SAKETEKILLA › Photography

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May 27, 2015 - No Comments!

★ Hari & Deepti (US) | Magical Handcut Paper Boxes

Denver-based graphic designers and illustrators Deepti Nair and Harikrishnan Panicker share their passion for imaginary beings, unreal worlds and paper cutting. Their enigmatic work as the creative duo Hari & Deepti is identified by splendid dioramas formed with delicate and complex hand-cut characters and dreamy scenarios that only come to life when lit with LED lights. Their laborious craftwork is the perfect example of what great minds can do using a medium as simple – yet versatile- as paper.

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May 20, 2015 - No Comments!

★ Blommers & Schumm (NL) | One-of-a-kind Fashion Photography

Dutch photographers Anuschka Blommers and Niels Schumm are the two talented master-minds behind Blommers Schumm, a creative duo that remarkably balances art, fashion and photography to produce the most striking photoshoots. Based in Amsterdam, they have revolutionized the portrayal of multiple ideas by producing images that not only catch the eye of the viewer, but which also challenge the ordinary notions of photography. Since 1997, they have exhibited their work in diverse museums and galleries around the world and appeared in publications like Fantastic Man, Gentlewoman, Another Magazine, Purple, Dazed & Confused and NY Times Magazine, and many more.

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April 22, 2015 - No Comments!

★ Chaim Machlev (GE) | Timeless Ink Art

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Berlin-based tattoo artist Chaim Machlev uses lines and dots to engrave appealing yet unconventional designs on people’s skins. Usually of a large-scale and minimalistic style, his monochromatic tattoos achieve a remarkable sense of three-dimensionality and movement thanks to the delicate intertwining of organic and geometric elements that match the curves of the body shape. With clients from all over the world - Australia, Africa, America, South America, and the Middle East – Machlev has rapidly positioned as one of the most coveted tattoo artists in the last three years.


[Ver artículo en español abajo]

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[youtube http://www.youtube.com/watch?v=vDmo5YMQAy8]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

“A dot is something so simple that you can make things in a thousand different ways” – Chaim Machlev

Native from Tel Aviv, Israel, rising tattoo artist Chaim Machlev creates elegant line and dot designs inside his private studio, DotsToLines, in Berlin, Germany. A former project manager for an IT company, Machlev decided to start his tattooing career in 2012, after getting his first tattoo at Psycho Tattoo Studio in Tel Aviv and knowing tattoo artist Avi Vanunu. Chaim thinks of his first tattoo process as a life-changing experience that contributed to the definite unleash of his creativity. Because of it, today, he is the author of extraordinary body-art designs and one of the most trending tattooist of the moment.

The style of his work is simple yet distinctively sophisticated. Usually of a large-scale and symmetrical nature, Chaim’s tattoos are engraved across an arm, leg, back or chest, using black ink –the only color he thinks will make his designs timeless. The geometric shapes and wavy lines that he intertwines to produce abstract forms impeccably adapt and flow throughout the human body.

Through his art, Machlev attempts to beautify the body in movement and to make tattoos less intimidating for those who see them as a “negative” form of expression. Always striving for individuality, Chaim conceives each complex design separately according to the body shape in which it will be engraved.

“I experiment a lot, like on a daily basis—which is a bit risky when it comes to a non-reversible form of art, but I guess that is the only way to develop your own style as an artist and create something individual daily”. – Chaim Machlev told Inked Magazine

Influenced by nature and the spiritual world, Chaim Machlev gets his main inspiration from insects, lotus flowers and the symbol of universe, Mandala. As a meticulous and perfectionist artist, the high quality of his work has attracted thousands of online followers around the world creating a 1-2 years waiting time to get an appointment.

More information on Chaim Machlev here.

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“A dot is something so simple that you can make things in a thousand different ways” – Chaim Machlev

Native from Tel Aviv, Israel, rising tattoo artist Chaim Machlev creates elegant line and dot designs inside his private studio, DotsToLines, in Berlin, Germany. A former project manager for an IT company, Machlev decided to start his tattooing career in 2012, after getting his first tattoo at Psycho Tattoo Studio in Tel Aviv and knowing tattoo artist Avi Vanunu. Chaim thinks of his first tattoo process as a life-changing experience that contributed to the definite unleash of his creativity. Because of it, today, he is the author of extraordinary body-art designs and one of the most trending tattooist of the moment.

The style of his work is simple yet distinctively sophisticated. Usually of a large-scale and symmetrical nature, Chaim’s tattoos are engraved across an arm, leg, back or chest, using black ink –the only color he thinks will make his designs timeless. The geometric shapes and wavy lines that he intertwines to produce abstract forms impeccably adapt and flow throughout the human body.

Through his art, Machlev attempts to beautify the body in movement and to make tattoos less intimidating for those who see them as a “negative” form of expression. Always striving for individuality, Chaim conceives each complex design separately according to the body shape in which it will be engraved.

“I experiment a lot, like on a daily basis—which is a bit risky when it comes to a non-reversible form of art, but I guess that is the only way to develop your own style as an artist and create something individual daily”. – Chaim Machlev told Inked Magazine

Influenced by nature and the spiritual world, Chaim Machlev gets his main inspiration from insects, lotus flowers and the symbol of universe, Mandala. As a meticulous and perfectionist artist, the high quality of his work has attracted thousands of online followers around the world creating a 1-2 years waiting time to get an appointment.

More information on Chaim Machlev here.

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“Un punto es algo tan simple que uno puede hacer cosas de mil maneras distintas” – Chaim Machlev

Originario de Tel Aviv, Israel y con residencia actual en Berlín, Alemana, Chaim Machlev es un artista y tatuador contemporáneo que utiliza líneas y puntos para crear sus atractivos y originales diseños. Generalmente de tamaño considerable y un estilo minimalista, sus tatuajes se caracterizan por su tridimensionalidad y sensación de movimiento gracias al elegante entrelazado de elementos orgánicos y  geométricos que se adaptan a las líneas del cuerpo.

Actualmente Chaim Machlev crea sus delicados diseños en su estudio DotsToLines. Años atrás, trabajaba como gerente de proyectos para una compañía de tecnologías de información, sin embargo, después de obtener su primer tatuaje en el 2012 en el Psycho Tattoo Studio en Tel Aviv y platicar con el artista Avi Vanunu, decidió comenzar su propia carrera como tatuador. Chaim opina que el proceso de hacerse su primer tatuaje fue una experiencia que le cambió la vida y lo que finalmente hizo que su creatividad saliera a flote. Debido a eso, hoy es el creador de extraordinarios diseños y uno de los tatuadores más buscados del momento.

El estilo de su trabajo es simple pero con una sofisticación única. Sus diseños -generalmente grandes y simétricos- son realizados en la superficie de un brazo, una pierna, la espalda o el pecho, usando tinta negra – el único color que él considera hará que sus diseños se vuelvan atemporales. Las figuras geométricas y las líneas curveadas que el artista logra entrecruzar para formar figuras abstractas se adaptan de manera impecable al cuerpo y fluyen a través de él.

A través de su arte, Machlev pretende hacer de la figura humana en movimiento algo más bello, además de hacer del arte del tatuaje una forma de expresión menos intimidante para aquellas personas que piensan de él como algo “negativo”. Siempre en búsqueda de la individualidad, Chaim crea el concepto de cada uno de sus diseños de manera separada, basándose en la forma única que tiene el cuerpo de la persona en el que será realizado el tatuaje.

“Experimento mucho, prácticamente todos los días – lo cual es un poco riesgoso si hablamos de un tipo de arte que no es reversible, pero supongo que es la única manera de desarrollar un estilo propio como artista y de crear algo individual diariamente”. - Chaim Machlev compartió con Inked Magazine

Influenciado por la naturaleza y el mundo espiritual, Chaim Machlev obtiene su principal fuente de inspiración de insectos, las flores de loto y del Mándala, el símbolo del universo. Como un artista perfeccionista y meticuloso, crea sus tatuajes con la más alta calidad, logrando un amplio número de seguidores en línea y una lista de espera de 1 a 2 años para la obtención de una cita.

Más información sobre Chaim Machlev aquí.

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“Un punto es algo tan simple que uno puede hacer cosas de mil maneras distintas” – Chaim Machlev

Originario de Tel Aviv, Israel y con residencia actual en Berlín, Alemana, Chaim Machlev es un artista y tatuador contemporáneo que utiliza líneas y puntos para crear sus atractivos y originales diseños. Generalmente de tamaño considerable y un estilo minimalista, sus tatuajes se caracterizan por su tridimensionalidad y sensación de movimiento gracias al elegante entrelazado de elementos orgánicos y  geométricos que se adaptan a las líneas del cuerpo.

Actualmente Chaim Machlev crea sus delicados diseños en su estudio DotsToLines. Años atrás, trabajaba como gerente de proyectos para una compañía de tecnologías de información, sin embargo, después de obtener su primer tatuaje en el 2012 en el Psycho Tattoo Studio en Tel Aviv y platicar con el artista Avi Vanunu, decidió comenzar su propia carrera como tatuador. Chaim opina que el proceso de hacerse su primer tatuaje fue una experiencia que le cambió la vida y lo que finalmente hizo que su creatividad saliera a flote. Debido a eso, hoy es el creador de extraordinarios diseños y uno de los tatuadores más buscados del momento.

El estilo de su trabajo es simple pero con una sofisticación única. Sus diseños -generalmente grandes y simétricos- son realizados en la superficie de un brazo, una pierna, la espalda o el pecho, usando tinta negra – el único color que él considera hará que sus diseños se vuelvan atemporales. Las figuras geométricas y las líneas curveadas que el artista logra entrecruzar para formar figuras abstractas se adaptan de manera impecable al cuerpo y fluyen a través de él.

A través de su arte, Machlev pretende hacer de la figura humana en movimiento algo más bello, además de hacer del arte del tatuaje una forma de expresión menos intimidante para aquellas personas que piensan de él como algo “negativo”. Siempre en búsqueda de la individualidad, Chaim crea el concepto de cada uno de sus diseños de manera separada, basándose en la forma única que tiene el cuerpo de la persona en el que será realizado el tatuaje.

“Experimento mucho, prácticamente todos los días – lo cual es un poco riesgoso si hablamos de un tipo de arte que no es reversible, pero supongo que es la única manera de desarrollar un estilo propio como artista y de crear algo individual diariamente”. - Chaim Machlev compartió con Inked Magazine

Influenciado por la naturaleza y el mundo espiritual, Chaim Machlev obtiene su principal fuente de inspiración de insectos, las flores de loto y del Mándala, el símbolo del universo. Como un artista perfeccionista y meticuloso, crea sus tatuajes con la más alta calidad, logrando un amplio número de seguidores en línea y una lista de espera de 1 a 2 años para la obtención de una cita.

Más información sobre Chaim Machlev aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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April 8, 2015 - No Comments!

★ Damon Hunter (AU) | Hidden Urban Beauty

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Native from Melbourne, Australia, Damon Hunter’s brilliant street photographs have risen to public attention due to their versatile and unusual style. From colorful glass surfaces to overlooked homeless people, Hunter makes the best out his photographic expertise and sharp observation to give the viewer a fresh and truthful perspective of the outside world.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Passionate of natural light and urban life, Melbourne-based street photographer Damon Hunter gets his stronger inspiration from the outer world. Since the official beginning of his photographic career in 2011, he has developed a neat style where spontaneity and order meet to provoke a profound sense of truthfulness.

An adventurer, Hunter wanders around the streets, carefully observing his surroundings and finding beauty in the ordinary. His two most internationally acclaimed projects, “The Color of Glass” and “Living Rough”, are stunning examples of his versatile talent and great predisposition to capture remarkable detailed shoots in urban settings.

The Color of Glass” is a project about patterns, luminosity and color. Hunter chose the outdoor crystal façades of buildings like hospitals, universities and corporate offices, to represent multiple iridescent hues and gradations of color. Keen for perfection and order, Hunter focused in four specific elements for each one of his snapshots: symmetry, shapes, angles and color. Only by analyzing each of those features, Damon found the best viewpoint from where to capture unique shimmering compositions.

In contrast to the vibrant style of his crystal shoots, “Living Rough” is an ongoing black and white project about the harsh reality of homeless people. Hunter makes each photograph unique by creating an unconventional composition capable to tell the story of the protagonist. He does not prepare his models, but captures them without further notice and positions them within a perfectly thought scene. Hunter complements his work with interviews that can be found in the official Facebook website of the project. His goal is to make people aware that “… these individuals had and have dreams and aspirations, they have skills and talents, and their reasons for being where they are may surprise, shock and disturb you”.

More information on Damon Hunter here.

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Passionate of natural light and urban life, Melbourne-based street photographer Damon Hunter gets his stronger inspiration from the outer world. Since the official beginning of his photographic career in 2011, he has developed a neat style where spontaneity and order meet to provoke a profound sense of truthfulness.

An adventurer, Hunter wanders around the streets, carefully observing his surroundings and finding beauty in the ordinary. His two most internationally acclaimed projects, “The Color of Glass” and “Living Rough”, are stunning examples of his versatile talent and great predisposition to capture remarkable detailed shoots in urban settings.

The Color of Glass” is a project about patterns, luminosity and color. Hunter chose the outdoor crystal façades of buildings like hospitals, universities and corporate offices, to represent multiple iridescent hues and gradations of color. Keen for perfection and order, Hunter focused in four specific elements for each one of his snapshots: symmetry, shapes, angles and color. Only by analyzing each of those features, Damon found the best viewpoint from where to capture unique shimmering compositions.

In contrast to the vibrant style of his crystal shoots, “Living Rough” is an ongoing black and white project about the harsh reality of homeless people. Hunter makes each photograph unique by creating an unconventional composition capable to tell the story of the protagonist. He does not prepare his models, but captures them without further notice and positions them within a perfectly thought scene. Hunter complements his work with interviews that can be found in the official Facebook website of the project. His goal is to make people aware that “… these individuals had and have dreams and aspirations, they have skills and talents, and their reasons for being where they are may surprise, shock and disturb you”.

More information on Damon Hunter here.

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Con residencia en la ciudad de Melbourne, Australia, Damon Hunter es un fotógrafo urbano cuyo versátil estilo ha llamado la atención del público internacional gracias a su extraordinaria peculiaridad. Capturando desde coloridas superficies de cristal, hasta la cruda realidad que viven los vagabundos, Hunter aprovecha su experiencia y agudo sentido de observación para crear imágenes que brinden al observador una nueva y auténtica perspectiva del mundo exterior.

Apasionado de la luz natural y de la vida urbana, Damon Hunter obtiene de la calle su principal fuente de inspiración. Desde el inicio oficial de su carrera como fotógrafo en el año 2011, ha desarrollado un formidable estilo donde la espontaneidad y el orden se unen para provocar un profundo sentido de franqueza y belleza.

Como todo un aventurero, Damon pasea por las calles observando cuidadosamente sus alrededores para encontrar la perfección donde menos se lo espera. Dos de sus más reconocidos proyectos a nivel mundial, “The Color of Glass” (El Color del Cristal) y “Living Rough” (Viviendo Sin Comodidades), son ejemplos de su gran versatilidad y predisposición para capturar escenas urbanas llenas de detalle y originalidad.

The Color of Glass” es un proyecto enfocado en patrones, luminosidad y color. Hunter escogió las fachadas de edificios como hospitales, universidades y oficinas corporativas para representar infinidad de gradaciones de colores. Contantemente interesado en la perfección y el orden, Damon analizó minuciosamente cuatro elementos básicos en cada toma para lograr innovadoras perspectivas: simetría, forma, ángulos y color.

Contrario al estilo vibrante de su proyecto en cristal, “Living Rough” es un trabajo en blanco y negro enfocado en capturar la cruda realidad que viven los vagabundos. Aún en curso, este proyecto se compone de fotografías creadas a base de composiciones poco convencionales pero capaces de relatar la historia del protagonista. Hunter no prepara a sus modelos, sino que los fotografía sin hacerles saber que están siendo producto del arte y usualmente los posiciona en una escena perfectamente pensada. El artista complementa su trabajo entrevistando a sus modelos; dichos relatos pueden ser encontrados en la página oficial de Facebook del proyecto. Su objetivo es hacer que la gente se percate que “estos individuos tuvieron y aún tienen sueños y aspiraciones, tienen habilidades y talentos, y la razón por la cual están en dicha situación puede a lo mejor sorprenderte, alarmarte o perturbarte”.

Más información sobre Damon Hunter aquí.

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Con residencia en la ciudad de Melbourne, Australia, Damon Hunter es un fotógrafo urbano cuyo versátil estilo ha llamado la atención del público internacional gracias a su extraordinaria peculiaridad. Capturando desde coloridas superficies de cristal, hasta la cruda realidad que viven los vagabundos, Hunter aprovecha su experiencia y agudo sentido de observación para crear imágenes que brinden al observador una nueva y auténtica perspectiva del mundo exterior.

Apasionado de la luz natural y de la vida urbana, Damon Hunter obtiene de la calle su principal fuente de inspiración. Desde el inicio oficial de su carrera como fotógrafo en el año 2011, ha desarrollado un formidable estilo donde la espontaneidad y el orden se unen para provocar un profundo sentido de franqueza y belleza.

Como todo un aventurero, Damon pasea por las calles observando cuidadosamente sus alrededores para encontrar la perfección donde menos se lo espera. Dos de sus más reconocidos proyectos a nivel mundial, “The Color of Glass” (El Color del Cristal) y “Living Rough” (Viviendo Sin Comodidades), son ejemplos de su gran versatilidad y predisposición para capturar escenas urbanas llenas de detalle y originalidad.

The Color of Glass” es un proyecto enfocado en patrones, luminosidad y color. Hunter escogió las fachadas de edificios como hospitales, universidades y oficinas corporativas para representar infinidad de gradaciones de colores. Contantemente interesado en la perfección y el orden, Damon analizó minuciosamente cuatro elementos básicos en cada toma para lograr innovadoras perspectivas: simetría, forma, ángulos y color.

Contrario al estilo vibrante de su proyecto en cristal, “Living Rough” es un trabajo en blanco y negro enfocado en capturar la cruda realidad que viven los vagabundos. Aún en curso, este proyecto se compone de fotografías creadas a base de composiciones poco convencionales pero capaces de relatar la historia del protagonista. Hunter no prepara a sus modelos, sino que los fotografía sin hacerles saber que están siendo producto del arte y usualmente los posiciona en una escena perfectamente pensada. El artista complementa su trabajo entrevistando a sus modelos; dichos relatos pueden ser encontrados en la página oficial de Facebook del proyecto. Su objetivo es hacer que la gente se percate que “estos individuos tuvieron y aún tienen sueños y aspiraciones, tienen habilidades y talentos, y la razón por la cual están en dicha situación puede a lo mejor sorprenderte, alarmarte o perturbarte”.

Más información sobre Damon Hunter aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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April 1, 2015 - No Comments!

★ Susi Kenna & Mei Kawajiri (USA) | Nail Art At Your Fingertips

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in New York City since 2012, artist Miho “Mei” Kawajiri and social media assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna have challenged the craft of making nail-art. Passionate to express themselves through beautiful and artistic nails, Mei and Kenna have collaborated to create a flawless nail-style inspired by the works of world-renowned artists like Pablo Picasso, Andy Warhol and Vincent Van Gogh, among others.


[Ver artículo en español abajo]

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With more than 15 years of experience in the nail industry and an extraordinary eye for detail and precision, Japanese artist Miho “Mei” Kawajiri has positioned herself as one of the most transcendental manicurists in the fashion world. She grew up in Kyoto and studied in Osaka, and since her arrival to New York City three years ago, she has been the skilled creator of artistic hand-painted nails characterized by a modern style and impeccable quality.

In 2012, a collaboration inspired in the work of different painters and illustrators was worn. Mei and assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna began to use the work of artists like Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden and Trudy Benson, to name just a few, and adapted it to the tiny surface of 10 fingernails.

As a nail-lover, Kenna creates beautiful digital designs backed up by a meticulous image research and a creative process using software like Photoshop. The final design is later taken to the surface of the nails by Mei’s surprising steady hand. Her craftsmanship is of a complicated and laborious nature and is achieved without using any kind of stencils, stickers or other special tools.

Today, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continue to transform the nails of countless of women into authentic miniature canvases.

More information on Miho “Mei” Kawajiri here.

More information on Susi Kenna here.

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With more than 15 years of experience in the nail industry and an extraordinary eye for detail and precision, Japanese artist Miho “Mei” Kawajiri has positioned herself as one of the most transcendental manicurists in the fashion world. She grew up in Kyoto and studied in Osaka, and since her arrival to New York City three years ago, she has been the skilled creator of artistic hand-painted nails characterized by a modern style and impeccable quality.

In 2012, a collaboration inspired in the work of different painters and illustrators was worn. Mei and assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna began to use the work of artists like Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden and Trudy Benson, to name just a few, and adapted it to the tiny surface of 10 fingernails.

As a nail-lover, Kenna creates beautiful digital designs backed up by a meticulous image research and a creative process using software like Photoshop. The final design is later taken to the surface of the nails by Mei’s surprising steady hand. Her craftsmanship is of a complicated and laborious nature and is achieved without using any kind of stencils, stickers or other special tools.

Today, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continue to transform the nails of countless of women into authentic miniature canvases.

More information on Miho “Mei” Kawajiri here.

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[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Con residencia en Nueva York desde el 2012, la artista Miho “Mei” Kawajiri y la encargada de redes sociales en la firma de relaciones públicas Fitz and Co. Susi Kenna, han revolucionado por completo la naturaleza del manicure. Apasionadas del arte de crear y vestir uñas artísticas, Mei y Kenna han colaborado en la creación de un estilo moderno de uñas inspiradas en el trabajo de artistas de renombre internacional, como Pablo Picasso, Andy Warhol y Vincent Van Gogh, entre otros.

Con más de 15 años de experiencia en la industria del manicure y con una extraordinaria habilidad para el detalle y la precisión, la artista japonesa Miho “Mei” Kawajiri se ha posicionado como una de las más transcendentales manicuristas en el mundo de la moda. Después de haber crecido en Kioto y estudiado en Osaka, llegó a la ciudad de Nueva York hace tres años, y desde entonces se ha convertido en la autora de magníficos diseños de uñas pintadas a mano caracterizados por un estilo vanguardista y una calidad impecable.

Fue en el 2012 cuando surgió la colaboración entre Mei y Susi Kenna. Su estilo se encuentra inspirado en el trabajo de artistas e ilustradores como Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden y Trudy Benson, por nombrar sólo algunos, y es adaptado a la diminuta superficie de las uñas.

Como amante del arte en uñas, Kenna se dedica a crear los diseños digitales después de una extenuante búsqueda de imágenes y modificaciones llevadas a cabo con programas como Photoshop. Posteriormente, el diseño final es aplicado a las uñas gracias al sorprendente pulso de Mei. Su trabajo es complicado y altamente laborioso y lo logra sin utilizar algún tipo de platillas o calcomanías.

Hoy en día, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continúan transformado las uñas de infinidad de mujeres en extraordinarios lienzos en miniatura.

Más información sobre Miho “Mei” Kawajiri aquí.

Más información sobre Susi Kenna aquí.

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Con residencia en Nueva York desde el 2012, la artista Miho “Mei” Kawajiri y la encargada de redes sociales en la firma de relaciones públicas Fitz and Co. Susi Kenna, han revolucionado por completo la naturaleza del manicure. Apasionadas del arte de crear y vestir uñas artísticas, Mei y Kenna han colaborado en la creación de un estilo moderno de uñas inspiradas en el trabajo de artistas de renombre internacional, como Pablo Picasso, Andy Warhol y Vincent Van Gogh, entre otros.

Con más de 15 años de experiencia en la industria del manicure y con una extraordinaria habilidad para el detalle y la precisión, la artista japonesa Miho “Mei” Kawajiri se ha posicionado como una de las más transcendentales manicuristas en el mundo de la moda. Después de haber crecido en Kioto y estudiado en Osaka, llegó a la ciudad de Nueva York hace tres años, y desde entonces se ha convertido en la autora de magníficos diseños de uñas pintadas a mano caracterizados por un estilo vanguardista y una calidad impecable.

Fue en el 2012 cuando surgió la colaboración entre Mei y Susi Kenna. Su estilo se encuentra inspirado en el trabajo de artistas e ilustradores como Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden y Trudy Benson, por nombrar sólo algunos, y es adaptado a la diminuta superficie de las uñas.

Como amante del arte en uñas, Kenna se dedica a crear los diseños digitales después de una extenuante búsqueda de imágenes y modificaciones llevadas a cabo con programas como Photoshop. Posteriormente, el diseño final es aplicado a las uñas gracias al sorprendente pulso de Mei. Su trabajo es complicado y altamente laborioso y lo logra sin utilizar algún tipo de platillas o calcomanías.

Hoy en día, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continúan transformado las uñas de infinidad de mujeres en extraordinarios lienzos en miniatura.

Más información sobre Miho “Mei” Kawajiri aquí.

Más información sobre Susi Kenna aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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March 25, 2015 - No Comments!

★ Jen Stark (USA) | 3D Paper Psychodelia

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Born in Miami, Florida, Jen Stark is a contemporary sculptor and artist who knows how to make the most of her imagination, artistic skills, and simple materials to create greatly complex kaleidoscopic paper artworks. Since her graduation from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005, Stark has given to her technicolor hand-cut creations a deep meaning that combines her natural, mathematical, and spiritual passions.


[Ver artículo en español abajo]

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It happened while studying abroad in the south of France that Los Angeles-based artist and sculptor Jen Stark encountered the disadvantages of the euro’s high exchange rate within the artistic world. It was then that she saw the necessity to find an affordable material in which to express her passions and interests. Finally, it was paper the ultimate supply-solution, and soon the artist realized the endless amount of possibilities that awaited her if she used her talent to transform it in an exceptional way.

Today, Jen Stark uses her imagination and patience to convert paper into fantastic psychedelic sculptures. With time, her artistic mediums have expanded, and currently, she also works with other materials like wood, plexi, foamboard, fiberboard (mdf), metal, mirrors, and paint. She has also explored drawing, muralism, and animation.

Stark’s style is full of vibrant colors and dynamism, and usually imitates mandalas and sacred objects. She combines her enthusiasm for the ideas of infinity, cosmos, mystery and nature, with her talent to transform common materials into splendid three-dimensional sculptures. Through her hypnotic geometrical patterns and repetitions, Stark attempts to express her idea that mathematics and science can be somehow related to all aspects of life. Her passion for optical illusions and kaleidoscopic designs is remarkably expressed in her stacked layers of paper that she arranges and shapes into stars, flowers, petal-like elements, and wormholes, all of them reminiscent of typographical maps and geoids. Examples of that are her projects “The Whole” and “Vortextural” projects.

Behind each sculpture there is a highly intensive and detailed creative process. Depending on the size and complexity of the artwork, Jen spends either weeks or months completing it. She starts by sketching the concept and then by stacking the paper in the order she will need it – the number of paper sheets she uses generally goes from 50 to a maximum of 150. Finally, she cuts the biggest hole and then proceeds to move inward cutting layer by layer. Admirably, not a single layer is cut by computer; using an X-ACTO knife, the artist is the only author of her psychedelic hand-cut sculptures.

Jen Stark graduated from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005. Two years later, her work started to gain outstanding online recognition and some of the best galleries around the world asked her to exhibit her sculptures. Since the takeoff of her career, she has exhibited in places like New York City, Seattle, Washington DC, Thailand, Canada and Australia. At 32, she is one of the greatest emerging artists that continue to create hypnotic geometrical works of art that stand out and influence people around the world.

More information on Jen Stark here.

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It happened while studying abroad in the south of France that Los Angeles-based artist and sculptor Jen Stark encountered the disadvantages of the euro’s high exchange rate within the artistic world. It was then that she saw the necessity to find an affordable material in which to express her passions and interests. Finally, it was paper the ultimate supply-solution, and soon the artist realized the endless amount of possibilities that awaited her if she used her talent to transform it in an exceptional way.

Today, Jen Stark uses her imagination and patience to convert paper into fantastic psychedelic sculptures. With time, her artistic mediums have expanded, and currently, she also works with other materials like wood, plexi, foamboard, fiberboard (mdf), metal, mirrors, and paint. She has also explored drawing, muralism, and animation.

Stark’s style is full of vibrant colors and dynamism, and usually imitates mandalas and sacred objects. She combines her enthusiasm for the ideas of infinity, cosmos, mystery and nature, with her talent to transform common materials into splendid three-dimensional sculptures. Through her hypnotic geometrical patterns and repetitions, Stark attempts to express her idea that mathematics and science can be somehow related to all aspects of life. Her passion for optical illusions and kaleidoscopic designs is remarkably expressed in her stacked layers of paper that she arranges and shapes into stars, flowers, petal-like elements, and wormholes, all of them reminiscent of typographical maps and geoids. Examples of that are her projects “The Whole” and “Vortextural” projects.

Behind each sculpture there is a highly intensive and detailed creative process. Depending on the size and complexity of the artwork, Jen spends either weeks or months completing it. She starts by sketching the concept and then by stacking the paper in the order she will need it – the number of paper sheets she uses generally goes from 50 to a maximum of 150. Finally, she cuts the biggest hole and then proceeds to move inward cutting layer by layer. Admirably, not a single layer is cut by computer; using an X-ACTO knife, the artist is the only author of her psychedelic hand-cut sculptures.

Jen Stark graduated from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005. Two years later, her work started to gain outstanding online recognition and some of the best galleries around the world asked her to exhibit her sculptures. Since the takeoff of her career, she has exhibited in places like New York City, Seattle, Washington DC, Thailand, Canada and Australia. At 32, she is one of the greatest emerging artists that continue to create hypnotic geometrical works of art that stand out and influence people around the world.

More information on Jen Stark here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Proveniente de Miami, Florida, Jen Stark es una artista y escultora contemporánea que combina a la perfección su imaginación, extraordinarias habilidades artísticas y materiales comunes que le permiten crear sus caleidoscópicas y excepcionalmente complejas obras en papel. Estudió arte en el Maryland Institute College of Art y desde su graduación en el 2005, ha sabido dar a sus creaciones hechas a mano un significado único que une su pasión por lo natural, lo espiritual y las matemáticas.

La artista, actualmente con residencia en Los Ángeles, CA, se encontraba estudiando en el sur de Francia cuando descubrió lo caro que sería abastecerse de materiales artísticos en ese lugar. Es por eso que en ese momento tomó la decisión de escoger un material atractivo pero de bajo costo con el cual pudiera trabajar. Finalmente, eligió papel de colores y pronto se dio cuenta de las infinitas posibilidades que este material brinda a quien sabe transformarlo de manera excepcional.

Hoy en día, Jen Stark utiliza su imaginación y paciencia para convertir diferentes tipos de papel en fantásticas esculturas de carácter psicodélico. Con el tiempo, los suministros con los que trabaja han ido evolucionando y actualmente, también utiliza materiales como madera, plástico, fomi, mdf, metal, espejos y pintura. A su vez, ha explorado otras áreas como el dibujo, el muralismo y la animación.

El estilo de Jen está plagado de colores vibrantes y dinamismo. Usualmente, sus obras tienden a replicar hasta cierto grado las mándalas hindúes y otros objetos sagrados. Stark sabe combinar su pasión por la idea del infinito, el cosmos, el misterio y la naturaleza, con su talento por transformar materiales comunes en espléndidas esculturas tridimensionales. Es a través de sus patrones y repeticiones geométricas altamente hipnóticas que también refleja su idea de que las matemáticas y la ciencia de alguna manera se relacionan con todos los aspectos de la vida. Su pasión por las ilusiones ópticas y los diseños caleidoscópicos se ven perfectamente representados en las múltiples capas de papel que la artista apila y posteriormente modifica en forma de estrellas, flores, pétalos, y agujeros de gusano, todos con un toque tecnicolor que hacen recordar mapas tipográficos y geoides. Ejemplos de esto son sus proyectos “The Whole” and “Vortextural”.

La creación de cada obra lleva consigo un intenso y detallado proceso creativo. Le puede llevar semanas o meses el completar una escultura, todo depende del tamaño y nivel de complejidad de la misma. Stark comienza por crear un boceto del concepto. Posteriormente, apila el papel en el orden en que lo utilizará – el número de hojas que utiliza va de las 50 a un máximo de 150. Finalmente, corta el agujero más grande y a partir de ahí trabaja hacia adentro cortando cada hoja de manera individual. Por increíble que parezca, ninguno de los cortes es hecho por computadora. Todo el trabajo es manual utilizando un cuchillo X-ACTO.

Dos años después de su graduación de la carrera, el trabajo de Jen Stark comenzó a ser ampliamente reconocido en múltiples blogs en línea. Fue entonces que diversas de las mejores galerías del mundo pidieron a la artista que exhibiera sus obras. Desde ese momento, su trabajo se ha encontrado en lugares como Nueva York, Seattle, Washington, Tailandia, Canadá y Australia. A los 32 años de edad, Stark es una de las más grandes y emerges artistas que continua creando extraordinarias obras geométricas que cautivan e influencian al resto del mundo.

Más información sobre Jen Stark aquí.

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Proveniente de Miami, Florida, Jen Stark es una artista y escultora contemporánea que combina a la perfección su imaginación, extraordinarias habilidades artísticas y materiales comunes que le permiten crear sus caleidoscópicas y excepcionalmente complejas obras en papel. Estudió arte en el Maryland Institute College of Art y desde su graduación en el 2005, ha sabido dar a sus creaciones hechas a mano un significado único que une su pasión por lo natural, lo espiritual y las matemáticas.

La artista, actualmente con residencia en Los Ángeles, CA, se encontraba estudiando en el sur de Francia cuando descubrió lo caro que sería abastecerse de materiales artísticos en ese lugar. Es por eso que en ese momento tomó la decisión de escoger un material atractivo pero de bajo costo con el cual pudiera trabajar. Finalmente, eligió papel de colores y pronto se dio cuenta de las infinitas posibilidades que este material brinda a quien sabe transformarlo de manera excepcional.

Hoy en día, Jen Stark utiliza su imaginación y paciencia para convertir diferentes tipos de papel en fantásticas esculturas de carácter psicodélico. Con el tiempo, los suministros con los que trabaja han ido evolucionando y actualmente, también utiliza materiales como madera, plástico, fomi, mdf, metal, espejos y pintura. A su vez, ha explorado otras áreas como el dibujo, el muralismo y la animación.

El estilo de Jen está plagado de colores vibrantes y dinamismo. Usualmente, sus obras tienden a replicar hasta cierto grado las mándalas hindúes y otros objetos sagrados. Stark sabe combinar su pasión por la idea del infinito, el cosmos, el misterio y la naturaleza, con su talento por transformar materiales comunes en espléndidas esculturas tridimensionales. Es a través de sus patrones y repeticiones geométricas altamente hipnóticas que también refleja su idea de que las matemáticas y la ciencia de alguna manera se relacionan con todos los aspectos de la vida. Su pasión por las ilusiones ópticas y los diseños caleidoscópicos se ven perfectamente representados en las múltiples capas de papel que la artista apila y posteriormente modifica en forma de estrellas, flores, pétalos, y agujeros de gusano, todos con un toque tecnicolor que hacen recordar mapas tipográficos y geoides. Ejemplos de esto son sus proyectos “The Whole” and “Vortextural”.

La creación de cada obra lleva consigo un intenso y detallado proceso creativo. Le puede llevar semanas o meses el completar una escultura, todo depende del tamaño y nivel de complejidad de la misma. Stark comienza por crear un boceto del concepto. Posteriormente, apila el papel en el orden en que lo utilizará – el número de hojas que utiliza va de las 50 a un máximo de 150. Finalmente, corta el agujero más grande y a partir de ahí trabaja hacia adentro cortando cada hoja de manera individual. Por increíble que parezca, ninguno de los cortes es hecho por computadora. Todo el trabajo es manual utilizando un cuchillo X-ACTO.

Dos años después de su graduación de la carrera, el trabajo de Jen Stark comenzó a ser ampliamente reconocido en múltiples blogs en línea. Fue entonces que diversas de las mejores galerías del mundo pidieron a la artista que exhibiera sus obras. Desde ese momento, su trabajo se ha encontrado en lugares como Nueva York, Seattle, Washington, Tailandia, Canadá y Australia. A los 32 años de edad, Stark es una de las más grandes y emerges artistas que continua creando extraordinarias obras geométricas que cautivan e influencian al resto del mundo.

Más información sobre Jen Stark aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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March 11, 2015 - No Comments!

★ Robert Montgomery (UK) | Inspiring Subversive Words

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

London-based artist Robert Montgomery is one of the recent figures who have captivated countless of worldwide readers with his poetic narratives placed in public locations. Of a tender and melancholic nature, his text-art installations are writings that express his deepest beliefs regarding modern life and the detrimental influence that capitalism and the advertisement industry have over society.


[Ver artículo en español abajo]

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Born in Chapelhall, Scotland, Robert Montgomery is a fine artist who has gained public acknowledgement -particularly in magazines and online blogs- for his extraordinary use of text-art installations. He got his BA and MFA at the Edinburgh College of Art, and during his time as a student, he became passionate of the text-based art and the Situationist Movement from the 1960s.

The Situationists were a group of artists, writers, and filmmakes in Europe that criticized the power of public images, the loss of the people’s willpower to make decisions, and the creation of a society immersed in an unreal and materialistic world. They advertised their ideas in the form of public communication-guerilla propaganda, like comics, pamphlets, posters, slogans, collages and graffitis.

Following the same principle, Robert Montgomery works in what is now called “Brandalism” (graffiti + brand + vandalism), a contemporary movement that challenges the advertising industry by publicly placing different artworks in the same rectangular spaces where people usually find commercial ads. In 2012, Montgomery and other 25 artists appropriated 37 billboards in five important cities across the United Kingdom and altered them with their defiant artistic style.

Montgomery uses a simple yet effective tactic to make his work as impactful as possible. Unlike the regular ads which people should be able to read in a few seconds while walking, Robert makes his texts long enough so people have to stop and read them. By disregarding the established time that should take a billboard to be read by passers-by, he defies one of the most basic guidelines of advertising.

Among his most renowned texts are “THE PEOPLE YOU LOVE BECOME GHOSTS INSIDE OF YOU AND LIKE THIS YOU KEEP THEM ALIVE” and his 2009 piece “WHENEVER YOU SEE THE SUN REFLECTED IN THE WINDOW OF A BUILDING IT IS AN ANGEL”, which was then selected to appear in the new pop-up Dior Homme store in SoHo, New York in 2012.

Tired of meaningless ads, Robert Montgomery started his career by “illegally” working on someone else’s billboards in 2004. Today, he also creates recycled sunlight artworks, fire poems that burn and disintegrate, woodcut panels, and watercolors. His style remains simple, frequently working in white and black and often adding bright LED lights to illuminate his remarkable poems.

More information on Robert Montgomery here.

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Born in Chapelhall, Scotland, Robert Montgomery is a fine artist who has gained public acknowledgement -particularly in magazines and online blogs- for his extraordinary use of text-art installations. He got his BA and MFA at the Edinburgh College of Art, and during his time as a student, he became passionate of the text-based art and the Situationist Movement from the 1960s.

The Situationists were a group of artists, writers, and filmmakes in Europe that criticized the power of public images, the loss of the people’s willpower to make decisions, and the creation of a society immersed in an unreal and materialistic world. They advertised their ideas in the form of public communication-guerilla propaganda, like comics, pamphlets, posters, slogans, collages and graffitis.

Following the same principle, Robert Montgomery works in what is now called “Brandalism” (graffiti + brand + vandalism), a contemporary movement that challenges the advertising industry by publicly placing different artworks in the same rectangular spaces where people usually find commercial ads. In 2012, Montgomery and other 25 artists appropriated 37 billboards in five important cities across the United Kingdom and altered them with their defiant artistic style.

Montgomery uses a simple yet effective tactic to make his work as impactful as possible. Unlike the regular ads which people should be able to read in a few seconds while walking, Robert makes his texts long enough so people have to stop and read them. By disregarding the established time that should take a billboard to be read by passers-by, he defies one of the most basic guidelines of advertising.

Among his most renowned texts are “THE PEOPLE YOU LOVE BECOME GHOSTS INSIDE OF YOU AND LIKE THIS YOU KEEP THEM ALIVE” and his 2009 piece “WHENEVER YOU SEE THE SUN REFLECTED IN THE WINDOW OF A BUILDING IT IS AN ANGEL”, which was then selected to appear in the new pop-up Dior Homme store in SoHo, New York in 2012.

Tired of meaningless ads, Robert Montgomery started his career by “illegally” working on someone else’s billboards in 2004. Today, he also creates recycled sunlight artworks, fire poems that burn and disintegrate, woodcut panels, and watercolors. His style remains simple, frequently working in white and black and often adding bright LED lights to illuminate his remarkable poems.

More information on Robert Montgomery here.

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Nacido en Chapelhall, Escocia y con residencia actual en Londres, Reino Unido, Robert Montgomery es uno de los más recientes artistas que ha logrado cautivar a un sin fin de lectores con sus extraordinarios poemas ubicados en lugares públicos. De una naturaleza tierna y melancólica, sus instalaciones de arte-texto son escritos que expresan sus más profundas creencias en cuanto a la vida moderna y el inquietante impacto que el capitalismo y la industria publicitaria tienen sobre la sociedad.

Su trabajo ha recibido gran reconocimiento principalmente en revistas y blogs en línea. Estudió su licenciatura y maestría en Arte en el Edinburgh College of Art y fue durante su época como estudiante que nació su pasión por el arte basado en textos y su interés en el Movimiento Situacionista de los años 60’s.

Los Situacionistas fueron un grupo de artistas, escritores y cinematógrafos en Europa que criticaron la influencia de las imágenes públicas, la pérdida del poder de las personas para tomar decisiones y la creación de una sociedad inmersa en un mundo irreal y materialista. Se dedicaron a publicar sus protestas a través de métodos de mercadotecnia poco convencionales, como cómics, panfletos, posters, slogans, collages y graffitis.

Bajo el mismo principio, Robert Montgomery trabaja en lo que hoy en día ha sido definido como “Brandalism” (graffiti + brand (marca) + vandalism), un movimiento contemporáneo que desafía la industria publicitaria por medio de la creación de obras en los mismos espacios públicos donde se suelen observar los anuncios publicitarios de diversas marcas. En el 2012, Montgomery y 25 otros artistas se apropiaron “ilegalmente” de 37 carteles en cinco ciudades importantes del Reino Unido, alterándolos con su desafiante estilo artístico.

Montgomery utiliza una técnica simple pero altamente efectiva para lograr que su trabajo tenga el mayor impacto posible en las personas. A diferencia de los anuncios comunes que deben tomar sólo unos segundos en ser leídos mientras la gente camina, Robert hace que sus escritos sean lo suficientemente largos para que el transeúnte se vea en la necesidad de detenerse a leerlos. De esta manera, al ignorar el tiempo establecido que debe tomar un anuncio en ser leído, el artista desafía una de las pautas más básicas de la publicidad.

Entre sus escritos más famosos se encuentran “THE PEOPLE YOU LOVE BECOME GHOSTS INSIDE OF YOU AND LIKE THIS YOU KEEP THEM ALIVE” (La gente que amas se convierte en fantasma dentro de ti y de esta manera los mantienes vivos) y su trabajo creado en el 2009 “WHENEVER YOU SEE THE SUN REFLECTED IN THE WINDOW OF A BUILDING IT IS AN ANGEL” (Cuando quiera que veas el sol reflejado en la ventana de un edificio es un ángel), el cual fue posteriormente seleccionado para aparecer en el nuevo aparador de Dior Homme en Soho, Nueva York en el 2012.

Harto de anuncios publicitarios sin sentido, Robert Montgomery comenzó su carrera apropiándose de manera “ilegal” de escaparates ajenos en el 2004. Hoy en día también es creador de trabajos que reciclan la luz solar, poemas que se incendian y se desintegran, páneles de madera y acuarelas. Su estilo se mantiene simple, trabajando frecuentemente en blanco y negro y añadiendo luz LED para iluminar sus increíbles pensamientos.

Más información sobre Robert Montgomery aquí.

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Nacido en Chapelhall, Escocia y con residencia actual en Londres, Reino Unido, Robert Montgomery es uno de los más recientes artistas que ha logrado cautivar a un sin fin de lectores con sus extraordinarios poemas ubicados en lugares públicos. De una naturaleza tierna y melancólica, sus instalaciones de arte-texto son escritos que expresan sus más profundas creencias en cuanto a la vida moderna y el inquietante impacto que el capitalismo y la industria publicitaria tienen sobre la sociedad.

Su trabajo ha recibido gran reconocimiento principalmente en revistas y blogs en línea. Estudió su licenciatura y maestría en Arte en el Edinburgh College of Art y fue durante su época como estudiante que nació su pasión por el arte basado en textos y su interés en el Movimiento Situacionista de los años 60’s.

Los Situacionistas fueron un grupo de artistas, escritores y cinematógrafos en Europa que criticaron la influencia de las imágenes públicas, la pérdida del poder de las personas para tomar decisiones y la creación de una sociedad inmersa en un mundo irreal y materialista. Se dedicaron a publicar sus protestas a través de métodos de mercadotecnia poco convencionales, como cómics, panfletos, posters, slogans, collages y graffitis.

Bajo el mismo principio, Robert Montgomery trabaja en lo que hoy en día ha sido definido como “Brandalism” (graffiti + brand (marca) + vandalism), un movimiento contemporáneo que desafía la industria publicitaria por medio de la creación de obras en los mismos espacios públicos donde se suelen observar los anuncios publicitarios de diversas marcas. En el 2012, Montgomery y 25 otros artistas se apropiaron “ilegalmente” de 37 carteles en cinco ciudades importantes del Reino Unido, alterándolos con su desafiante estilo artístico.

Montgomery utiliza una técnica simple pero altamente efectiva para lograr que su trabajo tenga el mayor impacto posible en las personas. A diferencia de los anuncios comunes que deben tomar sólo unos segundos en ser leídos mientras la gente camina, Robert hace que sus escritos sean lo suficientemente largos para que el transeúnte se vea en la necesidad de detenerse a leerlos. De esta manera, al ignorar el tiempo establecido que debe tomar un anuncio en ser leído, el artista desafía una de las pautas más básicas de la publicidad.

Entre sus escritos más famosos se encuentran “THE PEOPLE YOU LOVE BECOME GHOSTS INSIDE OF YOU AND LIKE THIS YOU KEEP THEM ALIVE” (La gente que amas se convierte en fantasma dentro de ti y de esta manera los mantienes vivos) y su trabajo creado en el 2009 “WHENEVER YOU SEE THE SUN REFLECTED IN THE WINDOW OF A BUILDING IT IS AN ANGEL” (Cuando quiera que veas el sol reflejado en la ventana de un edificio es un ángel), el cual fue posteriormente seleccionado para aparecer en el nuevo aparador de Dior Homme en Soho, Nueva York en el 2012.

Harto de anuncios publicitarios sin sentido, Robert Montgomery comenzó su carrera apropiándose de manera “ilegal” de escaparates ajenos en el 2004. Hoy en día también es creador de trabajos que reciclan la luz solar, poemas que se incendian y se desintegran, páneles de madera y acuarelas. Su estilo se mantiene simple, trabajando frecuentemente en blanco y negro y añadiendo luz LED para iluminar sus increíbles pensamientos.

Más información sobre Robert Montgomery aquí.

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March 4, 2015 - No Comments!

★ INSA (UK) | Graffiti Walls Animated

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Based in London, UK, INSA is an anonymous urban artist and animator known for the transformation of his street designs into fantastic GIF animations. Creating what he calls GIF-ITI (GIF art + Graffiti), INSA has brought together in his work the demanding art of painting and the retro technology used to produce looping images. With a bachelor in Design at Goldsmiths, this talented street artist has made possible the elusive combination of both, his real and virtual worlds.


[Ver artículo en español abajo]

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Painting and photographing the same wall over and over is the essential feature of the artistic process of London-based artist INSA. Known as GIF-ITI, he paints and repaints graffitis on a street surface and then photographs every change he makes on it. He repeats this process as many times as necessary until he achieves the exact number of images he will later put together in a single, looping animation. Examples of such practice are the 72 different skulls he painted during 2 days for his ‘C’est La Vie’ colorful animation, and the 8 paintings depicting each one of them a head in different positions for the Roskilde Festival in 2014.

In late 2014, INSA and a crew of 20 people worked for 4 days in Rio de Janeiro to produce their most ambitious street-art project. Their goal was to create an artwork that could be seen from space. Covering a total of 57,515 square meters of land, INSA and his team completed one painting each day which was then photographed by a satellite situated 431 miles away on space. INSA’s final one-second animated artwork is today the largest GIF-ITI painting on the planet.

INSA’s work has been produced in places like Los Angeles, Bogota, Paris, Sydney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, and Canada, among other places. He pursues unexplored ideas with the purpose to create unique art for a contemporary society greatly influenced by technology. With a keen passion for innovation and challenge, INSA continues to search for bigger buildings where to create designs that he can later transform into fantastical motion artworks.

More information on INSA here.

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Painting and photographing the same wall over and over is the essential feature of the artistic process of London-based artist INSA. Known as GIF-ITI, he paints and repaints graffitis on a street surface and then photographs every change he makes on it. He repeats this process as many times as necessary until he achieves the exact number of images he will later put together in a single, looping animation. Examples of such practice are the 72 different skulls he painted during 2 days for his ‘C’est La Vie’ colorful animation, and the 8 paintings depicting each one of them a head in different positions for the Roskilde Festival in 2014.

In late 2014, INSA and a crew of 20 people worked for 4 days in Rio de Janeiro to produce their most ambitious street-art project. Their goal was to create an artwork that could be seen from space. Covering a total of 57,515 square meters of land, INSA and his team completed one painting each day which was then photographed by a satellite situated 431 miles away on space. INSA’s final one-second animated artwork is today the largest GIF-ITI painting on the planet.

INSA’s work has been produced in places like Los Angeles, Bogota, Paris, Sydney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, and Canada, among other places. He pursues unexplored ideas with the purpose to create unique art for a contemporary society greatly influenced by technology. With a keen passion for innovation and challenge, INSA continues to search for bigger buildings where to create designs that he can later transform into fantastical motion artworks.

More information on INSA here.

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Ubicado en Londres, Reino Unido, INSA es un artista urbano y animador anónimo conocido por la magnífica transformación de sus diseños en fantásticas animaciones GIF. Creador de lo que él llama GIF-ITI (arte GIF + Graffiti), INSA combina el exhaustivo arte de la pintura con la tecnología utilizada para producir secuencias infinitas de imágenes animadas. Habiendo estudiado la carrera de Diseño en Goldsmiths, este talentoso artista ha hecho posible la sutil combinación de su mundo real y virtual.

Pintar y fotografiar una pared una y otra vez es la característica distintiva del proceso creativo del artista urbano INSA. Trabajando en lo que él llama GIF-ITI, se dedica a pintar y repintar las superficies urbanas de edificios para después fotografiar cada uno de los cambios que hace en sus diseños. Este proceso lo repite tantas veces sea necesario hasta que logra el número exacto de fotografías que posteriormente une en una animación GIF. Ejemplos de dicho proceso son las 72 distintas calaveras que pintó durante 2 días para su colorida animación ‘C’est La Vie’, y las 8 pinturas representando una cabeza en diferentes posiciones para el Festival Roskilde en el 2014.

A finales del 2014, INSA trabajó por 4 días en Río de Janeiro en uno de sus más ambiciosos proyectos de arte urbano. Su objetivo fue lograr una obra de arte que pudiera ser vista desde el espacio. Abarcando un total d 57,515 metros cuadrados de tierra, INSA y un equipo de 20 personas completaron una pintura por día la cual fue posteriormente fotografiada por un satélite ubicado en el espacio a una distancia de 431 millas. La animación final del artista, con una duración total de 1 segundo, es en la actualidad la pintura GIF-ITI más grande del mundo.

INSA ha trabajado en lugares como Los Ángeles, Bogotá, París, Sídney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, y Canadá, entre otros. Se dedica a explorar ideas nuevas con el propósito de crear un arte único para una sociedad actual altamente influenciada por la tecnología. Apasionado de la innovación y los retos, INSA continúa buscando más grandes edificios donde poder crear sus diseños para posteriormente convertirlos en fantásticas obras de arte animadas.

Más información sobre INSA aquí.

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Ubicado en Londres, Reino Unido, INSA es un artista urbano y animador anónimo conocido por la magnífica transformación de sus diseños en fantásticas animaciones GIF. Creador de lo que él llama GIF-ITI (arte GIF + Graffiti), INSA combina el exhaustivo arte de la pintura con la tecnología utilizada para producir secuencias infinitas de imágenes animadas. Habiendo estudiado la carrera de Diseño en Goldsmiths, este talentoso artista ha hecho posible la sutil combinación de su mundo real y virtual.

Pintar y fotografiar una pared una y otra vez es la característica distintiva del proceso creativo del artista urbano INSA. Trabajando en lo que él llama GIF-ITI, se dedica a pintar y repintar las superficies urbanas de edificios para después fotografiar cada uno de los cambios que hace en sus diseños. Este proceso lo repite tantas veces sea necesario hasta que logra el número exacto de fotografías que posteriormente une en una animación GIF. Ejemplos de dicho proceso son las 72 distintas calaveras que pintó durante 2 días para su colorida animación ‘C’est La Vie’, y las 8 pinturas representando una cabeza en diferentes posiciones para el Festival Roskilde en el 2014.

A finales del 2014, INSA trabajó por 4 días en Río de Janeiro en uno de sus más ambiciosos proyectos de arte urbano. Su objetivo fue lograr una obra de arte que pudiera ser vista desde el espacio. Abarcando un total d 57,515 metros cuadrados de tierra, INSA y un equipo de 20 personas completaron una pintura por día la cual fue posteriormente fotografiada por un satélite ubicado en el espacio a una distancia de 431 millas. La animación final del artista, con una duración total de 1 segundo, es en la actualidad la pintura GIF-ITI más grande del mundo.

INSA ha trabajado en lugares como Los Ángeles, Bogotá, París, Sídney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, y Canadá, entre otros. Se dedica a explorar ideas nuevas con el propósito de crear un arte único para una sociedad actual altamente influenciada por la tecnología. Apasionado de la innovación y los retos, INSA continúa buscando más grandes edificios donde poder crear sus diseños para posteriormente convertirlos en fantásticas obras de arte animadas.

Más información sobre INSA aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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February 25, 2015 - No Comments!

★ JUCO (USA) | The Creative Balance Of Two Minds

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Julia Galdo from Miami, FL, and Cody Cloud from Phoenix, AZ, are JUCO, a photography duo with more than 5 years of experience creating outstanding shoots that fuse advertising, fashion and portrait. Based in Los Angeles, CA, they have collaborated with commercial and editorial brands like Apple, Microsoft, Nike, Sony Music, Target, The New Yorker, and Warner Brother Records, just to name a few, and have produced pictures characterized by vibrant colors and clever pattern designs.


[Ver artículo en español abajo]

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In 2002, Julia Galdo and Cody Cloud’s passion and extraordinary eye for taking pictures brought them together at the San Francisco Art Institute; she was studying her bachelor in Photography and he was on his way to receive his MFA degree in the same field. In 2009 they formed JUCO, a collaborative photography duo that mixes Julia’s attention for details and Cody’s love for imperfections. In time, their unique vision to think of stunning compositions out of the box has helped them position themselves in the market as one of the best fast-growing creative partnerships of the moment.

Even though Julia and Cody’s style is continuously evolving and adapting to the individual nature of each project, they have established the core of their own witty style. What makes JUCO’s work exceptional is its ability to blend in one powerful outcome, elements like the character’s attire, graphic patterns, intense colors and original backgrounds.

Among their most recognized projects are: “Women on the Verge”, a fashion photoshoot for Paper Magazine, where JUCO played with geometric forms and colorful sets to reveal glamorous collections of brands like Ralph Lauren, Stella McCartney and Miu Miu, among others; “Painted Backdrops”, a personal project where Julia and Cody camouflaged the clothing of the models with the hand-painted backgrounds in order to produce a unique effect of association; and the “Laffy Taffy” photoshoot, where JUCO’s inspiration was based on 90’s style and pop art colors.

In addition, Julia and Cody have learned from experience that the best way to stop their work getting stale is having a balance between control and uncertainty. Only by not taking care of every single detail, they are able to discover truly wonderful effects.

“If you’re always dialing everything in, if you’re always planning it, then there’s little room left for magic. You have to let go of your expectations to be able to see the unexpected.” JUCO told The Photographic Journal 

Based in Los Angeles, CA, Julia and Cody expect to be able to open their own studio someday. With a portfolio full of remarkable projects, this talented couple is endeavored to produce more compelling work that will cause a positive long-term impression on the viewer.

More information on JUCO here.

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In 2002, Julia Galdo and Cody Cloud’s passion and extraordinary eye for taking pictures brought them together at the San Francisco Art Institute; she was studying her bachelor in Photography and he was on his way to receive his MFA degree in the same field. In 2009 they formed JUCO, a collaborative photography duo that mixes Julia’s attention for details and Cody’s love for imperfections. In time, their unique vision to think of stunning compositions out of the box has helped them position themselves in the market as one of the best fast-growing creative partnerships of the moment.

Even though Julia and Cody’s style is continuously evolving and adapting to the individual nature of each project, they have established the core of their own witty style. What makes JUCO’s work exceptional is its ability to blend in one powerful outcome, elements like the character’s attire, graphic patterns, intense colors and original backgrounds.

Among their most recognized projects are: “Women on the Verge”, a fashion photoshoot for Paper Magazine, where JUCO played with geometric forms and colorful sets to reveal glamorous collections of brands like Ralph Lauren, Stella McCartney and Miu Miu, among others; “Painted Backdrops”, a personal project where Julia and Cody camouflaged the clothing of the models with the hand-painted backgrounds in order to produce a unique effect of association; and the “Laffy Taffy” photoshoot, where JUCO’s inspiration was based on 90’s style and pop art colors.

In addition, Julia and Cody have learned from experience that the best way to stop their work getting stale is having a balance between control and uncertainty. Only by not taking care of every single detail, they are able to discover truly wonderful effects.

“If you’re always dialing everything in, if you’re always planning it, then there’s little room left for magic. You have to let go of your expectations to be able to see the unexpected.” JUCO told The Photographic Journal 

Based in Los Angeles, CA, Julia and Cody expect to be able to open their own studio someday. With a portfolio full of remarkable projects, this talented couple is endeavored to produce more compelling work that will cause a positive long-term impression on the viewer.

More information on JUCO here.

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JUCO es un dúo fotográfico conformado por dos grandes artistas, Julia Galdo originaria de Miami, Florida, y Cody Cloud proveniente de Fénix, Arizona. Juntos, cuentan con más de 5 años de experiencia creando fotografías únicas que combinan elementos relacionados a la publicidad, la moda y el retrato. Desde sus inicios, han trabajado con grandes marcas comerciales y editoriales, tales como Apple, Microsoft, Nike, Sony Music, Target, The New Yorker, y Warner Brother Records, entre otras. Su trabajo se caracteriza por colores ampliamente llamativos e ingeniosos diseños de patrones.

Julia y Cody se conocieron en el 2002 en el San Francisco Art Institute gracias al talento y la pasión de ambos por tomar fotografías. Ella se encontraba estudiando la carrera en Fotografía y él estaba por graduarse de la maestría en la misma área. En el 2009 formaron JUCO, un equipo que combina la atención de Julia por los detalles y el amor de Cody por las imperfecciones. Con el tiempo, su extraordinaria visión para capturar composiciones innovadoras los ha ayudado a posicionarse en el mercado como una de las mejores entidades creativas en vías de crecimiento.

El estilo artístico de JUCO se encuentra en un progresivo proceso de evolución y adaptación constante debido principalmente a los diferentes proyectos en los que participan. Lo que hace que su trabajo sea tan excepcional es su gran habilidad para unir en un concepto perfecto diversos elementos, como moda, patrones gráficos, colores fuertes y fondos altamente originales.

Entre sus proyectos más sobresalientes se encuentran: “Women on the Verge”, una sesión de fotografías para Paper Magazine en la que JUCO utilizó diversos patrones geométricos y coloridos sets para exhibir las glamorosas prendas de vestir de marcas como Ralph Lauren, Stella McCartney y Miu Miu; “Painted Backdrops”, un proyecto personal de la pareja en el que camuflajearon la ropa de los modelos con los fondos pintados a mano, produciendo así un efecto único de asociación; y “Laffy Taffy”, un proyecto cuya inspiración nació del estilo de los 90’s y los colores del arte pop.

A su vez, la experiencia les ha enseñado que la mejor manera de evitar que su trabajo se vuelva obsoleto y aburrido es encontrar el balance ideal entre el control y la incertidumbre. Es decir, al no cerciorarse que absolutamente todos los aspectos del proceso creativo son adecuados, ellos son capaces de descubrir resultados asombrosos.

“Si siempre te encuentras señalando todo, si siempre estás planeando, entonces dejas muy poca oportunidad para que la magia ocurra. Uno debe dejar ir las expectativas para sólo así poder ver lo inesperado. ” – JUCO comentó en The Photographic Journal.

Actualmente ubicados en Los Ángeles, California, Julia y Cody tienen la esperanza de abrir su propio estudio algún día. Con un portafolio lleno de un sin fin de extraordinarios proyectos, esta talentosa pareja está empeñada en continuar produciendo un trabajo que cautive al observador y que cause en él una impresión que dure por largo tiempo.

Más información sobre JUCO aquí.

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JUCO es un dúo fotográfico conformado por dos grandes artistas, Julia Galdo originaria de Miami, Florida, y Cody Cloud proveniente de Fénix, Arizona. Juntos, cuentan con más de 5 años de experiencia creando fotografías únicas que combinan elementos relacionados a la publicidad, la moda y el retrato. Desde sus inicios, han trabajado con grandes marcas comerciales y editoriales, tales como Apple, Microsoft, Nike, Sony Music, Target, The New Yorker, y Warner Brother Records, entre otras. Su trabajo se caracteriza por colores ampliamente llamativos e ingeniosos diseños de patrones.

Julia y Cody se conocieron en el 2002 en el San Francisco Art Institute gracias al talento y la pasión de ambos por tomar fotografías. Ella se encontraba estudiando la carrera en Fotografía y él estaba por graduarse de la maestría en la misma área. En el 2009 formaron JUCO, un equipo que combina la atención de Julia por los detalles y el amor de Cody por las imperfecciones. Con el tiempo, su extraordinaria visión para capturar composiciones innovadoras los ha ayudado a posicionarse en el mercado como una de las mejores entidades creativas en vías de crecimiento.

El estilo artístico de JUCO se encuentra en un progresivo proceso de evolución y adaptación constante debido principalmente a los diferentes proyectos en los que participan. Lo que hace que su trabajo sea tan excepcional es su gran habilidad para unir en un concepto perfecto diversos elementos, como moda, patrones gráficos, colores fuertes y fondos altamente originales.

Entre sus proyectos más sobresalientes se encuentran: “Women on the Verge”, una sesión de fotografías para Paper Magazine en la que JUCO utilizó diversos patrones geométricos y coloridos sets para exhibir las glamorosas prendas de vestir de marcas como Ralph Lauren, Stella McCartney y Miu Miu; “Painted Backdrops”, un proyecto personal de la pareja en el que camuflajearon la ropa de los modelos con los fondos pintados a mano, produciendo así un efecto único de asociación; y “Laffy Taffy”, un proyecto cuya inspiración nació del estilo de los 90’s y los colores del arte pop.

A su vez, la experiencia les ha enseñado que la mejor manera de evitar que su trabajo se vuelva obsoleto y aburrido es encontrar el balance ideal entre el control y la incertidumbre. Es decir, al no cerciorarse que absolutamente todos los aspectos del proceso creativo son adecuados, ellos son capaces de descubrir resultados asombrosos.

“Si siempre te encuentras señalando todo, si siempre estás planeando, entonces dejas muy poca oportunidad para que la magia ocurra. Uno debe dejar ir las expectativas para sólo así poder ver lo inesperado. ” – JUCO comentó en The Photographic Journal.

Actualmente ubicados en Los Ángeles, California, Julia y Cody tienen la esperanza de abrir su propio estudio algún día. Con un portafolio lleno de un sin fin de extraordinarios proyectos, esta talentosa pareja está empeñada en continuar produciendo un trabajo que cautive al observador y que cause en él una impresión que dure por largo tiempo.

Más información sobre JUCO aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]   ★ By Dalia Vasquez [/cd_text][/cd_column][/cd_row]

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