more. Which artistic area do you consider stronger and with more potential in Mexico?

I think each area has its strength, they are all growing and I believe they all have great potential; each one will define how far they want to go. I would rather talk about the current failures. It seems to me that until Mexico starts to use its own products, the industries will consolidate. For example, I do not think a fashion industry exists. When I say “industry” I mean with its correspondent revenues, even for Mexico. Right now, it sees that there is only an industry which plays to be an industry. 

Years ago this was impossible because the market was not educated to use the fashion trends or extravagant proposals, and I mean it in all artistic disciplines. Today, even in architecture, the perceptions and necessities of the consumers are evolving. So, all of them have great potential.

London is fashion, Japan is technology, Mexico is…

Passionate surrealism.

How do the local brands, the media and organizations support the artistic scenario in Mexico?

I think we find ourselves in continuous growth; some have leaded the way since years ago, others have improved it, and others have evolved it. To some of us is our turn to think it over again because of the arrival of the social networks and technology, which offer broader paths. Brands have managed to adapt to such artist movement, not all of them have succeeded of course, but there are some who really support the content and do not seek personal credit.

How could they support such scenario?

I believe hiring sensitive people who really understand artists’ ideas; people who are not afraid of risking themselves. Artists know how to get to people, how to make them feel, if they gave them more creative power we would have fun, intellectual and conceptual advertising companies. I am sick of looking at meaningless and stupid TV spots all the time.

What are your future expectations collaborating with Saketekilla? Are there other future projects you would like to help develop or launch internationally?

It is always good to collaborate with someone new, the results are different and the energy built is never the same with everybody. A friend of mine always told me this: “it is better to gain a ally than an enemy” (laughs).

We thank Andres Medina for this great interview. More information on El Fanzine here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Meet Andres Medina in this exclusive interview for Saketekilla*.

Could you please tell us a bit about yourself and your background? What took you to be the editorial director of El Fanzine?

I was born in Mexico City and all my life I lived in Colonia Del Valle. Since I was a little boy I attended private schools, however, the bohemian life was what really attracted me. It was there where I found my true influence. My parents love music, dancing and parties, so, at a very young age I was used of having contact with the artistic world. My mother was a librarian for thirty years; as a result, reading was a common habit in our home. I studied Communication at Universidad Iberoamericana and specialized in cinema. Later on, my path crossed with the editorial world.

I met El Fanzine when I was in the final stage of college. The first edition I was truly involved was number 6. Since then, alongside all the people who have been part of the project, we have created amazing things with absolute dedication.

Who/what has been a key factor in the creation of El Fanzine? How did it transform into something tangible and especial, into something that people would like? Since the beginning did you imagine to have the success you have experienced so far?

This question could be better answered by its creators; however, I will tell you what I know. Mariano Rocha had the ambitious idea of creating a magazine called SODA. Along the way, he did an exhibition about two friends of him: Julio Pineda (photographer) and Daniel Coca (designer), with the collaboration of Landy Bustamente, who commercialized the event. They realized that they could work together very well, so they decided to launch El Fanzine, which has been functioning for five years now. How did it transform into something tangible and especial? Well, the answer is easy: they did it. Since the beginning it was a successful project because of its honesty, eccentricity and passion; besides, it is one of the first free proposals in Mexico City with an attractive look and large format that informs about art, music, design, fashion and photography. In my opinion, the successful proposals are built stronger when they are the result of the willingness of the authors to create; when passion drives them, and not success.

In Mexico, no other magazine approaches the reader to Mexican and international culture, artist expressions and talents as El Fanzine does. What is the philosophy behind all that? What do you expect to achieve in the future? What are your biggest dreams?

The main objective of El Fanzine is to share, to make people think and to open dialogues between them to be able to enjoy culture and art. I believe that what distinguish El Fanzine from other editorials is how it approaches art, without pretensions and with the solely desire to reciprocate and to grow. The editorial line has a constructive profile; it does not inflict a certain point of view on readers, but it shares, reaching people with the same likes.

We do not like to talk about the future; we prefer to think about the present. But when we do, we always see ourselves deeper involved in society. We want to make a difference in our colony, our delegation, our state, our country and our planet.

My biggest dreams have always been related to creation; to be able to write a book, to make a painting, to write a song; but honestly, I think we are already living our own dreams.

What has been the biggest challenge El Fazine has faced throughout its trajectory?

Day after day we face new challenges, and that is what keeps us alive and what makes of this great experience something dynamic and real, far from perfection. But, talking about a challenge in particular, such adversity has been to maintain us different and unpredictable without transforming El Fanzine into a tedious editorial. We make sure that we grow personally so we can be in movement. Being united has also been a challenge we have learned to accept and which we all have faced positively. 

How did you come up with this amazing creative Mexican retro style of El Fanzine?

We have such style thanks to the good taste and sensitivity of Art Director Daniel Coca. The visual power and the effect that it has in the reader is characterized by Coca’s magical design. He lives a life full of creativity, and I dare to say that he achieves such style because he has very well established what he loves.

Regarding the editorial content, how do you choose the artists to discuss? What is your selection process? How do you make magic happen?

The process is absolutely personal and experience related, which I think is what makes El Fanzine so especial. The themes we choose are related to what we live every day. Even people who participate are individuals who cross our paths. Some collaborators are so deeply involved in the project and they understand so well our philosophy that we work together very often. The magic happens thanks to the energy and love of the almost 40 people that participate each month.

What are the most noticed artists right now, national and internationally?

As in everything else, it is all a matter of taste; actually it is there where the job of a curator or editor is most valuable, they get to share with the audience what they consider truly worthy. Personally, I like the work of Neck Face, Saner, JR, Ai Weiwei, Parra, Mark Ryden, Mario Testino, Pharrell Williams, Barry McGee, David Cook, and many others.

What are your main sources of inspiration?

I like to visit the official sites of Juxtapoz and Interview magazines, Mass Appeal, Ego Tripland, Dazed & Confused. However, I am starting to notice much more Instagram and what friends of mine share with me.

Lately, we have seen a great wave of Mexican artistic culture with incredible talent, what do you think of the current artistic scenario in Mexico and what do you think is going to happen in the years to come?

It is true that Mexico is living an amazing creative moment, and I think we should make the most of it by revealing ourselves to the world; the quality of our products and ideas is very high. I believe is important to notice bussiness strategies and project consolidations. As you say, there are a lot of proposals, but not a lot of action to carry them out. I think that if you want to do it, you should do it. This is the time, it is now or never. In my opinion, the artistic scenario in Mexico is earning international recognition; artists from all over the world want to come to Mexico and show themselves to society, which is eager for artistic culture. How do I see the future? I think it all depends on what we do now; I imagine that all those fakers will soon fall.

There are incredible artists related to different disciplines: urban and digital artists, illustrators, industrial designers, fashion designers and many more. Which artistic area do you consider stronger and with more potential in Mexico?

I think each area has its strength, they are all growing and I believe they all have great potential; each one will define how far they want to go. I would rather talk about the current failures. It seems to me that until Mexico starts to use its own products, the industries will consolidate. For example, I do not think a fashion industry exists. When I say “industry” I mean with its correspondent revenues, even for Mexico. Right now, it sees that there is only an industry which plays to be an industry. 

Years ago this was impossible because the market was not educated to use the fashion trends or extravagant proposals, and I mean it in all artistic disciplines. Today, even in architecture, the perceptions and necessities of the consumers are evolving. So, all of them have great potential.

London is fashion, Japan is technology, Mexico is…

Passionate surrealism.

How do the local brands, the media and organizations support the artistic scenario in Mexico?

I think we find ourselves in continuous growth; some have leaded the way since years ago, others have improved it, and others have evolved it. To some of us is our turn to think it over again because of the arrival of the social networks and technology, which offer broader paths. Brands have managed to adapt to such artist movement, not all of them have succeeded of course, but there are some who really support the content and do not seek personal credit.

How could they support such scenario?

I believe hiring sensitive people who really understand artists’ ideas; people who are not afraid of risking themselves. Artists know how to get to people, how to make them feel, if they gave them more creative power we would have fun, intellectual and conceptual advertising companies. I am sick of looking at meaningless and stupid TV spots all the time.

What are your future expectations collaborating with Saketekilla? Are there other future projects you would like to help develop or launch internationally?

It is always good to collaborate with someone new, the results are different and the energy built is never the same with everybody. A friend of mine always told me this: “it is better to gain a ally than an enemy” (laughs).

We thank Andres Medina for this great interview. More information on El Fanzine here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Andrés Medina, escritor, periodista cultural y amante del cine; actualmente director en jefe de la revista creativa Mexicana El Fanzine.

Conócelo en esta entrevista exclusiva para Saketekilla*.

Primero que nada, nos gustaría saber más de ti. ¿De dónde vienes? ¿Qué estudiaste? De igual forma, ¿Qué fue lo que te llevó a la creación de El Fanzine?

Nací en la ciudad de México y toda mi vida viví en la colonia Del Valle. Fui a escuelas privadas desde niño pero mi ambiente siempre fue bohemio, de ahí viene mi mayor influencia. Mis padres son amantes de la música, bailarines natos y fiesteros, así que desde chico estuve en contacto con el arte. Mi mamá fue bibliotecaria por treinta años, por lo que siempre se inculcó la lectura en mi casa. Estudié Ciencias de la Comunicación en la Universidad Iberoamericana, me especialicé en cine y por asares del destino terminé en el mundo editorial.

Me crucé con El Fanzine antes de terminar la carrera, justo ya en la especialidad. Recuerdo que el primer número en el cual estuve involucrado fue el #6. Desde entonces, junto con todas las personas que han formado parte de la comunidad que da vida al proyecto, hemos creado cosas increíbles, con corazón.

¿Qué o quiénes fueron las piezas claves en la realización de El Fanzine? ¿Cómo pasó de ser una idea a algo tangible, y en especial, a algo que fuera gustar a la gente? ¿Desde un inicio imaginaron tener el éxito que han logrado hasta el momento?

Esta pregunta la podrían responder mejor sus creadores, pero les cuento lo que sé. Mariano Rocha tenía la inquietud de hacer una revista que llamaría SODA; era un proyecto ambicioso. En el camino a lograrlo hizo una exposición de dos amigos suyos: Julio Pineda (fotógrafo) y Daniel Coca (diseñador), con ayuda de Landy Bustamante quien comercializó el evento. Al ver que los cuatro trabajaban bien en equipo, decidieron armar el proyecto y pues hasta ahora lleva cinco años de vida. Sobre como pasó de ser una idea a algo tangible creo que la respuesta es sencilla, lo hicieron. El proyecto desde un inicio tuvo éxito por su sinceridad, rareza y por estar hecho con pasión, además de ser una de las primeras propuestas de la ciudad de México gratuitas, con un formato grande y atractivo, que habla de arte, música, diseño, moda y fotografía. En mi opinión, las propuestas exitosas o que se mantienen fuertes son las que se hacen por la necesidad de los autores por crear; llevan pasión y no se hacen pensando en alcanzar el éxito. 

No se ha visto otra revista en México como El Fanzine, la cual acerca al lector tanto a la cultura mexicana, a sus expresiones y talentos, como a tendencias mundiales. ¿Cuál es la filosofía detrás de todo eso? ¿Qué esperan alcanzar en un futuro? ¿Cuáles son tus mayores sueños?

El principal objetivo de El Fanzine es compartir, incitar a pensar y generar un diálogo para así disfrutar de la cultura y el arte. Creo que lo que distingue a El Fanzine de las demás publicaciones es la forma en la que se acerca al arte, sin pretensiones y con el deseo de intercambiar y crecer. La línea editorial tiene un perfil constructivo; no impone su punto de vista, sino que comparte y al compartir, agrada a quienes gustan de compartir.

No nos gusta pensar en el futuro; procuramos pensar mejor en el presente, pero cuando lo hacemos, siempre nos vemos involucrados con mayor profundidad y fuerza con la sociedad. Queremos tener un efecto en nuestra colonia, delegación, estado, país y planeta.

Mis mayores sueños siempre han girado en torno a la creación, poder escribir un libro, pintar un cuadro, hacer una canción; pero sinceramente creo que ya estamos viviendo nuestros sueños.

¿Cuál ha sido el mayor reto que El Fanzine ha enfrentado a lo largo de su trayectoria?

Día a día nos enfrentamos a nuevos retos, y eso es lo que nos mantiene vivos y lo que hace que no se vuelva aburrido y perfecto. Pero hablando sobre un reto en específico, que creo éste ha sido la base de todo: mantenernos interesantes, propositivos y no aburrirle al lector siendo predecible. Procuramos crecer personalmente para así estar en movimiento. Estar unidos también ha sido un reto que hemos aceptado y que hasta ahora hemos cumplido perfectamente.

¿Cómo llegaron a ese impactante y creativo estilo visual retro-mexicano que tiene El Fanzine?

Esto es consecuencia del gran gusto y la enorme sensibilidad de nuestro Director de Arte, Daniel Coca. El poder visual y el efecto que tiene en el lector es la magia que caracteriza el diseño de Coca, quien vive de una manera creativa la vida. Me arriesgo a decir que creo que gran parte de su estilo es gracias a que es un gran observador y a que tiene muy claro lo que ama.

En relación a tu equipo de trabajo, ¿cómo encuentran a los artistas y temas que desean cubrir? ¿Cuál es el proceso de selección? ¿Cómo logras que suceda la magia?

Este proceso es totalmente vivencial y personal, creo que es justamente lo que hace tan especial a El Fanzine. Los temas que elegimos nacen de las experiencias y situaciones que estamos viviendo en el momento, incluso las personas que participan son las personas que la vida pone en nuestro camino. Algunos de los colaboradores se involucran a un nivel tan profundo con nosotros que logran entender perfectamente la intención y la línea editorial de nuestro proyecto, por esta razón colaboramos con ellos muy seguido. La magia sucede gracias a la energía y amor de todos los involucrados, cada mes participan cerca de 40 personas.

¿Cuáles son los principales artistas del momento? Local e internacionalmente.

Pues creo que como en todo es cuestión de gustos, justo ahí es donde entra el trabajo de un curador o un editor, compartir con su audiencia lo que él considera valioso. En lo personal me gusta mucho el trabajo de Neck Face, Saner, JR, Ai Weiwei, Parra, Mark Ryden, Mario Testino, Pharrell Williams, Barry McGee, David Cook… existen muchísimos.

¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración en línea?

Me gusta consultar el sitio de Juxtapoz, Interview, Mass Appeal, Ego Tripland, Dazed & Confused, pero creo que mi consumo visual se está enfocando mucho ya en Instagram y en lo que mis amigos comparten conmigo.

Hemos visto una gran ola emergente de cultura artística en México con un increíble talento (¡aunque hay que indagar mucho para encontrarla!). Como mexicano, ¿cómo ves el actual escenario artístico en México y qué piensas que sucederá en los siguientes años?

Es verdad que México se encuentra en un momento creativo increíble, lo debemos aprovechar y es justo ahora cuando debemos exponernos al resto del mundo; la calidad de nuestros productos y nuestras ideas está en un punto muy alto. Creo que es momento de poner atención también a las estrategias de negocios y a la consolidación de los proyectos. Como dices, hay mucha propuesta, pero hay pocas que tienen la suficiente fuerza para realmente hacer las cosas. Pero definitivamente si lo quieres hacer, es ahora o nunca. Creo que la escena de arte en México está cobrando renombre internacional, todos los artistas de otras partes del mundo quieren venir y mostrarse a la sociedad, la cual está sedienta de arte. ¿Cómo veo el futuro?, pues creo que depende de cómo rifemos ahorita, pero imagino caerán los que eran pose y no tenían contenido.

Existen increíbles artistas, desde los dedicados al arte urbano, hasta los artistas digitales, los ilustradores y los diseñadores industriales y de moda. ¿Cuál área artística o de diseño consideras es la más fuerte y tiene mayor potencial en México?

Creo que cada área tiene su fuerza, todas están creciendo y creo que todas tienen un potencial grande, cada una definirá hasta donde llegar. Pero más bien podría hablarte un poco de las fallas que hay todavía. Me parece que hasta que el mismo México no consuma sus propios productos no se consolidarán las industrias; por ejemplo no creo que exista una industria de la moda. Con industria me refiero a que exista una ganancia y que incluso signifique una ganancia para el país. Ahora me parece que se mantiene en un sector que juega a tener una industria.

Hace unos años era imposible porque el mercado no estaba educado para consumir tendencias o propuestas extravagantes, y me refiero a todas las áreas artísticas que mencionas; incluso en la arquitectura, las necesidades y gustos del consumidor han evolucionado. Así que pues todas están en potencia.

Londres es moda de último momento, Japón es diseño de tecnología, México es…

Surrealismo pasional

¿Cómo apoyan las marcas locales, los medios y las organizaciones el medio artístico en México? 

Creo que nos encontramos en crecimiento; algunos llevan trazando el camino desde hace años, otros lo mejoraron y lo evolucionaron, a otros nos tocó pensarlo de nuevo, ya que llegaron las redes sociales y la tecnología ofrece muchos más caminos. Las marcas han sabido relacionarse con el movimiento, con esta explosión artística de la cual hablamos, no todas han sabido hacerlo ni han acertado, pero hay unos cuantos que realmente apoyan el contenido y no buscan el crédito como objetivo principal.

¿Cómo podrían éstos apoyar dicho escenario?

Creo que contratando personas sensibles, que realmente comprendan las ideas de los artistas; personas que no tengan miedo de arriesgar. Los artistas saben cómo llegar a las personas, cómo hacerlas sentir, si les dieran más poder creativo tendríamos campañas publicitarias divertidas, conceptuales e intelectuales. Estoy harto de seguir viendo anuncios vacíos, patéticos y tontos en la tele y por todos lados.

¿Cuáles son tus expectativas en tu colaboración con Saketekilla? ¿Existen otros proyectos a futuro que pienses te gustaría ayudar a desarrollar o lanzar internacionalmente?

Siempre es bueno hacer un link con alguien nuevo, los resultados son diferentes, la energía que se construye con alguien nunca es la misma que construiste con otro. Siempre me lo dijo un amigo, “más vale ganar un amigo que un enemigo” (risas).

Agradecemos a Andrés Medina por esta gran entrevista. Más información sobre El Fanzine aquí.

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Andrés Medina, escritor, periodista cultural y amante del cine; actualmente director en jefe de la revista creativa Mexicana El Fanzine.

Conócelo en esta entrevista exclusiva para Saketekilla*.

Primero que nada, nos gustaría saber más de ti. ¿De dónde vienes? ¿Qué estudiaste? De igual forma, ¿Qué fue lo que te llevó a la creación de El Fanzine?

Nací en la ciudad de México y toda mi vida viví en la colonia Del Valle. Fui a escuelas privadas desde niño pero mi ambiente siempre fue bohemio, de ahí viene mi mayor influencia. Mis padres son amantes de la música, bailarines natos y fiesteros, así que desde chico estuve en contacto con el arte. Mi mamá fue bibliotecaria por treinta años, por lo que siempre se inculcó la lectura en mi casa. Estudié Ciencias de la Comunicación en la Universidad Iberoamericana, me especialicé en cine y por asares del destino terminé en el mundo editorial.

Me crucé con El Fanzine antes de terminar la carrera, justo ya en la especialidad. Recuerdo que el primer número en el cual estuve involucrado fue el #6. Desde entonces, junto con todas las personas que han formado parte de la comunidad que da vida al proyecto, hemos creado cosas increíbles, con corazón.

¿Qué o quiénes fueron las piezas claves en la realización de El Fanzine? ¿Cómo pasó de ser una idea a algo tangible, y en especial, a algo que fuera gustar a la gente? ¿Desde un inicio imaginaron tener el éxito que han logrado hasta el momento?

Esta pregunta la podrían responder mejor sus creadores, pero les cuento lo que sé. Mariano Rocha tenía la inquietud de hacer una revista que llamaría SODA; era un proyecto ambicioso. En el camino a lograrlo hizo una exposición de dos amigos suyos: Julio Pineda (fotógrafo) y Daniel Coca (diseñador), con ayuda de Landy Bustamante quien comercializó el evento. Al ver que los cuatro trabajaban bien en equipo, decidieron armar el proyecto y pues hasta ahora lleva cinco años de vida. Sobre como pasó de ser una idea a algo tangible creo que la respuesta es sencilla, lo hicieron. El proyecto desde un inicio tuvo éxito por su sinceridad, rareza y por estar hecho con pasión, además de ser una de las primeras propuestas de la ciudad de México gratuitas, con un formato grande y atractivo, que habla de arte, música, diseño, moda y fotografía. En mi opinión, las propuestas exitosas o que se mantienen fuertes son las que se hacen por la necesidad de los autores por crear; llevan pasión y no se hacen pensando en alcanzar el éxito. 

No se ha visto otra revista en México como El Fanzine, la cual acerca al lector tanto a la cultura mexicana, a sus expresiones y talentos, como a tendencias mundiales. ¿Cuál es la filosofía detrás de todo eso? ¿Qué esperan alcanzar en un futuro? ¿Cuáles son tus mayores sueños?

El principal objetivo de El Fanzine es compartir, incitar a pensar y generar un diálogo para así disfrutar de la cultura y el arte. Creo que lo que distingue a El Fanzine de las demás publicaciones es la forma en la que se acerca al arte, sin pretensiones y con el deseo de intercambiar y crecer. La línea editorial tiene un perfil constructivo; no impone su punto de vista, sino que comparte y al compartir, agrada a quienes gustan de compartir.

No nos gusta pensar en el futuro; procuramos pensar mejor en el presente, pero cuando lo hacemos, siempre nos vemos involucrados con mayor profundidad y fuerza con la sociedad. Queremos tener un efecto en nuestra colonia, delegación, estado, país y planeta.

Mis mayores sueños siempre han girado en torno a la creación, poder escribir un libro, pintar un cuadro, hacer una canción; pero sinceramente creo que ya estamos viviendo nuestros sueños.

¿Cuál ha sido el mayor reto que El Fanzine ha enfrentado a lo largo de su trayectoria?

Día a día nos enfrentamos a nuevos retos, y eso es lo que nos mantiene vivos y lo que hace que no se vuelva aburrido y perfecto. Pero hablando sobre un reto en específico, que creo éste ha sido la base de todo: mantenernos interesantes, propositivos y no aburrirle al lector siendo predecible. Procuramos crecer personalmente para así estar en movimiento. Estar unidos también ha sido un reto que hemos aceptado y que hasta ahora hemos cumplido perfectamente.

¿Cómo llegaron a ese impactante y creativo estilo visual retro-mexicano que tiene El Fanzine?

Esto es consecuencia del gran gusto y la enorme sensibilidad de nuestro Director de Arte, Daniel Coca. El poder visual y el efecto que tiene en el lector es la magia que caracteriza el diseño de Coca, quien vive de una manera creativa la vida. Me arriesgo a decir que creo que gran parte de su estilo es gracias a que es un gran observador y a que tiene muy claro lo que ama.

En relación a tu equipo de trabajo, ¿cómo encuentran a los artistas y temas que desean cubrir? ¿Cuál es el proceso de selección? ¿Cómo logras que suceda la magia?

Este proceso es totalmente vivencial y personal, creo que es justamente lo que hace tan especial a El Fanzine. Los temas que elegimos nacen de las experiencias y situaciones que estamos viviendo en el momento, incluso las personas que participan son las personas que la vida pone en nuestro camino. Algunos de los colaboradores se involucran a un nivel tan profundo con nosotros que logran entender perfectamente la intención y la línea editorial de nuestro proyecto, por esta razón colaboramos con ellos muy seguido. La magia sucede gracias a la energía y amor de todos los involucrados, cada mes participan cerca de 40 personas.

¿Cuáles son los principales artistas del momento? Local e internacionalmente.

Pues creo que como en todo es cuestión de gustos, justo ahí es donde entra el trabajo de un curador o un editor, compartir con su audiencia lo que él considera valioso. En lo personal me gusta mucho el trabajo de Neck Face, Saner, JR, Ai Weiwei, Parra, Mark Ryden, Mario Testino, Pharrell Williams, Barry McGee, David Cook… existen muchísimos.

¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración en línea?

Me gusta consultar el sitio de Juxtapoz, Interview, Mass Appeal, Ego Tripland, Dazed & Confused, pero creo que mi consumo visual se está enfocando mucho ya en Instagram y en lo que mis amigos comparten conmigo.

Hemos visto una gran ola emergente de cultura artística en México con un increíble talento (¡aunque hay que indagar mucho para encontrarla!). Como mexicano, ¿cómo ves el actual escenario artístico en México y qué piensas que sucederá en los siguientes años?

Es verdad que México se encuentra en un momento creativo increíble, lo debemos aprovechar y es justo ahora cuando debemos exponernos al resto del mundo; la calidad de nuestros productos y nuestras ideas está en un punto muy alto. Creo que es momento de poner atención también a las estrategias de negocios y a la consolidación de los proyectos. Como dices, hay mucha propuesta, pero hay pocas que tienen la suficiente fuerza para realmente hacer las cosas. Pero definitivamente si lo quieres hacer, es ahora o nunca. Creo que la escena de arte en México está cobrando renombre internacional, todos los artistas de otras partes del mundo quieren venir y mostrarse a la sociedad, la cual está sedienta de arte. ¿Cómo veo el futuro?, pues creo que depende de cómo rifemos ahorita, pero imagino caerán los que eran pose y no tenían contenido.

Existen increíbles artistas, desde los dedicados al arte urbano, hasta los artistas digitales, los ilustradores y los diseñadores industriales y de moda. ¿Cuál área artística o de diseño consideras es la más fuerte y tiene mayor potencial en México?

Creo que cada área tiene su fuerza, todas están creciendo y creo que todas tienen un potencial grande, cada una definirá hasta donde llegar. Pero más bien podría hablarte un poco de las fallas que hay todavía. Me parece que hasta que el mismo México no consuma sus propios productos no se consolidarán las industrias; por ejemplo no creo que exista una industria de la moda. Con industria me refiero a que exista una ganancia y que incluso signifique una ganancia para el país. Ahora me parece que se mantiene en un sector que juega a tener una industria.

Hace unos años era imposible porque el mercado no estaba educado para consumir tendencias o propuestas extravagantes, y me refiero a todas las áreas artísticas que mencionas; incluso en la arquitectura, las necesidades y gustos del consumidor han evolucionado. Así que pues todas están en potencia.

Londres es moda de último momento, Japón es diseño de tecnología, México es…

Surrealismo pasional

¿Cómo apoyan las marcas locales, los medios y las organizaciones el medio artístico en México? 

Creo que nos encontramos en crecimiento; algunos llevan trazando el camino desde hace años, otros lo mejoraron y lo evolucionaron, a otros nos tocó pensarlo de nuevo, ya que llegaron las redes sociales y la tecnología ofrece muchos más caminos. Las marcas han sabido relacionarse con el movimiento, con esta explosión artística de la cual hablamos, no todas han sabido hacerlo ni han acertado, pero hay unos cuantos que realmente apoyan el contenido y no buscan el crédito como objetivo principal.

¿Cómo podrían éstos apoyar dicho escenario?

Creo que contratando personas sensibles, que realmente comprendan las ideas de los artistas; personas que no tengan miedo de arriesgar. Los artistas saben cómo llegar a las personas, cómo hacerlas sentir, si les dieran más poder creativo tendríamos campañas publicitarias divertidas, conceptuales e intelectuales. Estoy harto de seguir viendo anuncios vacíos, patéticos y tontos en la tele y por todos lados.

¿Cuáles son tus expectativas en tu colaboración con Saketekilla? ¿Existen otros proyectos a futuro que pienses te gustaría ayudar a desarrollar o lanzar internacionalmente?

Siempre es bueno hacer un link con alguien nuevo, los resultados son diferentes, la energía que se construye con alguien nunca es la misma que construiste con otro. Siempre me lo dijo un amigo, “más vale ganar un amigo que un enemigo” (risas).

Agradecemos a Andrés Medina por esta gran entrevista. Más información sobre El Fanzine aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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