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March 25, 2015 - No Comments!

★ Jen Stark (USA) | 3D Paper Psychodelia

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Born in Miami, Florida, Jen Stark is a contemporary sculptor and artist who knows how to make the most of her imagination, artistic skills, and simple materials to create greatly complex kaleidoscopic paper artworks. Since her graduation from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005, Stark has given to her technicolor hand-cut creations a deep meaning that combines her natural, mathematical, and spiritual passions.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

It happened while studying abroad in the south of France that Los Angeles-based artist and sculptor Jen Stark encountered the disadvantages of the euro’s high exchange rate within the artistic world. It was then that she saw the necessity to find an affordable material in which to express her passions and interests. Finally, it was paper the ultimate supply-solution, and soon the artist realized the endless amount of possibilities that awaited her if she used her talent to transform it in an exceptional way.

Today, Jen Stark uses her imagination and patience to convert paper into fantastic psychedelic sculptures. With time, her artistic mediums have expanded, and currently, she also works with other materials like wood, plexi, foamboard, fiberboard (mdf), metal, mirrors, and paint. She has also explored drawing, muralism, and animation.

Stark’s style is full of vibrant colors and dynamism, and usually imitates mandalas and sacred objects. She combines her enthusiasm for the ideas of infinity, cosmos, mystery and nature, with her talent to transform common materials into splendid three-dimensional sculptures. Through her hypnotic geometrical patterns and repetitions, Stark attempts to express her idea that mathematics and science can be somehow related to all aspects of life. Her passion for optical illusions and kaleidoscopic designs is remarkably expressed in her stacked layers of paper that she arranges and shapes into stars, flowers, petal-like elements, and wormholes, all of them reminiscent of typographical maps and geoids. Examples of that are her projects “The Whole” and “Vortextural” projects.

Behind each sculpture there is a highly intensive and detailed creative process. Depending on the size and complexity of the artwork, Jen spends either weeks or months completing it. She starts by sketching the concept and then by stacking the paper in the order she will need it – the number of paper sheets she uses generally goes from 50 to a maximum of 150. Finally, she cuts the biggest hole and then proceeds to move inward cutting layer by layer. Admirably, not a single layer is cut by computer; using an X-ACTO knife, the artist is the only author of her psychedelic hand-cut sculptures.

Jen Stark graduated from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005. Two years later, her work started to gain outstanding online recognition and some of the best galleries around the world asked her to exhibit her sculptures. Since the takeoff of her career, she has exhibited in places like New York City, Seattle, Washington DC, Thailand, Canada and Australia. At 32, she is one of the greatest emerging artists that continue to create hypnotic geometrical works of art that stand out and influence people around the world.

More information on Jen Stark here.

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It happened while studying abroad in the south of France that Los Angeles-based artist and sculptor Jen Stark encountered the disadvantages of the euro’s high exchange rate within the artistic world. It was then that she saw the necessity to find an affordable material in which to express her passions and interests. Finally, it was paper the ultimate supply-solution, and soon the artist realized the endless amount of possibilities that awaited her if she used her talent to transform it in an exceptional way.

Today, Jen Stark uses her imagination and patience to convert paper into fantastic psychedelic sculptures. With time, her artistic mediums have expanded, and currently, she also works with other materials like wood, plexi, foamboard, fiberboard (mdf), metal, mirrors, and paint. She has also explored drawing, muralism, and animation.

Stark’s style is full of vibrant colors and dynamism, and usually imitates mandalas and sacred objects. She combines her enthusiasm for the ideas of infinity, cosmos, mystery and nature, with her talent to transform common materials into splendid three-dimensional sculptures. Through her hypnotic geometrical patterns and repetitions, Stark attempts to express her idea that mathematics and science can be somehow related to all aspects of life. Her passion for optical illusions and kaleidoscopic designs is remarkably expressed in her stacked layers of paper that she arranges and shapes into stars, flowers, petal-like elements, and wormholes, all of them reminiscent of typographical maps and geoids. Examples of that are her projects “The Whole” and “Vortextural” projects.

Behind each sculpture there is a highly intensive and detailed creative process. Depending on the size and complexity of the artwork, Jen spends either weeks or months completing it. She starts by sketching the concept and then by stacking the paper in the order she will need it – the number of paper sheets she uses generally goes from 50 to a maximum of 150. Finally, she cuts the biggest hole and then proceeds to move inward cutting layer by layer. Admirably, not a single layer is cut by computer; using an X-ACTO knife, the artist is the only author of her psychedelic hand-cut sculptures.

Jen Stark graduated from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005. Two years later, her work started to gain outstanding online recognition and some of the best galleries around the world asked her to exhibit her sculptures. Since the takeoff of her career, she has exhibited in places like New York City, Seattle, Washington DC, Thailand, Canada and Australia. At 32, she is one of the greatest emerging artists that continue to create hypnotic geometrical works of art that stand out and influence people around the world.

More information on Jen Stark here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Proveniente de Miami, Florida, Jen Stark es una artista y escultora contemporánea que combina a la perfección su imaginación, extraordinarias habilidades artísticas y materiales comunes que le permiten crear sus caleidoscópicas y excepcionalmente complejas obras en papel. Estudió arte en el Maryland Institute College of Art y desde su graduación en el 2005, ha sabido dar a sus creaciones hechas a mano un significado único que une su pasión por lo natural, lo espiritual y las matemáticas.

La artista, actualmente con residencia en Los Ángeles, CA, se encontraba estudiando en el sur de Francia cuando descubrió lo caro que sería abastecerse de materiales artísticos en ese lugar. Es por eso que en ese momento tomó la decisión de escoger un material atractivo pero de bajo costo con el cual pudiera trabajar. Finalmente, eligió papel de colores y pronto se dio cuenta de las infinitas posibilidades que este material brinda a quien sabe transformarlo de manera excepcional.

Hoy en día, Jen Stark utiliza su imaginación y paciencia para convertir diferentes tipos de papel en fantásticas esculturas de carácter psicodélico. Con el tiempo, los suministros con los que trabaja han ido evolucionando y actualmente, también utiliza materiales como madera, plástico, fomi, mdf, metal, espejos y pintura. A su vez, ha explorado otras áreas como el dibujo, el muralismo y la animación.

El estilo de Jen está plagado de colores vibrantes y dinamismo. Usualmente, sus obras tienden a replicar hasta cierto grado las mándalas hindúes y otros objetos sagrados. Stark sabe combinar su pasión por la idea del infinito, el cosmos, el misterio y la naturaleza, con su talento por transformar materiales comunes en espléndidas esculturas tridimensionales. Es a través de sus patrones y repeticiones geométricas altamente hipnóticas que también refleja su idea de que las matemáticas y la ciencia de alguna manera se relacionan con todos los aspectos de la vida. Su pasión por las ilusiones ópticas y los diseños caleidoscópicos se ven perfectamente representados en las múltiples capas de papel que la artista apila y posteriormente modifica en forma de estrellas, flores, pétalos, y agujeros de gusano, todos con un toque tecnicolor que hacen recordar mapas tipográficos y geoides. Ejemplos de esto son sus proyectos “The Whole” and “Vortextural”.

La creación de cada obra lleva consigo un intenso y detallado proceso creativo. Le puede llevar semanas o meses el completar una escultura, todo depende del tamaño y nivel de complejidad de la misma. Stark comienza por crear un boceto del concepto. Posteriormente, apila el papel en el orden en que lo utilizará – el número de hojas que utiliza va de las 50 a un máximo de 150. Finalmente, corta el agujero más grande y a partir de ahí trabaja hacia adentro cortando cada hoja de manera individual. Por increíble que parezca, ninguno de los cortes es hecho por computadora. Todo el trabajo es manual utilizando un cuchillo X-ACTO.

Dos años después de su graduación de la carrera, el trabajo de Jen Stark comenzó a ser ampliamente reconocido en múltiples blogs en línea. Fue entonces que diversas de las mejores galerías del mundo pidieron a la artista que exhibiera sus obras. Desde ese momento, su trabajo se ha encontrado en lugares como Nueva York, Seattle, Washington, Tailandia, Canadá y Australia. A los 32 años de edad, Stark es una de las más grandes y emerges artistas que continua creando extraordinarias obras geométricas que cautivan e influencian al resto del mundo.

Más información sobre Jen Stark aquí.

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Proveniente de Miami, Florida, Jen Stark es una artista y escultora contemporánea que combina a la perfección su imaginación, extraordinarias habilidades artísticas y materiales comunes que le permiten crear sus caleidoscópicas y excepcionalmente complejas obras en papel. Estudió arte en el Maryland Institute College of Art y desde su graduación en el 2005, ha sabido dar a sus creaciones hechas a mano un significado único que une su pasión por lo natural, lo espiritual y las matemáticas.

La artista, actualmente con residencia en Los Ángeles, CA, se encontraba estudiando en el sur de Francia cuando descubrió lo caro que sería abastecerse de materiales artísticos en ese lugar. Es por eso que en ese momento tomó la decisión de escoger un material atractivo pero de bajo costo con el cual pudiera trabajar. Finalmente, eligió papel de colores y pronto se dio cuenta de las infinitas posibilidades que este material brinda a quien sabe transformarlo de manera excepcional.

Hoy en día, Jen Stark utiliza su imaginación y paciencia para convertir diferentes tipos de papel en fantásticas esculturas de carácter psicodélico. Con el tiempo, los suministros con los que trabaja han ido evolucionando y actualmente, también utiliza materiales como madera, plástico, fomi, mdf, metal, espejos y pintura. A su vez, ha explorado otras áreas como el dibujo, el muralismo y la animación.

El estilo de Jen está plagado de colores vibrantes y dinamismo. Usualmente, sus obras tienden a replicar hasta cierto grado las mándalas hindúes y otros objetos sagrados. Stark sabe combinar su pasión por la idea del infinito, el cosmos, el misterio y la naturaleza, con su talento por transformar materiales comunes en espléndidas esculturas tridimensionales. Es a través de sus patrones y repeticiones geométricas altamente hipnóticas que también refleja su idea de que las matemáticas y la ciencia de alguna manera se relacionan con todos los aspectos de la vida. Su pasión por las ilusiones ópticas y los diseños caleidoscópicos se ven perfectamente representados en las múltiples capas de papel que la artista apila y posteriormente modifica en forma de estrellas, flores, pétalos, y agujeros de gusano, todos con un toque tecnicolor que hacen recordar mapas tipográficos y geoides. Ejemplos de esto son sus proyectos “The Whole” and “Vortextural”.

La creación de cada obra lleva consigo un intenso y detallado proceso creativo. Le puede llevar semanas o meses el completar una escultura, todo depende del tamaño y nivel de complejidad de la misma. Stark comienza por crear un boceto del concepto. Posteriormente, apila el papel en el orden en que lo utilizará – el número de hojas que utiliza va de las 50 a un máximo de 150. Finalmente, corta el agujero más grande y a partir de ahí trabaja hacia adentro cortando cada hoja de manera individual. Por increíble que parezca, ninguno de los cortes es hecho por computadora. Todo el trabajo es manual utilizando un cuchillo X-ACTO.

Dos años después de su graduación de la carrera, el trabajo de Jen Stark comenzó a ser ampliamente reconocido en múltiples blogs en línea. Fue entonces que diversas de las mejores galerías del mundo pidieron a la artista que exhibiera sus obras. Desde ese momento, su trabajo se ha encontrado en lugares como Nueva York, Seattle, Washington, Tailandia, Canadá y Australia. A los 32 años de edad, Stark es una de las más grandes y emerges artistas que continua creando extraordinarias obras geométricas que cautivan e influencian al resto del mundo.

Más información sobre Jen Stark aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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February 4, 2015 - No Comments!

★ Leta Sobierajski (USA) | Artistic Randomness

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Based in Brooklyn, New York City, Leta Sobierajski is a multidisciplinary designer and art director who produces outstanding visual projects of an audacious and offbeat nature. Her versatile work incorporates surreal and conventional features involving mainly graphic design, photography, art, and digital elements. In 2013, her career as a freelancer began and she quickly positioned herself as a rising young designer captivating the world with her bizarre creations.


[Ver artículo en español abajo]

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[vimeo 34393858 w=100 h=338]

Applications from Leta Sobierajski on Vimeo.

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With a bachelor in Graphic Design at Purchase College and recognition by Print Magazine as one of the 20 best designers under age of 30, New York City-based artist Leta Sobierajski is the owner of a quirky portfolio characterized by a daring and surreal style.

In her work, she demonstrates her exceptional talent for combining striking color palettes, witty ideas, unexpected elements and diverse artistic techniques -such as graphic design, photography, art, and film- in unique compositions. It is through her playful arrangement of features that she manages to come up with the most unconventional and attractive designs.

Among her best recognized projects are her collaboration with Refinery29 –a company that offers fashionable and trendy inspiration for women- in which Sobierajski created five pictures of lifeless objects depicting the strangest ideas of beauty; and the series of fantastic promos created for the polka dot collection of Odd Pears, a sock company specialized in selling three-sock packs.

On a more personal level, Leta Sobierajski shares her artistic passion, outstanding sense of humor and life with her partner Wade Jeffree, an art director and designer as well. Together, they have created “Complements”, an ongoing project about love and the stages of their relationship, expressed in a series of versatile, expressive and humorous self-portraits.

More information on Leta Sobierajski here.

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With a bachelor in Graphic Design at Purchase College and recognition by Print Magazine as one of the 20 best designers under age of 30, New York City-based artist Leta Sobierajski is the owner of a quirky portfolio characterized by a daring and surreal style.

In her work, she demonstrates her exceptional talent for combining striking color palettes, witty ideas, unexpected elements and diverse artistic techniques -such as graphic design, photography, art, and film- in unique compositions. It is through her playful arrangement of features that she manages to come up with the most unconventional and attractive designs.

Among her best recognized projects are her collaboration with Refinery29 –a company that offers fashionable and trendy inspiration for women- in which Sobierajski created five pictures of lifeless objects depicting the strangest ideas of beauty; and the series of fantastic promos created for the polka dot collection of Odd Pears, a sock company specialized in selling three-sock packs.

On a more personal level, Leta Sobierajski shares her artistic passion, outstanding sense of humor and life with her partner Wade Jeffree, an art director and designer as well. Together, they have created “Complements”, an ongoing project about love and the stages of their relationship, expressed in a series of versatile, expressive and humorous self-portraits.

More information on Leta Sobierajski here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicada en Brooklyn, Nueva York, Leta Sobierajski es una diseñadora multidisciplinaria y directora de arte que se dedica a crear increíbles proyectos visuales de una naturaleza poco convencional y atrevida. Su versátil trabajo incorpora conceptos tanto convencionales como surreales, y usualmente es el producto de una combinación de diversos medios, como diseño gráfico, fotografía, arte y el mundo digital. Sobierajski comenzó a trabajar de manera autónoma en el 2013 y rápidamente se posicionó como una exitosa joven diseñadora cautivando al mundo con sus extrañas creaciones.

Habiendo estudiado Diseño Gráfico en el Purchase College y siendo reconocida por Print Magazine como una de las 20 mejores diseñadoras menores de 30 años de edad, Leta Sobierajski es la autora de un extravagante portafolio creativo caracterizado por un atrevido estilo surrealista. En su trabajo, ella demuestra su gran habilidad y talento para combinar llamativas gamas de colores, ocurrentes ideas, inesperados elementos y diversas técnicas creativas en una sola composición. Es gracias a su excelente disposición de elementos que la artista logra desarrollar los más atractivos e insólitos diseños.

Entre sus proyectos más reconocidos se encuentran su colaboración con Refinery29, una compañía que ofrece consejos de moda a las mujeres, y para la que Sobierajski creó 5 imágenes de objetos inanimados representando las más extrañas nociones de belleza; y la serie de fantásticas imágenes promocionales para la colección de polka dots de la empresa Odd Pears, una compañía especializada en la venta de calcetines.

A un nivel más personal, Leta Sobierajski comparte su pasión por el diseño, su extraordinario sentido del humor y su vida con su pareja, Wade Jeffre, también un diseñador y director de arte. Juntos han creado “Complements” (Complementos), un proyecto en curso que trata sobre el amor y las diversas etapas de su relación, expresados en una serie de versátiles, expresivos y divertidos autorretratos en pareja.

Más información sobre Leta Sobierajski aquí.

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Ubicada en Brooklyn, Nueva York, Leta Sobierajski es una diseñadora multidisciplinaria y directora de arte que se dedica a crear increíbles proyectos visuales de una naturaleza poco convencional y atrevida. Su versátil trabajo incorpora conceptos tanto convencionales como surreales, y usualmente es el producto de una combinación de diversos medios, como diseño gráfico, fotografía, arte y el mundo digital. Sobierajski comenzó a trabajar de manera autónoma en el 2013 y rápidamente se posicionó como una exitosa joven diseñadora cautivando al mundo con sus extrañas creaciones.

Habiendo estudiado Diseño Gráfico en el Purchase College y siendo reconocida por Print Magazine como una de las 20 mejores diseñadoras menores de 30 años de edad, Leta Sobierajski es la autora de un extravagante portafolio creativo caracterizado por un atrevido estilo surrealista. En su trabajo, ella demuestra su gran habilidad y talento para combinar llamativas gamas de colores, ocurrentes ideas, inesperados elementos y diversas técnicas creativas en una sola composición. Es gracias a su excelente disposición de elementos que la artista logra desarrollar los más atractivos e insólitos diseños.

Entre sus proyectos más reconocidos se encuentran su colaboración con Refinery29, una compañía que ofrece consejos de moda a las mujeres, y para la que Sobierajski creó 5 imágenes de objetos inanimados representando las más extrañas nociones de belleza; y la serie de fantásticas imágenes promocionales para la colección de polka dots de la empresa Odd Pears, una compañía especializada en la venta de calcetines.

A un nivel más personal, Leta Sobierajski comparte su pasión por el diseño, su extraordinario sentido del humor y su vida con su pareja, Wade Jeffre, también un diseñador y director de arte. Juntos han creado “Complements” (Complementos), un proyecto en curso que trata sobre el amor y las diversas etapas de su relación, expresados en una serie de versátiles, expresivos y divertidos autorretratos en pareja.

Más información sobre Leta Sobierajski aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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December 17, 2014 - No Comments!

★ Marie Rime (SW) | The New Portrayal Of Tribal Art

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Tribal art is the fundamental constituent in some of Marie Rime’s most recognized works. Recently graduated from the bachelor in Photography at ECAL, this talented 24-year-old Swiss artist has created remarkable masques that bear a resemblance to those used in antique ceremonial rituals. Her unique ability to transform multiple objects into her fantastic costumes have helped defined her eccentric and colorful style.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Native from Charmey, Switzerland and currently based in Lausanne, Marie Rime has taken the essence of the art of indigenous cultures and adapted it to her own artistic and quirky masks, headpieces and collars. Using tribal art as her main source of inspiration, Rime works with different every-day materials to analyze her impressions regarding a broad extension of subjects. What started as pieces glued to Rime’s own head, eventually resulted in flamboyant artworks of an extraordinary conception, detail and craftsmanship.

Among her most distinguished collections are “Masques”, a project about the meaning of games and the role of players in which Rime crafted masks gluing cards and board game pieces together; “Armures”, an exploration of the relationship between ornament, power and war; and “Symétrie de pouvoir”, a series of images that analyze the concept of symmetry taking as a starting point the butterfly.

“I like that you can see that it's handmade and where the paper background ends at the bottom. It sets the person in the image, like a statue". – Marie Rime told The Guardian

Of an imposing, geometric and elaborate nature, Marie Rime’s female portraits have been exhibited in countries like France, Italy, China and Switzerland.

More information on Marie Rime here.

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Native from Charmey, Switzerland and currently based in Lausanne, Marie Rime has taken the essence of the art of indigenous cultures and adapted it to her own artistic and quirky masks, headpieces and collars. Using tribal art as her main source of inspiration, Rime works with different every-day materials to analyze her impressions regarding a broad extension of subjects. What started as pieces glued to Rime’s own head, eventually resulted in flamboyant artworks of an extraordinary conception, detail and craftsmanship.

Among her most distinguished collections are “Masques”, a project about the meaning of games and the role of players in which Rime crafted masks gluing cards and board game pieces together; “Armures”, an exploration of the relationship between ornament, power and war; and “Symétrie de pouvoir”, a series of images that analyze the concept of symmetry taking as a starting point the butterfly.

“I like that you can see that it's handmade and where the paper background ends at the bottom. It sets the person in the image, like a statue". – Marie Rime told The Guardian

Of an imposing, geometric and elaborate nature, Marie Rime’s female portraits have been exhibited in countries like France, Italy, China and Switzerland.

More information on Marie Rime here.

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Recién graduada de la carrera de Fotografía en el ECAL, la talentosa artista de 24 años Marie Rime ha creado extraordinarias máscaras que llevan al observador a recordar aquellos disfraces utilizados en antiguas ceremonias y rituales. Su gran habilidad por transformar múltiples objetos en fantásticos vestuarios la han ayudado a definir su excéntrico y colorido estilo.

Proveniente de la región de Charmey en Suiza y actualmente ubicada en Lausanne, Marie Rime ha adaptado la esencia del arte de las culturas indígenas en sus extravagantes máscaras, collares y tocados. Tomando el arte tribal como principal fuente de inspiración, Rime utiliza diferentes objetos de la vida diaria para analizar su opinión y postura acerca de diversos temas. Lo que comenzó como un proceso de adherir los objetos a la propia cabeza de la artista, terminó convirtiéndose en un conjunto de obras de arte de una calidad, concepto y detalle sorprendentes.

Entre sus colecciones más famosas se encuentran “Masques”, un proyecto que habla del significado de los juegos y el papel que fungen los jugadores en el que Rime creó máscaras a partir de diversas piezas de juegos de mesa y cartas; “Armures”, una serie de imágenes que exploran la relación entre decoración, poder y guerra; y “Symétrie de pouvoir”, un proyecto sobre el análisis de lo simétrico que toma como base a la mariposa.

“Me gusta que el observador puede distinguir que es hecho a mano así como dónde termina el papel del fondo. Pienso que ubica a la persona en la imagen, algo así como una estatua”. – Marie Rime compartió con The Guardian

De una naturaleza imponente, geométrica y altamente compleja, los retratos femeninos de Marie Rime han sido exhibidos en países como Francia, China, Italia y Suiza.

Más información sobre Marie Rime aquí.

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Recién graduada de la carrera de Fotografía en el ECAL, la talentosa artista de 24 años Marie Rime ha creado extraordinarias máscaras que llevan al observador a recordar aquellos disfraces utilizados en antiguas ceremonias y rituales. Su gran habilidad por transformar múltiples objetos en fantásticos vestuarios la han ayudado a definir su excéntrico y colorido estilo.

Proveniente de la región de Charmey en Suiza y actualmente ubicada en Lausanne, Marie Rime ha adaptado la esencia del arte de las culturas indígenas en sus extravagantes máscaras, collares y tocados. Tomando el arte tribal como principal fuente de inspiración, Rime utiliza diferentes objetos de la vida diaria para analizar su opinión y postura acerca de diversos temas. Lo que comenzó como un proceso de adherir los objetos a la propia cabeza de la artista, terminó convirtiéndose en un conjunto de obras de arte de una calidad, concepto y detalle sorprendentes.

Entre sus colecciones más famosas se encuentran “Masques”, un proyecto que habla del significado de los juegos y el papel que fungen los jugadores en el que Rime creó máscaras a partir de diversas piezas de juegos de mesa y cartas; “Armures”, una serie de imágenes que exploran la relación entre decoración, poder y guerra; y “Symétrie de pouvoir”, un proyecto sobre el análisis de lo simétrico que toma como base a la mariposa.

“Me gusta que el observador puede distinguir que es hecho a mano así como dónde termina el papel del fondo. Pienso que ubica a la persona en la imagen, algo así como una estatua”. – Marie Rime compartió con The Guardian

De una naturaleza imponente, geométrica y altamente compleja, los retratos femeninos de Marie Rime han sido exhibidos en países como Francia, China, Italia y Suiza.

Más información sobre Marie Rime aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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September 3, 2014 - No Comments!

★ Diana Beltrán Herrera (CO) | Rediscovering Magical Wildlife

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Based in Bristol, England, Diana Beltrán is a Colombian sculptor and designer who recreates exotic elements of nature- birds in particular- in order to make a statement about the gradual separation that humans are suffering from the environment in today’s society. With a strong background in crafts, colors, patterns and volumes, and a profound passion for birds, Diana intents to influence the world in a positive way and give people the opportunity to rediscover their natural surroundings before it is too late.


[Ver artículo en español abajo]

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Graduated from the bachelor of Industrial Design at the Jorge Tadeo Lozano University in Bogota, Colombia in 2010 and currently studying a MA of Fine Arts at the University of the West of England, Diana Beltrán has reproduced more than 100 species of tropical birds. She observes photographs, researches the animal’s habitat and way of living, and talks to members of the ornithology world in order to reconstruct the birds as accurately as possible.

Diana’s handmade paper sculptures aim to represent an ideal universe in which the relationship between humans and nature is restored and not so often disregarded by people. Her delicate and detailed birds are characterized by economic materials and an enduring process in which repetition is the key aspect of accomplishment.

“The world is a 24-hour day full of inspiration”, Diana shares when asked about her motivation. A photograph and a drawing in Illustrator is all that this talented artist needs in order to bring to life the real-size sculptures of such fantastic flying creatures. Generally, the manufacture period of each bird is from 5 days to 2 weeks, depending on the complexity and size of the animal.

More information on Diana Beltrán Herrera here.

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Graduated from the bachelor of Industrial Design at the Jorge Tadeo Lozano University in Bogota, Colombia in 2010 and currently studying a MA of Fine Arts at the University of the West of England, Diana Beltrán has reproduced more than 100 species of tropical birds. She observes photographs, researches the animal’s habitat and way of living, and talks to members of the ornithology world in order to reconstruct the birds as accurately as possible.

Diana’s handmade paper sculptures aim to represent an ideal universe in which the relationship between humans and nature is restored and not so often disregarded by people. Her delicate and detailed birds are characterized by economic materials and an enduring process in which repetition is the key aspect of accomplishment.

“The world is a 24-hour day full of inspiration”, Diana shares when asked about her motivation. A photograph and a drawing in Illustrator is all that this talented artist needs in order to bring to life the real-size sculptures of such fantastic flying creatures. Generally, the manufacture period of each bird is from 5 days to 2 weeks, depending on the complexity and size of the animal.

More information on Diana Beltrán Herrera here.

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Con residencia actual en Bristol, Inglaterra, Diana Beltrán es una diseñadora y escultura Colombiana que se dedica a recrear exóticos miembros de la naturaleza –principalmente aves- con el objetivo de declarar su postura con respecto a la fuerte separación que se está llevando a cabo entre el ser humano de nuestra sociedad contemporánea y el medio ambiente. Con antecedentes en artes plásticas, el estudio de color, patrones y volúmenes, y con una intensa pasión por las aves, Beltrán intenta influenciar al mundo de manera positiva y brindar a las personas la oportunidad de redescubrir el mundo natural antes de que sea demasiado tarde.

Graduada de la licenciatura en Diseño Industrial en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá, Colombia en el 2010 y actualmente estudiando una maestría en artes en la Universidad de West of England, Diana Beltrán ha reproducido más de 100 especies de aves tropicales. Gracias al estudio del hábitat y forma de vida de dichas especies, su observación de fotografías y sus reuniones con ornitólogos, Diana reconstruye sus aves lo más exactas y cercanas a la realidad posible.

Sus esculturas de papel fabricadas a mano representan un universo ficticio en el que la relación entre los humanos y la naturaleza se ve restaurada. Sus detalladas y delicadas aves se caracterizan por materiales económicos y un paciente proceso creativo en el que la repetición es un factor clave para llevarlas a cabo.

“El mundo es un lugar lleno de inspiración las 24 horas al día”, es lo que Diana piensa respecto a su motivación para seguir trabajando. Una fotografía y un dibujo en el programa Ilustrador son las principales herramientas que esta talentosa artista necesita para crear sus fantásticas esculturas de tamaño real. Generalmente, la manufactura de cada una de ellas le lleva de 5 días a 2 semanas, dependiendo del grado de complejidad y el tamaño del ave en cuestión.

Más información sobre Diana Beltrán aquí.

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Con residencia actual en Bristol, Inglaterra, Diana Beltrán es una diseñadora y escultura Colombiana que se dedica a recrear exóticos miembros de la naturaleza –principalmente aves- con el objetivo de declarar su postura con respecto a la fuerte separación que se está llevando a cabo entre el ser humano de nuestra sociedad contemporánea y el medio ambiente. Con antecedentes en artes plásticas, el estudio de color, patrones y volúmenes, y con una intensa pasión por las aves, Beltrán intenta influenciar al mundo de manera positiva y brindar a las personas la oportunidad de redescubrir el mundo natural antes de que sea demasiado tarde.

Graduada de la licenciatura en Diseño Industrial en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá, Colombia en el 2010 y actualmente estudiando una maestría en artes en la Universidad de West of England, Diana Beltrán ha reproducido más de 100 especies de aves tropicales. Gracias al estudio del hábitat y forma de vida de dichas especies, su observación de fotografías y sus reuniones con ornitólogos, Diana reconstruye sus aves lo más exactas y cercanas a la realidad posible.

Sus esculturas de papel fabricadas a mano representan un universo ficticio en el que la relación entre los humanos y la naturaleza se ve restaurada. Sus detalladas y delicadas aves se caracterizan por materiales económicos y un paciente proceso creativo en el que la repetición es un factor clave para llevarlas a cabo.

“El mundo es un lugar lleno de inspiración las 24 horas al día”, es lo que Diana piensa respecto a su motivación para seguir trabajando. Una fotografía y un dibujo en el programa Ilustrador son las principales herramientas que esta talentosa artista necesita para crear sus fantásticas esculturas de tamaño real. Generalmente, la manufactura de cada una de ellas le lleva de 5 días a 2 semanas, dependiendo del grado de complejidad y el tamaño del ave en cuestión.

Más información sobre Diana Beltrán aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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August 27, 2014 - No Comments!

★ Philip Barlow (SA) | Blurred Visions Of Reality

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Born in Pietermaritzburg, South Africa in 1968, Philip Barlow is a contemporary artist that enhances the beauty of everyday landscapes by illustrating the extraordinary diffused effects that light and color have over people and their surroundings. His innovative out-of-focus paintings have become a new ethereal alternative within the perception of reality.


[Ver artículo en español abajo]

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Currently based in Noordhoek, Cape Town in South Africa and with a broad experience in diverse artistic techniques such as oil, pastel, charcoal, watercolor and ink, Barlow portrays familiar city scenarios with a unique sense of haziness and illuminated movement.

His smoky figurative work allows the spectator to distinguish basic forms which immerse themselves into illusive atmospheres. In his paintings, imagination is the viewer's main tool to perceive the nature beyond his dim landscapes. One of his most famous series of oil paintings titled "The City” beautifully depicts blurry people wandering down the street during an ordinary sunny day.

It is through a delicate softening of the edges, a skillful use of light and shadows, and an excellent color palette, that Philip Barlow achieves a perfect harmony of elements that turn his paintings into remarkable works of art.

More information on Philip Barlow here.

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Currently based in Noordhoek, Cape Town in South Africa and with a broad experience in diverse artistic techniques such as oil, pastel, charcoal, watercolor and ink, Barlow portrays familiar city scenarios with a unique sense of haziness and illuminated movement.

His smoky figurative work allows the spectator to distinguish basic forms which immerse themselves into illusive atmospheres. In his paintings, imagination is the viewer's main tool to perceive the nature beyond his dim landscapes. One of his most famous series of oil paintings titled "The City” beautifully depicts blurry people wandering down the street during an ordinary sunny day.

It is through a delicate softening of the edges, a skillful use of light and shadows, and an excellent color palette, that Philip Barlow achieves a perfect harmony of elements that turn his paintings into remarkable works of art.

More information on Philip Barlow here.

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Nacido en la ciudad de Pietermaritzburg, Sudáfrica en 1968, Philip Barlow es un artista contemporáneo que ilustra de manera difusa los efectos que la luz y el color tienen sobre las personas y sus alrededores. Sus innovadoras pinturas de carácter borroso se han convertido en una nueva y extraordinaria forma de percibir la realidad.

Con residencia actual en Noordhoek, Ciudad del Cabo en Sudáfrica, y con amplia experiencia en diversas técnicas artísticas como el óleo, el pastel, la acuarela, el carboncillo y la tinta, Barlow representa escenarios urbanos y cotidianos caracterizados por un espléndido desvanecimiento y un singular movimiento lleno de luz y color.

Sus obras fuera de foco son figurativas pues permiten al espectador distinguir formas básicas que se mezclan entre sí en una atmósfera etérea donde la imaginación es la principal herramienta para percibir lo que se está llevando a cabo en sus desenfocados escenarios. Uno de sus trabajos más reconocidos es la serie de pinturas al óleo titulada “The City” (La Ciudad), en la cual se pueden ver personas transitando por la calle bajo un intenso día de verano.

Es a través de suaves bordes, un excelente uso de luces y sombras y una gran gama de colores y tonalidades, que Philip Barlow logra una perfecta armonía de elementos que hacen que sus pinturas se conviertan en verdaderas obras de arte.

Más información sobre Philip Barlow aquí.

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Nacido en la ciudad de Pietermaritzburg, Sudáfrica en 1968, Philip Barlow es un artista contemporáneo que ilustra de manera difusa los efectos que la luz y el color tienen sobre las personas y sus alrededores. Sus innovadoras pinturas de carácter borroso se han convertido en una nueva y extraordinaria forma de percibir la realidad.

Con residencia actual en Noordhoek, Ciudad del Cabo en Sudáfrica, y con amplia experiencia en diversas técnicas artísticas como el óleo, el pastel, la acuarela, el carboncillo y la tinta, Barlow representa escenarios urbanos y cotidianos caracterizados por un espléndido desvanecimiento y un singular movimiento lleno de luz y color.

Sus obras fuera de foco son figurativas pues permiten al espectador distinguir formas básicas que se mezclan entre sí en una atmósfera etérea donde la imaginación es la principal herramienta para percibir lo que se está llevando a cabo en sus desenfocados escenarios. Uno de sus trabajos más reconocidos es la serie de pinturas al óleo titulada “The City” (La Ciudad), en la cual se pueden ver personas transitando por la calle bajo un intenso día de verano.

Es a través de suaves bordes, un excelente uso de luces y sombras y una gran gama de colores y tonalidades, que Philip Barlow logra una perfecta armonía de elementos que hacen que sus pinturas se conviertan en verdaderas obras de arte.

Más información sobre Philip Barlow aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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August 13, 2014 - No Comments!

★ Federico Uribe (CO) | Hybrid Art And The Celebration Of Life

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A Colombian painter and conceptual artist who fuses his own work and talent with hundreds – and sometimes thousands - of daily life objects. His purpose is to allow people to joyfully reconnect to life and experience beauty through his unusual and colorful installations.


[Ver artículo en español abajo]

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“This [his work] is not about making statements; this is about transmitting feelings to people”. – Federico Uribe

Born in Bogota in 1962 and currently based in Miami, Florida, Federico Uribe reuses different materials such as pencils, cables, baby bottle nipples, coins, screws, and shoe laces to create outstanding artworks. After graduating from the bachelor of arts at the University of Los Andes in Bogota, he travelled to New York to study a master of fine arts.

Uribe’s career transitioned from painting to sculpting when he became attracted to ordinary objects and their endless possibilities of combination and arrangement. His sculptures are multiple arrays of elements that beautifully reveal different figures, forms and volumes from a far distance, and also invite the viewer to closely discover the exhaustive and detailed art-making process required to achieve them.

In his artworks, color, form, texture, repetition and symbolism are key factors that when fused together generate a new form of self-expression in which objects acquire different meanings. Highly influenced by literature and psychology, Uribe creates extraordinary characters placing figurative and abstract elements in diverse contexts in order to give the work a new sense of history, personality, attitude and gesture. His sculptures bond themselves with the environment creating a unique three-dimensional effect that has attracted viewers all around the world. Among his most recognized exhibitions are “Pencilism: Paintings”, “Animal Farm” and "Abstract-O".

“I feel that every object that you choose says something about you, says something about your confrontation to life, and with time I learned that celebrating life was better that complaining about it”. – Federico Uribe

More information on Federico Uribe here.

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“This [his work] is not about making statements; this is about transmitting feelings to people”. – Federico Uribe

Born in Bogota in 1962 and currently based in Miami, Florida, Federico Uribe reuses different materials such as pencils, cables, baby bottle nipples, coins, screws, and shoe laces to create outstanding artworks. After graduating from the bachelor of arts at the University of Los Andes in Bogota, he travelled to New York to study a master of fine arts.

Uribe’s career transitioned from painting to sculpting when he became attracted to ordinary objects and their endless possibilities of combination and arrangement. His sculptures are multiple arrays of elements that beautifully reveal different figures, forms and volumes from a far distance, and also invite the viewer to closely discover the exhaustive and detailed art-making process required to achieve them.

In his artworks, color, form, texture, repetition and symbolism are key factors that when fused together generate a new form of self-expression in which objects acquire different meanings. Highly influenced by literature and psychology, Uribe creates extraordinary characters placing figurative and abstract elements in diverse contexts in order to give the work a new sense of history, personality, attitude and gesture. His sculptures bond themselves with the environment creating a unique three-dimensional effect that has attracted viewers all around the world. Among his most recognized exhibitions are “Pencilism: Paintings”, “Animal Farm” and "Abstract-O".

“I feel that every object that you choose says something about you, says something about your confrontation to life, and with time I learned that celebrating life was better that complaining about it”. – Federico Uribe

More information on Federico Uribe here.

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“El objetivo de mi trabajo no es hacer declaraciones, sino trasmitir sentimientos a la gente” – Federico Uribe

Federico Uribe es un pintor y artista conceptual colombiano nacido en Bogotá en 1962 y con residencia actual en Miami, Florida. Utiliza cientos – y en ocasiones miles – de objetos de la vida diaria (como lápices, cables, tapaderas, monedas, tornillos y agujetas) para complementar su trabajo artístico. Su objetivo es brindar a la gente la oportunidad de reconectarse plácidamente con la vida y experimentar su belleza a través de sus inusuales y coloridas instalaciones. Estudió arte en la Universidad de Los Andes en Bogotá, y cuenta con una maestría en artes plásticas.

Uribe pasó de la pintura al arte de la escultura al verse atraído por objetos cotidianos y su infinita posibilidad de combinaciones y arreglos. Sus creaciones son múltiples exposiciones de elementos que de manera estética y a gran distancia logran revelar diferentes imágenes, formas y volúmenes, pero las cuales invitan al observador a detectar de cerca el exhaustivo trabajo, detalle y proceso creativo por el que tienen que pasar para llevarse a cabo.

En sus obras, el color, la forma, la textura, la repetición y el simbolismo son factores clave que al combinarse entre sí generan una nueva forma de expresión en la que los objetos finales adquieren diferentes significados. Ampliamente influenciado por la literatura y la psicología, Uribe crea personajes extraordinarios en donde elementos figurativos y abstractos son ubicados en contextos alternativos con el propósito de darles un nuevo sentido histórico, así como personalidad, actitud y gestos. Sus esculturas se vinculan con el ambiente creando un efecto tridimensional que ha atraído a espectadores en múltiples exhibiciones alrededor del mundo. Entre las más reconocidas se encuentran “Pencilism: Paintings”, “Animal Farm” y “Abstract-O”.

“Siento que cada objeto que uno escoge dice algo acerca de uno mismo, algo acerca de la confrontación que uno tiene con la vida; con el tiempo he aprendido que vale la pena existir celebrando la vida y no quejándonos de ella”. – Federico Uribe

Más información sobre Federico Uribe aquí.

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“El objetivo de mi trabajo no es hacer declaraciones, sino trasmitir sentimientos a la gente” – Federico Uribe

Federico Uribe es un pintor y artista conceptual colombiano nacido en Bogotá en 1962 y con residencia actual en Miami, Florida. Utiliza cientos – y en ocasiones miles – de objetos de la vida diaria (como lápices, cables, tapaderas, monedas, tornillos y agujetas) para complementar su trabajo artístico. Su objetivo es brindar a la gente la oportunidad de reconectarse plácidamente con la vida y experimentar su belleza a través de sus inusuales y coloridas instalaciones. Estudió arte en la Universidad de Los Andes en Bogotá, y cuenta con una maestría en artes plásticas.

Uribe pasó de la pintura al arte de la escultura al verse atraído por objetos cotidianos y su infinita posibilidad de combinaciones y arreglos. Sus creaciones son múltiples exposiciones de elementos que de manera estética y a gran distancia logran revelar diferentes imágenes, formas y volúmenes, pero las cuales invitan al observador a detectar de cerca el exhaustivo trabajo, detalle y proceso creativo por el que tienen que pasar para llevarse a cabo.

En sus obras, el color, la forma, la textura, la repetición y el simbolismo son factores clave que al combinarse entre sí generan una nueva forma de expresión en la que los objetos finales adquieren diferentes significados. Ampliamente influenciado por la literatura y la psicología, Uribe crea personajes extraordinarios en donde elementos figurativos y abstractos son ubicados en contextos alternativos con el propósito de darles un nuevo sentido histórico, así como personalidad, actitud y gestos. Sus esculturas se vinculan con el ambiente creando un efecto tridimensional que ha atraído a espectadores en múltiples exhibiciones alrededor del mundo. Entre las más reconocidas se encuentran “Pencilism: Paintings”, “Animal Farm” y “Abstract-O”.

“Siento que cada objeto que uno escoge dice algo acerca de uno mismo, algo acerca de la confrontación que uno tiene con la vida; con el tiempo he aprendido que vale la pena existir celebrando la vida y no quejándonos de ella”. – Federico Uribe

Más información sobre Federico Uribe aquí.

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July 23, 2014 - No Comments!

★ Mandy Smith (NE) | Paper Worlds Brought To Life

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Graduated from Central Saint Martins and currently based in Amsterdam, Mandy Smith is an animator and a master of paper craftsmanship. Throughout her career, this talented art director has managed to transform her fantastical and everyday ideas into extraordinary detailed paper sculptures.


[Ver artículo en español abajo]

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The Move, Paper Animation from Mandy Smith on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

To artist Mandy Smith, paper is a priceless medium to work with; it is versatile, pliable, and very accessible. She seeks to bring the paper out of its simplicity by studying its strengths and limitations, and is free to mold it in any way she likes thanks to her great talent, her unusual creativity and her most essential tools: a cutting board, a ruler, a knife with blades and glue.

Unless her creations are highly geometrical, Mandy tends to build her sculptures without a specific draft or blueprint. She enjoys experimenting with new materials; for example, her ordinary-object collaboration with photographer Bruno Drummond called “Sandpaper” was quite a challenge due to the menacing quality of the paper and the fragility of its covering.

Going to the cinema and reading classical children books like Alice in Wonderland, Rumpelstiltskin, The Twits and Jack and the Beanstalk are excellent ways for Mandy to gain new inspiring thoughts. Meeting new people and living new experiences in weird places are also part of her artistic motivation. Her first film, “The Move”, was based on her own experience of moving to Amsterdam, and it was inspired on the city’s architecture. In such animation, everything, from the house, to the bee and the parrot, is handmade out of paper and glue.

During her trajectory, Mandy Smith was worked with diverse brands like ToyotaVelvet and PNC Bank. She also collaborated with the art department of Tim Burton’s “Frankenweenie”.

More information on Mandy Smith here.

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To artist Mandy Smith, paper is a priceless medium to work with; it is versatile, pliable, and very accessible. She seeks to bring the paper out of its simplicity by studying its strengths and limitations, and is free to mold it in any way she likes thanks to her great talent, her unusual creativity and her most essential tools: a cutting board, a ruler, a knife with blades and glue.

Unless her creations are highly geometrical, Mandy tends to build her sculptures without a specific draft or blueprint. She enjoys experimenting with new materials; for example, her ordinary-object collaboration with photographer Bruno Drummond called “Sandpaper” was quite a challenge due to the menacing quality of the paper and the fragility of its covering.

Going to the cinema and reading classical children books like Alice in Wonderland, Rumpelstiltskin, The Twits and Jack and the Beanstalk are excellent ways for Mandy to gain new inspiring thoughts. Meeting new people and living new experiences in weird places are also part of her artistic motivation. Her first film, “The Move”, was based on her own experience of moving to Amsterdam, and it was inspired on the city’s architecture. In such animation, everything, from the house, to the bee and the parrot, is handmade out of paper and glue.

During her trajectory, Mandy Smith was worked with diverse brands like ToyotaVelvet and PNC Bank. She also collaborated with the art department of Tim Burton’s “Frankenweenie”.

More information on Mandy Smith here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Graduada del colegio Central Saint Martins y con residencia actual en la ciudad de Ámsterdam, Mandy Smith es una directora de arte y artista experta en el manejo del papel. A lo largo de su carrera, ha logrado transformar sus ideas, tanto fantásticas como comunes, en extraordinarias esculturas de papel llenas de detalle e ingenio.

Para Mandy Smith, el papel es un medio de trabajo invaluable; es versátil, plegable y muy accesible. Ella busca extraer el papel de su naturaleza simplista al estudiar las fortalezas y limitaciones del material y es libre de moldearlo a su gusto gracias a su gran talento, su inusual creatividad y sus herramientas más esenciales: una tabla para cortar, una regla, un cuchillo con diferentes hojas para cortar y pegamento.

A menos que sus creaciones sean de carácter altamente geométrico, Mandy construye sus esculturas sin un plan de diseño en específico. Disfruta experimentar con diferentes materiales; por ejemplo, su proyecto colaborativo de objetos ordinarios llamado “Sandpaper” que realizó con el fotógrafo Bruno Drummond, fue todo un reto debido a la compleja calidad del papel y su frágil cubierta.

Entre sus fuentes de inspiración más importantes están el cine y el leer libros clásicos para niños, como Alicia en el País de las Maravillas, Rumpelstiltskin, The Twits y Jack and the Beanstalk. Conocer gente diferente y vivir experiencias nuevas en lugares extraños también es un aspecto clave de su motivación artística. Su primera animación, “The Move”, se basó en su propia experiencia de mudarse a Ámsterdam y estuvo inspirada en la arquitectura de la ciudad. En dicho proyecto, absolutamente todo, desde la casa hasta la abeja y el cotorro, fueron elementos fabricados a mano utilizando papel y pegamento.

A lo largo de su trayectoria, Mandy Smith ha colaborado con diversas marcas como Toyota, Velvet y el Banco PNC. También contribuyó con el departamento de arte de la película “Frankenweenie” de Tim Burton.

Más información sobre Mandy Smith aquí.

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Graduada del colegio Central Saint Martins y con residencia actual en la ciudad de Ámsterdam, Mandy Smith es una directora de arte y artista experta en el manejo del papel. A lo largo de su carrera, ha logrado transformar sus ideas, tanto fantásticas como comunes, en extraordinarias esculturas de papel llenas de detalle e ingenio.

Para Mandy Smith, el papel es un medio de trabajo invaluable; es versátil, plegable y muy accesible. Ella busca extraer el papel de su naturaleza simplista al estudiar las fortalezas y limitaciones del material y es libre de moldearlo a su gusto gracias a su gran talento, su inusual creatividad y sus herramientas más esenciales: una tabla para cortar, una regla, un cuchillo con diferentes hojas para cortar y pegamento.

A menos que sus creaciones sean de carácter altamente geométrico, Mandy construye sus esculturas sin un plan de diseño en específico. Disfruta experimentar con diferentes materiales; por ejemplo, su proyecto colaborativo de objetos ordinarios llamado “Sandpaper” que realizó con el fotógrafo Bruno Drummond, fue todo un reto debido a la compleja calidad del papel y su frágil cubierta.

Entre sus fuentes de inspiración más importantes están el cine y el leer libros clásicos para niños, como Alicia en el País de las Maravillas, Rumpelstiltskin, The Twits y Jack and the Beanstalk. Conocer gente diferente y vivir experiencias nuevas en lugares extraños también es un aspecto clave de su motivación artística. Su primera animación, “The Move”, se basó en su propia experiencia de mudarse a Ámsterdam y estuvo inspirada en la arquitectura de la ciudad. En dicho proyecto, absolutamente todo, desde la casa hasta la abeja y el cotorro, fueron elementos fabricados a mano utilizando papel y pegamento.

A lo largo de su trayectoria, Mandy Smith ha colaborado con diversas marcas como Toyota, Velvet y el Banco PNC. También contribuyó con el departamento de arte de la película “Frankenweenie” de Tim Burton.

Más información sobre Mandy Smith aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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July 9, 2014 - No Comments!

★ JeeYoung Lee (KO) | Recreating Dreams In Real Life

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

An emergent artist and photographer who has risen to the top of the Korean artistic sphere thanks to her bizarre and surreal self-portraits. She materializes fragments of her memory and dreams through the combination of theatrical performance and plastic art.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Native from South Korea, JeeYoung Lee is a visual artist graduated from Hongik University in Seoul. During her days as an undergraduate student, she gained experience in visual communication design, film and stage art.

Since 2007, she has developed a successful reputation creating fantastic and eccentric installations that take her from weeks to months to be completed. Once an idea has settled inside her mind, she develops it by choosing specific materials, everyday objects - plywood, paper cups, and straws, etc. - and images; she carefully plans the color palette and studies the meaning of each element she is considering of using. She then takes multiple shoots of the set, finally positioning herself in it in a non-frontal posture.

Her work requires great amount of patience and detail, and not a single one of her final photographs are digitally manipulated, unless there are cable lines of suspended objects that need to be erased.

Enclosed in the four adjustable walls of her 360 x 410 x 240 cm studio in Seoul, JeeYoung Lee builds her flamboyant and complicated universes from scratch entirely by hand. They are meant to be a portrayal of her desires, her frustrations and conflicts, as well as her memories and experiences of living in a repressed society like her own.

Even though the outcome of JeeYoung Lee’s art installations is sometimes vary from her initial idea, her creations are always the result of her extraordinary inner imagination.

More information on JeeYoung Lee here.

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Native from South Korea, JeeYoung Lee is a visual artist graduated from Hongik University in Seoul. During her days as an undergraduate student, she gained experience in visual communication design, film and stage art.

Since 2007, she has developed a successful reputation creating fantastic and eccentric installations that take her from weeks to months to be completed. Once an idea has settled inside her mind, she develops it by choosing specific materials, everyday objects - plywood, paper cups, and straws, etc. - and images; she carefully plans the color palette and studies the meaning of each element she is considering of using. She then takes multiple shoots of the set, finally positioning herself in it in a non-frontal posture.

Her work requires great amount of patience and detail, and not a single one of her final photographs are digitally manipulated, unless there are cable lines of suspended objects that need to be erased.

Enclosed in the four adjustable walls of her 360 x 410 x 240 cm studio in Seoul, JeeYoung Lee builds her flamboyant and complicated universes from scratch entirely by hand. They are meant to be a portrayal of her desires, her frustrations and conflicts, as well as her memories and experiences of living in a repressed society like her own.

Even though the outcome of JeeYoung Lee’s art installations is sometimes vary from her initial idea, her creations are always the result of her extraordinary inner imagination.

More information on JeeYoung Lee here.

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JeeYoung Lee es una artista y fotógrafa coreana emergente conocida por sus extraños y surreales portarretratos. Su objetivo es materializar fragmentos de su memoria y sueños a través de la combinación de representaciones teatrales y arte plástico.

Proveniente de Corea del Sur, JeeYoung Lee se graduó de la Universidad de Hongik en Seúl. Durante sus años como estudiante, adquirió experiencia en diseño de comunicación visual, cine y diseño de escenarios.

Desde el año 2007, ha creado una exitosa reputación gracias a sus fantásticas y excéntricas instalaciones que le toman de semanas a meses en construir. Una vez  que una idea ha surgido en su mente, JeeYoung la desarrolla escogiendo materiales específicos, objetos de la vida diaria - madera contrachapada, vasos de papel, popotes, etc. – e imágenes; planea con sumo cuidado su gama de colores y estudia minuciosamente el significado de cada elemento que está considerando utilizar. Posteriormente toma múltiples fotografías del set, y finalmente se posiciona ella misma en una postura que nunca es frontal.

Su trabajo requiere de gran cantidad de paciencia y detalle, logrando que ninguna de sus fotografías finales esté manipulada digitalmente, a menos que haya cables de objetos suspendidos que sean necesarios eliminar.

Encerrada en las cuatro paredes ajustables de su estudio de 360 x 410 x 240 cm en Seúl, JeeYoung Lee construye sus complicados y llamativos universos desde lo más básico y completamente a mano. Sus sets creativos son una representación de sus deseos, frustraciones y conflictos, así como de sus memorias y experiencias de vivir en una sociedad reprimida como la suya.

Incluso cundo el producto final de su trabajo varía de la idea inicial, las instalaciones artísticas de JeeYoung Lee son resultado de su extraordinaria y profunda imaginación.

Más información sobre JeeYoung Lee aquí.

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JeeYoung Lee es una artista y fotógrafa coreana emergente conocida por sus extraños y surreales portarretratos. Su objetivo es materializar fragmentos de su memoria y sueños a través de la combinación de representaciones teatrales y arte plástico.

Proveniente de Corea del Sur, JeeYoung Lee se graduó de la Universidad de Hongik en Seúl. Durante sus años como estudiante, adquirió experiencia en diseño de comunicación visual, cine y diseño de escenarios.

Desde el año 2007, ha creado una exitosa reputación gracias a sus fantásticas y excéntricas instalaciones que le toman de semanas a meses en construir. Una vez  que una idea ha surgido en su mente, JeeYoung la desarrolla escogiendo materiales específicos, objetos de la vida diaria - madera contrachapada, vasos de papel, popotes, etc. – e imágenes; planea con sumo cuidado su gama de colores y estudia minuciosamente el significado de cada elemento que está considerando utilizar. Posteriormente toma múltiples fotografías del set, y finalmente se posiciona ella misma en una postura que nunca es frontal.

Su trabajo requiere de gran cantidad de paciencia y detalle, logrando que ninguna de sus fotografías finales esté manipulada digitalmente, a menos que haya cables de objetos suspendidos que sean necesarios eliminar.

Encerrada en las cuatro paredes ajustables de su estudio de 360 x 410 x 240 cm en Seúl, JeeYoung Lee construye sus complicados y llamativos universos desde lo más básico y completamente a mano. Sus sets creativos son una representación de sus deseos, frustraciones y conflictos, así como de sus memorias y experiencias de vivir en una sociedad reprimida como la suya.

Incluso cundo el producto final de su trabajo varía de la idea inicial, las instalaciones artísticas de JeeYoung Lee son resultado de su extraordinaria y profunda imaginación.

Más información sobre JeeYoung Lee aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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June 16, 2014 - No Comments!

★ Brian Dettmer (USA) | The Resurgence Of New Stories

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An American artist who found in non-fictional books a unique way of creating three-dimensional art.


[Ver artículo en español abajo]

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[youtube http://www.youtube.com/watch?v=0bOjYc7eps8]

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“When an object's intended function is fleeting, the necessity for a new approach to its form and content arises.” – Brian Dettmer

Born in 1974 and with a studio in the city of Atlanta in Georgia, Brian Dettmer is a contemporary artist and sculptor with a strong passion for vintage texts and materials. He obtained his BA in fine arts at the Columbia College Chicago in 1997, and since then, he has been internationally acknowledged for his detailed sculptures made out of antique books and other forms of aged media, such as: publications, maps, dictionaries, encyclopedias, textbooks, medical journals, history books and illustration books.

Dettmer's process of altering the physical appearance of such volumes is made without planning. “I have no idea what I’m going to come across when I’m working” he says. His extensive creative process is full of unpredictability, discovery and creativity, in which every single cut requires his utmost attention.

Brian starts by sealing the book’s edges; then, using a set of knives, tweezers and surgical tools, he carves into the pages removing material to highlight selected images and texts. Finally, he adds varnish to the paper surface to stabilize the final artwork. The artist started working with one single book at a time in 2003, but it was until 2007 that he started combining books to produce more complicated large-scale sculptures.

With the advent of new intangible informative platforms, Brian is resolved to respect the historical importance of the book by giving new meaning to its content. His manufactured three-dimensional images offer to the spectator alternative interpretations and stories to the book’s original content.

Dettmer obtains his books mainly from antique bookstores; before purchasing them, he evaluates details like visual texture, content, size, quality and type of paper.

More information on Brian Dettmer here.

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“When an object's intended function is fleeting, the necessity for a new approach to its form and content arises.” – Brian Dettmer

Born in 1974 and with a studio in the city of Atlanta in Georgia, Brian Dettmer is a contemporary artist and sculptor with a strong passion for vintage texts and materials. He obtained his BA in fine arts at the Columbia College Chicago in 1997, and since then, he has been internationally acknowledged for his detailed sculptures made out of antique books and other forms of aged media, such as: publications, maps, dictionaries, encyclopedias, textbooks, medical journals, history books and illustration books.

Dettmer's process of altering the physical appearance of such volumes is made without planning. “I have no idea what I’m going to come across when I’m working” he says. His extensive creative process is full of unpredictability, discovery and creativity, in which every single cut requires his utmost attention.

Brian starts by sealing the book’s edges; then, using a set of knives, tweezers and surgical tools, he carves into the pages removing material to highlight selected images and texts. Finally, he adds varnish to the paper surface to stabilize the final artwork. The artist started working with one single book at a time in 2003, but it was until 2007 that he started combining books to produce more complicated large-scale sculptures.

With the advent of new intangible informative platforms, Brian is resolved to respect the historical importance of the book by giving new meaning to its content. His manufactured three-dimensional images offer to the spectator alternative interpretations and stories to the book’s original content.

Dettmer obtains his books mainly from antique bookstores; before purchasing them, he evaluates details like visual texture, content, size, quality and type of paper.

More information on Brian Dettmer here.

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“Cuando el funcionamiento principal de un objeto está por desvanecerse, la necesidad de un nuevo enfoque de su forma y contenido emerge”. – Brian Dettmer

Nacido en 1974 y con residencia en la ciudad de Atlanta, Georgia, Brian Dettmer es una artista y escultor contemporáneo con una arraigada pasión por los textos y materiales antiguos. Se graduó de la licenciatura en artes en el Columbia College Chicago en 1997 y desde entonces, se ha convertido en un aclamado artista gracias a sus detalladas esculturas fabricadas a base de libros viejos y otros medios antiguos, entre los que se encuentran: publicaciones, mapas, diccionarios, enciclopedias, libros de texto, manuales médicos, libros de historia y libros de ilustraciones.

El proceso de alteración de la apariencia física de estos diversos libros es llevado a cabo sin planeación previa. “No tengo idea con lo que me voy a encontrar cuando estoy trabajando” explica. Las largas horas de trabajo son en su conjunto un proceso impredecible, lleno de creatividad y descubrimiento, en el que Brian concentra toda su atención en cada corte que realiza.

El artista comienza por sellar las orillas del libro; posteriormente, utilizando cuchillos, pinzas y herramientas quirúrgicas, talla las páginas extrayendo el material para resaltar imágenes y textos que él selecciona. Finalmente, complementa con barniz sobre la superficie de papel para dar estabilidad a la obra. En el 2003 Dettmer comenzó a trabajar esculpiendo un libro a la vez; sin embargo, fue hasta el año 2007 que se inició en la práctica de unir varios libros para crear esculturas más complicadas y de mayor tamaño.

Con el surgimiento de nuevos medios de información intangibles, Brian está decidido a respetar la importancia histórica del libro al darle un nuevo significado a su contenido. Las imágenes tridimensionales que crea ofrecen interpretaciones e historias alternativas al contexto y contenido original del tomo.

Dettmer obtiene sus libros principalmente de librerías antiguas; antes de realizar la compra realiza un análisis de cada uno, tomando en cuenta la textura visual, el contenido, el tamaño, la calidad y el tipo de papel.

Más información sobre Brian Dettmer aquí.

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“Cuando el funcionamiento principal de un objeto está por desvanecerse, la necesidad de un nuevo enfoque de su forma y contenido emerge”. – Brian Dettmer

Nacido en 1974 y con residencia en la ciudad de Atlanta, Georgia, Brian Dettmer es una artista y escultor contemporáneo con una arraigada pasión por los textos y materiales antiguos. Se graduó de la licenciatura en artes en el Columbia College Chicago en 1997 y desde entonces, se ha convertido en un aclamado artista gracias a sus detalladas esculturas fabricadas a base de libros viejos y otros medios antiguos, entre los que se encuentran: publicaciones, mapas, diccionarios, enciclopedias, libros de texto, manuales médicos, libros de historia y libros de ilustraciones.

El proceso de alteración de la apariencia física de estos diversos libros es llevado a cabo sin planeación previa. “No tengo idea con lo que me voy a encontrar cuando estoy trabajando” explica. Las largas horas de trabajo son en su conjunto un proceso impredecible, lleno de creatividad y descubrimiento, en el que Brian concentra toda su atención en cada corte que realiza.

El artista comienza por sellar las orillas del libro; posteriormente, utilizando cuchillos, pinzas y herramientas quirúrgicas, talla las páginas extrayendo el material para resaltar imágenes y textos que él selecciona. Finalmente, complementa con barniz sobre la superficie de papel para dar estabilidad a la obra. En el 2003 Dettmer comenzó a trabajar esculpiendo un libro a la vez; sin embargo, fue hasta el año 2007 que se inició en la práctica de unir varios libros para crear esculturas más complicadas y de mayor tamaño.

Con el surgimiento de nuevos medios de información intangibles, Brian está decidido a respetar la importancia histórica del libro al darle un nuevo significado a su contenido. Las imágenes tridimensionales que crea ofrecen interpretaciones e historias alternativas al contexto y contenido original del tomo.

Dettmer obtiene sus libros principalmente de librerías antiguas; antes de realizar la compra realiza un análisis de cada uno, tomando en cuenta la textura visual, el contenido, el tamaño, la calidad y el tipo de papel.

Más información sobre Brian Dettmer aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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