SAKETEKILLA › Performance

All Posts in Performance

January 7, 2015 - No Comments!

★ Gabitsiki (MX) | An Oneiric Mind

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in Amsterdam, Gabriela Avalos, also known as Gabitsiki, is a Mexican visual artist, performer, and therapy facilitator that brings the best of her musical passion and personal experiences to her eclectic creations. Her arresting work is made of fragments of Huichol experiences, encounters with patients in psychiatric facilities and even her own journey to become a mother.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text] algoalgo darkglow gabitsiki3 volcani lunatica gabitsiki2 gabitsiki [/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

“The universe, the stars, the wild nature, the infinite space, the opportunity to feel like an animal and not a human being… all of that are things that inspire me” - Gabitsiki

Meet Gabitsiki in this exclusive interview for Saketekilla*.

Could you please tell us a bit about yourself? Where do you come from? 

I was born in Torreon, Coahuila and after that I moved to Monterrey, Nuevo Leon. I studied Visual Arts at U.A.N.L. and I have two diplomas, one in Alternative Therapy at U.A.A.A.N. and the other in Art Therapy at UAM Xochimilco. The first trip I did to Amsterdam was with my family when I was 15 years old. That experience changed my perception of the world and since then I knew that I had to come back.

Why did you choose the name Gabitsiki? 

It is a way to make my name smaller. Gabi is a diminutive of Gabriela and Gabitsiki is even smaller. People have always thought I am younger than I really am; they sometimes see me as a little girl, so I decided to make the most of it.

In your Facebook page we can see that your creative work includes several disciplines and techniques, like photography, different kinds of painting and drawing, and even some poetry. How do you choose the technique and nature of your next artwork? Can you tell us about your creative process?

The idea simply comes to my mind. For example, writing is a reaction to the words I hear in my head. It is as if I am listening to a voice and answering it. I paint when an image is also inside my mind. Sometimes when I try to represent that image the form changes, but at the end, it is a form that is always evolving. Photography is unpredictable. There are days in which I take a lot of pictures and I feel that I need to appreciate my environment and my own perception of it. My creative process starts when I am “not creating” anything; when I am only thinking and looking, imagining and wishing. This feeling accumulates until I choose the materials and begin to work. My first encounter with them is like a fight, an explosion. It is only when my mind and body settle down that I start to define my strokes.

How would you define your style? 

Naïve Oneiric / Brut... or something like that  (laughs).

(Naïve – also known as “child-like art” because of the use of strong colors, spontaneity and lack of perspective. Oneiric – related to dreams. Brut – a term used in the mid-1940s to designate the art that was not considered “traditional”).

In your website you also mention that you are a performer and an art therapy facilitator. Could you please tell us more about that? 

Music has always been my second strongest passion; sometimes I believe it is my first one. However, it has taken me more time and effort to express myself through it. Some of the reasons are because it challenges me more; it requires a more direct communication with myself and people around me. My previous performances have been inner quests to heal my soul from pain and from fear to express myself. I have challenged myself in front of the public and I promised that I wouldn’t perform in vain, but to pursuit that inner healing. It was at that moment that I knew that performance wouldn’t be my main way of expression, but it has given me the strength to stand on a stage. I guess that is part of the reason I was invited to participate in theater. I am not an actress but now I know how to actively collaborate with others to create new experiences.

Art and madness and art and health are associations that also passionate me, and both of them have taken me to explore psychiatry. I did my social service at the Psychiatry Unit of the University Hospital at U.A.N.L. and during that time I developed strong relationships with patients and staff members. At the end, I stayed for 2 years to work offering Art Therapy to children, teenagers and adults with different psychiatric conditions like depression, schizophrenia, eating disorders and bipolarity. This has been one of the most interesting and gratifying experiences of my life, but also an extremely difficult one due to the great responsibility that it entails.

What do you intent to express with your art? As a Mexican artist, how does your cultural heritage influence your work? What are your main sources of inspiration? 

I think that the way I use colors in my work is an aspect that has been strongly influenced by the art of the Wirrárika culture (better known as Huicholes). It is a style that I truly admire due to its unique beauty and sacred nature. I was very fortunate to have the opportunity to spend nights in the desert in the north of Mexico eating peyote and also to visit a Huichol community. The way they greeted me made me feel like a member of their family. They were extremely welcoming and hospitable. I think that is my strongest connection with my ancestors and also with indigenous cultures that are struggling to survive and preserve their traditions. My experiences in the desert are memories that I continuously want to represent. For me, it is a way to revive what happened, to be there once again. The universe, the stars, the wild nature, the infinite space, the opportunity to feel like an animal and not a human being… all of that are things that inspire me.

In your photographs we see that you give striking colors to some of your artworks, is there any particular reason for that? We also notice that “maternity” is a recurrent subject of yours; can you explain more about that? 

Truth be told, the subject of motherhood is a very recent one. Basically, I am representing my sexual energy in which my pregnancy is the crucial moment. The series Concepción, Pregnancia y Alumbro (Conception, Pregnancy and Give Birth) encloses images that I created before, during and after my pregnancy. I used drawing as a way to prepare myself to give birth. It was the only way I was able to face my fears, to visualize the experience of birth and to gain some peacefulness.

I use fluorescent colors because they are striking and eye-catching. Besides, they are the colors that represent the energy inside me when I paint. Most of the times when I am painting, I am holding a chaotic energy. I work with vivid colors because through them I can express strong emotions like excitement, stress or anger; but also happiness, love, and surprise.

What has been the most gratifying project you have participated in? What are your future projects?

I think that “Teatro de los Sentidos” (Theater of Senses) has been the most satisfactory project I have ever participated in. It is a unique theater company in the world. Their plays are extensive crossroads in which the spectator becomes a traveler and main character and is called “habitante” (resident). It is a completely different way to make theater and to experience it. As an habitante, one must disappear and act with utmost subtlety. You learn to work with two basic elements: silence and darkness. My experience in the play called “El Mundo al Revés” (The World Upside Down) with other Mexican artists, was absolutely life-changing. We fell in love with this new way of making theater and we continue to experiment with the company Los Habitantes. Today, their project is actively working and it is called El Origen.

I believe the future will bring new music and live-playing experiences. Together with Jonathan Ramirez I created Neo Paganos. We have played for several years and I think it is time to record our songs and upload them to the Internet. I also want to continue painting and to increase the size of my artworks. Those are my main plans for next year.

We thank Gabitsiki for this great interview.

More information on Gabitsiki here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

“The universe, the stars, the wild nature, the infinite space, the opportunity to feel like an animal and not a human being… all of that are things that inspire me” - Gabitsiki

Meet Gabitsiki in this exclusive interview for Saketekilla*.

Could you please tell us a bit about yourself? Where do you come from? 

I was born in Torreon, Coahuila and after that I moved to Monterrey, Nuevo Leon. I studied Visual Arts at U.A.N.L. and I have two diplomas, one in Alternative Therapy at U.A.A.A.N. and the other in Art Therapy at UAM Xochimilco. The first trip I did to Amsterdam was with my family when I was 15 years old. That experience changed my perception of the world and since then I knew that I had to come back.

Why did you choose the name Gabitsiki? 

It is a way to make my name smaller. Gabi is a diminutive of Gabriela and Gabitsiki is even smaller. People have always thought I am younger than I really am; they sometimes see me as a little girl, so I decided to make the most of it.

In your Facebook page we can see that your creative work includes several disciplines and techniques, like photography, different kinds of painting and drawing, and even some poetry. How do you choose the technique and nature of your next artwork? Can you tell us about your creative process?

The idea simply comes to my mind. For example, writing is a reaction to the words I hear in my head. It is as if I am listening to a voice and answering it. I paint when an image is also inside my mind. Sometimes when I try to represent that image the form changes, but at the end, it is a form that is always evolving. Photography is unpredictable. There are days in which I take a lot of pictures and I feel that I need to appreciate my environment and my own perception of it. My creative process starts when I am “not creating” anything; when I am only thinking and looking, imagining and wishing. This feeling accumulates until I choose the materials and begin to work. My first encounter with them is like a fight, an explosion. It is only when my mind and body settle down that I start to define my strokes.

How would you define your style? 

Naïve Oneiric / Brut... or something like that  (laughs).

(Naïve – also known as “child-like art” because of the use of strong colors, spontaneity and lack of perspective. Oneiric – related to dreams. Brut – a term used in the mid-1940s to designate the art that was not considered “traditional”).

In your website you also mention that you are a performer and an art therapy facilitator. Could you please tell us more about that? 

Music has always been my second strongest passion; sometimes I believe it is my first one. However, it has taken me more time and effort to express myself through it. Some of the reasons are because it challenges me more; it requires a more direct communication with myself and people around me. My previous performances have been inner quests to heal my soul from pain and from fear to express myself. I have challenged myself in front of the public and I promised that I wouldn’t perform in vain, but to pursuit that inner healing. It was at that moment that I knew that performance wouldn’t be my main way of expression, but it has given me the strength to stand on a stage. I guess that is part of the reason I was invited to participate in theater. I am not an actress but now I know how to actively collaborate with others to create new experiences.

Art and madness and art and health are associations that also passionate me, and both of them have taken me to explore psychiatry. I did my social service at the Psychiatry Unit of the University Hospital at U.A.N.L. and during that time I developed strong relationships with patients and staff members. At the end, I stayed for 2 years to work offering Art Therapy to children, teenagers and adults with different psychiatric conditions like depression, schizophrenia, eating disorders and bipolarity. This has been one of the most interesting and gratifying experiences of my life, but also an extremely difficult one due to the great responsibility that it entails.

What do you intent to express with your art? As a Mexican artist, how does your cultural heritage influence your work? What are your main sources of inspiration? 

I think that the way I use colors in my work is an aspect that has been strongly influenced by the art of the Wirrárika culture (better known as Huicholes). It is a style that I truly admire due to its unique beauty and sacred nature. I was very fortunate to have the opportunity to spend nights in the desert in the north of Mexico eating peyote and also to visit a Huichol community. The way they greeted me made me feel like a member of their family. They were extremely welcoming and hospitable. I think that is my strongest connection with my ancestors and also with indigenous cultures that are struggling to survive and preserve their traditions. My experiences in the desert are memories that I continuously want to represent. For me, it is a way to revive what happened, to be there once again. The universe, the stars, the wild nature, the infinite space, the opportunity to feel like an animal and not a human being… all of that are things that inspire me.

In your photographs we see that you give striking colors to some of your artworks, is there any particular reason for that? We also notice that “maternity” is a recurrent subject of yours; can you explain more about that? 

Truth be told, the subject of motherhood is a very recent one. Basically, I am representing my sexual energy in which my pregnancy is the crucial moment. The series Concepción, Pregnancia y Alumbro (Conception, Pregnancy and Give Birth) encloses images that I created before, during and after my pregnancy. I used drawing as a way to prepare myself to give birth. It was the only way I was able to face my fears, to visualize the experience of birth and to gain some peacefulness.

I use fluorescent colors because they are striking and eye-catching. Besides, they are the colors that represent the energy inside me when I paint. Most of the times when I am painting, I am holding a chaotic energy. I work with vivid colors because through them I can express strong emotions like excitement, stress or anger; but also happiness, love, and surprise.

What has been the most gratifying project you have participated in? What are your future projects?

I think that “Teatro de los Sentidos” (Theater of Senses) has been the most satisfactory project I have ever participated in. It is a unique theater company in the world. Their plays are extensive crossroads in which the spectator becomes a traveler and main character and is called “habitante” (resident). It is a completely different way to make theater and to experience it. As an habitante, one must disappear and act with utmost subtlety. You learn to work with two basic elements: silence and darkness. My experience in the play called “El Mundo al Revés” (The World Upside Down) with other Mexican artists, was absolutely life-changing. We fell in love with this new way of making theater and we continue to experiment with the company Los Habitantes. Today, their project is actively working and it is called El Origen.

I believe the future will bring new music and live-playing experiences. Together with Jonathan Ramirez I created Neo Paganos. We have played for several years and I think it is time to record our songs and upload them to the Internet. I also want to continue painting and to increase the size of my artworks. Those are my main plans for next year.

We thank Gabitsiki for this great interview.

More information on Gabitsiki here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicada en Ámsterdam, Holanda, Gabriela Ávalos, también conocida como Gabitsiki, es una artista visual, intérprete y terapeuta mexicana decida a unir lo mejor de su pasión por la música y sus experiencias personales en sus eclécticas creaciones. Su llamativo trabajo está formado por fragmentos de sus experiencias con los Huicholes, sus encuentros con pacientes en una institución psiquiátrica e incluso su propio trayecto que la llevó a convertirse en madre.

“El universo, las estrellas, la naturaleza salvaje, la inmensidad, el sentirse como un animal antes que humano. Todo esto son cosas que me inspiran” - Gabitsiki

Conoce a Gabitsiki en esta entrevista exclusiva con Saketekilla*.

¿Podrías por favor hablarnos un poco de ti? ¿De dónde vienes? 

Nací en Torreón, Coahuila y después me adoptaron como regia (Monterrey, Nuevo León.) Estudié Artes Visuales en la U.A.N.L. e hice dos diplomados, uno en Terapias Alternativas en la U.A.A.A.N. y uno en Arte Terapia impartido por la UAM Xochimilco. La primera vez que vine a Ámsterdam fue con mi familia cuando tenía 15 años. Ese viaje amplió mi forma de ver el mundo y desde entonces supe que tenía que volver.

¿Por qué elegiste el nombre Gabitsiki?

Es una forma de hacer mi nombre más pequeño. Gabi es un diminutivo de Gabriela y Gabitsiki es aún más pequeño. Siempre he representado menos edad; la gente me ha percibido como una niña,  así que decidí acentuarlo.

En tu página de Facebook vemos que tu trabajo abarca distintas disciplinas y técnicas artísticas, como fotografía, diversos tipos de pintura y dibujo e incluso un poco de poesía. ¿De qué manera escoges la técnica y la naturaleza de tu siguiente trabajo? ¿Podrías hablarnos de tu proceso creativo?

La idea simplemente aparece en mi mente. Por ejemplo, cuando escribo algo es porque empiezo a escucharlo en mi mente; es como una voz que escucho y a la que voy respondiendo. Cuando pinto es porque me llega una idea en forma de imagen. Al momento de tratar de reproducirla sale algo diferente, pero es una forma que va evolucionando. La fotografía es circunstancial. Tengo periodos en que tomo muchas fotos cada día; es como una forma de apreciar mi entorno inmediato y ampliar mi percepción sobre él. Mi proceso creativo viene de un periodo de reposo en el que no estoy "creando" nada. Solo estoy pensando y observando, imaginando y deseando. Esto se va acumulando hasta que empieza el proceso en que voy tomando los materiales; el primer encuentro con ellos es un desencanto, una lucha, una explosión. Después mi cuerpo y mi mente se van calmando y empiezo a depurar mi trazo.

¿Cómo definirías tu estilo?

Naive Onírico / Bruto ... o algo así (risas).

(Naive – denominado en ocasiones “arte infantil” por el uso de fuertes colores, espontaneidad y falta de perspectiva. Onírico – relacionado a los sueños. Bruto – término utilizado durante la década de los 40s para referirse a un arte fuera de lo “tradicional”.

En tu página también mencionas que eres una artista intérprete y una facilitadora de terapia artística. ¿Podrías hablarnos más al respecto? 

La música siempre ha sido mi segundo amor, aunque a veces pienso que el primero. Pero me ha tomado más tiempo comenzar a expresarme en ese medio porque me confronta más, me pone en una comunicación más directa conmigo misma y con los demás. Las interpretaciones que he realizado han sido una búsqueda ritual para curar mi alma del sufrimiento pasado y el miedo a expresarme. Me he puesto en situaciones límite con el público y me prometí que no haría interpretaciones a la ligera, sino solamente para lograr esa búsqueda espiritual de curación. En ese momento supe que la interpretación no sería mi medio, sin embargo, me ha dado la seguridad para pisar un escenario. Supongo que por eso después me invitaron a participar en proyectos de teatro. No soy actriz, pero sé estar presente para crear activamente con los demás.

Mi fascinación por la relación entre el arte y locura y el arte y la sanación me llevan a lo psiquiátrico. Realicé mi servicio social en la Unidad de Psiquiatría del Hospital Universitario de la U.A.N.L. y durante ese tiempo me integré muy bien tanto con los pacientes como con el personal de enfermería. Finalmente me quedé trabajando por 2 años, realizando la actividad de Arte Terapia con niños, adolescentes y adultos diagnosticados con diferentes padecimientos psiquiátricos como depresión, esquizofrenia, bi-polaridad, desórdenes alimenticios, etc. Ésta ha sido una de las experiencias más interesantes y gratificantes de mi vida, pero también un trabajo sumamente difícil que conlleva mucha, mucha responsabilidad.

¿Qué es lo que buscas expresar con tus distintas formas de arte? Como artista mexicana, ¿de qué manera tu herencia cultural influencia tu trabajo? ¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración? 

Pienso que la manera en que utilizo el color está muy influenciada por el arte de la cultura Wirrárika (mejor conocidos como Huicholes). Es un trabajo que admiro bastante por ser de una belleza única y porque además es un arte sagrado. Tuve la gran fortuna de poder pasar noches en el desierto del norte de México comiendo peyote y también de poder estar en una comunidad Huichol. La forma en que me recibieron me hizo sentir como un miembro de su familia. La gente fue sumamente hospitalaria. Creo que esa es mi mayor conexión con mis antepasados y que me acerca también a las culturas indígenas que se encuentran resistiendo para preservar sus tradiciones. Mis experiencias en el desierto son algo que constantemente quiero recrear, porque al hacerlo es como estar nuevamente ahí. El universo, las estrellas, la naturaleza salvaje, la inmensidad, el sentirse como un animal antes que humano. Todo esto son cosas que me inspiran.

En tus fotografías podemos ver que en ocasiones utilizas colores llamativos para dar vida a tus creaciones, ¿hay alguna razón en particular para eso? También notamos que el tema de la maternidad es recurrente en tus obras, ¿podrías explicar más al respecto?

A decir verdad, el tema de la maternidad es un asunto reciente. Más que nada, estoy representando mi energía sexual, siendo mi embarazo un momento culminante de ésta. La serie Concepción, Pregnancia y Alumbro contiene las imágenes que produje en el periodo previo, durante y posterior a mi embarazo. Una de las formas en que me preparé mentalmente para el parto fue dibujando, así podía encontrarme con mis miedos, visualizar la experiencia del nacimiento y darme serenidad.

Utilizo colores fosforescentes porque son estridentes, saltan a la vista, y son el color que representa la energía que siento cuando pinto. Cuando me acerco a la pintura la mayoría de las veces tengo una energía caótica. Los colores llamativos me sirven para expresar emociones fuertes como excitación, estrés o enojo, pero también felicidad, amor, enamoramiento y sorpresa.

¿Cuál ha sido el proyecto más satisfactorio en el que has participado? ¿Qué te depara el futuro? 

Yo creo que en cierta forma ha sido "Teatro de los Sentidos". Es una compañía de teatro única en el mundo. Sus obras son grandes laberintos donde el espectador se convierte en un viajero protagonista de la historia y a los actores se les llama habitantes. Es una forma diferente de hacer teatro y de vivirlo; como habitante de la obra tienes que desaparecer, ser muy sutil. El silencio y la penumbra son dos elementos básicos con los que aprendes a trabajar. Tuve la oportunidad de habitar en la obra "El mundo al revés" junto con otro grupo de artistas mexicanos. La experiencia resultó transformadora. Nos enamoramos de esta forma de hacer teatro y posteriormente seguimos experimentando con la compañía Los Habitantes. Actualmente el proyecto que está activo con actores mexicanos  se llama El Origen.

Yo creo que lo que sigue es hacer música y tocar en vivo. Junto con Jonathan Ramírez somos los Neo Paganos. Hemos estado tocando ya por algunos años y creo que es hora de grabar esas canciones y subirlas a la red. También quiero seguir pintando y ampliar el formato de mis obras. Básicamente esos son mis planes para el próximo año.

Agradecemos a Gabitsiki por esta magnífica entrevista.

Más información sobre Gabitsiki aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Ubicada en Ámsterdam, Holanda, Gabriela Ávalos, también conocida como Gabitsiki, es una artista visual, intérprete y terapeuta mexicana decida a unir lo mejor de su pasión por la música y sus experiencias personales en sus eclécticas creaciones. Su llamativo trabajo está formado por fragmentos de sus experiencias con los Huicholes, sus encuentros con pacientes en una institución psiquiátrica e incluso su propio trayecto que la llevó a convertirse en madre.

“El universo, las estrellas, la naturaleza salvaje, la inmensidad, el sentirse como un animal antes que humano. Todo esto son cosas que me inspiran” - Gabitsiki

Conoce a Gabitsiki en esta entrevista exclusiva con Saketekilla*.

¿Podrías por favor hablarnos un poco de ti? ¿De dónde vienes? 

Nací en Torreón, Coahuila y después me adoptaron como regia (Monterrey, Nuevo León.) Estudié Artes Visuales en la U.A.N.L. e hice dos diplomados, uno en Terapias Alternativas en la U.A.A.A.N. y uno en Arte Terapia impartido por la UAM Xochimilco. La primera vez que vine a Ámsterdam fue con mi familia cuando tenía 15 años. Ese viaje amplió mi forma de ver el mundo y desde entonces supe que tenía que volver.

¿Por qué elegiste el nombre Gabitsiki?

Es una forma de hacer mi nombre más pequeño. Gabi es un diminutivo de Gabriela y Gabitsiki es aún más pequeño. Siempre he representado menos edad; la gente me ha percibido como una niña,  así que decidí acentuarlo.

En tu página de Facebook vemos que tu trabajo abarca distintas disciplinas y técnicas artísticas, como fotografía, diversos tipos de pintura y dibujo e incluso un poco de poesía. ¿De qué manera escoges la técnica y la naturaleza de tu siguiente trabajo? ¿Podrías hablarnos de tu proceso creativo?

La idea simplemente aparece en mi mente. Por ejemplo, cuando escribo algo es porque empiezo a escucharlo en mi mente; es como una voz que escucho y a la que voy respondiendo. Cuando pinto es porque me llega una idea en forma de imagen. Al momento de tratar de reproducirla sale algo diferente, pero es una forma que va evolucionando. La fotografía es circunstancial. Tengo periodos en que tomo muchas fotos cada día; es como una forma de apreciar mi entorno inmediato y ampliar mi percepción sobre él. Mi proceso creativo viene de un periodo de reposo en el que no estoy "creando" nada. Solo estoy pensando y observando, imaginando y deseando. Esto se va acumulando hasta que empieza el proceso en que voy tomando los materiales; el primer encuentro con ellos es un desencanto, una lucha, una explosión. Después mi cuerpo y mi mente se van calmando y empiezo a depurar mi trazo.

¿Cómo definirías tu estilo?

Naive Onírico / Bruto ... o algo así (risas).

(Naive – denominado en ocasiones “arte infantil” por el uso de fuertes colores, espontaneidad y falta de perspectiva. Onírico – relacionado a los sueños. Bruto – término utilizado durante la década de los 40s para referirse a un arte fuera de lo “tradicional”.

En tu página también mencionas que eres una artista intérprete y una facilitadora de terapia artística. ¿Podrías hablarnos más al respecto? 

La música siempre ha sido mi segundo amor, aunque a veces pienso que el primero. Pero me ha tomado más tiempo comenzar a expresarme en ese medio porque me confronta más, me pone en una comunicación más directa conmigo misma y con los demás. Las interpretaciones que he realizado han sido una búsqueda ritual para curar mi alma del sufrimiento pasado y el miedo a expresarme. Me he puesto en situaciones límite con el público y me prometí que no haría interpretaciones a la ligera, sino solamente para lograr esa búsqueda espiritual de curación. En ese momento supe que la interpretación no sería mi medio, sin embargo, me ha dado la seguridad para pisar un escenario. Supongo que por eso después me invitaron a participar en proyectos de teatro. No soy actriz, pero sé estar presente para crear activamente con los demás.

Mi fascinación por la relación entre el arte y locura y el arte y la sanación me llevan a lo psiquiátrico. Realicé mi servicio social en la Unidad de Psiquiatría del Hospital Universitario de la U.A.N.L. y durante ese tiempo me integré muy bien tanto con los pacientes como con el personal de enfermería. Finalmente me quedé trabajando por 2 años, realizando la actividad de Arte Terapia con niños, adolescentes y adultos diagnosticados con diferentes padecimientos psiquiátricos como depresión, esquizofrenia, bi-polaridad, desórdenes alimenticios, etc. Ésta ha sido una de las experiencias más interesantes y gratificantes de mi vida, pero también un trabajo sumamente difícil que conlleva mucha, mucha responsabilidad.

¿Qué es lo que buscas expresar con tus distintas formas de arte? Como artista mexicana, ¿de qué manera tu herencia cultural influencia tu trabajo? ¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración? 

Pienso que la manera en que utilizo el color está muy influenciada por el arte de la cultura Wirrárika (mejor conocidos como Huicholes). Es un trabajo que admiro bastante por ser de una belleza única y porque además es un arte sagrado. Tuve la gran fortuna de poder pasar noches en el desierto del norte de México comiendo peyote y también de poder estar en una comunidad Huichol. La forma en que me recibieron me hizo sentir como un miembro de su familia. La gente fue sumamente hospitalaria. Creo que esa es mi mayor conexión con mis antepasados y que me acerca también a las culturas indígenas que se encuentran resistiendo para preservar sus tradiciones. Mis experiencias en el desierto son algo que constantemente quiero recrear, porque al hacerlo es como estar nuevamente ahí. El universo, las estrellas, la naturaleza salvaje, la inmensidad, el sentirse como un animal antes que humano. Todo esto son cosas que me inspiran.

En tus fotografías podemos ver que en ocasiones utilizas colores llamativos para dar vida a tus creaciones, ¿hay alguna razón en particular para eso? También notamos que el tema de la maternidad es recurrente en tus obras, ¿podrías explicar más al respecto?

A decir verdad, el tema de la maternidad es un asunto reciente. Más que nada, estoy representando mi energía sexual, siendo mi embarazo un momento culminante de ésta. La serie Concepción, Pregnancia y Alumbro contiene las imágenes que produje en el periodo previo, durante y posterior a mi embarazo. Una de las formas en que me preparé mentalmente para el parto fue dibujando, así podía encontrarme con mis miedos, visualizar la experiencia del nacimiento y darme serenidad.

Utilizo colores fosforescentes porque son estridentes, saltan a la vista, y son el color que representa la energía que siento cuando pinto. Cuando me acerco a la pintura la mayoría de las veces tengo una energía caótica. Los colores llamativos me sirven para expresar emociones fuertes como excitación, estrés o enojo, pero también felicidad, amor, enamoramiento y sorpresa.

¿Cuál ha sido el proyecto más satisfactorio en el que has participado? ¿Qué te depara el futuro? 

Yo creo que en cierta forma ha sido "Teatro de los Sentidos". Es una compañía de teatro única en el mundo. Sus obras son grandes laberintos donde el espectador se convierte en un viajero protagonista de la historia y a los actores se les llama habitantes. Es una forma diferente de hacer teatro y de vivirlo; como habitante de la obra tienes que desaparecer, ser muy sutil. El silencio y la penumbra son dos elementos básicos con los que aprendes a trabajar. Tuve la oportunidad de habitar en la obra "El mundo al revés" junto con otro grupo de artistas mexicanos. La experiencia resultó transformadora. Nos enamoramos de esta forma de hacer teatro y posteriormente seguimos experimentando con la compañía Los Habitantes. Actualmente el proyecto que está activo con actores mexicanos  se llama El Origen.

Yo creo que lo que sigue es hacer música y tocar en vivo. Junto con Jonathan Ramírez somos los Neo Paganos. Hemos estado tocando ya por algunos años y creo que es hora de grabar esas canciones y subirlas a la red. También quiero seguir pintando y ampliar el formato de mis obras. Básicamente esos son mis planes para el próximo año.

Agradecemos a Gabitsiki por esta magnífica entrevista.

Más información sobre Gabitsiki aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

★ By Dalia Vasquez

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

October 29, 2014 - No Comments!

★ V ARE (AU) | Presenting The Unknown

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

V ARE ["we are"], a creative duo based in Vienna, Austria formed by Adia Trischler and Andreas Waldschuetz, specializes in the combination of music, light, visual elements and space in order to generate their own whimsical interpretations of life. BREATHE”, their last collaborative undertaking, is another one of their captivating projects that has left multiple visitors immersed in a deep mayhem of complex sensations and abstract thoughts.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

vare-complete1

vare11

vare10

vare13

vare12

vare9

vare8

vare7

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Adia Trischler is a film director and creative consultant from New York with an extensive background in fashion, style and theater. Andreas Waldschuetz is a fashion photographer and video artist originally from Vienna, Austria. During the last years, these two talented artists have pursued the ambition of discovering unexplored surroundings and new creative minds with the sole purpose of producing a brand-new hub for upcoming artists.

Supported by different types of documentation like film, press and vinyl, Trischler and Waldschuetz expose unseen forms of art with the aim of generating an eclectic network of talent and revolutionary ideas.

Their more recent collective project “BREATHE” was an art film successfully presented at an abandoned building in Altes Zollamt, Austria. From October 17 to October 26, the spectator became part of the fictional story by being guided through different settings around the mysterious and somber exhibition. An extraordinary use of light, shadows and theatrical production made of the project a unique experience in which feelings and memories were strongly stimulated.

The event also included the performance of dancer Mickey Mahar and musician Manu Mayr, as well as the presentation of fashion designer Andrea Cammarosano and Vienna-based jewelry label Henwoodcraft.

More information on V ARE here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Adia Trischler is a film director and creative consultant from New York with an extensive background in fashion, style and theater. Andreas Waldschuetz is a fashion photographer and video artist originally from Vienna, Austria. During the last years, these two talented artists have pursued the ambition of discovering unexplored surroundings and new creative minds with the sole purpose of producing a brand-new hub for upcoming artists.

Supported by different types of documentation like film, press and vinyl, Trischler and Waldschuetz expose unseen forms of art with the aim of generating an eclectic network of talent and revolutionary ideas.

Their more recent collective project “BREATHE” was an art film successfully presented at an abandoned building in Altes Zollamt, Austria. From October 17 to October 26, the spectator became part of the fictional story by being guided through different settings around the mysterious and somber exhibition. An extraordinary use of light, shadows and theatrical production made of the project a unique experience in which feelings and memories were strongly stimulated.

The event also included the performance of dancer Mickey Mahar and musician Manu Mayr, as well as the presentation of fashion designer Andrea Cammarosano and Vienna-based jewelry label Henwoodcraft.

More information on V ARE here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicado en la ciudad de Viena, Austria, V ARE ["we are" / “nosotros somos”] es un dúo creativo conformado por los artistas Adia Trischler y Andreas Waldschuetz quienes se especializan en la combinación de música, luz, elementos visuales y espacios para la generación de sus propias interpretaciones de la realidad. “BREATHE” [“respirar”] constituye su último proyecto artístico, el cual dejó inmersos a los múltiples espectadores en un profundo estado abstracto de desconcierto.

Proveniente de Nueva York, Adia Trischler es una directora de cine y consultora creativa con amplia experiencia en los rubros de la moda, el estilo y el teatro. Por su parte, Andreas Waldschuetz es un fotógrafo de moda y un hábil creador de videos originario de Viena, Austria. Durante los últimos años, ambos personajes han puesto en práctica el descubrimiento y exhibición de nuevas y extrañas locaciones así como nuevas mentes creativas, con el fin de generar una plataforma única para los artistas emergentes.

Utilizando diversos elementos para documentar su trabajo, como videos, la prensa y discos de vinilo, Trischler y Waldschuetz se dedican a exponer desconocidas formas de arte con el propósito de crear una red de contactos e ideas totalmente ecléctica.

Su más reciente trabajo colectivo “BREATHE” consistió en la creación y exitosa exhibición de su trabajo cinematográfico en un edificio abandonado en Altes Zollamt, Austria. Desde el 17 de Octubre hasta el 26 del mismo mes, el espectador se volvió parte de la historia creativa al ser dirigido por diversas habitaciones dentro de un ambiente sombrío y lleno de misterio. El extraordinario uso de luz y sombras, así como una excelente producción teatral, hizo del proyecto una experiencia única que estimuló todo tipo de sentimientos y recuerdos en la mente del visitante.

El evento también incluyó el desempeño del bailarín Mickey Mahar y el músico Manu Mayr, así como la presentación de la diseñadora de modas Andrea Cammarosano y la marca de joyas localizada en Viana, Henwoodcraft.

Más información sobre V ARE aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Ubicado en la ciudad de Viena, Austria, V ARE ["we are" / “nosotros somos”] es un dúo creativo conformado por los artistas Adia Trischler y Andreas Waldschuetz quienes se especializan en la combinación de música, luz, elementos visuales y espacios para la generación de sus propias interpretaciones de la realidad. “BREATHE” [“respirar”] constituye su último proyecto artístico, el cual dejó inmersos a los múltiples espectadores en un profundo estado abstracto de desconcierto.

Proveniente de Nueva York, Adia Trischler es una directora de cine y consultora creativa con amplia experiencia en los rubros de la moda, el estilo y el teatro. Por su parte, Andreas Waldschuetz es un fotógrafo de moda y un hábil creador de videos originario de Viena, Austria. Durante los últimos años, ambos personajes han puesto en práctica el descubrimiento y exhibición de nuevas y extrañas locaciones así como nuevas mentes creativas, con el fin de generar una plataforma única para los artistas emergentes.

Utilizando diversos elementos para documentar su trabajo, como videos, la prensa y discos de vinilo, Trischler y Waldschuetz se dedican a exponer desconocidas formas de arte con el propósito de crear una red de contactos e ideas totalmente ecléctica.

Su más reciente trabajo colectivo “BREATHE” consistió en la creación y exitosa exhibición de su trabajo cinematográfico en un edificio abandonado en Altes Zollamt, Austria. Desde el 17 de Octubre hasta el 26 del mismo mes, el espectador se volvió parte de la historia creativa al ser dirigido por diversas habitaciones dentro de un ambiente sombrío y lleno de misterio. El extraordinario uso de luz y sombras, así como una excelente producción teatral, hizo del proyecto una experiencia única que estimuló todo tipo de sentimientos y recuerdos en la mente del visitante.

El evento también incluyó el desempeño del bailarín Mickey Mahar y el músico Manu Mayr, así como la presentación de la diseñadora de modas Andrea Cammarosano y la marca de joyas localizada en Viana, Henwoodcraft.

Más información sobre V ARE aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

 

★ By Dalia Vasquez

 

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

September 24, 2014 - No Comments!

★ Little Shao (FR) | A Flawless Portrayal Of Rhythm

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in Paris, France, Little Shao is a photographer, film maker and art director of Vietnamese background whose pictures of dancers, models, actors and singers have called the public attention thanks to their astonishing composition, quality, and emotion. After transitioning from finance to photography many years ago, he discovered the way to capture the most outstanding moments within the dancing world, especially the ones related to the Hip-Hop culture.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

shao4

shao9

shao23

shao7

shao26

shao19

shao15

shao14

shao10

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

With a deep passion for traveling and pictures, and as a dedicated Bboy (break-dancer), Little Shao has positioned himself as an exceptional photographer of the contemporary dancing and artistic community. He has worked with the best dancers and choreographers of celebrities like Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé, and Justin Timberlake.

As a young photographer in a highly-competitive world and with a large number of photographic tools available in the market, Shao considers the task of achieving the ideal shoot harder every day. He obtains his inspiration from different sources, like movies, music and the everyday life, and believes that a balance between talent, creativity and the right equipment is the perfect combination for a successful and valuable portfolio.

Little Shao’s style is spotless and delicate. Either in motion or static, the arrangement of his models inside the frame transforms a specific dancing moment into a sensational experience truly worth seen. He is not only portraying an image, he is creating a memory by asking people to take dancers –even the ones in early stages- seriously, and making them understand the meaning that life has to the people that practice such art.

“My goal is to innovate and push the Hip-Hop community to understand that “Communication & Marketing” should be much more important than their dance skills. That if they want to survive being a dancer, they should also take care of their image and how they are spreading it. Life as a dancer is not only about dance, it’s also about strategy, communication and networking”.

More information on Little Shao here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

With a deep passion for traveling and pictures, and as a dedicated Bboy (break-dancer), Little Shao has positioned himself as an exceptional photographer of the contemporary dancing and artistic community. He has worked with the best dancers and choreographers of celebrities like Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé, and Justin Timberlake.

As a young photographer in a highly-competitive world and with a large number of photographic tools available in the market, Shao considers the task of achieving the ideal shoot harder every day. He obtains his inspiration from different sources, like movies, music and the everyday life, and believes that a balance between talent, creativity and the right equipment is the perfect combination for a successful and valuable portfolio.

Little Shao’s style is spotless and delicate. Either in motion or static, the arrangement of his models inside the frame transforms a specific dancing moment into a sensational experience truly worth seen. He is not only portraying an image, he is creating a memory by asking people to take dancers –even the ones in early stages- seriously, and making them understand the meaning that life has to the people that practice such art.

“My goal is to innovate and push the Hip-Hop community to understand that “Communication & Marketing” should be much more important than their dance skills. That if they want to survive being a dancer, they should also take care of their image and how they are spreading it. Life as a dancer is not only about dance, it’s also about strategy, communication and networking”.

More information on Little Shao here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Little Shao es un fotógrafo, director de cine y de arte con antecedentes vietnamitas y con actual residencia en París, Francia. Sus fotografías de bailarines, modelos, actores y cantantes han llamado fuertemente la atención del público gracias a su extraordinaria composición, calidad y emotividad que las caracteriza. Su carrera sufrió una gran transición cuando dejó el mundo de las finanzas y decidió dedicarse de lleno a la fotografía. Con los años, Shao ha descubierto la manera de capturar momentos únicos dentro del mundo del baile, en particular, aquellos pertenecientes a la cultura del hip-hop.

Shao es un apasionado fotógrafo, viajero y practicante del break dance. Desde el inicio de su carrera como artista, se ha posicionado como un fotógrafo excepcional dentro de su actual comunidad de baile. Ha trabajado con los mejores bailarines y coreógrafos de celebridades como Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé y Justin Timberlake.

Como un talentoso y joven artista que se desarrolla en mundo altamente competitivo, y con un sin fin de herramientas tecnológicas a la mano, Shao considera que el lograr una fotografía innovadora es una tarea cada día más difícil. Él obtiene su inspiración de diversas fuentes, como películas, música y la vida diaria, y cree que un balance entre el talento, la creatividad y el material de trabajo es la combinación perfecta para crear un portafolio atractivo y de alto valor.

Su estilo es delicado e impecable. Ya sea que sus modelos se encuentren en movimiento o estáticos dentro de su composición, el arreglo que da a los elementos en la toma transforma un momento dentro del mundo del baile en toda una experiencia totalmente nueva. No sólo se dedica a plasmar imágenes, sino que crea recuerdos en los que pide al espectador tomar la carrera de un bailarín en serio, y los invita a comprender el significado que tiene la vida para las personas que practican dicho arte.

“Mi objetivo es innovar y sacar adelante a la comunidad del hip-hop haciéndolos entender que la comunicación y la mercadotecnia deben ser mucho más importantes que sus habilidades como bailarines. Que si desean sobrevivir haciendo lo que les gusta, deben tomar en cuenta su imagen y la manera en que ésta es difundida. La vida de un bailarín no solo consiste en bailar, sino también en pensar en la estrategia a utilizar, la comunicación y su red de contactos.”

Más información sobre Little Shao aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Little Shao es un fotógrafo, director de cine y de arte con antecedentes vietnamitas y con actual residencia en París, Francia. Sus fotografías de bailarines, modelos, actores y cantantes han llamado fuertemente la atención del público gracias a su extraordinaria composición, calidad y emotividad que las caracteriza. Su carrera sufrió una gran transición cuando dejó el mundo de las finanzas y decidió dedicarse de lleno a la fotografía. Con los años, Shao ha descubierto la manera de capturar momentos únicos dentro del mundo del baile, en particular, aquellos pertenecientes a la cultura del hip-hop.

Shao es un apasionado fotógrafo, viajero y practicante del break dance. Desde el inicio de su carrera como artista, se ha posicionado como un fotógrafo excepcional dentro de su actual comunidad de baile. Ha trabajado con los mejores bailarines y coreógrafos de celebridades como Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé y Justin Timberlake.

Como un talentoso y joven artista que se desarrolla en mundo altamente competitivo, y con un sin fin de herramientas tecnológicas a la mano, Shao considera que el lograr una fotografía innovadora es una tarea cada día más difícil. Él obtiene su inspiración de diversas fuentes, como películas, música y la vida diaria, y cree que un balance entre el talento, la creatividad y el material de trabajo es la combinación perfecta para crear un portafolio atractivo y de alto valor.

Su estilo es delicado e impecable. Ya sea que sus modelos se encuentren en movimiento o estáticos dentro de su composición, el arreglo que da a los elementos en la toma transforma un momento dentro del mundo del baile en toda una experiencia totalmente nueva. No sólo se dedica a plasmar imágenes, sino que crea recuerdos en los que pide al espectador tomar la carrera de un bailarín en serio, y los invita a comprender el significado que tiene la vida para las personas que practican dicho arte.

“Mi objetivo es innovar y sacar adelante a la comunidad del hip-hop haciéndolos entender que la comunicación y la mercadotecnia deben ser mucho más importantes que sus habilidades como bailarines. Que si desean sobrevivir haciendo lo que les gusta, deben tomar en cuenta su imagen y la manera en que ésta es difundida. La vida de un bailarín no solo consiste en bailar, sino también en pensar en la estrategia a utilizar, la comunicación y su red de contactos.”

Más información sobre Little Shao aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

 

★ By Dalia Vasquez

 

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

July 9, 2014 - No Comments!

★ JeeYoung Lee (KO) | Recreating Dreams In Real Life

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

An emergent artist and photographer who has risen to the top of the Korean artistic sphere thanks to her bizarre and surreal self-portraits. She materializes fragments of her memory and dreams through the combination of theatrical performance and plastic art.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

jee

jee5

jee16

jee14

jee15

jee12

jee3

jee11

jee8

jee2

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Native from South Korea, JeeYoung Lee is a visual artist graduated from Hongik University in Seoul. During her days as an undergraduate student, she gained experience in visual communication design, film and stage art.

Since 2007, she has developed a successful reputation creating fantastic and eccentric installations that take her from weeks to months to be completed. Once an idea has settled inside her mind, she develops it by choosing specific materials, everyday objects - plywood, paper cups, and straws, etc. - and images; she carefully plans the color palette and studies the meaning of each element she is considering of using. She then takes multiple shoots of the set, finally positioning herself in it in a non-frontal posture.

Her work requires great amount of patience and detail, and not a single one of her final photographs are digitally manipulated, unless there are cable lines of suspended objects that need to be erased.

Enclosed in the four adjustable walls of her 360 x 410 x 240 cm studio in Seoul, JeeYoung Lee builds her flamboyant and complicated universes from scratch entirely by hand. They are meant to be a portrayal of her desires, her frustrations and conflicts, as well as her memories and experiences of living in a repressed society like her own.

Even though the outcome of JeeYoung Lee’s art installations is sometimes vary from her initial idea, her creations are always the result of her extraordinary inner imagination.

More information on JeeYoung Lee here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Native from South Korea, JeeYoung Lee is a visual artist graduated from Hongik University in Seoul. During her days as an undergraduate student, she gained experience in visual communication design, film and stage art.

Since 2007, she has developed a successful reputation creating fantastic and eccentric installations that take her from weeks to months to be completed. Once an idea has settled inside her mind, she develops it by choosing specific materials, everyday objects - plywood, paper cups, and straws, etc. - and images; she carefully plans the color palette and studies the meaning of each element she is considering of using. She then takes multiple shoots of the set, finally positioning herself in it in a non-frontal posture.

Her work requires great amount of patience and detail, and not a single one of her final photographs are digitally manipulated, unless there are cable lines of suspended objects that need to be erased.

Enclosed in the four adjustable walls of her 360 x 410 x 240 cm studio in Seoul, JeeYoung Lee builds her flamboyant and complicated universes from scratch entirely by hand. They are meant to be a portrayal of her desires, her frustrations and conflicts, as well as her memories and experiences of living in a repressed society like her own.

Even though the outcome of JeeYoung Lee’s art installations is sometimes vary from her initial idea, her creations are always the result of her extraordinary inner imagination.

More information on JeeYoung Lee here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

JeeYoung Lee es una artista y fotógrafa coreana emergente conocida por sus extraños y surreales portarretratos. Su objetivo es materializar fragmentos de su memoria y sueños a través de la combinación de representaciones teatrales y arte plástico.

Proveniente de Corea del Sur, JeeYoung Lee se graduó de la Universidad de Hongik en Seúl. Durante sus años como estudiante, adquirió experiencia en diseño de comunicación visual, cine y diseño de escenarios.

Desde el año 2007, ha creado una exitosa reputación gracias a sus fantásticas y excéntricas instalaciones que le toman de semanas a meses en construir. Una vez  que una idea ha surgido en su mente, JeeYoung la desarrolla escogiendo materiales específicos, objetos de la vida diaria - madera contrachapada, vasos de papel, popotes, etc. – e imágenes; planea con sumo cuidado su gama de colores y estudia minuciosamente el significado de cada elemento que está considerando utilizar. Posteriormente toma múltiples fotografías del set, y finalmente se posiciona ella misma en una postura que nunca es frontal.

Su trabajo requiere de gran cantidad de paciencia y detalle, logrando que ninguna de sus fotografías finales esté manipulada digitalmente, a menos que haya cables de objetos suspendidos que sean necesarios eliminar.

Encerrada en las cuatro paredes ajustables de su estudio de 360 x 410 x 240 cm en Seúl, JeeYoung Lee construye sus complicados y llamativos universos desde lo más básico y completamente a mano. Sus sets creativos son una representación de sus deseos, frustraciones y conflictos, así como de sus memorias y experiencias de vivir en una sociedad reprimida como la suya.

Incluso cundo el producto final de su trabajo varía de la idea inicial, las instalaciones artísticas de JeeYoung Lee son resultado de su extraordinaria y profunda imaginación.

Más información sobre JeeYoung Lee aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

JeeYoung Lee es una artista y fotógrafa coreana emergente conocida por sus extraños y surreales portarretratos. Su objetivo es materializar fragmentos de su memoria y sueños a través de la combinación de representaciones teatrales y arte plástico.

Proveniente de Corea del Sur, JeeYoung Lee se graduó de la Universidad de Hongik en Seúl. Durante sus años como estudiante, adquirió experiencia en diseño de comunicación visual, cine y diseño de escenarios.

Desde el año 2007, ha creado una exitosa reputación gracias a sus fantásticas y excéntricas instalaciones que le toman de semanas a meses en construir. Una vez  que una idea ha surgido en su mente, JeeYoung la desarrolla escogiendo materiales específicos, objetos de la vida diaria - madera contrachapada, vasos de papel, popotes, etc. – e imágenes; planea con sumo cuidado su gama de colores y estudia minuciosamente el significado de cada elemento que está considerando utilizar. Posteriormente toma múltiples fotografías del set, y finalmente se posiciona ella misma en una postura que nunca es frontal.

Su trabajo requiere de gran cantidad de paciencia y detalle, logrando que ninguna de sus fotografías finales esté manipulada digitalmente, a menos que haya cables de objetos suspendidos que sean necesarios eliminar.

Encerrada en las cuatro paredes ajustables de su estudio de 360 x 410 x 240 cm en Seúl, JeeYoung Lee construye sus complicados y llamativos universos desde lo más básico y completamente a mano. Sus sets creativos son una representación de sus deseos, frustraciones y conflictos, así como de sus memorias y experiencias de vivir en una sociedad reprimida como la suya.

Incluso cundo el producto final de su trabajo varía de la idea inicial, las instalaciones artísticas de JeeYoung Lee son resultado de su extraordinaria y profunda imaginación.

Más información sobre JeeYoung Lee aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

★ By Dalia Vasquez

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

April 25, 2014 - No Comments!

★ Nrmal Festival (MX) | Revolution That Gave Force To A Modern Age

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

When children are soothed with the same threat their entire childhood, they end up being scammed, with their eardrums tanned so they do not yield to the absurd voices that only offer them the same sweet lies.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Festival NRML DF 2014

Festival NRML DF 2014

Festival NRML DF 2014

Festival NRML DF 2014

Festival NRML DF 2014

Festival NRML DF 2014

Festival NRML DF 2014

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Every year, renowned festivals announce the well-known yellow poster signs with repeated artist names and tons of young promises that spread like the 7:00 am fog. Some youngsters rooted to the past, prefer to relive old legends, each one with different ambitions. Some of them want fame and glory, while others want crowns and recognition. Still, none of them realize that this country is not thirsty of talent, but it is hungry of new ideas. There is a lack of voice and proposals in this nation, the ones that you cannot find neither in clothes nor in speech, only in facts. However, proposals do not grow in trees; they grow inside the brain and come out of the mouth like stones. Five years ago, In Monterrey -a warm land with wounds in its mountains- the Nrmal Festival emerged; music and revolution were the standard foundation of something as normal as its own name.

The Nrmal Festival is composed by different acts from all over the world, where metal and electronic bands are the usual performers. With a strange address and a very peculiar location, the first edition of the Nrmal Festival took place in Mexico City, having as main venue the sport center Lomas Altas in the north of the city. Once we arrived to the access gate, a pair of well-armed soldiers, who smiled and nodded while answering our questions, welcomed us. The doors were opened and the waltz performance by the valet parking began.

The weather was warm, just a little bit humid. You could sense an earthy smell while the wind slightly shivered the sky. Once inside, nothing changed; there was no roof or tents above us, just the sky.

The festival accomplished many of its objectives: for instance, the number of assistants, the extension of the place and the logistics of the general event were very well organized; it is also important to mention the scenography, which was organized with the same caution than the rest of the activities. There were two similar and very important stages which alternated each other between bands; so that when the blue stage finished performing, another band began playing in the red stage.

The food area had wood tables in the center and long benches instead of chairs; you did not just share food, you shared stories and met new people. The conversations would go from one corner to the other, while the lines of the Food Trucks kept moving; it was no hurry, you could sense peace. In this zone you could find Vietnamese food, Mexican tacos and sausage pretzels. In the same area, a little bit further, you could find the literature tent, brought by the magazine “Ciudad de Frente”, where six different acts with one main bond, literature, took place.

One of the main reasons why Nrmal Festival is so different, is because far from seeking recognition and popularity, it cares about generating not only spaces where the musical experience is the main attraction, but also an event with proposals with different approaches not necessarily done by young people; however such proposals were made for ears used to listening to old voices. The literature tent witnessed performances made by “Poemas Perrones” accompanied by electronic sounds and turbid bass. Also in this tent, the band “Extraños en el Tren” performed and you could listen to the musical instrument escracheos, as well as guitars and computer rhythms, making a black hole in the atmosphere filled with weirdness and torture.

The proposal of the Festival is not only on stage, it also extends throughout the entire land. As soon as you enter you see the signs, the decorated toilets with the symbolic image of the event, the little flee market where you can find decorative souvenirs, books and official merchandise of the Festival and of the performing artists.

Another podium which had much affluence was the Noisey stage, whose guardianship was given by Vice music channel. “Trillones”, a Mexican DJ originally from Mexicali who is well aware of the current situation in Mexico participated, and the music emanating from their assemblies reflected that perfectly. In the same stage, but in a different schedule, you could witness performances as overwhelming like the one by “Kelela”, a young girl with a voice as clear as the moon, which left the audience appeased. The artist “Matias Aguayo x Mostro” was one of the acts with the best public response. This androgynous group combined the Caribbean sounds of Aguayo with the saturated voices of Mostro.

At the same time, projects from all over the world like Australia, Chile, Colombia, United States and Mexico merged in and outside the stage in a natural way. There were no interruptions and the course of the event remained calm.

Nrmal is a cat of seven lives; it is a dog with three tails, a rooster of golden feathers and a silver throat. Nrmal is good.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Every year, renowned festivals announce the well-known yellow poster signs with repeated artist names and tons of young promises that spread like the 7:00 am fog. Some youngsters rooted to the past, prefer to relive old legends, each one with different ambitions. Some of them want fame and glory, while others want crowns and recognition. Still, none of them realize that this country is not thirsty of talent, but it is hungry of new ideas. There is a lack of voice and proposals in this nation, the ones that you cannot find neither in clothes nor in speech, only in facts. However, proposals do not grow in trees; they grow inside the brain and come out of the mouth like stones. Five years ago, In Monterrey -a warm land with wounds in its mountains- the Nrmal Festival emerged; music and revolution were the standard foundation of something as normal as its own name.

The Nrmal Festival is composed by different acts from all over the world, where metal and electronic bands are the usual performers. With a strange address and a very peculiar location, the first edition of the Nrmal Festival took place in Mexico City, having as main venue the sport center Lomas Altas in the north of the city. Once we arrived to the access gate, a pair of well-armed soldiers, who smiled and nodded while answering our questions, welcomed us. The doors were opened and the waltz performance by the valet parking began.

The weather was warm, just a little bit humid. You could sense an earthy smell while the wind slightly shivered the sky. Once inside, nothing changed; there was no roof or tents above us, just the sky.

The festival accomplished many of its objectives: for instance, the number of assistants, the extension of the place and the logistics of the general event were very well organized; it is also important to mention the scenography, which was organized with the same caution than the rest of the activities. There were two similar and very important stages which alternated each other between bands; so that when the blue stage finished performing, another band began playing in the red stage.

The food area had wood tables in the center and long benches instead of chairs; you did not just share food, you shared stories and met new people. The conversations would go from one corner to the other, while the lines of the Food Trucks kept moving; it was no hurry, you could sense peace. In this zone you could find Vietnamese food, Mexican tacos and sausage pretzels. In the same area, a little bit further, you could find the literature tent, brought by the magazine “Ciudad de Frente”, where six different acts with one main bond, literature, took place.

One of the main reasons why Nrmal Festival is so different, is because far from seeking recognition and popularity, it cares about generating not only spaces where the musical experience is the main attraction, but also an event with proposals with different approaches not necessarily done by young people; however such proposals were made for ears used to listening to old voices. The literature tent witnessed performances made by “Poemas Perrones” accompanied by electronic sounds and turbid bass. Also in this tent, the band “Extraños en el Tren” performed and you could listen to the musical instrument escracheos, as well as guitars and computer rhythms, making a black hole in the atmosphere filled with weirdness and torture.

The proposal of the Festival is not only on stage, it also extends throughout the entire land. As soon as you enter you see the signs, the decorated toilets with the symbolic image of the event, the little flee market where you can find decorative souvenirs, books and official merchandise of the Festival and of the performing artists.

Another podium which had much affluence was the Noisey stage, whose guardianship was given by Vice music channel. “Trillones”, a Mexican DJ originally from Mexicali who is well aware of the current situation in Mexico participated, and the music emanating from their assemblies reflected that perfectly. In the same stage, but in a different schedule, you could witness performances as overwhelming like the one by “Kelela”, a young girl with a voice as clear as the moon, which left the audience appeased. The artist “Matias Aguayo x Mostro” was one of the acts with the best public response. This androgynous group combined the Caribbean sounds of Aguayo with the saturated voices of Mostro.

At the same time, projects from all over the world like Australia, Chile, Colombia, United States and Mexico merged in and outside the stage in a natural way. There were no interruptions and the course of the event remained calm.

Nrmal is a cat of seven lives; it is a dog with three tails, a rooster of golden feathers and a silver throat. Nrmal is good.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Cuando a los niños se les quiere sosegar con la misma amenaza durante su corta infancia, terminan siendo timados pero con los tímpanos curtidos para no sucumbir ante voces absurdas que lo único que ofrecen son mentiras endulzadas con lo mismo.

Cada año festivales de renombre dan a conocer los carteles conocidos y amarillentos con los nombres repetidos y un bonche de jóvenes promesas semejantes a la niebla de las siete. Algunos, los más enraizados en el ayer, prefieren revivir del campo santo a las leyendas del pasado, todos buscan ambiciones diferentes: unos te dan sol y otros te dan corona, pero ninguno se da cuenta que en este país no hay sed sino hambre, que en este país falta voz y propuesta, una que no está ni en la ropa, ni en el habla y sí en los hechos. La propuesta no viene del bolso, la propuesta se gesta adentro, en el cerebro, y sale por la boca para convertirse en roca firme. En Monterrey, una tierra caliente y con yagas en la sierra, hace cinco años, de su tierra fértil emergía el Festival Nrmal, donde la música y las balas serían cimiento de algo tal normal como su nombre.

El Festival Nrmal es un festival con un cartel compuesto por actos de todas partes del mundo, donde el metal y los sonidos electrónicos son los géneros más socorridos por los ejecutantes. Con una dirección poco conocida y una locación nada familiar, se llevo a cabo la primera edición del Festival Nrmal en el DF, teniendo como epicentro el Deportivo Lomas Altas al norte de la ciudad. Al llegar a la puerta de acceso, la bienvenida corría a cargo de un par de militares bien armados pero muy sonrientes que, asintiendo con la cabeza, respondían nuestras preguntas. Las puertas se abrieron y el vals, a cargo del valet parking, comenzó.

El clima era templado, se podría decir que era húmedo. El ambiente olía a tierra y el cielo, en colores grisáceos, estremecía ante las ráfagas de viento. Una vez a dentro nada cambió, no había carpas ni techos, sólo ese cielo como cubierta de ese momento.

El festival cumple con muchos de sus cometidos: en primer lugar está la organización que tiene bien calculado el número de asistencias a la par de la extensión territorial del lugar; también es importante destacar que los escenarios curados por los medios aliados están bien justificados y organizados con la misma cautela que el resto de las actividades. El escenario principal no era uno sólo, compartía espacio con uno más semejante a él: la intención de este ejercicio era dejar sin vacío el cambio de backline entre banda y banda, así mientras en el escenario azul terminaba de tocar una banda, en el escenario rojo comenzaba la otra.

La zona de comida tenía al centro varias mesas de madera, con bancas corridas, que propiciaban al acto de compartir; no sólo el asiento sino historias y conocer personas nuevas. Las platicas se paseaban de esquina a esquina, la filas de las Food Trucks avanzaban continuamente; no había prisas y la calma imperaba. Comida de Vietnam, taquitos de cochina y pretzels de salchicha eran sólo algunos de los productos que la zona ofrecía. Justo ahí en el mismo terreno polvoriento pero un poco más apartado del murmullo se encontraba la carpa literaria curada por la revista la "Ciudad de Frente" donde desfilarían seis actos totalmente distintos pero con un mismo lazo de unión: la literatura.

Esta es una de las razones que hacen al Nrmal un festival diferente, pues lejos de buscar el reconocimiento y la popularidad, se preocupa por generar no sólo espacios donde la experiencia musical sea la única atracción, sino generar un  encuentro con propuestas no necesariamente jóvenes pero sí nuevas para oídos acostumbrados a las voces viejas.  La carpa literaria fue testigo de presentaciones como la de los "Poemas Perrones"  acompañados de sonidos electrónicos y bajos turbios. También ahí mismo se presentó "Extraños en el Tren", un proyecto donde los escracheos se hacen presentes al igual que las guitarras y los ritmos de computadora, haciendo del ambiente un agujero negro repleto de extrañesa y tormento.

A decir verdad, la propuesta del festival no sólo está en los escenarios pues se extiende por todo el territorio, ya que desde los señalamientos internos hasta los sanitarios son decorados con la imagen ya característica del festival, además de un pequeño tianguis donde bien se pueden encontrar artículos decorativos, fanzines, libros y mercancía oficial del festival y de los artistas participantes.

Otro de los entarimados que contó con mucha afluencia fue el escenario "Noisey", cuya curaduría corrió a cargo del canal de música de Vice, donde desfilaron actos como "Trillones", DJ originario de Mexicali quien tiene muy presente la situación actual que se vive en México y la música que emana de sus ensambles lo refleja perfectamente. También en ese mismo escenario pero en distinto horario se presentó "Kelela", una joven embellecida por su oscuro cabello y dueña de una boca que apaciguó a la ya encendida audiencia con una voz tan clara como la Luna. "Matías Aguayo x Mostro" fue uno de los actos con mejor respuesta pues tanto Matías como Mostro eran ya conocidos por el publico ahí reunido. Esta agrupación andrógina combinó de manera atinada los sonidos caribeños de Aguayo y las percusiones violentas y voces saturadas de Mostro.

La vitrina exponía al tiempo en el que reloj avanzaba proyectos de todas partes del mundo; Australia, Chile, Colombia, Estados Unidos, México y todas las naciones tanto abajo como arriba de los escenarios convivían de manera natural, sin altercados ni absurdos que interrumpieran la calma. Las balas dieron fuerza a una edad moderna.

El Nrmal es el gato de las siete vidas, es un perro de tres colas y un gallo con plumas de oro y garganta de plata. El Nrmal es el bueno.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Cuando a los niños se les quiere sosegar con la misma amenaza durante su corta infancia, terminan siendo timados pero con los tímpanos curtidos para no sucumbir ante voces absurdas que lo único que ofrecen son mentiras endulzadas con lo mismo.

Cada año festivales de renombre dan a conocer los carteles conocidos y amarillentos con los nombres repetidos y un bonche de jóvenes promesas semejantes a la niebla de las siete. Algunos, los más enraizados en el ayer, prefieren revivir del campo santo a las leyendas del pasado, todos buscan ambiciones diferentes: unos te dan sol y otros te dan corona, pero ninguno se da cuenta que en este país no hay sed sino hambre, que en este país falta voz y propuesta, una que no está ni en la ropa, ni en el habla y sí en los hechos. La propuesta no viene del bolso, la propuesta se gesta adentro, en el cerebro, y sale por la boca para convertirse en roca firme. En Monterrey, una tierra caliente y con yagas en la sierra, hace cinco años, de su tierra fértil emergía el Festival Nrmal, donde la música y las balas serían cimiento de algo tal normal como su nombre.

El Festival Nrmal es un festival con un cartel compuesto por actos de todas partes del mundo, donde el metal y los sonidos electrónicos son los géneros más socorridos por los ejecutantes. Con una dirección poco conocida y una locación nada familiar, se llevo a cabo la primera edición del Festival Nrmal en el DF, teniendo como epicentro el Deportivo Lomas Altas al norte de la ciudad. Al llegar a la puerta de acceso, la bienvenida corría a cargo de un par de militares bien armados pero muy sonrientes que, asintiendo con la cabeza, respondían nuestras preguntas. Las puertas se abrieron y el vals, a cargo del valet parking, comenzó.

El clima era templado, se podría decir que era húmedo. El ambiente olía a tierra y el cielo, en colores grisáceos, estremecía ante las ráfagas de viento. Una vez a dentro nada cambió, no había carpas ni techos, sólo ese cielo como cubierta de ese momento.

El festival cumple con muchos de sus cometidos: en primer lugar está la organización que tiene bien calculado el número de asistencias a la par de la extensión territorial del lugar; también es importante destacar que los escenarios curados por los medios aliados están bien justificados y organizados con la misma cautela que el resto de las actividades. El escenario principal no era uno sólo, compartía espacio con uno más semejante a él: la intención de este ejercicio era dejar sin vacío el cambio de backline entre banda y banda, así mientras en el escenario azul terminaba de tocar una banda, en el escenario rojo comenzaba la otra.

La zona de comida tenía al centro varias mesas de madera, con bancas corridas, que propiciaban al acto de compartir; no sólo el asiento sino historias y conocer personas nuevas. Las platicas se paseaban de esquina a esquina, la filas de las Food Trucks avanzaban continuamente; no había prisas y la calma imperaba. Comida de Vietnam, taquitos de cochina y pretzels de salchicha eran sólo algunos de los productos que la zona ofrecía. Justo ahí en el mismo terreno polvoriento pero un poco más apartado del murmullo se encontraba la carpa literaria curada por la revista la "Ciudad de Frente" donde desfilarían seis actos totalmente distintos pero con un mismo lazo de unión: la literatura.

Esta es una de las razones que hacen al Nrmal un festival diferente, pues lejos de buscar el reconocimiento y la popularidad, se preocupa por generar no sólo espacios donde la experiencia musical sea la única atracción, sino generar un  encuentro con propuestas no necesariamente jóvenes pero sí nuevas para oídos acostumbrados a las voces viejas.  La carpa literaria fue testigo de presentaciones como la de los "Poemas Perrones"  acompañados de sonidos electrónicos y bajos turbios. También ahí mismo se presentó "Extraños en el Tren", un proyecto donde los escracheos se hacen presentes al igual que las guitarras y los ritmos de computadora, haciendo del ambiente un agujero negro repleto de extrañesa y tormento.

A decir verdad, la propuesta del festival no sólo está en los escenarios pues se extiende por todo el territorio, ya que desde los señalamientos internos hasta los sanitarios son decorados con la imagen ya característica del festival, además de un pequeño tianguis donde bien se pueden encontrar artículos decorativos, fanzines, libros y mercancía oficial del festival y de los artistas participantes.

Otro de los entarimados que contó con mucha afluencia fue el escenario "Noisey", cuya curaduría corrió a cargo del canal de música de Vice, donde desfilaron actos como "Trillones", DJ originario de Mexicali quien tiene muy presente la situación actual que se vive en México y la música que emana de sus ensambles lo refleja perfectamente. También en ese mismo escenario pero en distinto horario se presentó "Kelela", una joven embellecida por su oscuro cabello y dueña de una boca que apaciguó a la ya encendida audiencia con una voz tan clara como la Luna. "Matías Aguayo x Mostro" fue uno de los actos con mejor respuesta pues tanto Matías como Mostro eran ya conocidos por el publico ahí reunido. Esta agrupación andrógina combinó de manera atinada los sonidos caribeños de Aguayo y las percusiones violentas y voces saturadas de Mostro.

La vitrina exponía al tiempo en el que reloj avanzaba proyectos de todas partes del mundo; Australia, Chile, Colombia, Estados Unidos, México y todas las naciones tanto abajo como arriba de los escenarios convivían de manera natural, sin altercados ni absurdos que interrumpieran la calma. Las balas dieron fuerza a una edad moderna.

El Nrmal es el gato de las siete vidas, es un perro de tres colas y un gallo con plumas de oro y garganta de plata. El Nrmal es el bueno.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

★ Written by The boy with the golden teeth. Photography by Jaime Fernandez @jaimefphoto 

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

elFANZINE

 

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

April 22, 2014 - No Comments!

★ JR X New York City Ballet | Portraying The Still Life Of Dancing

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

An anonymous artist that combines art, action and identity to make his fantastic representations available to ordinary people.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

nyc_ballet_art_series-

JR-NYC-Ballet-Art-Series-Paper-Interactions-18-2014-640x576

JR-NYC-Ballet-Art-Series-Paper-Interactions-16-2014-640x491

JR-NYC-Ballet-Art-Series-Paper-Interactions-15-2014-640x640

JR-NYC-Ballet-Art-Series-Paper-Interactions-14-2014-640x600

JR-NYC-Ballet-Art-Series-Paper-Interactions-12-2014-640x903

JR-NYC-Ballet-Art-Series-Paper-Interactions-10-2014-640x764

JR-NYC-Ballet-Art-Series-Paper-Interactions-8-2014-640x694

JR-NYC-Ballet-Art-Series-Paper-Interactions-4-2014-640x1066

JR-NYC-Ballet-Art-Series-Paper-Interactions-3-2014-640x951

JR-NYC-Ballet-Art-Series-Paper-Interactions-2-2014-640x464

[vimeo 84964751 w=100 h=338]

JR arranges dancers for new york city ballet art series from designboom on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

JR is a French filmmaker and photographer, renowned for his versatile projects and videos characterized by their strong interactions with people. He started as a graffiti artist at the age of 15, writing his name on the walls of the streets of Paris. He realized that the city was the best gallery he could ever find, given that he did not require the approval of someone else to exhibit his work. Today, having people react to his photographs is the key moment when JR feels his work becomes real.

He specializes in creating large-scale street photographs where he captures the true-self of women, men and children in their natural environments. His purpose is not to direct them, but to make sure that they reveal their own identity. The portraits are then pasted on walls, bridges, trains, and roofs, around the world. JR usually works using a 28 mm camera, an activity that requires his subject to be no more than a few inches from him.

Among his most famous projects are: “Face 2 Face”, a project about portraits of Israelis and Palestinians with the same occupations; “Women Are Heroes”, a set of street photographs of women who have been victims of war in Rio de Janeiro; and “The Inside Out Project”, a global proposal to share everyone’s portraits alongside a statement of what they stand for.

"I wish for you to stand up for what you care about by participating in a global art project, and together we'll turn the world...inside out." - JR

For the “2014 Art Series”, a collaboration with the New York City Ballet (NYCB), JR created an photographic artistic installation showing a gigantic eye made out of 80 ballet dancers arranged in different positions. The result of the project was a series of mesmerizing photographs in white that portray the dancers’ flexibility as well as their interaction with the paper and their surroundings. JR photographed groups of eight and ten dancers lying on the floor, who created varied forms with their bodies following the artist’s instructions. The set of photographs were on display at the David H. Koch Theater at Lincoln Center, in three especial dates: January 23rd, February 7th and February 13th.

“I realized that I couldn’t see the faces of the dancers [from the audience]. I couldn’t see their eyes, so I wanted to make them sculpt one.” - JR

For the spring of 2014, another collaboration with the New York City Ballet is being planned. This time, JR will direct an eight-minute ballet choreography for the stage. The project will also include the expertise of French musician Woodkid, the participation of 40 professional dancers of the NYCB and the dancer Lil Buck. Six performances will take place between April 29th and May 4th, simultaneously, the human eye will also be on display.

More information on JR here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

JR is a French filmmaker and photographer, renowned for his versatile projects and videos characterized by their strong interactions with people. He started as a graffiti artist at the age of 15, writing his name on the walls of the streets of Paris. He realized that the city was the best gallery he could ever find, given that he did not require the approval of someone else to exhibit his work. Today, having people react to his photographs is the key moment when JR feels his work becomes real.

He specializes in creating large-scale street photographs where he captures the true-self of women, men and children in their natural environments. His purpose is not to direct them, but to make sure that they reveal their own identity. The portraits are then pasted on walls, bridges, trains, and roofs, around the world. JR usually works using a 28 mm camera, an activity that requires his subject to be no more than a few inches from him.

Among his most famous projects are: “Face 2 Face”, a project about portraits of Israelis and Palestinians with the same occupations; “Women Are Heroes”, a set of street photographs of women who have been victims of war in Rio de Janeiro; and “The Inside Out Project”, a global proposal to share everyone’s portraits alongside a statement of what they stand for.

"I wish for you to stand up for what you care about by participating in a global art project, and together we'll turn the world...inside out." - JR

For the “2014 Art Series”, a collaboration with the New York City Ballet (NYCB), JR created an photographic artistic installation showing a gigantic eye made out of 80 ballet dancers arranged in different positions. The result of the project was a series of mesmerizing photographs in white that portray the dancers’ flexibility as well as their interaction with the paper and their surroundings. JR photographed groups of eight and ten dancers lying on the floor, who created varied forms with their bodies following the artist’s instructions. The set of photographs were on display at the David H. Koch Theater at Lincoln Center, in three especial dates: January 23rd, February 7th and February 13th.

“I realized that I couldn’t see the faces of the dancers [from the audience]. I couldn’t see their eyes, so I wanted to make them sculpt one.” - JR

For the spring of 2014, another collaboration with the New York City Ballet is being planned. This time, JR will direct an eight-minute ballet choreography for the stage. The project will also include the expertise of French musician Woodkid, the participation of 40 professional dancers of the NYCB and the dancer Lil Buck. Six performances will take place between April 29th and May 4th, simultaneously, the human eye will also be on display.

More information on JR here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

JR es un artista francés que combina arte, acción e identidad para crear magníficas creaciones visuales. Es conocido por sus versátiles proyectos y videos que se caracterizan por la inclusión de todo tipo de personas durante su producción. JR comenzó como un artista de graffiti a la edad de 15 años, tiempo en el que acostumbraba pintar su nombre en las paredes de las calles de París. Con el tiempo, se dio cuenta de que la ciudad era la mejor galería que podría imaginar, pues no necesitaba de la aprobación de alguien más para exhibir su trabajo. En la actualidad, el momento clave en el que JR siente que su trabajo verdaderamente se vuelve real, es cuando las personas ven y reaccionan ante sus imágenes.

JR se especializa en la creación de grandes fotografías callejeras donde captura la verdadera identidad de hombres, mujeres y niños en su espacio natural. El artista no dirige a sus modelos, simplemente se asegura de que éstos sean auténticos. Posteriormente, pega los retratos en paredes, puentes, trenes, y techos alrededor del mundo. JR normalmente trabaja con una cámara de 28 mm, una actividad que requiere que su modelo se sitúe a tan sólo unos centímetros de su lente.

Entre sus proyectos más reconocidos están: “Face 2 Face”, una serie de retratos de Israelíes y Palestinos con las mismas ocupaciones; “Women Are Heroes”, un conjunto de fotografías de mujeres víctimas de la guerra en Río de Janeiro; y “The Inside Out Project”, una propuesta global para compartir los retratos de gente de todas partes del mundo junto con una declaración que exprese una idea que defienden.

“Deseo que se levanten y defiendan lo que creen a través de su participación en un proyecto artístico global, de esa manera, haremos una diferencia en el mundo” - JR

Para el proyecto “2014 Art Series” en colaboración con el Ballet de la Ciudad de Nueva York, JR creó una instalación artística caracterizada por una fotografía gigante de un ojo que incluye 80 miembros de la compañía de danza situados en diferentes posiciones. El resultado del proyecto fue una serie de cautivadoras imágenes en blanco que representan la flexibilidad de los bailarines y su interacción con el papel y su entorno. JR fotografió grupos de ocho y diez bailarines recostados sobre el suelo, los cuales crearon diversas formas con sus cuerpos de acuerdo a las instrucciones del artista. El set de fotografías fueron expuestas en el David H. Koch Theater en el Lincoln Center, durante tres presentaciones especiales los días 23 de Enero, 7 y 13 de Febrero.

“Me di cuenta de que cuando estoy en una presentación de ballet, no puedo ver ni las caras ni los ojos de los bailarines, es por eso que quise que todos juntos formaran uno” –JR

Para la primavera del 2014, otra colaboración con el Ballet de la Ciudad de Nueva York se llevará a cabo. En esta ocasión, el artista JR dirigirá una coreografía de ballet con una duración de ocho minutos. El proyecto también incluirá la participación del músico francés Woodkid, 40 bailarines de la compañía y a Lil Buck. Seis presentaciones se llevarán a cabo entre el 29 de Abril y el 4 de Mayo; simultáneamente, la fotografía del ojo gigante también estará expuesta.

Más información sobre JR aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

JR es un artista francés que combina arte, acción e identidad para crear magníficas creaciones visuales. Es conocido por sus versátiles proyectos y videos que se caracterizan por la inclusión de todo tipo de personas durante su producción. JR comenzó como un artista de graffiti a la edad de 15 años, tiempo en el que acostumbraba pintar su nombre en las paredes de las calles de París. Con el tiempo, se dio cuenta de que la ciudad era la mejor galería que podría imaginar, pues no necesitaba de la aprobación de alguien más para exhibir su trabajo. En la actualidad, el momento clave en el que JR siente que su trabajo verdaderamente se vuelve real, es cuando las personas ven y reaccionan ante sus imágenes.

JR se especializa en la creación de grandes fotografías callejeras donde captura la verdadera identidad de hombres, mujeres y niños en su espacio natural. El artista no dirige a sus modelos, simplemente se asegura de que éstos sean auténticos. Posteriormente, pega los retratos en paredes, puentes, trenes, y techos alrededor del mundo. JR normalmente trabaja con una cámara de 28 mm, una actividad que requiere que su modelo se sitúe a tan sólo unos centímetros de su lente.

Entre sus proyectos más reconocidos están: “Face 2 Face”, una serie de retratos de Israelíes y Palestinos con las mismas ocupaciones; “Women Are Heroes”, un conjunto de fotografías de mujeres víctimas de la guerra en Río de Janeiro; y “The Inside Out Project”, una propuesta global para compartir los retratos de gente de todas partes del mundo junto con una declaración que exprese una idea que defienden.

“Deseo que se levanten y defiendan lo que creen a través de su participación en un proyecto artístico global, de esa manera, haremos una diferencia en el mundo” - JR

Para el proyecto “2014 Art Series” en colaboración con el Ballet de la Ciudad de Nueva York, JR creó una instalación artística caracterizada por una fotografía gigante de un ojo que incluye 80 miembros de la compañía de danza situados en diferentes posiciones. El resultado del proyecto fue una serie de cautivadoras imágenes en blanco que representan la flexibilidad de los bailarines y su interacción con el papel y su entorno. JR fotografió grupos de ocho y diez bailarines recostados sobre el suelo, los cuales crearon diversas formas con sus cuerpos de acuerdo a las instrucciones del artista. El set de fotografías fueron expuestas en el David H. Koch Theater en el Lincoln Center, durante tres presentaciones especiales los días 23 de Enero, 7 y 13 de Febrero.

“Me di cuenta de que cuando estoy en una presentación de ballet, no puedo ver ni las caras ni los ojos de los bailarines, es por eso que quise que todos juntos formaran uno” –JR

Para la primavera del 2014, otra colaboración con el Ballet de la Ciudad de Nueva York se llevará a cabo. En esta ocasión, el artista JR dirigirá una coreografía de ballet con una duración de ocho minutos. El proyecto también incluirá la participación del músico francés Woodkid, 40 bailarines de la compañía y a Lil Buck. Seis presentaciones se llevarán a cabo entre el 29 de Abril y el 4 de Mayo; simultáneamente, la fotografía del ojo gigante también estará expuesta.

Más información sobre JR aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

★ By Dalia Vasquez

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

April 10, 2014 - No Comments!

★ Heather Hansen (US) | When The Body Becomes A Painting Brush

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Dance and movement are brought together in this series of artworks produced by this American artist.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

heather

heather6

heather3

heather4

heather3

[vimeo 75185969 w=100 h=338]

Heather Hansen – Emptied Gestures from Heather Hansen on Vimeo.

[vimeo 85761919 w=100 h=338]

Emptied Gestures - Grand Isle from Heather Hansen on Vimeo.

[vimeo 89613103 w=100 h=338]

Heather Hansen live at Ochi Gallery from Heather Hansen on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Currently based in New Orleans and Paris, Heather Hansen is a performance artist with a strong passion for discovering new worlds, artists and techniques. Her constant eagerness to create something different and aesthetic has taken her body to become her own tool for illustration.

In her work, Heather combines her dancing education with her desire to express her feelings and thoughts through the art of drawing. For her, the blending of these two elements is the only way to avoid the inflexibility and isolation that can disturb the creative process of an artist.

In her latest exhibition “Emptied Gestures”, she immerses herself in a huge canvas, realising her energy by moving her limbs and entire body in a rhythmic manner on the white surface. Hansen starts her artworks by carefully tracing the drawing with charcoals or pastels. After, she steps into the painting spreading the colour and transforming the lines into heavy and striking patterns of forms. Her movements are always graceful, repetitive and symmetrical.

The idea of generating dynamic artworks with her own body came to her mind one day at the beach while practicing ballet exercises. She discovered the shapes she had left on the sand and thought about reproducing them on a canvas. While performing and painting, Heather’s mind wanders allowing her to concentrate on her breathing and on her opportunity to improvise.

More information on Heather Hansen here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Currently based in New Orleans and Paris, Heather Hansen is a performance artist with a strong passion for discovering new worlds, artists and techniques. Her constant eagerness to create something different and aesthetic has taken her body to become her own tool for illustration.

In her work, Heather combines her dancing education with her desire to express her feelings and thoughts through the art of drawing. For her, the blending of these two elements is the only way to avoid the inflexibility and isolation that can disturb the creative process of an artist.

In her latest exhibition “Emptied Gestures”, she immerses herself in a huge canvas, realising her energy by moving her limbs and entire body in a rhythmic manner on the white surface. Hansen starts her artworks by carefully tracing the drawing with charcoals or pastels. After, she steps into the painting spreading the colour and transforming the lines into heavy and striking patterns of forms. Her movements are always graceful, repetitive and symmetrical.

The idea of generating dynamic artworks with her own body came to her mind one day at the beach while practicing ballet exercises. She discovered the shapes she had left on the sand and thought about reproducing them on a canvas. While performing and painting, Heather’s mind wanders allowing her to concentrate on her breathing and on her opportunity to improvise.

More information on Heather Hansen here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Heather Hansen es una artista y bailarina actualmente basada en Nueva Orleans y París que gracias a su constante interés por conocer nuevos mundos, artistas y técnicas, así como por su anhelo de crear obras innovadoras, ha llegado a convertir su cuerpo en su propia forma de expresión.

En su trabajo, Heather combina su entrenamiento en la danza con su deseo de expresar sus sentimientos y pensamientos a través del dibujo. Ella cree que la combinación de estos dos elementos es la única manera de prevenir la inflexibilidad y aislamiento que corren el riesgo de ensombrecer el proceso creativo de un artista.

En una de sus últimas exhibiciones “Emptied Gestures” (Gestos Vacíos), Heather se sumerge en el lienzo, liberando su energía a través del movimiento de sus extremidades y su cuerpo de una manera rítmica sobre la superficie blanca.

Hansen comienza la realización de sus obras delineando cuidadosamente el dibujo con la ayuda de gises o carboncillo. Posteriormente, se introduce en la pintura y esparce el color transformando las delicadas líneas en fuertes patrones de atractivas formas. Sus movimientos son siempre elegantes, repetitivos y simétricos.

La idea de generar pinturas dinámicas con su cuerpo vino a su mente un día mientras se encontraba en la playa haciendo ejercicios de ballet. Descubrió las formas que su cuerpo había dejado en la arena y comenzó a pensar en una manera de reproducirlas en un lienzo. Durante su proceso creativo, la mente de Heather se desconecta por un momento de la realidad y esto le permite concentrarse en su respiración y en su oportunidad de improvisar.

Más información sobre Heather Hansen aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Heather Hansen es una artista y bailarina actualmente basada en Nueva Orleans y París que gracias a su constante interés por conocer nuevos mundos, artistas y técnicas, así como por su anhelo de crear obras innovadoras, ha llegado a convertir su cuerpo en su propia forma de expresión.

En su trabajo, Heather combina su entrenamiento en la danza con su deseo de expresar sus sentimientos y pensamientos a través del dibujo. Ella cree que la combinación de estos dos elementos es la única manera de prevenir la inflexibilidad y aislamiento que corren el riesgo de ensombrecer el proceso creativo de un artista.

En una de sus últimas exhibiciones “Emptied Gestures” (Gestos Vacíos), Heather se sumerge en el lienzo, liberando su energía a través del movimiento de sus extremidades y su cuerpo de una manera rítmica sobre la superficie blanca.

Hansen comienza la realización de sus obras delineando cuidadosamente el dibujo con la ayuda de gises o carboncillo. Posteriormente, se introduce en la pintura y esparce el color transformando las delicadas líneas en fuertes patrones de atractivas formas. Sus movimientos son siempre elegantes, repetitivos y simétricos.

La idea de generar pinturas dinámicas con su cuerpo vino a su mente un día mientras se encontraba en la playa haciendo ejercicios de ballet. Descubrió las formas que su cuerpo había dejado en la arena y comenzó a pensar en una manera de reproducirlas en un lienzo. Durante su proceso creativo, la mente de Heather se desconecta por un momento de la realidad y esto le permite concentrarse en su respiración y en su oportunidad de improvisar.

Más información sobre Heather Hansen aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

★ By Dalia Vasquez

 

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

April 3, 2014 - No Comments!

★ Mart Aire (AR) | Street Art’s Joie De Vivre

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

An urban artist from Buenos Aires regarded today as one important member of the first generation of graffiti art that arose in Argentina in the 1990’s.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Mart Aire87

Mart Aire5

Mart Aire4

Mart Aire11

Mart Aire1355

[vimeo 78363670 w=100 h=338]

Mart Aire en Pachuca México from Arca México on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Mart Aire’s childhood and teenager's street experiences with friends and family were the main triggers for his inclination and interest towards urban art. He and his friends were delinquents, so he realized that painting was a good way to stay away from that.

He started as a graffiti writer and began painting his name on buildings at the early age of 12. Since then, his self-thought artistic skills and talent have evolved and transformed into a truly creative way of expression.

Throughout his career, improvisation and experimentation have been key elements in his portrayal. He likes to depict magical worlds and fantastic stories with strange characters. His latest works are characterized by playful figurative subjects, representing, through a unique and skillful ability to use aerosol, slender people on bicycles or pirates. His extraordinary use of color is distinguishable.

Mart expects to beautify the city landscape by creating colorful and original mural paintings. His designs are fluid and full of life and are intended to awaken feelings of happiness and joy in people. He sees street art as a mean to positively influence society. He wants children to realize that they can do whatever they like and still have a comfortable and happy life.

During his trajectory, Mart has become an international artist and an emblematic artistic figure in Palermo, his home neighborhood.

 More information on Mart Aire here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Mart Aire’s childhood and teenager's street experiences with friends and family were the main triggers for his inclination and interest towards urban art. He and his friends were delinquents, so he realized that painting was a good way to stay away from that.

He started as a graffiti writer and began painting his name on buildings at the early age of 12. Since then, his self-thought artistic skills and talent have evolved and transformed into a truly creative way of expression.

Throughout his career, improvisation and experimentation have been key elements in his portrayal. He likes to depict magical worlds and fantastic stories with strange characters. His latest works are characterized by playful figurative subjects, representing, through a unique and skillful ability to use aerosol, slender people on bicycles or pirates. His extraordinary use of color is distinguishable.

Mart expects to beautify the city landscape by creating colorful and original mural paintings. His designs are fluid and full of life and are intended to awaken feelings of happiness and joy in people. He sees street art as a mean to positively influence society. He wants children to realize that they can do whatever they like and still have a comfortable and happy life.

During his trajectory, Mart has become an international artist and an emblematic artistic figure in Palermo, his home neighborhood.

 More information on Mart Aire here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Mart Aire es un artista urbano de Buenos Aires considerado hoy en día un miembro importante de la primera generación de graffiteros que surgió en Argentina durante los años 90’s.

Su infancia y adolescencia están impregnadas por un gran número de experiencias con su familia y amigos, y fueron éstas las principales razones por las que nació su interés hacia el arte de la calle. Él y sus amigos solían ser delincuentes, por lo que encontró en el arte una buena oportunidad para alejarse de dichas costumbres.

A la edad de 12 años comienza a pintar en edificios, iniciando con la representación de su nombre en estilo graffiti. Desde entonces, sus habilidades artísticas autodidactas han evolucionado hasta convertirse en verdaderas vías de expresiones creativas.

A lo largo de su carrera, la improvisación y la experimentación han sido elementos clave en su trabajo. Disfruta representar mundos mágicos e historias fantásticas con personajes extraños. Sus últimos trabajos muestran seres figurativos en bicicletas o piratas a través de un excepcional uso del aerosol. Sus obras se caracterizan por su extraordinario color.

Mart busca embellecer el aspecto de una ciudad creando murales coloridos y muy originales. Sus diseños están llenos de vida y fluidez y son creados con la intención de dar lugar a sentimientos de felicidad en las personas. Él ve el arte urbano como un medio para influenciar positivamente a la sociedad. Desea que los niños se den cuenta de que puedan hacer lo que quieran y aún así vivir de una manera tranquila y feliz.

Durante su trayectoria, Mart se ha convertido en un artista internacional y una figura emblemática en su barrio de origen, Palermo.

Más información sobre Mart Aire aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Mart Aire es un artista urbano de Buenos Aires considerado hoy en día un miembro importante de la primera generación de graffiteros que surgió en Argentina durante los años 90’s.

Su infancia y adolescencia están impregnadas por un gran número de experiencias con su familia y amigos, y fueron éstas las principales razones por las que nació su interés hacia el arte de la calle. Él y sus amigos solían ser delincuentes, por lo que encontró en el arte una buena oportunidad para alejarse de dichas costumbres.

A la edad de 12 años comienza a pintar en edificios, iniciando con la representación de su nombre en estilo graffiti. Desde entonces, sus habilidades artísticas autodidactas han evolucionado hasta convertirse en verdaderas vías de expresiones creativas.

A lo largo de su carrera, la improvisación y la experimentación han sido elementos clave en su trabajo. Disfruta representar mundos mágicos e historias fantásticas con personajes extraños. Sus últimos trabajos muestran seres figurativos en bicicletas o piratas a través de un excepcional uso del aerosol. Sus obras se caracterizan por su extraordinario color.

Mart busca embellecer el aspecto de una ciudad creando murales coloridos y muy originales. Sus diseños están llenos de vida y fluidez y son creados con la intención de dar lugar a sentimientos de felicidad en las personas. Él ve el arte urbano como un medio para influenciar positivamente a la sociedad. Desea que los niños se den cuenta de que puedan hacer lo que quieran y aún así vivir de una manera tranquila y feliz.

Durante su trayectoria, Mart se ha convertido en un artista internacional y una figura emblemática en su barrio de origen, Palermo.

Más información sobre Mart Aire aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

★ By Dalia Vasquez

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

April 2, 2014 - No Comments!

★Aerosyn-Lex Mestrovic X Diplo & Channel 4

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

An award-winner designer and artist known for his singular calligraphy style, who discovered the amazing journey of directing a video alongside an excellent production team.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Lex

Lex2

Lex3

Lex4

Lex5

[vimeo 77675378 w=100 h=338]

◢◢◢ SCRIPTURA VITAE † A film by Aerosyn-Lex Mestrovic | Music by Diplo ◣◣◣ from Aerosyn-Lex Mestrovic on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

“Write your words as if your blood was your only ink. Trust your instincts. Make marks with conviction and purpose. And remember, your achievements will betray you, your ambitions will not.”  

- Aerosyn-Lex Mestrovic

Born in Buenos Aires, Argentina, and currently based in New York city, Aerosyn-Lex Mestrovic is a designer, calligrapher and creative director of Earnest Endeavours, a London-based artistic label, and of The Keystone Design Union, a society committed to the development of established and emergent artists, designers, writers, professors, curators, and other creative professionals.

Aerosyn-Lex’s interest in writing and language appeared as a child, after he attended his first calligraphy class during a summer course. As an adolescent he experimented with graffiti writing. Later on, he traveled to Japan to study at Pratt Institute and Temple University.

His time in Asia was a short but crucial experience in his life; he developed and improved his skills in Japanese calligraphy under the teaching of Yukia Kondo, a master in this art. Today, Mestrovic’s work is with no doubt aesthetically influenced by this kind of language representation.

Throughout his career, Aerosyn-Lex has collaborated with different characters and brands, like Kanye West, Jeff Koons, Nike, and Italian fashion house Kenzo. In 2013 he directed his first short-film, “Scriptura Vitae”, which turned out to be an impressive broad collaboration with distinct creative companies and personages.

Scriptura Vitae” was commissioned by Protein for UK’s Channel 4 as part of the Random Acts segment, which launches daily videos in order to promote young artistic talent. It features two contemporary performers: Japanese actress Miho Nikaido and dancer Maki Shinagawa. The visual effects and motion graphics were conducted by the creative agency Fake Love. The soundtrack was produced by Diplo, a Los Angeles-based composer and DJ; by British producer ACTRESS; and by the electronic duo Plaitum. Finally, the sound-design team LISTEN put everything together in an original score.

Aerosyn-Lex’s video is a visual manifestation of communication. It involves music, movement, traditional Butoh Japanese dancing, symbolism, and calligraphy. Although initially it was intended to be a much simpler project that featured the artist creating calligraphic works in his studio, the eagerness to challenge himself made Mestrovic achieve a truly mysterious, rhythmic and surreal film.

Through the harmonious performers' body contortions that mirrored the calligraphy strokes ritualistically written by the artist, Aerosyn-Lex expressed the intimate relation between an artist and an artwork, and therefore the duality in such relationship, a concept that can also be applied to the life and death duality in an individual’s existence. 

More information on Aerosyn-Lex Mestrovic here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

“Write your words as if your blood was your only ink. Trust your instincts. Make marks with conviction and purpose. And remember, your achievements will betray you, your ambitions will not.”  

- Aerosyn-Lex Mestrovic

Born in Buenos Aires, Argentina, and currently based in New York city, Aerosyn-Lex Mestrovic is a designer, calligrapher and creative director of Earnest Endeavours, a London-based artistic label, and of The Keystone Design Union, a society committed to the development of established and emergent artists, designers, writers, professors, curators, and other creative professionals.

Aerosyn-Lex’s interest in writing and language appeared as a child, after he attended his first calligraphy class during a summer course. As an adolescent he experimented with graffiti writing. Later on, he traveled to Japan to study at Pratt Institute and Temple University.

His time in Asia was a short but crucial experience in his life; he developed and improved his skills in Japanese calligraphy under the teaching of Yukia Kondo, a master in this art. Today, Mestrovic’s work is with no doubt aesthetically influenced by this kind of language representation.

Throughout his career, Aerosyn-Lex has collaborated with different characters and brands, like Kanye West, Jeff Koons, Nike, and Italian fashion house Kenzo. In 2013 he directed his first short-film, “Scriptura Vitae”, which turned out to be an impressive broad collaboration with distinct creative companies and personages.

Scriptura Vitae” was commissioned by Protein for UK’s Channel 4 as part of the Random Acts segment, which launches daily videos in order to promote young artistic talent. It features two contemporary performers: Japanese actress Miho Nikaido and dancer Maki Shinagawa. The visual effects and motion graphics were conducted by the creative agency Fake Love. The soundtrack was produced by Diplo, a Los Angeles-based composer and DJ; by British producer ACTRESS; and by the electronic duo Plaitum. Finally, the sound-design team LISTEN put everything together in an original score.

Aerosyn-Lex’s video is a visual manifestation of communication. It involves music, movement, traditional Butoh Japanese dancing, symbolism, and calligraphy. Although initially it was intended to be a much simpler project that featured the artist creating calligraphic works in his studio, the eagerness to challenge himself made Mestrovic achieve a truly mysterious, rhythmic and surreal film.

Through the harmonious performers' body contortions that mirrored the calligraphy strokes ritualistically written by the artist, Aerosyn-Lex expressed the intimate relation between an artist and an artwork, and therefore the duality in such relationship, a concept that can also be applied to the life and death duality in an individual’s existence. 

More information on Aerosyn-Lex Mestrovic here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

"Escribe tus palabras como si tu sangre fuera tu única tinta. Confía en tus instintos. Haz tu trabajo con convicción y propósito. Y recuerda, tus logros pueden traicionarte, pero tus ambiciones nunca lo harán"

- Aerosyn-Lex Mestrovic

Aerosyn-Lex Mestrovic es un diseñador y artista originario de Buenos Aires, Argentin, reconocido por su particular caligrafía que caracteriza a sus obras gráficas. En la actualidad reside en Nueva York y es el director creativo de las empresas Earnest Endeavours y The Keystone Design Union, una sociedad comprometida con el desarrollo y divulgación de creativos tanto emergentes como con una larga trayectoria.

El interés de Aerosyn-Lex por la escritura y el lenguaje inició durante su infancia, al término de su primera clase de caligrafía durante un curso de verano. Siendo un adolescente realizó trabajos de escritura graffiti y como adulto, viajó a Japón para estudiar en el Instituto Pratt y la Universidad Temple.

Su estancia en Asia fue corta pero sin lugar a dudas primordial durante su desarrollo como artista; tuvo la oportunidad de mejorar sus habilidades de caligrafía japonesa bajo la enseñanza de una experta en dicho arte, Yukia Kondo. Hoy en día, es evidente la gran influencia estética y visual de este tipo de lenguaje en las obras de Aerosyn-Lex.

A lo largo de su carrera, Mestrovic ha colaborado con diversas marcas y artistas profesionales, como Kanye West, Jeff Koons, Nike, y Kenzo. En 2013, la producción de su primer video, "Scriptura Vitae", requirió la participación de diversos personajes artísticos, dando como resultado un trabajo colaborativo inigualable. 

"Scriptura Vitae" fue comisionado por Protein para el Canal 4 del Reino Unido como parte del segmento creativo Random Acts (Actos Aleatorios), el cual se dedica a promover el nuevo talento a través de diversos videos. Cuenta con la participación de la actriz japonesa Miho Nikaido y la bailarina Maki Shinagawa. Los efectos visuales y gráficos fueron llevados a cabo por la agencia creativa Fake Love. La música fue producida por Diplo, un compositor y DJ de Los Ángeles; por el productor inglés ACTRESS; y por el dúo de música eletrónica Plaitum. Finalmente, el equipo de sonido LISTEN reunió todas las piezas y creó una banda sonora sumamente original.

El video de Aerosyn-Lex es una manifestación artística y visual de la comunicación. Música, movimiento, el baile tradicional japonés Buth, simbolismo y caligrafía, son elementos que se mezclan para dar lugar a una gran composición. Inicialmente, el proyecto se tenía pensado como algo mucho más simple, un video en el que se contemplara a Aerosyn-Lex realizando trabajos de caligrafía en su estudio. Sin embargo, su interés por los desafíos, hicieron que Mestrovic lograra una producción misteriosa, rítmica y totalmente surrealista.

A través de armoniosas contorsiones del cuerpo humano, las cuales fungen como reflejo de los trazos tipográficos del artista, Aerosyn-Lex expresó la intimidad que existe entre un creativo y la obra de arte, y por lo tanto su dualidad, un concepto que igualmente puede ser transferido a la dualidad de la vida y la muerte en la existencia de una persona.

Más información sobre Aerosyn-Lex Mestrovic aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

"Escribe tus palabras como si tu sangre fuera tu única tinta. Confía en tus instintos. Haz tu trabajo con convicción y propósito. Y recuerda, tus logros pueden traicionarte, pero tus ambiciones nunca lo harán"

- Aerosyn-Lex Mestrovic

Aerosyn-Lex Mestrovic es un diseñador y artista originario de Buenos Aires, Argentin, reconocido por su particular caligrafía que caracteriza a sus obras gráficas. En la actualidad reside en Nueva York y es el director creativo de las empresas Earnest Endeavours y The Keystone Design Union, una sociedad comprometida con el desarrollo y divulgación de creativos tanto emergentes como con una larga trayectoria.

El interés de Aerosyn-Lex por la escritura y el lenguaje inició durante su infancia, al término de su primera clase de caligrafía durante un curso de verano. Siendo un adolescente realizó trabajos de escritura graffiti y como adulto, viajó a Japón para estudiar en el Instituto Pratt y la Universidad Temple.

Su estancia en Asia fue corta pero sin lugar a dudas primordial durante su desarrollo como artista; tuvo la oportunidad de mejorar sus habilidades de caligrafía japonesa bajo la enseñanza de una experta en dicho arte, Yukia Kondo. Hoy en día, es evidente la gran influencia estética y visual de este tipo de lenguaje en las obras de Aerosyn-Lex.

A lo largo de su carrera, Mestrovic ha colaborado con diversas marcas y artistas profesionales, como Kanye West, Jeff Koons, Nike, y Kenzo. En 2013, la producción de su primer video, "Scriptura Vitae", requirió la participación de diversos personajes artísticos, dando como resultado un trabajo colaborativo inigualable. 

"Scriptura Vitae" fue comisionado por Protein para el Canal 4 del Reino Unido como parte del segmento creativo Random Acts (Actos Aleatorios), el cual se dedica a promover el nuevo talento a través de diversos videos. Cuenta con la participación de la actriz japonesa Miho Nikaido y la bailarina Maki Shinagawa. Los efectos visuales y gráficos fueron llevados a cabo por la agencia creativa Fake Love. La música fue producida por Diplo, un compositor y DJ de Los Ángeles; por el productor inglés ACTRESS; y por el dúo de música eletrónica Plaitum. Finalmente, el equipo de sonido LISTEN reunió todas las piezas y creó una banda sonora sumamente original.

El video de Aerosyn-Lex es una manifestación artística y visual de la comunicación. Música, movimiento, el baile tradicional japonés Buth, simbolismo y caligrafía, son elementos que se mezclan para dar lugar a una gran composición. Inicialmente, el proyecto se tenía pensado como algo mucho más simple, un video en el que se contemplara a Aerosyn-Lex realizando trabajos de caligrafía en su estudio. Sin embargo, su interés por los desafíos, hicieron que Mestrovic lograra una producción misteriosa, rítmica y totalmente surrealista.

A través de armoniosas contorsiones del cuerpo humano, las cuales fungen como reflejo de los trazos tipográficos del artista, Aerosyn-Lex expresó la intimidad que existe entre un creativo y la obra de arte, y por lo tanto su dualidad, un concepto que igualmente puede ser transferido a la dualidad de la vida y la muerte en la existencia de una persona.

Más información sobre Aerosyn-Lex Mestrovic aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

★ By Dalia Vasquez

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

March 21, 2014 - No Comments!

★ Andy Warhol And The Velvet Underground | When Rock Became Visual

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

The Velvet Underground and The Exploding Plastic Inevitable of Andy Warhol.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

The_Velvet_Underground-The_Velvet_Underground_y_Nico-Frontal

Coca-Cola-Art_Warhol4

Velvet-Underground-the-velvet-underground-25380927-564-799

a1967-warhol-velvet-underground

tumblr_msdd082w5d1sv2ktho1_1280

screen_shot_2012-05-01_at_22312_pm1335897730190

The+Velvet+Underground+bitmapingrafik13

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=fEyg4MnLIy4]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

It was 1965 in the fading and decadent city of New York, where phony artists were getting along with true art in an easier and more insolent way than the hippies in San Francisco. The town was a laboratory of endless expression that proved to be a dramatic and subversive change for American culture; among other things, there was the epic club Max's Kansas City, a gathering spot for pretentious and authentic alike artists; The Factory, Andys Warhol's studio and meeting point for him and his snob followers; the avant-garde designs of American artist La Monte Young, the experimental cinema of Jonas Mekas, as well as the creations of Jack Kerouac, Burroughs and Allen Ginsberg.

But something was missing, a portrayal of the realism and decay with all the commotion and horror of New York streets. Someone who exposed what no one else dared to portray or touch.

We all know how things went. A new rebellious group of artists and composers who transformed and influenced popular music of the time was born. We are talking about characters like Lou Reed and his rough rock and roll sound as a portrayal of prostitution, sex, drugs and perversion of the streets, and his incredible collaboration with the avant-garde style of John Cale; the blues of Sterling Morrison, the androgynous looks and the monotonous style of Maureen Tucker; and Andy Warhol and his idea of including cold singer Nico into his art, to mention just a few.

The Exploding Plastic Inevitable: when rock became casual

It was not secret that the experimental movies of Andy Warhol were receiving an almost non-existing response from the public. It was because of this, that he wished to combine his movies (with a substantial amount performance, lights and visual elements) with the sound of a rock band. This collaborative audiovisual idea had never been put into practice before and it was called first Andy Warhol Up-Tight (with actress Edie Sedgwick in the foreground) and later The Exploding Plastic Inevitable.

Thanks to their cacophonic and crude style, The Velvet Underground came to Gerard Malanga and Barbara Rubin’s attention. They were members of The Factory and they let Andy know about the group’s incomparable sound and scheduled an encounter that took place in Café Bizarre in 1965. This was the turning point where the alliance between Warhol and The Velvets established. The Factory became the rehearsal studio and Andy the creator and pioneer of audiovisual performances.

Live and full of amphetamines, The Exploding Plastic Inevitable located The Velvet Underground playing with their backs to the public in a high volume beyond imagination. They all wore black and dark glasses, being Nico the visual focus, the one that represented beauty and did not match with the horror taking place in the scenario: the resonant chaos, the visual transgression of Andy’s movies combined with multicolor projections by Danny Williams and performances by Gerard Malanga and others, that placed them laying on the floor and simulating a heroin pinch, while Lou Reed sang a song of the same name, or simulating a sadomasochistic lashing in “Venus In Furs”.

“You were shocked because sometimes your imagination wasn´t strong enough to imagine people shooting up on stage, being crucified and licking boots” (Ronnie Cutrone) 

“The Velvets played so loud and crazy I couldn´t even begin to guess the decibels, and there were images projected everywhere” (Andy Warhol)

The Exploding Plastic Inevitable included up to 12 members and took place between 1966 and mid-1967, when the partnership between Andy and The Velvet Underground & Nico ended. His legacy was the starting point (next to the first project of Pink Floyd with Syd Barrett in England) of audiovisual performance with a transgressor show, and as a result it was one of the most important albums of all times.

After this, music and popular culture were never the same.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

It was 1965 in the fading and decadent city of New York, where phony artists were getting along with true art in an easier and more insolent way than the hippies in San Francisco. The town was a laboratory of endless expression that proved to be a dramatic and subversive change for American culture; among other things, there was the epic club Max's Kansas City, a gathering spot for pretentious and authentic alike artists; The Factory, Andys Warhol's studio and meeting point for him and his snob followers; the avant-garde designs of American artist La Monte Young, the experimental cinema of Jonas Mekas, as well as the creations of Jack Kerouac, Burroughs and Allen Ginsberg.

But something was missing, a portrayal of the realism and decay with all the commotion and horror of New York streets. Someone who exposed what no one else dared to portray or touch.

We all know how things went. A new rebellious group of artists and composers who transformed and influenced popular music of the time was born. We are talking about characters like Lou Reed and his rough rock and roll sound as a portrayal of prostitution, sex, drugs and perversion of the streets, and his incredible collaboration with the avant-garde style of John Cale; the blues of Sterling Morrison, the androgynous looks and the monotonous style of Maureen Tucker; and Andy Warhol and his idea of including cold singer Nico into his art, to mention just a few.

The Exploding Plastic Inevitable: when rock became casual

It was not secret that the experimental movies of Andy Warhol were receiving an almost non-existing response from the public. It was because of this, that he wished to combine his movies (with a substantial amount performance, lights and visual elements) with the sound of a rock band. This collaborative audiovisual idea had never been put into practice before and it was called first Andy Warhol Up-Tight (with actress Edie Sedgwick in the foreground) and later The Exploding Plastic Inevitable.

Thanks to their cacophonic and crude style, The Velvet Underground came to Gerard Malanga and Barbara Rubin’s attention. They were members of The Factory and they let Andy know about the group’s incomparable sound and scheduled an encounter that took place in Café Bizarre in 1965. This was the turning point where the alliance between Warhol and The Velvets established. The Factory became the rehearsal studio and Andy the creator and pioneer of audiovisual performances.

Live and full of amphetamines, The Exploding Plastic Inevitable located The Velvet Underground playing with their backs to the public in a high volume beyond imagination. They all wore black and dark glasses, being Nico the visual focus, the one that represented beauty and did not match with the horror taking place in the scenario: the resonant chaos, the visual transgression of Andy’s movies combined with multicolor projections by Danny Williams and performances by Gerard Malanga and others, that placed them laying on the floor and simulating a heroin pinch, while Lou Reed sang a song of the same name, or simulating a sadomasochistic lashing in “Venus In Furs”.

“You were shocked because sometimes your imagination wasn´t strong enough to imagine people shooting up on stage, being crucified and licking boots” (Ronnie Cutrone) 

“The Velvets played so loud and crazy I couldn´t even begin to guess the decibels, and there were images projected everywhere” (Andy Warhol)

The Exploding Plastic Inevitable included up to 12 members and took place between 1966 and mid-1967, when the partnership between Andy and The Velvet Underground & Nico ended. His legacy was the starting point (next to the first project of Pink Floyd with Syd Barrett in England) of audiovisual performance with a transgressor show, and as a result it was one of the most important albums of all times.

After this, music and popular culture were never the same.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

El año era 1965 en la gris y decadente ciudad de Nueva York donde la pretensión y los farsantes congeniaban con el arte verdadero y los genios aún con más descaro que los hippies en San Francisco. Nueva York era un laboratorio de expresión. Entre muchos otros factores: el mítico club, Max´s Kansas City – el punto de encuentro de pretensiosos y auténticos – The Factory de Andy Warhol y su séquito esnob, el avant-garde de La Monte Young, el cine experimental de Jonas Mekas así como las plumas de Kerouac, Burroughs y Ginsberg, fueron los encargados de brindar un cambio contracultural y subversivo en la cultura estadounidense.

Pero faltaba un reflector del realismo y decadencia neoyorkina que mezclara el ruido y el horror de sus calles con poesía; algo que viniera de abajo y que retratara lo que nadie se atrevía a retratar y a tocar.

La historia la conocemos todos: Lou Reed con su rock n' roll crudo y poesía ultra realista como retrato de la prostitución, el sexo, las drogas y la perversión en las calles mezclado con el avant-garde y la viola de John Cale. Y sí a eso le sumamos las seis cuerdas tan arraigadas en lo más crudo del blues de Sterling Morrison, la estética andrógina y el estilo monótono en las percusiones de Maureen Tucker y mas tarde y a petición de Warhol, la inclusión de la belleza y frialdad de un tesoro teutón llamado Nico, obtenemos como resultado al grupo más irreverente, auténtico e influyente en la historia de la música popular (lo siento Beatle-maníacos).

The Exploding Plastic Inevitable: cuando el rock se volvió visual. 

Debido al poco o nulo reconocimiento mediático que sus películas experimentales recibían, Andy Warhol buscaba entrar al mundo del rock n´roll para obtener mayor exposición comercial al crear un show multimedia en el que tanto el performance, las luces y sus películas como elementos visuales, se mezclaran con el sonido de una banda de rock en un concepto audiovisual nunca antes visto llamado en un principio Andy Warhol Up-Tight (con Edie Sedgwick en la primera alineación) y más tarde, The Exploding Plastic Inevitable.

La estética e inigualable sonido cacofónico y crudo de The Velvet Underground fue suficiente para que Gerard Malanga y Barbara Rubin – miembros en The Factory – dieran aviso a Andy Warhol sobre este grupo de inadaptados con un sonido inigualable. El mítico encuentro de The Velvets con Warhol se dio a finales de 1965 en el Café Bizarre. Después de escuchar una parte del set de Lou Reed y compañía, la alianza quedaría firmada, The Factory se convertiría en los cuarteles de ensayo y Warhol en el curador de un proyecto que sentaría las bases de la teatralidad audiovisual en el rock.

En vivo y en anfetaminas The Exploding Plastic Inevitable incluía a The Velvet Underground inmersos en estrobos, tocando generalmente de espaldas al público, a decibeles que serían penalizados actualmente, vestidos de negro, con lentes oscuros desiguales a Nico que fungía como arquetipo de todo lo bello y que contrastaba con el horror que se percibía en el escenario: el caos sonoro con la transgresión visual que incluía películas de Warhol de fondo empalmadas con proyecciones multicolores a cargo de Danny Williams y performances de Gerard Malanga y compañía en el escenario, tirados en el piso simulando un pinchazo de heroína en lo que Lou Reed cantaba la canción del mismo nombre o una simulación sadomasoquista con látigo en “Venus In Furs”.

“You were shocked because sometimes your imagination wasn´t strong enough to imagine people shooting up on stage, being crucified and licking boots” (Ronnie Cutrone) 

“The Velvets played so loud and crazy I couldn´t even begin to guess the decibels, and there were images projected everywhere” (Andy Warhol)

The Exploding Plastic Inevitable llegó a contar con hasta 12 miembros y su duración abarcaría de 1966 a mediados de 1967 hasta que la alianza Warhol - The Velvet Underground & Nico terminara. Su legado: sentaría las bases (al lado de la primera gestación de Pink Floyd con Syd Barrett en Inglaterra) de la teatralidad audiovisual en la música con un espectáculo transgresor para la audiencia así como la construcción del disco más importante de todos los tiempos.

Después de esto, la música y la cultura popular no serían las mismas.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

El año era 1965 en la gris y decadente ciudad de Nueva York donde la pretensión y los farsantes congeniaban con el arte verdadero y los genios aún con más descaro que los hippies en San Francisco. Nueva York era un laboratorio de expresión. Entre muchos otros factores: el mítico club, Max´s Kansas City – el punto de encuentro de pretensiosos y auténticos – The Factory de Andy Warhol y su séquito esnob, el avant-garde de La Monte Young, el cine experimental de Jonas Mekas así como las plumas de Kerouac, Burroughs y Ginsberg, fueron los encargados de brindar un cambio contracultural y subversivo en la cultura estadounidense.

Pero faltaba un reflector del realismo y decadencia neoyorkina que mezclara el ruido y el horror de sus calles con poesía; algo que viniera de abajo y que retratara lo que nadie se atrevía a retratar y a tocar.

La historia la conocemos todos: Lou Reed con su rock n' roll crudo y poesía ultra realista como retrato de la prostitución, el sexo, las drogas y la perversión en las calles mezclado con el avant-garde y la viola de John Cale. Y sí a eso le sumamos las seis cuerdas tan arraigadas en lo más crudo del blues de Sterling Morrison, la estética andrógina y el estilo monótono en las percusiones de Maureen Tucker y mas tarde y a petición de Warhol, la inclusión de la belleza y frialdad de un tesoro teutón llamado Nico, obtenemos como resultado al grupo más irreverente, auténtico e influyente en la historia de la música popular (lo siento Beatle-maníacos).

The Exploding Plastic Inevitable: cuando el rock se volvió visual. 

Debido al poco o nulo reconocimiento mediático que sus películas experimentales recibían, Andy Warhol buscaba entrar al mundo del rock n´roll para obtener mayor exposición comercial al crear un show multimedia en el que tanto el performance, las luces y sus películas como elementos visuales, se mezclaran con el sonido de una banda de rock en un concepto audiovisual nunca antes visto llamado en un principio Andy Warhol Up-Tight (con Edie Sedgwick en la primera alineación) y más tarde, The Exploding Plastic Inevitable.

La estética e inigualable sonido cacofónico y crudo de The Velvet Underground fue suficiente para que Gerard Malanga y Barbara Rubin – miembros en The Factory – dieran aviso a Andy Warhol sobre este grupo de inadaptados con un sonido inigualable. El mítico encuentro de The Velvets con Warhol se dio a finales de 1965 en el Café Bizarre. Después de escuchar una parte del set de Lou Reed y compañía, la alianza quedaría firmada, The Factory se convertiría en los cuarteles de ensayo y Warhol en el curador de un proyecto que sentaría las bases de la teatralidad audiovisual en el rock.

En vivo y en anfetaminas The Exploding Plastic Inevitable incluía a The Velvet Underground inmersos en estrobos, tocando generalmente de espaldas al público, a decibeles que serían penalizados actualmente, vestidos de negro, con lentes oscuros desiguales a Nico que fungía como arquetipo de todo lo bello y que contrastaba con el horror que se percibía en el escenario: el caos sonoro con la transgresión visual que incluía películas de Warhol de fondo empalmadas con proyecciones multicolores a cargo de Danny Williams y performances de Gerard Malanga y compañía en el escenario, tirados en el piso simulando un pinchazo de heroína en lo que Lou Reed cantaba la canción del mismo nombre o una simulación sadomasoquista con látigo en “Venus In Furs”.

“You were shocked because sometimes your imagination wasn´t strong enough to imagine people shooting up on stage, being crucified and licking boots” (Ronnie Cutrone) 

“The Velvets played so loud and crazy I couldn´t even begin to guess the decibels, and there were images projected everywhere” (Andy Warhol)

The Exploding Plastic Inevitable llegó a contar con hasta 12 miembros y su duración abarcaría de 1966 a mediados de 1967 hasta que la alianza Warhol - The Velvet Underground & Nico terminara. Su legado: sentaría las bases (al lado de la primera gestación de Pink Floyd con Syd Barrett en Inglaterra) de la teatralidad audiovisual en la música con un espectáculo transgresor para la audiencia así como la construcción del disco más importante de todos los tiempos.

Después de esto, la música y la cultura popular no serían las mismas.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

★ Written by Alejandro De Luna González,  English edition by Dalia Vasquez

elFANZINE

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone
Top