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May 6, 2015 - No Comments!

★ C215 (FR) | Stencil Anonymity

French street artist Christian Guémy, also known as C215, travels around the world capturing wondrous close-up portraits of street people. Thanks to his extraordinary stencil expertise -developed since 2006- Guémy transforms the image of smokers, beggars, homeless and old-age people, refugees, and street kids, into authentically emotive works of art.

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April 15, 2015 - No Comments!

★ Miguel Jiron (USA) | Creator Of Living Illustrations

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Los Angeles-based director and animator Miguel Jiron produces eccentric animations characterized by an intriguing, complex and fantastic humor. As a storyboard artist at Illumination Entertainment, Jiron brings his peculiar characters to life taking elements from his Nicaraguan heritage and passion for telling stories.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text][vimeo 72922839 w=100 h=281]

LA-GAR-TO from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 52193530 w=100 h=281]

Sensory Overload (Interacting with Autism Project) from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 26404699 w=100 h=281]

Paint Showers from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 113247929 w=100 h=281]

Los Angeles Yule Log from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 123277319 w=100 h=501]

Virtual Reality Pornstar from Miguel Jiron on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in Baton Rouge, Louisiana to Nicaraguan parents, and currently based in Los Angeles, California, Miguel Jiron is a director and animator known for the eccentric and captivating style with which he creates his animated stories and gif images. He works as a storyboard artist at Illumination Entertainment and has a background as a painting assistant for Takashi Murakami in New York City and Tokyo. His illustrations have appeared in publications like National Geographic AdventureWorld Policy JournalResource Magazine, and Inside Counsel Magazine, among others.

Jiron's style is bold and filled with vibrant colors and fascinating sounds. His work is a disclosure of his deepest ideas transformed into extraordinary worlds characterized by great movement and energy. “La-Gar-To”, a story about a boy who travels to Nicaragua with his family and encounters a strident and frightening world occupied with iguanas, is an example of his dazzling talent to describe insightful scenes using imprecise hand-drawn lines, diverse hues of colors, appealing sounds, and multiple perspectives.

Other of Miguel Jiron’s most interesting projects are “Sensory Overload”, an animation produced for video-based website Interacting With Autism, in which he splendidly offers a glimpse of the harsh reality that children diagnosed with autism experience due to their heightened sensorial circumstances; and “Paint Showers”, an animated short depicting thunderstorms made out of drops of paint and complemented with genuine storm sounds.

More information on Miguel Jiron here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Born in Baton Rouge, Louisiana to Nicaraguan parents, and currently based in Los Angeles, California, Miguel Jiron is a director and animator known for the eccentric and captivating style with which he creates his animated stories and gif images. He works as a storyboard artist at Illumination Entertainment and has a background as a painting assistant for Takashi Murakami in New York City and Tokyo. His illustrations have appeared in publications like National Geographic AdventureWorld Policy JournalResource Magazine, and Inside Counsel Magazine, among others.

Jiron's style is bold and filled with vibrant colors and fascinating sounds. His work is a disclosure of his deepest ideas transformed into extraordinary worlds characterized by great movement and energy. “La-Gar-To”, a story about a boy who travels to Nicaragua with his family and encounters a strident and frightening world occupied with iguanas, is an example of his dazzling talent to describe insightful scenes using imprecise hand-drawn lines, diverse hues of colors, appealing sounds, and multiple perspectives.

Other of Miguel Jiron’s most interesting projects are “Sensory Overload”, an animation produced for video-based website Interacting With Autism, in which he splendidly offers a glimpse of the harsh reality that children diagnosed with autism experience due to their heightened sensorial circumstances; and “Paint Showers”, an animated short depicting thunderstorms made out of drops of paint and complemented with genuine storm sounds.

More information on Miguel Jiron here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Nacido en Baton Rouge, Luisiana y con residencia actual en Los Ángeles, California, Miguel Jiron es un director y animador de ascendencia Nicaragüense que se distingue por la producción de animaciones e imágenes gif cargadas de intriga, complejidad y fantasía. Con experiencia como asistente en el taller del artista Takashi Murakami en Tokio y Nueva York, y hoy en día creador de storyboards en Illumination Entertainment, Jiron combina en su extraordinario trabajo, su herencia sudamericana, su pasión por relatar historias y su magnífico talento pora llenar de vida sus peculiares personajes.

El estilo excéntrico y cautivador de las ilustraciones animadas de Miguel Jiron le ha valido gran reconocimiento en diversas publicaciones, tales como National Geographic Adventure, World Policy Journal, Resource Magazine, e Inside Counsel Magazine, entre otras. Su atrevido uso de llamativos colores y fascinantes sonidos le ha permitido transformar sus imágenes en extraordinarios mundos llenos de movimiento y energía.

La-Gar-To”, una historia sobre un niño que viaja con su familia a Nicaragua descubriendo así un estrepitoso y aterrador mundo infestado de iguanas, es uno de sus ejemplos más palpables que muestra su gran talento para describir a detalle profundas escenas utilizando líneas imprecisas dibujadas a mano, un sin fin de tonalidades, atractivos sonidos, y múltiples perspectivas.

Entre otros de los proyectos más interesantes de Miguel se encuentran “Sensory Overload” (Sobrecarga Sensorial), una animación producida para la organización Interacting With Autism, en la que Jiron ofrece un vistazo de la dura realidad que viven los niños diagnosticados con autismo que deben lidiar con la intensificación de sus sentidos; y “Pain Showers” (Baños de Pintura), una animación que muestra tormentas fabricadas con gotas de pintura y la cual complementó con auténticos sonidos de lluvias y rayos.

Más información sobre Miguel Jiron aquí.

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Nacido en Baton Rouge, Luisiana y con residencia actual en Los Ángeles, California, Miguel Jiron es un director y animador de ascendencia Nicaragüense que se distingue por la producción de animaciones e imágenes gif cargadas de intriga, complejidad y fantasía. Con experiencia como asistente en el taller del artista Takashi Murakami en Tokio y Nueva York, y hoy en día creador de storyboards en Illumination Entertainment, Jiron combina en su extraordinario trabajo, su herencia sudamericana, su pasión por relatar historias y su magnífico talento pora llenar de vida sus peculiares personajes.

El estilo excéntrico y cautivador de las ilustraciones animadas de Miguel Jiron le ha valido gran reconocimiento en diversas publicaciones, tales como National Geographic Adventure, World Policy Journal, Resource Magazine, e Inside Counsel Magazine, entre otras. Su atrevido uso de llamativos colores y fascinantes sonidos le ha permitido transformar sus imágenes en extraordinarios mundos llenos de movimiento y energía.

La-Gar-To”, una historia sobre un niño que viaja con su familia a Nicaragua descubriendo así un estrepitoso y aterrador mundo infestado de iguanas, es uno de sus ejemplos más palpables que muestra su gran talento para describir a detalle profundas escenas utilizando líneas imprecisas dibujadas a mano, un sin fin de tonalidades, atractivos sonidos, y múltiples perspectivas.

Entre otros de los proyectos más interesantes de Miguel se encuentran “Sensory Overload” (Sobrecarga Sensorial), una animación producida para la organización Interacting With Autism, en la que Jiron ofrece un vistazo de la dura realidad que viven los niños diagnosticados con autismo que deben lidiar con la intensificación de sus sentidos; y “Pain Showers” (Baños de Pintura), una animación que muestra tormentas fabricadas con gotas de pintura y la cual complementó con auténticos sonidos de lluvias y rayos.

Más información sobre Miguel Jiron aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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March 25, 2015 - No Comments!

★ Jen Stark (USA) | 3D Paper Psychodelia

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Born in Miami, Florida, Jen Stark is a contemporary sculptor and artist who knows how to make the most of her imagination, artistic skills, and simple materials to create greatly complex kaleidoscopic paper artworks. Since her graduation from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005, Stark has given to her technicolor hand-cut creations a deep meaning that combines her natural, mathematical, and spiritual passions.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

It happened while studying abroad in the south of France that Los Angeles-based artist and sculptor Jen Stark encountered the disadvantages of the euro’s high exchange rate within the artistic world. It was then that she saw the necessity to find an affordable material in which to express her passions and interests. Finally, it was paper the ultimate supply-solution, and soon the artist realized the endless amount of possibilities that awaited her if she used her talent to transform it in an exceptional way.

Today, Jen Stark uses her imagination and patience to convert paper into fantastic psychedelic sculptures. With time, her artistic mediums have expanded, and currently, she also works with other materials like wood, plexi, foamboard, fiberboard (mdf), metal, mirrors, and paint. She has also explored drawing, muralism, and animation.

Stark’s style is full of vibrant colors and dynamism, and usually imitates mandalas and sacred objects. She combines her enthusiasm for the ideas of infinity, cosmos, mystery and nature, with her talent to transform common materials into splendid three-dimensional sculptures. Through her hypnotic geometrical patterns and repetitions, Stark attempts to express her idea that mathematics and science can be somehow related to all aspects of life. Her passion for optical illusions and kaleidoscopic designs is remarkably expressed in her stacked layers of paper that she arranges and shapes into stars, flowers, petal-like elements, and wormholes, all of them reminiscent of typographical maps and geoids. Examples of that are her projects “The Whole” and “Vortextural” projects.

Behind each sculpture there is a highly intensive and detailed creative process. Depending on the size and complexity of the artwork, Jen spends either weeks or months completing it. She starts by sketching the concept and then by stacking the paper in the order she will need it – the number of paper sheets she uses generally goes from 50 to a maximum of 150. Finally, she cuts the biggest hole and then proceeds to move inward cutting layer by layer. Admirably, not a single layer is cut by computer; using an X-ACTO knife, the artist is the only author of her psychedelic hand-cut sculptures.

Jen Stark graduated from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005. Two years later, her work started to gain outstanding online recognition and some of the best galleries around the world asked her to exhibit her sculptures. Since the takeoff of her career, she has exhibited in places like New York City, Seattle, Washington DC, Thailand, Canada and Australia. At 32, she is one of the greatest emerging artists that continue to create hypnotic geometrical works of art that stand out and influence people around the world.

More information on Jen Stark here.

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It happened while studying abroad in the south of France that Los Angeles-based artist and sculptor Jen Stark encountered the disadvantages of the euro’s high exchange rate within the artistic world. It was then that she saw the necessity to find an affordable material in which to express her passions and interests. Finally, it was paper the ultimate supply-solution, and soon the artist realized the endless amount of possibilities that awaited her if she used her talent to transform it in an exceptional way.

Today, Jen Stark uses her imagination and patience to convert paper into fantastic psychedelic sculptures. With time, her artistic mediums have expanded, and currently, she also works with other materials like wood, plexi, foamboard, fiberboard (mdf), metal, mirrors, and paint. She has also explored drawing, muralism, and animation.

Stark’s style is full of vibrant colors and dynamism, and usually imitates mandalas and sacred objects. She combines her enthusiasm for the ideas of infinity, cosmos, mystery and nature, with her talent to transform common materials into splendid three-dimensional sculptures. Through her hypnotic geometrical patterns and repetitions, Stark attempts to express her idea that mathematics and science can be somehow related to all aspects of life. Her passion for optical illusions and kaleidoscopic designs is remarkably expressed in her stacked layers of paper that she arranges and shapes into stars, flowers, petal-like elements, and wormholes, all of them reminiscent of typographical maps and geoids. Examples of that are her projects “The Whole” and “Vortextural” projects.

Behind each sculpture there is a highly intensive and detailed creative process. Depending on the size and complexity of the artwork, Jen spends either weeks or months completing it. She starts by sketching the concept and then by stacking the paper in the order she will need it – the number of paper sheets she uses generally goes from 50 to a maximum of 150. Finally, she cuts the biggest hole and then proceeds to move inward cutting layer by layer. Admirably, not a single layer is cut by computer; using an X-ACTO knife, the artist is the only author of her psychedelic hand-cut sculptures.

Jen Stark graduated from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005. Two years later, her work started to gain outstanding online recognition and some of the best galleries around the world asked her to exhibit her sculptures. Since the takeoff of her career, she has exhibited in places like New York City, Seattle, Washington DC, Thailand, Canada and Australia. At 32, she is one of the greatest emerging artists that continue to create hypnotic geometrical works of art that stand out and influence people around the world.

More information on Jen Stark here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Proveniente de Miami, Florida, Jen Stark es una artista y escultora contemporánea que combina a la perfección su imaginación, extraordinarias habilidades artísticas y materiales comunes que le permiten crear sus caleidoscópicas y excepcionalmente complejas obras en papel. Estudió arte en el Maryland Institute College of Art y desde su graduación en el 2005, ha sabido dar a sus creaciones hechas a mano un significado único que une su pasión por lo natural, lo espiritual y las matemáticas.

La artista, actualmente con residencia en Los Ángeles, CA, se encontraba estudiando en el sur de Francia cuando descubrió lo caro que sería abastecerse de materiales artísticos en ese lugar. Es por eso que en ese momento tomó la decisión de escoger un material atractivo pero de bajo costo con el cual pudiera trabajar. Finalmente, eligió papel de colores y pronto se dio cuenta de las infinitas posibilidades que este material brinda a quien sabe transformarlo de manera excepcional.

Hoy en día, Jen Stark utiliza su imaginación y paciencia para convertir diferentes tipos de papel en fantásticas esculturas de carácter psicodélico. Con el tiempo, los suministros con los que trabaja han ido evolucionando y actualmente, también utiliza materiales como madera, plástico, fomi, mdf, metal, espejos y pintura. A su vez, ha explorado otras áreas como el dibujo, el muralismo y la animación.

El estilo de Jen está plagado de colores vibrantes y dinamismo. Usualmente, sus obras tienden a replicar hasta cierto grado las mándalas hindúes y otros objetos sagrados. Stark sabe combinar su pasión por la idea del infinito, el cosmos, el misterio y la naturaleza, con su talento por transformar materiales comunes en espléndidas esculturas tridimensionales. Es a través de sus patrones y repeticiones geométricas altamente hipnóticas que también refleja su idea de que las matemáticas y la ciencia de alguna manera se relacionan con todos los aspectos de la vida. Su pasión por las ilusiones ópticas y los diseños caleidoscópicos se ven perfectamente representados en las múltiples capas de papel que la artista apila y posteriormente modifica en forma de estrellas, flores, pétalos, y agujeros de gusano, todos con un toque tecnicolor que hacen recordar mapas tipográficos y geoides. Ejemplos de esto son sus proyectos “The Whole” and “Vortextural”.

La creación de cada obra lleva consigo un intenso y detallado proceso creativo. Le puede llevar semanas o meses el completar una escultura, todo depende del tamaño y nivel de complejidad de la misma. Stark comienza por crear un boceto del concepto. Posteriormente, apila el papel en el orden en que lo utilizará – el número de hojas que utiliza va de las 50 a un máximo de 150. Finalmente, corta el agujero más grande y a partir de ahí trabaja hacia adentro cortando cada hoja de manera individual. Por increíble que parezca, ninguno de los cortes es hecho por computadora. Todo el trabajo es manual utilizando un cuchillo X-ACTO.

Dos años después de su graduación de la carrera, el trabajo de Jen Stark comenzó a ser ampliamente reconocido en múltiples blogs en línea. Fue entonces que diversas de las mejores galerías del mundo pidieron a la artista que exhibiera sus obras. Desde ese momento, su trabajo se ha encontrado en lugares como Nueva York, Seattle, Washington, Tailandia, Canadá y Australia. A los 32 años de edad, Stark es una de las más grandes y emerges artistas que continua creando extraordinarias obras geométricas que cautivan e influencian al resto del mundo.

Más información sobre Jen Stark aquí.

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Proveniente de Miami, Florida, Jen Stark es una artista y escultora contemporánea que combina a la perfección su imaginación, extraordinarias habilidades artísticas y materiales comunes que le permiten crear sus caleidoscópicas y excepcionalmente complejas obras en papel. Estudió arte en el Maryland Institute College of Art y desde su graduación en el 2005, ha sabido dar a sus creaciones hechas a mano un significado único que une su pasión por lo natural, lo espiritual y las matemáticas.

La artista, actualmente con residencia en Los Ángeles, CA, se encontraba estudiando en el sur de Francia cuando descubrió lo caro que sería abastecerse de materiales artísticos en ese lugar. Es por eso que en ese momento tomó la decisión de escoger un material atractivo pero de bajo costo con el cual pudiera trabajar. Finalmente, eligió papel de colores y pronto se dio cuenta de las infinitas posibilidades que este material brinda a quien sabe transformarlo de manera excepcional.

Hoy en día, Jen Stark utiliza su imaginación y paciencia para convertir diferentes tipos de papel en fantásticas esculturas de carácter psicodélico. Con el tiempo, los suministros con los que trabaja han ido evolucionando y actualmente, también utiliza materiales como madera, plástico, fomi, mdf, metal, espejos y pintura. A su vez, ha explorado otras áreas como el dibujo, el muralismo y la animación.

El estilo de Jen está plagado de colores vibrantes y dinamismo. Usualmente, sus obras tienden a replicar hasta cierto grado las mándalas hindúes y otros objetos sagrados. Stark sabe combinar su pasión por la idea del infinito, el cosmos, el misterio y la naturaleza, con su talento por transformar materiales comunes en espléndidas esculturas tridimensionales. Es a través de sus patrones y repeticiones geométricas altamente hipnóticas que también refleja su idea de que las matemáticas y la ciencia de alguna manera se relacionan con todos los aspectos de la vida. Su pasión por las ilusiones ópticas y los diseños caleidoscópicos se ven perfectamente representados en las múltiples capas de papel que la artista apila y posteriormente modifica en forma de estrellas, flores, pétalos, y agujeros de gusano, todos con un toque tecnicolor que hacen recordar mapas tipográficos y geoides. Ejemplos de esto son sus proyectos “The Whole” and “Vortextural”.

La creación de cada obra lleva consigo un intenso y detallado proceso creativo. Le puede llevar semanas o meses el completar una escultura, todo depende del tamaño y nivel de complejidad de la misma. Stark comienza por crear un boceto del concepto. Posteriormente, apila el papel en el orden en que lo utilizará – el número de hojas que utiliza va de las 50 a un máximo de 150. Finalmente, corta el agujero más grande y a partir de ahí trabaja hacia adentro cortando cada hoja de manera individual. Por increíble que parezca, ninguno de los cortes es hecho por computadora. Todo el trabajo es manual utilizando un cuchillo X-ACTO.

Dos años después de su graduación de la carrera, el trabajo de Jen Stark comenzó a ser ampliamente reconocido en múltiples blogs en línea. Fue entonces que diversas de las mejores galerías del mundo pidieron a la artista que exhibiera sus obras. Desde ese momento, su trabajo se ha encontrado en lugares como Nueva York, Seattle, Washington, Tailandia, Canadá y Australia. A los 32 años de edad, Stark es una de las más grandes y emerges artistas que continua creando extraordinarias obras geométricas que cautivan e influencian al resto del mundo.

Más información sobre Jen Stark aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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March 4, 2015 - No Comments!

★ INSA (UK) | Graffiti Walls Animated

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in London, UK, INSA is an anonymous urban artist and animator known for the transformation of his street designs into fantastic GIF animations. Creating what he calls GIF-ITI (GIF art + Graffiti), INSA has brought together in his work the demanding art of painting and the retro technology used to produce looping images. With a bachelor in Design at Goldsmiths, this talented street artist has made possible the elusive combination of both, his real and virtual worlds.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Painting and photographing the same wall over and over is the essential feature of the artistic process of London-based artist INSA. Known as GIF-ITI, he paints and repaints graffitis on a street surface and then photographs every change he makes on it. He repeats this process as many times as necessary until he achieves the exact number of images he will later put together in a single, looping animation. Examples of such practice are the 72 different skulls he painted during 2 days for his ‘C’est La Vie’ colorful animation, and the 8 paintings depicting each one of them a head in different positions for the Roskilde Festival in 2014.

In late 2014, INSA and a crew of 20 people worked for 4 days in Rio de Janeiro to produce their most ambitious street-art project. Their goal was to create an artwork that could be seen from space. Covering a total of 57,515 square meters of land, INSA and his team completed one painting each day which was then photographed by a satellite situated 431 miles away on space. INSA’s final one-second animated artwork is today the largest GIF-ITI painting on the planet.

INSA’s work has been produced in places like Los Angeles, Bogota, Paris, Sydney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, and Canada, among other places. He pursues unexplored ideas with the purpose to create unique art for a contemporary society greatly influenced by technology. With a keen passion for innovation and challenge, INSA continues to search for bigger buildings where to create designs that he can later transform into fantastical motion artworks.

More information on INSA here.

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Painting and photographing the same wall over and over is the essential feature of the artistic process of London-based artist INSA. Known as GIF-ITI, he paints and repaints graffitis on a street surface and then photographs every change he makes on it. He repeats this process as many times as necessary until he achieves the exact number of images he will later put together in a single, looping animation. Examples of such practice are the 72 different skulls he painted during 2 days for his ‘C’est La Vie’ colorful animation, and the 8 paintings depicting each one of them a head in different positions for the Roskilde Festival in 2014.

In late 2014, INSA and a crew of 20 people worked for 4 days in Rio de Janeiro to produce their most ambitious street-art project. Their goal was to create an artwork that could be seen from space. Covering a total of 57,515 square meters of land, INSA and his team completed one painting each day which was then photographed by a satellite situated 431 miles away on space. INSA’s final one-second animated artwork is today the largest GIF-ITI painting on the planet.

INSA’s work has been produced in places like Los Angeles, Bogota, Paris, Sydney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, and Canada, among other places. He pursues unexplored ideas with the purpose to create unique art for a contemporary society greatly influenced by technology. With a keen passion for innovation and challenge, INSA continues to search for bigger buildings where to create designs that he can later transform into fantastical motion artworks.

More information on INSA here.

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Ubicado en Londres, Reino Unido, INSA es un artista urbano y animador anónimo conocido por la magnífica transformación de sus diseños en fantásticas animaciones GIF. Creador de lo que él llama GIF-ITI (arte GIF + Graffiti), INSA combina el exhaustivo arte de la pintura con la tecnología utilizada para producir secuencias infinitas de imágenes animadas. Habiendo estudiado la carrera de Diseño en Goldsmiths, este talentoso artista ha hecho posible la sutil combinación de su mundo real y virtual.

Pintar y fotografiar una pared una y otra vez es la característica distintiva del proceso creativo del artista urbano INSA. Trabajando en lo que él llama GIF-ITI, se dedica a pintar y repintar las superficies urbanas de edificios para después fotografiar cada uno de los cambios que hace en sus diseños. Este proceso lo repite tantas veces sea necesario hasta que logra el número exacto de fotografías que posteriormente une en una animación GIF. Ejemplos de dicho proceso son las 72 distintas calaveras que pintó durante 2 días para su colorida animación ‘C’est La Vie’, y las 8 pinturas representando una cabeza en diferentes posiciones para el Festival Roskilde en el 2014.

A finales del 2014, INSA trabajó por 4 días en Río de Janeiro en uno de sus más ambiciosos proyectos de arte urbano. Su objetivo fue lograr una obra de arte que pudiera ser vista desde el espacio. Abarcando un total d 57,515 metros cuadrados de tierra, INSA y un equipo de 20 personas completaron una pintura por día la cual fue posteriormente fotografiada por un satélite ubicado en el espacio a una distancia de 431 millas. La animación final del artista, con una duración total de 1 segundo, es en la actualidad la pintura GIF-ITI más grande del mundo.

INSA ha trabajado en lugares como Los Ángeles, Bogotá, París, Sídney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, y Canadá, entre otros. Se dedica a explorar ideas nuevas con el propósito de crear un arte único para una sociedad actual altamente influenciada por la tecnología. Apasionado de la innovación y los retos, INSA continúa buscando más grandes edificios donde poder crear sus diseños para posteriormente convertirlos en fantásticas obras de arte animadas.

Más información sobre INSA aquí.

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Ubicado en Londres, Reino Unido, INSA es un artista urbano y animador anónimo conocido por la magnífica transformación de sus diseños en fantásticas animaciones GIF. Creador de lo que él llama GIF-ITI (arte GIF + Graffiti), INSA combina el exhaustivo arte de la pintura con la tecnología utilizada para producir secuencias infinitas de imágenes animadas. Habiendo estudiado la carrera de Diseño en Goldsmiths, este talentoso artista ha hecho posible la sutil combinación de su mundo real y virtual.

Pintar y fotografiar una pared una y otra vez es la característica distintiva del proceso creativo del artista urbano INSA. Trabajando en lo que él llama GIF-ITI, se dedica a pintar y repintar las superficies urbanas de edificios para después fotografiar cada uno de los cambios que hace en sus diseños. Este proceso lo repite tantas veces sea necesario hasta que logra el número exacto de fotografías que posteriormente une en una animación GIF. Ejemplos de dicho proceso son las 72 distintas calaveras que pintó durante 2 días para su colorida animación ‘C’est La Vie’, y las 8 pinturas representando una cabeza en diferentes posiciones para el Festival Roskilde en el 2014.

A finales del 2014, INSA trabajó por 4 días en Río de Janeiro en uno de sus más ambiciosos proyectos de arte urbano. Su objetivo fue lograr una obra de arte que pudiera ser vista desde el espacio. Abarcando un total d 57,515 metros cuadrados de tierra, INSA y un equipo de 20 personas completaron una pintura por día la cual fue posteriormente fotografiada por un satélite ubicado en el espacio a una distancia de 431 millas. La animación final del artista, con una duración total de 1 segundo, es en la actualidad la pintura GIF-ITI más grande del mundo.

INSA ha trabajado en lugares como Los Ángeles, Bogotá, París, Sídney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, y Canadá, entre otros. Se dedica a explorar ideas nuevas con el propósito de crear un arte único para una sociedad actual altamente influenciada por la tecnología. Apasionado de la innovación y los retos, INSA continúa buscando más grandes edificios donde poder crear sus diseños para posteriormente convertirlos en fantásticas obras de arte animadas.

Más información sobre INSA aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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February 18, 2015 - No Comments!

★ Karan Singh (IN) | Vector Wisdom

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Native from Sydney, Australia, and having spent his younger years in Oman, Karan Singh is a freelance illustrator and a skilled vector artist. His vibrant and minimalist artworks have attracted both, local and international brands such as IBM, Heineken, and Adobe, allowing him to enrich his keen passion for patterns and repetitions. Always at the vanguard of design, Singh continues to produce graphic interpretations full of color and light.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Currently living in New York City, Karan Singh is a fervent artist whose first encounter with Macromedia Flash made definite his inclination towards illustration and art. It was during his bachelor in Design Computing at The University of Sydney, that he took into action his aesthetic predisposition and decided to self-learn Illustrator and Photoshop. Finally, by the end of his career, he was convinced that his future was in the illustration world.

Nowadays, with a rising reputation among local boutiques and international brands, Singh is an Adobe Illustrator proficient who has produced useful program tutorials for diverse magazines as well as numerous graphic designs characterized by his minimalist and three-dimensional style.

His illustrations are the extraordinary outcome of constantly overcoming his “over-exposed mind to design magazines and inspiration blogs”, as he mentioned in Vectortuts+. As many designers out there, he struggles with a lack of inspiration. Still, focusing in simple and basic aspects of his work has been an excellent way of dealing with a blank canvas. According to him, sketching the initial ideas and concepts in paper is a must activity, for when these are taken to the computer it is much easier to follow a plan and also to develop them.

Karan Singh’s willingness to develop a more versatile and unique style has been acquired in part thanks to the friendly competition he lives with his fellow artists in different communities, like Pig Bimpin and Depthcore. However, he is an artist with an instinctive drive to experiment and evolve, an aspect that has also taken him to tryout different artistic mediums such as photography and writing.

More information on Karan Singh here.

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Currently living in New York City, Karan Singh is a fervent artist whose first encounter with Macromedia Flash made definite his inclination towards illustration and art. It was during his bachelor in Design Computing at The University of Sydney, that he took into action his aesthetic predisposition and decided to self-learn Illustrator and Photoshop. Finally, by the end of his career, he was convinced that his future was in the illustration world.

Nowadays, with a rising reputation among local boutiques and international brands, Singh is an Adobe Illustrator proficient who has produced useful program tutorials for diverse magazines as well as numerous graphic designs characterized by his minimalist and three-dimensional style.

His illustrations are the extraordinary outcome of constantly overcoming his “over-exposed mind to design magazines and inspiration blogs”, as he mentioned in Vectortuts+. As many designers out there, he struggles with a lack of inspiration. Still, focusing in simple and basic aspects of his work has been an excellent way of dealing with a blank canvas. According to him, sketching the initial ideas and concepts in paper is a must activity, for when these are taken to the computer it is much easier to follow a plan and also to develop them.

Karan Singh’s willingness to develop a more versatile and unique style has been acquired in part thanks to the friendly competition he lives with his fellow artists in different communities, like Pig Bimpin and Depthcore. However, he is an artist with an instinctive drive to experiment and evolve, an aspect that has also taken him to tryout different artistic mediums such as photography and writing.

More information on Karan Singh here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Proveniente de Sidney, Australia, habiendo crecido en lugares como Omán y con residencia actual en Nueva York, Karan Singh es un ilustrador y un talentoso artista que trabaja principalmente con imágenes en vectores. Sus gráficos son llamativas y minimalistas ilustraciones que han atraído tanto a pequeñas como internacionales marcas, entre las que se encuentran IBM, Heineken y Adobe. Estando siempre a la vanguardia del diseño, Singh ha fortalecido su ferviente pasión por los patrones y las repeticiones a través de sus interpretaciones llenas de brillo y de color.

Desde su primer encuentro con un paquete de Macromedia Flash, Karan Singh terminó por confirmar su inclinación hacia los aspectos estéticos del arte y la ilustración. Fue durante su carrera en Diseño Computacional en la Universidad de Sídney que tomó la decisión de aprender de manera autodidacta los programas de diseño Ilustrador y Photoshop. Finalmente, al culminar sus estudios universitarios, Singh estaba convencido de que su futuro tenía que ser en el mundo del diseño gráfico.

Hoy en día, Singh es un artista de renombre cuya reputación está creciendo rápidamente en el mundo comercial. Como experto en el programa de Adobo Ilustrador, Singh ha creado diversos tutoriales para revistas así como un sin fin de diseños gráficos caracterizados por su inigualable estilo dinámico y tridimensional.

De acuerdo a una entrevista con Vectortus+, el trabajo de Singh es el resultado de la constante superación personal que enfrenta ante la sobresaturación mental de información proveniente de revistas y blogs de diseño. La falta de inspiración es una situación que todo artista enfrenta y él ha descubierto que enfocarse en aspectos simples y básicos de su trabajo lo ayudan a salir adelante. Hacer bocetos iniciales de ideas y conceptos es muy importante, menciona Singh, pues una vez que el artista los lleva a la computadora es más fácil seguir un plan y posteriormente desarrollar dichas ideas.

Su entusiasmo por desarrollar un estilo más versátil y único ha sido incitado en parte por la competencia amistosa que vive con la mayoría de sus compañeros artistas en las diversas comunidades a las que pertenece, como Pig Bimpin and Depthcore. Por otra parte, Karan Singh es un artista con una necesidad innata de experimentar y evolucionar, un aspecto que también lo ha llevado a trabajar con otros medios artísticos como la fotografía y la escritura.

Más información sobre Karan Singh aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Proveniente de Sidney, Australia, habiendo crecido en lugares como Omán y con residencia actual en Nueva York, Karan Singh es un ilustrador y un talentoso artista que trabaja principalmente con imágenes en vectores. Sus gráficos son llamativas y minimalistas ilustraciones que han atraído tanto a pequeñas como internacionales marcas, entre las que se encuentran IBM, Heineken y Adobe. Estando siempre a la vanguardia del diseño, Singh ha fortalecido su ferviente pasión por los patrones y las repeticiones a través de sus interpretaciones llenas de brillo y de color.

Desde su primer encuentro con un paquete de Macromedia Flash, Karan Singh terminó por confirmar su inclinación hacia los aspectos estéticos del arte y la ilustración. Fue durante su carrera en Diseño Computacional en la Universidad de Sídney que tomó la decisión de aprender de manera autodidacta los programas de diseño Ilustrador y Photoshop. Finalmente, al culminar sus estudios universitarios, Singh estaba convencido de que su futuro tenía que ser en el mundo del diseño gráfico.

Hoy en día, Singh es un artista de renombre cuya reputación está creciendo rápidamente en el mundo comercial. Como experto en el programa de Adobo Ilustrador, Singh ha creado diversos tutoriales para revistas así como un sin fin de diseños gráficos caracterizados por su inigualable estilo dinámico y tridimensional.

De acuerdo a una entrevista con Vectortus+, el trabajo de Singh es el resultado de la constante superación personal que enfrenta ante la sobresaturación mental de información proveniente de revistas y blogs de diseño. La falta de inspiración es una situación que todo artista enfrenta y él ha descubierto que enfocarse en aspectos simples y básicos de su trabajo lo ayudan a salir adelante. Hacer bocetos iniciales de ideas y conceptos es muy importante, menciona Singh, pues una vez que el artista los lleva a la computadora es más fácil seguir un plan y posteriormente desarrollar dichas ideas.

Su entusiasmo por desarrollar un estilo más versátil y único ha sido incitado en parte por la competencia amistosa que vive con la mayoría de sus compañeros artistas en las diversas comunidades a las que pertenece, como Pig Bimpin and Depthcore. Por otra parte, Karan Singh es un artista con una necesidad innata de experimentar y evolucionar, un aspecto que también lo ha llevado a trabajar con otros medios artísticos como la fotografía y la escritura.

Más información sobre Karan Singh aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]     ★ By Dalia Vasquez   [/cd_text][/cd_column][/cd_row]

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February 11, 2015 - No Comments!

★ Alexandra Pacula (PO) | Nightlife Blurry Moments

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Just as long-exposure photographs enhance the beauty of illuminated trails in a dark environment, Alexandra Pacula’s paintings capture the frantic blurriness of light in a nocturnal space. Based in Brooklyn, New York City, this talented artist paints large-scale canvases of nightly urban scenes characterized by intense, colorful and vibrant brushstrokes.


[Ver artículo en español abajo]

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painting by Alexandra Pacula

painting by Alexandra Pacula

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Painting by Alexandra Pacula

Painting by Alexandra Pacula

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Native from Poland and currently based in Brooklyn, Alexandra Pacula is an artist captivated by the lure and craziness of the city nightlife. With a BFA at Rutgers and a MFA at Montclair State University, her urban landscapes can be perceived with the same illuminated and distorted lines as the ones seen in long-exposure photographs. The extraordinary sense of place that she gives to her work allows the viewer to feel part of the scene and to experience once again the magic of walking down the streets of the city.

Pacula’s exceptionally impressionistic technique also heightens the relationship between the viewer and her oil paintings. When seen from a close distance, the spectator can detect in her artworks the confident and vibrant brushstrokes used to create the rhythmic paths of light found in the New York City scene. Careful strokes are used to represent the perceptions of dizziness and blurriness that encircle the image, and which give the impression that the scene is taking place behind a glass.

“…The painting takes a while… It looks very spontaneous, but it takes me a lot of thinking and deciding when to make the perfect stroke…” – the artist commented on Artist Spotlight at The National Arts Club in 2013.

With her work being exhibited in places like the USA, Russia, Spain, London, and Paris, Alexandra Pacula continues walking around the city searching for those fleeting moments that capture her attention and that later she endeavors to transform into beautiful contemporary paintings.

More information on Alexandra Pacula here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Native from Poland and currently based in Brooklyn, Alexandra Pacula is an artist captivated by the lure and craziness of the city nightlife. With a BFA at Rutgers and a MFA at Montclair State University, her urban landscapes can be perceived with the same illuminated and distorted lines as the ones seen in long-exposure photographs. The extraordinary sense of place that she gives to her work allows the viewer to feel part of the scene and to experience once again the magic of walking down the streets of the city.

Pacula’s exceptionally impressionistic technique also heightens the relationship between the viewer and her oil paintings. When seen from a close distance, the spectator can detect in her artworks the confident and vibrant brushstrokes used to create the rhythmic paths of light found in the New York City scene. Careful strokes are used to represent the perceptions of dizziness and blurriness that encircle the image, and which give the impression that the scene is taking place behind a glass.

“…The painting takes a while… It looks very spontaneous, but it takes me a lot of thinking and deciding when to make the perfect stroke…” – the artist commented on Artist Spotlight at The National Arts Club in 2013.

With her work being exhibited in places like the USA, Russia, Spain, London, and Paris, Alexandra Pacula continues walking around the city searching for those fleeting moments that capture her attention and that later she endeavors to transform into beautiful contemporary paintings.

More information on Alexandra Pacula here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Nacida en Polonia y con residencial actual en Brooklyn, Nueva York, Alexandra Pacula es una artista cautivada por la magia y la locura de la vida nocturna de una metrópoli. Tal y como las fotografías de larga exposición recalcan la belleza del movimiento de la luz en la oscuridad, las obras de arte creadas por esta artista capturan la agitada nubosidad que causa la luz en un espacio nocturno. En su trabajo a gran escala, Pacula representa escenas urbanas   caracterizadas por pinceladas fuertes, brillantes e intensamente coloridas.

Con licenciatura en arte en Rutgers y una maestría en arte en el Montclair State University, Alexandra Pacula crea sus magníficas obras al óleo a base de líneas iluminadas y distorsionadas como las encontradas en las fotografías de larga exposición. Logra hacer sentir al observador parte de la escena al dar a sus pinturas un extraordinario sentido de lugar y pertenencia, el cual lleva a quien mire la obra a experimentar nuevamente la magia de caminar por la ciudad.

La relación creada entre el observador y la artista se ve asimismo amplificada gracias a su extraordinaria técnica artística con cierto estilo impresionista. Vistas de cerca, el espectador es capaz de detectar en el lienzo las fuertes y definidas pinceladas utilizadas para crear los rítmicos patrones de luz que se encuentran en la escena urbana. Cuidadosos trazos son utilizados para representar las percepciones de mareo y nubosidad que encapsulan la imagen y los cuales crean la impresión de que la escena está ocurriendo detrás de un cristal.

“… Toma algo de tiempo hacer la pintura… parece espontánea, pero en realidad me toma mucho tiempo el poder decidir cuándo y cómo realizar la pincelada perfecta…” – comentó la artista en Artist Spotlight en The National Arts Club en el 2013.

Con varias exposiciones en lugares como Estados Unidos, Rusia, España, Londres y París, Alexandra Pacula continúa caminando por las calles de la ciudad en búsqueda de esos breves momentos que capturan su atención y que posteriormente se propone transformar en increíbles pinturas contemporáneas.

Más información sobre Alexandra Pacula aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Nacida en Polonia y con residencial actual en Brooklyn, Nueva York, Alexandra Pacula es una artista cautivada por la magia y la locura de la vida nocturna de una metrópoli. Tal y como las fotografías de larga exposición recalcan la belleza del movimiento de la luz en la oscuridad, las obras de arte creadas por esta artista capturan la agitada nubosidad que causa la luz en un espacio nocturno. En su trabajo a gran escala, Pacula representa escenas urbanas   caracterizadas por pinceladas fuertes, brillantes e intensamente coloridas.

Con licenciatura en arte en Rutgers y una maestría en arte en el Montclair State University, Alexandra Pacula crea sus magníficas obras al óleo a base de líneas iluminadas y distorsionadas como las encontradas en las fotografías de larga exposición. Logra hacer sentir al observador parte de la escena al dar a sus pinturas un extraordinario sentido de lugar y pertenencia, el cual lleva a quien mire la obra a experimentar nuevamente la magia de caminar por la ciudad.

La relación creada entre el observador y la artista se ve asimismo amplificada gracias a su extraordinaria técnica artística con cierto estilo impresionista. Vistas de cerca, el espectador es capaz de detectar en el lienzo las fuertes y definidas pinceladas utilizadas para crear los rítmicos patrones de luz que se encuentran en la escena urbana. Cuidadosos trazos son utilizados para representar las percepciones de mareo y nubosidad que encapsulan la imagen y los cuales crean la impresión de que la escena está ocurriendo detrás de un cristal.

“… Toma algo de tiempo hacer la pintura… parece espontánea, pero en realidad me toma mucho tiempo el poder decidir cuándo y cómo realizar la pincelada perfecta…” – comentó la artista en Artist Spotlight en The National Arts Club en el 2013.

Con varias exposiciones en lugares como Estados Unidos, Rusia, España, Londres y París, Alexandra Pacula continúa caminando por las calles de la ciudad en búsqueda de esos breves momentos que capturan su atención y que posteriormente se propone transformar en increíbles pinturas contemporáneas.

Más información sobre Alexandra Pacula aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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February 4, 2015 - No Comments!

★ Leta Sobierajski (USA) | Artistic Randomness

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in Brooklyn, New York City, Leta Sobierajski is a multidisciplinary designer and art director who produces outstanding visual projects of an audacious and offbeat nature. Her versatile work incorporates surreal and conventional features involving mainly graphic design, photography, art, and digital elements. In 2013, her career as a freelancer began and she quickly positioned herself as a rising young designer captivating the world with her bizarre creations.


[Ver artículo en español abajo]

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Complete2

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[vimeo 34393858 w=100 h=338]

Applications from Leta Sobierajski on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

With a bachelor in Graphic Design at Purchase College and recognition by Print Magazine as one of the 20 best designers under age of 30, New York City-based artist Leta Sobierajski is the owner of a quirky portfolio characterized by a daring and surreal style.

In her work, she demonstrates her exceptional talent for combining striking color palettes, witty ideas, unexpected elements and diverse artistic techniques -such as graphic design, photography, art, and film- in unique compositions. It is through her playful arrangement of features that she manages to come up with the most unconventional and attractive designs.

Among her best recognized projects are her collaboration with Refinery29 –a company that offers fashionable and trendy inspiration for women- in which Sobierajski created five pictures of lifeless objects depicting the strangest ideas of beauty; and the series of fantastic promos created for the polka dot collection of Odd Pears, a sock company specialized in selling three-sock packs.

On a more personal level, Leta Sobierajski shares her artistic passion, outstanding sense of humor and life with her partner Wade Jeffree, an art director and designer as well. Together, they have created “Complements”, an ongoing project about love and the stages of their relationship, expressed in a series of versatile, expressive and humorous self-portraits.

More information on Leta Sobierajski here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

With a bachelor in Graphic Design at Purchase College and recognition by Print Magazine as one of the 20 best designers under age of 30, New York City-based artist Leta Sobierajski is the owner of a quirky portfolio characterized by a daring and surreal style.

In her work, she demonstrates her exceptional talent for combining striking color palettes, witty ideas, unexpected elements and diverse artistic techniques -such as graphic design, photography, art, and film- in unique compositions. It is through her playful arrangement of features that she manages to come up with the most unconventional and attractive designs.

Among her best recognized projects are her collaboration with Refinery29 –a company that offers fashionable and trendy inspiration for women- in which Sobierajski created five pictures of lifeless objects depicting the strangest ideas of beauty; and the series of fantastic promos created for the polka dot collection of Odd Pears, a sock company specialized in selling three-sock packs.

On a more personal level, Leta Sobierajski shares her artistic passion, outstanding sense of humor and life with her partner Wade Jeffree, an art director and designer as well. Together, they have created “Complements”, an ongoing project about love and the stages of their relationship, expressed in a series of versatile, expressive and humorous self-portraits.

More information on Leta Sobierajski here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicada en Brooklyn, Nueva York, Leta Sobierajski es una diseñadora multidisciplinaria y directora de arte que se dedica a crear increíbles proyectos visuales de una naturaleza poco convencional y atrevida. Su versátil trabajo incorpora conceptos tanto convencionales como surreales, y usualmente es el producto de una combinación de diversos medios, como diseño gráfico, fotografía, arte y el mundo digital. Sobierajski comenzó a trabajar de manera autónoma en el 2013 y rápidamente se posicionó como una exitosa joven diseñadora cautivando al mundo con sus extrañas creaciones.

Habiendo estudiado Diseño Gráfico en el Purchase College y siendo reconocida por Print Magazine como una de las 20 mejores diseñadoras menores de 30 años de edad, Leta Sobierajski es la autora de un extravagante portafolio creativo caracterizado por un atrevido estilo surrealista. En su trabajo, ella demuestra su gran habilidad y talento para combinar llamativas gamas de colores, ocurrentes ideas, inesperados elementos y diversas técnicas creativas en una sola composición. Es gracias a su excelente disposición de elementos que la artista logra desarrollar los más atractivos e insólitos diseños.

Entre sus proyectos más reconocidos se encuentran su colaboración con Refinery29, una compañía que ofrece consejos de moda a las mujeres, y para la que Sobierajski creó 5 imágenes de objetos inanimados representando las más extrañas nociones de belleza; y la serie de fantásticas imágenes promocionales para la colección de polka dots de la empresa Odd Pears, una compañía especializada en la venta de calcetines.

A un nivel más personal, Leta Sobierajski comparte su pasión por el diseño, su extraordinario sentido del humor y su vida con su pareja, Wade Jeffre, también un diseñador y director de arte. Juntos han creado “Complements” (Complementos), un proyecto en curso que trata sobre el amor y las diversas etapas de su relación, expresados en una serie de versátiles, expresivos y divertidos autorretratos en pareja.

Más información sobre Leta Sobierajski aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Ubicada en Brooklyn, Nueva York, Leta Sobierajski es una diseñadora multidisciplinaria y directora de arte que se dedica a crear increíbles proyectos visuales de una naturaleza poco convencional y atrevida. Su versátil trabajo incorpora conceptos tanto convencionales como surreales, y usualmente es el producto de una combinación de diversos medios, como diseño gráfico, fotografía, arte y el mundo digital. Sobierajski comenzó a trabajar de manera autónoma en el 2013 y rápidamente se posicionó como una exitosa joven diseñadora cautivando al mundo con sus extrañas creaciones.

Habiendo estudiado Diseño Gráfico en el Purchase College y siendo reconocida por Print Magazine como una de las 20 mejores diseñadoras menores de 30 años de edad, Leta Sobierajski es la autora de un extravagante portafolio creativo caracterizado por un atrevido estilo surrealista. En su trabajo, ella demuestra su gran habilidad y talento para combinar llamativas gamas de colores, ocurrentes ideas, inesperados elementos y diversas técnicas creativas en una sola composición. Es gracias a su excelente disposición de elementos que la artista logra desarrollar los más atractivos e insólitos diseños.

Entre sus proyectos más reconocidos se encuentran su colaboración con Refinery29, una compañía que ofrece consejos de moda a las mujeres, y para la que Sobierajski creó 5 imágenes de objetos inanimados representando las más extrañas nociones de belleza; y la serie de fantásticas imágenes promocionales para la colección de polka dots de la empresa Odd Pears, una compañía especializada en la venta de calcetines.

A un nivel más personal, Leta Sobierajski comparte su pasión por el diseño, su extraordinario sentido del humor y su vida con su pareja, Wade Jeffre, también un diseñador y director de arte. Juntos han creado “Complements” (Complementos), un proyecto en curso que trata sobre el amor y las diversas etapas de su relación, expresados en una serie de versátiles, expresivos y divertidos autorretratos en pareja.

Más información sobre Leta Sobierajski aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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January 7, 2015 - No Comments!

★ Gabitsiki (MX) | An Oneiric Mind

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in Amsterdam, Gabriela Avalos, also known as Gabitsiki, is a Mexican visual artist, performer, and therapy facilitator that brings the best of her musical passion and personal experiences to her eclectic creations. Her arresting work is made of fragments of Huichol experiences, encounters with patients in psychiatric facilities and even her own journey to become a mother.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text] algoalgo darkglow gabitsiki3 volcani lunatica gabitsiki2 gabitsiki [/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

“The universe, the stars, the wild nature, the infinite space, the opportunity to feel like an animal and not a human being… all of that are things that inspire me” - Gabitsiki

Meet Gabitsiki in this exclusive interview for Saketekilla*.

Could you please tell us a bit about yourself? Where do you come from? 

I was born in Torreon, Coahuila and after that I moved to Monterrey, Nuevo Leon. I studied Visual Arts at U.A.N.L. and I have two diplomas, one in Alternative Therapy at U.A.A.A.N. and the other in Art Therapy at UAM Xochimilco. The first trip I did to Amsterdam was with my family when I was 15 years old. That experience changed my perception of the world and since then I knew that I had to come back.

Why did you choose the name Gabitsiki? 

It is a way to make my name smaller. Gabi is a diminutive of Gabriela and Gabitsiki is even smaller. People have always thought I am younger than I really am; they sometimes see me as a little girl, so I decided to make the most of it.

In your Facebook page we can see that your creative work includes several disciplines and techniques, like photography, different kinds of painting and drawing, and even some poetry. How do you choose the technique and nature of your next artwork? Can you tell us about your creative process?

The idea simply comes to my mind. For example, writing is a reaction to the words I hear in my head. It is as if I am listening to a voice and answering it. I paint when an image is also inside my mind. Sometimes when I try to represent that image the form changes, but at the end, it is a form that is always evolving. Photography is unpredictable. There are days in which I take a lot of pictures and I feel that I need to appreciate my environment and my own perception of it. My creative process starts when I am “not creating” anything; when I am only thinking and looking, imagining and wishing. This feeling accumulates until I choose the materials and begin to work. My first encounter with them is like a fight, an explosion. It is only when my mind and body settle down that I start to define my strokes.

How would you define your style? 

Naïve Oneiric / Brut... or something like that  (laughs).

(Naïve – also known as “child-like art” because of the use of strong colors, spontaneity and lack of perspective. Oneiric – related to dreams. Brut – a term used in the mid-1940s to designate the art that was not considered “traditional”).

In your website you also mention that you are a performer and an art therapy facilitator. Could you please tell us more about that? 

Music has always been my second strongest passion; sometimes I believe it is my first one. However, it has taken me more time and effort to express myself through it. Some of the reasons are because it challenges me more; it requires a more direct communication with myself and people around me. My previous performances have been inner quests to heal my soul from pain and from fear to express myself. I have challenged myself in front of the public and I promised that I wouldn’t perform in vain, but to pursuit that inner healing. It was at that moment that I knew that performance wouldn’t be my main way of expression, but it has given me the strength to stand on a stage. I guess that is part of the reason I was invited to participate in theater. I am not an actress but now I know how to actively collaborate with others to create new experiences.

Art and madness and art and health are associations that also passionate me, and both of them have taken me to explore psychiatry. I did my social service at the Psychiatry Unit of the University Hospital at U.A.N.L. and during that time I developed strong relationships with patients and staff members. At the end, I stayed for 2 years to work offering Art Therapy to children, teenagers and adults with different psychiatric conditions like depression, schizophrenia, eating disorders and bipolarity. This has been one of the most interesting and gratifying experiences of my life, but also an extremely difficult one due to the great responsibility that it entails.

What do you intent to express with your art? As a Mexican artist, how does your cultural heritage influence your work? What are your main sources of inspiration? 

I think that the way I use colors in my work is an aspect that has been strongly influenced by the art of the Wirrárika culture (better known as Huicholes). It is a style that I truly admire due to its unique beauty and sacred nature. I was very fortunate to have the opportunity to spend nights in the desert in the north of Mexico eating peyote and also to visit a Huichol community. The way they greeted me made me feel like a member of their family. They were extremely welcoming and hospitable. I think that is my strongest connection with my ancestors and also with indigenous cultures that are struggling to survive and preserve their traditions. My experiences in the desert are memories that I continuously want to represent. For me, it is a way to revive what happened, to be there once again. The universe, the stars, the wild nature, the infinite space, the opportunity to feel like an animal and not a human being… all of that are things that inspire me.

In your photographs we see that you give striking colors to some of your artworks, is there any particular reason for that? We also notice that “maternity” is a recurrent subject of yours; can you explain more about that? 

Truth be told, the subject of motherhood is a very recent one. Basically, I am representing my sexual energy in which my pregnancy is the crucial moment. The series Concepción, Pregnancia y Alumbro (Conception, Pregnancy and Give Birth) encloses images that I created before, during and after my pregnancy. I used drawing as a way to prepare myself to give birth. It was the only way I was able to face my fears, to visualize the experience of birth and to gain some peacefulness.

I use fluorescent colors because they are striking and eye-catching. Besides, they are the colors that represent the energy inside me when I paint. Most of the times when I am painting, I am holding a chaotic energy. I work with vivid colors because through them I can express strong emotions like excitement, stress or anger; but also happiness, love, and surprise.

What has been the most gratifying project you have participated in? What are your future projects?

I think that “Teatro de los Sentidos” (Theater of Senses) has been the most satisfactory project I have ever participated in. It is a unique theater company in the world. Their plays are extensive crossroads in which the spectator becomes a traveler and main character and is called “habitante” (resident). It is a completely different way to make theater and to experience it. As an habitante, one must disappear and act with utmost subtlety. You learn to work with two basic elements: silence and darkness. My experience in the play called “El Mundo al Revés” (The World Upside Down) with other Mexican artists, was absolutely life-changing. We fell in love with this new way of making theater and we continue to experiment with the company Los Habitantes. Today, their project is actively working and it is called El Origen.

I believe the future will bring new music and live-playing experiences. Together with Jonathan Ramirez I created Neo Paganos. We have played for several years and I think it is time to record our songs and upload them to the Internet. I also want to continue painting and to increase the size of my artworks. Those are my main plans for next year.

We thank Gabitsiki for this great interview.

More information on Gabitsiki here.

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“The universe, the stars, the wild nature, the infinite space, the opportunity to feel like an animal and not a human being… all of that are things that inspire me” - Gabitsiki

Meet Gabitsiki in this exclusive interview for Saketekilla*.

Could you please tell us a bit about yourself? Where do you come from? 

I was born in Torreon, Coahuila and after that I moved to Monterrey, Nuevo Leon. I studied Visual Arts at U.A.N.L. and I have two diplomas, one in Alternative Therapy at U.A.A.A.N. and the other in Art Therapy at UAM Xochimilco. The first trip I did to Amsterdam was with my family when I was 15 years old. That experience changed my perception of the world and since then I knew that I had to come back.

Why did you choose the name Gabitsiki? 

It is a way to make my name smaller. Gabi is a diminutive of Gabriela and Gabitsiki is even smaller. People have always thought I am younger than I really am; they sometimes see me as a little girl, so I decided to make the most of it.

In your Facebook page we can see that your creative work includes several disciplines and techniques, like photography, different kinds of painting and drawing, and even some poetry. How do you choose the technique and nature of your next artwork? Can you tell us about your creative process?

The idea simply comes to my mind. For example, writing is a reaction to the words I hear in my head. It is as if I am listening to a voice and answering it. I paint when an image is also inside my mind. Sometimes when I try to represent that image the form changes, but at the end, it is a form that is always evolving. Photography is unpredictable. There are days in which I take a lot of pictures and I feel that I need to appreciate my environment and my own perception of it. My creative process starts when I am “not creating” anything; when I am only thinking and looking, imagining and wishing. This feeling accumulates until I choose the materials and begin to work. My first encounter with them is like a fight, an explosion. It is only when my mind and body settle down that I start to define my strokes.

How would you define your style? 

Naïve Oneiric / Brut... or something like that  (laughs).

(Naïve – also known as “child-like art” because of the use of strong colors, spontaneity and lack of perspective. Oneiric – related to dreams. Brut – a term used in the mid-1940s to designate the art that was not considered “traditional”).

In your website you also mention that you are a performer and an art therapy facilitator. Could you please tell us more about that? 

Music has always been my second strongest passion; sometimes I believe it is my first one. However, it has taken me more time and effort to express myself through it. Some of the reasons are because it challenges me more; it requires a more direct communication with myself and people around me. My previous performances have been inner quests to heal my soul from pain and from fear to express myself. I have challenged myself in front of the public and I promised that I wouldn’t perform in vain, but to pursuit that inner healing. It was at that moment that I knew that performance wouldn’t be my main way of expression, but it has given me the strength to stand on a stage. I guess that is part of the reason I was invited to participate in theater. I am not an actress but now I know how to actively collaborate with others to create new experiences.

Art and madness and art and health are associations that also passionate me, and both of them have taken me to explore psychiatry. I did my social service at the Psychiatry Unit of the University Hospital at U.A.N.L. and during that time I developed strong relationships with patients and staff members. At the end, I stayed for 2 years to work offering Art Therapy to children, teenagers and adults with different psychiatric conditions like depression, schizophrenia, eating disorders and bipolarity. This has been one of the most interesting and gratifying experiences of my life, but also an extremely difficult one due to the great responsibility that it entails.

What do you intent to express with your art? As a Mexican artist, how does your cultural heritage influence your work? What are your main sources of inspiration? 

I think that the way I use colors in my work is an aspect that has been strongly influenced by the art of the Wirrárika culture (better known as Huicholes). It is a style that I truly admire due to its unique beauty and sacred nature. I was very fortunate to have the opportunity to spend nights in the desert in the north of Mexico eating peyote and also to visit a Huichol community. The way they greeted me made me feel like a member of their family. They were extremely welcoming and hospitable. I think that is my strongest connection with my ancestors and also with indigenous cultures that are struggling to survive and preserve their traditions. My experiences in the desert are memories that I continuously want to represent. For me, it is a way to revive what happened, to be there once again. The universe, the stars, the wild nature, the infinite space, the opportunity to feel like an animal and not a human being… all of that are things that inspire me.

In your photographs we see that you give striking colors to some of your artworks, is there any particular reason for that? We also notice that “maternity” is a recurrent subject of yours; can you explain more about that? 

Truth be told, the subject of motherhood is a very recent one. Basically, I am representing my sexual energy in which my pregnancy is the crucial moment. The series Concepción, Pregnancia y Alumbro (Conception, Pregnancy and Give Birth) encloses images that I created before, during and after my pregnancy. I used drawing as a way to prepare myself to give birth. It was the only way I was able to face my fears, to visualize the experience of birth and to gain some peacefulness.

I use fluorescent colors because they are striking and eye-catching. Besides, they are the colors that represent the energy inside me when I paint. Most of the times when I am painting, I am holding a chaotic energy. I work with vivid colors because through them I can express strong emotions like excitement, stress or anger; but also happiness, love, and surprise.

What has been the most gratifying project you have participated in? What are your future projects?

I think that “Teatro de los Sentidos” (Theater of Senses) has been the most satisfactory project I have ever participated in. It is a unique theater company in the world. Their plays are extensive crossroads in which the spectator becomes a traveler and main character and is called “habitante” (resident). It is a completely different way to make theater and to experience it. As an habitante, one must disappear and act with utmost subtlety. You learn to work with two basic elements: silence and darkness. My experience in the play called “El Mundo al Revés” (The World Upside Down) with other Mexican artists, was absolutely life-changing. We fell in love with this new way of making theater and we continue to experiment with the company Los Habitantes. Today, their project is actively working and it is called El Origen.

I believe the future will bring new music and live-playing experiences. Together with Jonathan Ramirez I created Neo Paganos. We have played for several years and I think it is time to record our songs and upload them to the Internet. I also want to continue painting and to increase the size of my artworks. Those are my main plans for next year.

We thank Gabitsiki for this great interview.

More information on Gabitsiki here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicada en Ámsterdam, Holanda, Gabriela Ávalos, también conocida como Gabitsiki, es una artista visual, intérprete y terapeuta mexicana decida a unir lo mejor de su pasión por la música y sus experiencias personales en sus eclécticas creaciones. Su llamativo trabajo está formado por fragmentos de sus experiencias con los Huicholes, sus encuentros con pacientes en una institución psiquiátrica e incluso su propio trayecto que la llevó a convertirse en madre.

“El universo, las estrellas, la naturaleza salvaje, la inmensidad, el sentirse como un animal antes que humano. Todo esto son cosas que me inspiran” - Gabitsiki

Conoce a Gabitsiki en esta entrevista exclusiva con Saketekilla*.

¿Podrías por favor hablarnos un poco de ti? ¿De dónde vienes? 

Nací en Torreón, Coahuila y después me adoptaron como regia (Monterrey, Nuevo León.) Estudié Artes Visuales en la U.A.N.L. e hice dos diplomados, uno en Terapias Alternativas en la U.A.A.A.N. y uno en Arte Terapia impartido por la UAM Xochimilco. La primera vez que vine a Ámsterdam fue con mi familia cuando tenía 15 años. Ese viaje amplió mi forma de ver el mundo y desde entonces supe que tenía que volver.

¿Por qué elegiste el nombre Gabitsiki?

Es una forma de hacer mi nombre más pequeño. Gabi es un diminutivo de Gabriela y Gabitsiki es aún más pequeño. Siempre he representado menos edad; la gente me ha percibido como una niña,  así que decidí acentuarlo.

En tu página de Facebook vemos que tu trabajo abarca distintas disciplinas y técnicas artísticas, como fotografía, diversos tipos de pintura y dibujo e incluso un poco de poesía. ¿De qué manera escoges la técnica y la naturaleza de tu siguiente trabajo? ¿Podrías hablarnos de tu proceso creativo?

La idea simplemente aparece en mi mente. Por ejemplo, cuando escribo algo es porque empiezo a escucharlo en mi mente; es como una voz que escucho y a la que voy respondiendo. Cuando pinto es porque me llega una idea en forma de imagen. Al momento de tratar de reproducirla sale algo diferente, pero es una forma que va evolucionando. La fotografía es circunstancial. Tengo periodos en que tomo muchas fotos cada día; es como una forma de apreciar mi entorno inmediato y ampliar mi percepción sobre él. Mi proceso creativo viene de un periodo de reposo en el que no estoy "creando" nada. Solo estoy pensando y observando, imaginando y deseando. Esto se va acumulando hasta que empieza el proceso en que voy tomando los materiales; el primer encuentro con ellos es un desencanto, una lucha, una explosión. Después mi cuerpo y mi mente se van calmando y empiezo a depurar mi trazo.

¿Cómo definirías tu estilo?

Naive Onírico / Bruto ... o algo así (risas).

(Naive – denominado en ocasiones “arte infantil” por el uso de fuertes colores, espontaneidad y falta de perspectiva. Onírico – relacionado a los sueños. Bruto – término utilizado durante la década de los 40s para referirse a un arte fuera de lo “tradicional”.

En tu página también mencionas que eres una artista intérprete y una facilitadora de terapia artística. ¿Podrías hablarnos más al respecto? 

La música siempre ha sido mi segundo amor, aunque a veces pienso que el primero. Pero me ha tomado más tiempo comenzar a expresarme en ese medio porque me confronta más, me pone en una comunicación más directa conmigo misma y con los demás. Las interpretaciones que he realizado han sido una búsqueda ritual para curar mi alma del sufrimiento pasado y el miedo a expresarme. Me he puesto en situaciones límite con el público y me prometí que no haría interpretaciones a la ligera, sino solamente para lograr esa búsqueda espiritual de curación. En ese momento supe que la interpretación no sería mi medio, sin embargo, me ha dado la seguridad para pisar un escenario. Supongo que por eso después me invitaron a participar en proyectos de teatro. No soy actriz, pero sé estar presente para crear activamente con los demás.

Mi fascinación por la relación entre el arte y locura y el arte y la sanación me llevan a lo psiquiátrico. Realicé mi servicio social en la Unidad de Psiquiatría del Hospital Universitario de la U.A.N.L. y durante ese tiempo me integré muy bien tanto con los pacientes como con el personal de enfermería. Finalmente me quedé trabajando por 2 años, realizando la actividad de Arte Terapia con niños, adolescentes y adultos diagnosticados con diferentes padecimientos psiquiátricos como depresión, esquizofrenia, bi-polaridad, desórdenes alimenticios, etc. Ésta ha sido una de las experiencias más interesantes y gratificantes de mi vida, pero también un trabajo sumamente difícil que conlleva mucha, mucha responsabilidad.

¿Qué es lo que buscas expresar con tus distintas formas de arte? Como artista mexicana, ¿de qué manera tu herencia cultural influencia tu trabajo? ¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración? 

Pienso que la manera en que utilizo el color está muy influenciada por el arte de la cultura Wirrárika (mejor conocidos como Huicholes). Es un trabajo que admiro bastante por ser de una belleza única y porque además es un arte sagrado. Tuve la gran fortuna de poder pasar noches en el desierto del norte de México comiendo peyote y también de poder estar en una comunidad Huichol. La forma en que me recibieron me hizo sentir como un miembro de su familia. La gente fue sumamente hospitalaria. Creo que esa es mi mayor conexión con mis antepasados y que me acerca también a las culturas indígenas que se encuentran resistiendo para preservar sus tradiciones. Mis experiencias en el desierto son algo que constantemente quiero recrear, porque al hacerlo es como estar nuevamente ahí. El universo, las estrellas, la naturaleza salvaje, la inmensidad, el sentirse como un animal antes que humano. Todo esto son cosas que me inspiran.

En tus fotografías podemos ver que en ocasiones utilizas colores llamativos para dar vida a tus creaciones, ¿hay alguna razón en particular para eso? También notamos que el tema de la maternidad es recurrente en tus obras, ¿podrías explicar más al respecto?

A decir verdad, el tema de la maternidad es un asunto reciente. Más que nada, estoy representando mi energía sexual, siendo mi embarazo un momento culminante de ésta. La serie Concepción, Pregnancia y Alumbro contiene las imágenes que produje en el periodo previo, durante y posterior a mi embarazo. Una de las formas en que me preparé mentalmente para el parto fue dibujando, así podía encontrarme con mis miedos, visualizar la experiencia del nacimiento y darme serenidad.

Utilizo colores fosforescentes porque son estridentes, saltan a la vista, y son el color que representa la energía que siento cuando pinto. Cuando me acerco a la pintura la mayoría de las veces tengo una energía caótica. Los colores llamativos me sirven para expresar emociones fuertes como excitación, estrés o enojo, pero también felicidad, amor, enamoramiento y sorpresa.

¿Cuál ha sido el proyecto más satisfactorio en el que has participado? ¿Qué te depara el futuro? 

Yo creo que en cierta forma ha sido "Teatro de los Sentidos". Es una compañía de teatro única en el mundo. Sus obras son grandes laberintos donde el espectador se convierte en un viajero protagonista de la historia y a los actores se les llama habitantes. Es una forma diferente de hacer teatro y de vivirlo; como habitante de la obra tienes que desaparecer, ser muy sutil. El silencio y la penumbra son dos elementos básicos con los que aprendes a trabajar. Tuve la oportunidad de habitar en la obra "El mundo al revés" junto con otro grupo de artistas mexicanos. La experiencia resultó transformadora. Nos enamoramos de esta forma de hacer teatro y posteriormente seguimos experimentando con la compañía Los Habitantes. Actualmente el proyecto que está activo con actores mexicanos  se llama El Origen.

Yo creo que lo que sigue es hacer música y tocar en vivo. Junto con Jonathan Ramírez somos los Neo Paganos. Hemos estado tocando ya por algunos años y creo que es hora de grabar esas canciones y subirlas a la red. También quiero seguir pintando y ampliar el formato de mis obras. Básicamente esos son mis planes para el próximo año.

Agradecemos a Gabitsiki por esta magnífica entrevista.

Más información sobre Gabitsiki aquí.

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Ubicada en Ámsterdam, Holanda, Gabriela Ávalos, también conocida como Gabitsiki, es una artista visual, intérprete y terapeuta mexicana decida a unir lo mejor de su pasión por la música y sus experiencias personales en sus eclécticas creaciones. Su llamativo trabajo está formado por fragmentos de sus experiencias con los Huicholes, sus encuentros con pacientes en una institución psiquiátrica e incluso su propio trayecto que la llevó a convertirse en madre.

“El universo, las estrellas, la naturaleza salvaje, la inmensidad, el sentirse como un animal antes que humano. Todo esto son cosas que me inspiran” - Gabitsiki

Conoce a Gabitsiki en esta entrevista exclusiva con Saketekilla*.

¿Podrías por favor hablarnos un poco de ti? ¿De dónde vienes? 

Nací en Torreón, Coahuila y después me adoptaron como regia (Monterrey, Nuevo León.) Estudié Artes Visuales en la U.A.N.L. e hice dos diplomados, uno en Terapias Alternativas en la U.A.A.A.N. y uno en Arte Terapia impartido por la UAM Xochimilco. La primera vez que vine a Ámsterdam fue con mi familia cuando tenía 15 años. Ese viaje amplió mi forma de ver el mundo y desde entonces supe que tenía que volver.

¿Por qué elegiste el nombre Gabitsiki?

Es una forma de hacer mi nombre más pequeño. Gabi es un diminutivo de Gabriela y Gabitsiki es aún más pequeño. Siempre he representado menos edad; la gente me ha percibido como una niña,  así que decidí acentuarlo.

En tu página de Facebook vemos que tu trabajo abarca distintas disciplinas y técnicas artísticas, como fotografía, diversos tipos de pintura y dibujo e incluso un poco de poesía. ¿De qué manera escoges la técnica y la naturaleza de tu siguiente trabajo? ¿Podrías hablarnos de tu proceso creativo?

La idea simplemente aparece en mi mente. Por ejemplo, cuando escribo algo es porque empiezo a escucharlo en mi mente; es como una voz que escucho y a la que voy respondiendo. Cuando pinto es porque me llega una idea en forma de imagen. Al momento de tratar de reproducirla sale algo diferente, pero es una forma que va evolucionando. La fotografía es circunstancial. Tengo periodos en que tomo muchas fotos cada día; es como una forma de apreciar mi entorno inmediato y ampliar mi percepción sobre él. Mi proceso creativo viene de un periodo de reposo en el que no estoy "creando" nada. Solo estoy pensando y observando, imaginando y deseando. Esto se va acumulando hasta que empieza el proceso en que voy tomando los materiales; el primer encuentro con ellos es un desencanto, una lucha, una explosión. Después mi cuerpo y mi mente se van calmando y empiezo a depurar mi trazo.

¿Cómo definirías tu estilo?

Naive Onírico / Bruto ... o algo así (risas).

(Naive – denominado en ocasiones “arte infantil” por el uso de fuertes colores, espontaneidad y falta de perspectiva. Onírico – relacionado a los sueños. Bruto – término utilizado durante la década de los 40s para referirse a un arte fuera de lo “tradicional”.

En tu página también mencionas que eres una artista intérprete y una facilitadora de terapia artística. ¿Podrías hablarnos más al respecto? 

La música siempre ha sido mi segundo amor, aunque a veces pienso que el primero. Pero me ha tomado más tiempo comenzar a expresarme en ese medio porque me confronta más, me pone en una comunicación más directa conmigo misma y con los demás. Las interpretaciones que he realizado han sido una búsqueda ritual para curar mi alma del sufrimiento pasado y el miedo a expresarme. Me he puesto en situaciones límite con el público y me prometí que no haría interpretaciones a la ligera, sino solamente para lograr esa búsqueda espiritual de curación. En ese momento supe que la interpretación no sería mi medio, sin embargo, me ha dado la seguridad para pisar un escenario. Supongo que por eso después me invitaron a participar en proyectos de teatro. No soy actriz, pero sé estar presente para crear activamente con los demás.

Mi fascinación por la relación entre el arte y locura y el arte y la sanación me llevan a lo psiquiátrico. Realicé mi servicio social en la Unidad de Psiquiatría del Hospital Universitario de la U.A.N.L. y durante ese tiempo me integré muy bien tanto con los pacientes como con el personal de enfermería. Finalmente me quedé trabajando por 2 años, realizando la actividad de Arte Terapia con niños, adolescentes y adultos diagnosticados con diferentes padecimientos psiquiátricos como depresión, esquizofrenia, bi-polaridad, desórdenes alimenticios, etc. Ésta ha sido una de las experiencias más interesantes y gratificantes de mi vida, pero también un trabajo sumamente difícil que conlleva mucha, mucha responsabilidad.

¿Qué es lo que buscas expresar con tus distintas formas de arte? Como artista mexicana, ¿de qué manera tu herencia cultural influencia tu trabajo? ¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración? 

Pienso que la manera en que utilizo el color está muy influenciada por el arte de la cultura Wirrárika (mejor conocidos como Huicholes). Es un trabajo que admiro bastante por ser de una belleza única y porque además es un arte sagrado. Tuve la gran fortuna de poder pasar noches en el desierto del norte de México comiendo peyote y también de poder estar en una comunidad Huichol. La forma en que me recibieron me hizo sentir como un miembro de su familia. La gente fue sumamente hospitalaria. Creo que esa es mi mayor conexión con mis antepasados y que me acerca también a las culturas indígenas que se encuentran resistiendo para preservar sus tradiciones. Mis experiencias en el desierto son algo que constantemente quiero recrear, porque al hacerlo es como estar nuevamente ahí. El universo, las estrellas, la naturaleza salvaje, la inmensidad, el sentirse como un animal antes que humano. Todo esto son cosas que me inspiran.

En tus fotografías podemos ver que en ocasiones utilizas colores llamativos para dar vida a tus creaciones, ¿hay alguna razón en particular para eso? También notamos que el tema de la maternidad es recurrente en tus obras, ¿podrías explicar más al respecto?

A decir verdad, el tema de la maternidad es un asunto reciente. Más que nada, estoy representando mi energía sexual, siendo mi embarazo un momento culminante de ésta. La serie Concepción, Pregnancia y Alumbro contiene las imágenes que produje en el periodo previo, durante y posterior a mi embarazo. Una de las formas en que me preparé mentalmente para el parto fue dibujando, así podía encontrarme con mis miedos, visualizar la experiencia del nacimiento y darme serenidad.

Utilizo colores fosforescentes porque son estridentes, saltan a la vista, y son el color que representa la energía que siento cuando pinto. Cuando me acerco a la pintura la mayoría de las veces tengo una energía caótica. Los colores llamativos me sirven para expresar emociones fuertes como excitación, estrés o enojo, pero también felicidad, amor, enamoramiento y sorpresa.

¿Cuál ha sido el proyecto más satisfactorio en el que has participado? ¿Qué te depara el futuro? 

Yo creo que en cierta forma ha sido "Teatro de los Sentidos". Es una compañía de teatro única en el mundo. Sus obras son grandes laberintos donde el espectador se convierte en un viajero protagonista de la historia y a los actores se les llama habitantes. Es una forma diferente de hacer teatro y de vivirlo; como habitante de la obra tienes que desaparecer, ser muy sutil. El silencio y la penumbra son dos elementos básicos con los que aprendes a trabajar. Tuve la oportunidad de habitar en la obra "El mundo al revés" junto con otro grupo de artistas mexicanos. La experiencia resultó transformadora. Nos enamoramos de esta forma de hacer teatro y posteriormente seguimos experimentando con la compañía Los Habitantes. Actualmente el proyecto que está activo con actores mexicanos  se llama El Origen.

Yo creo que lo que sigue es hacer música y tocar en vivo. Junto con Jonathan Ramírez somos los Neo Paganos. Hemos estado tocando ya por algunos años y creo que es hora de grabar esas canciones y subirlas a la red. También quiero seguir pintando y ampliar el formato de mis obras. Básicamente esos son mis planes para el próximo año.

Agradecemos a Gabitsiki por esta magnífica entrevista.

Más información sobre Gabitsiki aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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December 24, 2014 - No Comments!

★ Binho Ribeiro (BR) | The Brazilian Side Of Graffiti

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Based in São Paulo, Binho Ribeiro is currently one of the most influential artistic figures and pioneers of the street art scene in Brazil. At a very young age he witnessed the exciting art of the graffiti and felt immediately drawn to its beauty and representation technique. Today, Ribeiro is the author of vibrant artworks depicting extraordinary 3D texts and different characters inspired by Brazilian wildlife and color. Throughout his career, he has created his flamboyant paintings in places like Paris, Tokyo, Los Angeles, Amsterdam, Beirut, Cape Town, Beijing and almost the entire Brazilian country.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Fabio Luiz Santos Ribeiro, also known as Binho Ribeiro, is a passionate artist and one of the first ones to bring to life the art of the graffiti in Brazil. His career began in 1984 as a result of his experience as a break-dancer and skater. “It was natural for me to express myself through graffiti” he shared with Global Street Art. Other sources of great influence were also his acquaintances with urban artists Os Gemeos and Speto, who would go out to the streets and paint. Little by little, Binho’s graffiti artworks grew in creativity and technique and soon enough he was able to transition from the representation of characters to a fantastic depiction of letters. Nowadays, his humorous style is known worldwide for his balanced contrast of smooth strokes, colors and forms inspired on Brazilian elements.

Nevertheless, Ribeiro’s 3D graffiti letters, illustrations and comical characters are by far his unique interest. He also works to help people, create a better environment for society, and support the street art platform in Brazil. In recent years, he has organized and curated street art cultural events –like the International Biennial of Fine Art Graffiti at the MUBE museum (Museu Brasileiro de Esculturas / Brazilian Museum of Sculptures) - in the hopes of reuniting young artists, expose their work and expand the embellishment of Brazilian streets.

“In Brazil graffiti is an art that educates young people. In many places it is used as a force against crime and vandalism. People support us now and we do projects with a big impact, supported by companies and the government”. – Binho Ribeiro told Global Street Art

Brazil is a country where street art is turning into a way a life. Artists from all over the world travel to Brazilian lands to participate in this collective movement in which they create magnificent works of art in all types of cities and neighborhoods. There is no doubt that in a place with such a powerful source of inspiration and support, the imaginary art of Binho Ribeiro will continue to thrive.

More information on Binho Ribeiro here.

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Fabio Luiz Santos Ribeiro, also known as Binho Ribeiro, is a passionate artist and one of the first ones to bring to life the art of the graffiti in Brazil. His career began in 1984 as a result of his experience as a break-dancer and skater. “It was natural for me to express myself through graffiti” he shared with Global Street Art. Other sources of great influence were also his acquaintances with urban artists Os Gemeos and Speto, who would go out to the streets and paint. Little by little, Binho’s graffiti artworks grew in creativity and technique and soon enough he was able to transition from the representation of characters to a fantastic depiction of letters. Nowadays, his humorous style is known worldwide for his balanced contrast of smooth strokes, colors and forms inspired on Brazilian elements.

Nevertheless, Ribeiro’s 3D graffiti letters, illustrations and comical characters are by far his unique interest. He also works to help people, create a better environment for society, and support the street art platform in Brazil. In recent years, he has organized and curated street art cultural events –like the International Biennial of Fine Art Graffiti at the MUBE museum (Museu Brasileiro de Esculturas / Brazilian Museum of Sculptures) - in the hopes of reuniting young artists, expose their work and expand the embellishment of Brazilian streets.

“In Brazil graffiti is an art that educates young people. In many places it is used as a force against crime and vandalism. People support us now and we do projects with a big impact, supported by companies and the government”. – Binho Ribeiro told Global Street Art

Brazil is a country where street art is turning into a way a life. Artists from all over the world travel to Brazilian lands to participate in this collective movement in which they create magnificent works of art in all types of cities and neighborhoods. There is no doubt that in a place with such a powerful source of inspiration and support, the imaginary art of Binho Ribeiro will continue to thrive.

More information on Binho Ribeiro here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Con residencia en São Paulo, Binho Ribeiro es en la actualidad uno de los pioneros y figuras artísticas más sobresalientes en el mundo del arte urbano en Brasil. A muy temprana edad fue testigo del no tan conocido arte del graffiti y desde entonces se sintió atraído por su belleza y técnica de representación. Hoy en día, Ribeiro es el creador de vibrantes obras de arte que expresan extraordinarios textos en tercera dimensión y diversos personajes cuya inspiración ha nacido de la fauna y los llamativos colores Brasileños. A lo largo de su carrera, Binho ha trabajado en lugares como París, Tokio, Los Ángeles, Ámsterdam, Beirut, Ciudad del Cabo, Beijing y casi todos los estados en Brasil.

Fabio Luiz Santos Ribeiro, también conocido como Binho Ribeiro, es un apasionado artista y uno de los primeros en iniciar el movimiento del arte urbano en Brasil. Su carrera comenzó en 1984 como resultado de sus experiencias como bailarín de break-dance y patinador. “Era natural para mi expresarme a través del graffiti” comentó con Global Street Art. Otras fuentes de inspiración fueron a su vez su amistad con los artistas urbanos Os Gemeos y Speto, con quienes solía salir a las calles a pintar. Poco a poco, los graffitis hechos por Binho evolucionaron en creatividad y técnica y muy pronto fue capaz de crear no solamente personajes sino también fantásticas letras y textos. En la actualidad su estilo lleno de humor es conocido a nivel internacional por su excelente balance de contrastes de líneas suaves, colores y formas inspiradas en elementos Brasileños.

Sin embargo, los graffitis, letras, ilustraciones y cómicos personajes creados por Ribeiro están lejos de ser su único interés. También trabaja para ayudar a la gente, crear un mejor ambiente para la sociedad y apoyar la plataforma del arte urbano en Brasil. En los últimos años, Binho ha sido el organizador y curador de diversos eventos culturales -como el International Biennial of Fine Art Graffiti at the MUBE museum (Museu Brasileiro de Esculturas / Museo Brasileño de Esculturas)- con la esperanza de reunir a artistas jóvenes, exponer su trabajo y expandir la decoración en las calles del país.

“En Brasil el graffiti es un arte que educa a personas jóvenes. En muchos lugares es usado como un arma en contra del crimen y el vandalismo. La gente nos apoya ahora y nosotros creamos proyectos con un gran impacto, muchas veces con el apoyo de diferentes compañías y del gobierno”. Binho Ribeiro dijo a Global Street Art

Brasil es un país donde el arte urbano es una forma de vida. Artistas de todas partes del mundo viajan a las tierras del país sudamericano para participar en este gran movimiento colectivo en donde son capaces de decorar todo tipo de ciudades y vecindarios. No cabe duda de que en un lugar con fuente de inspiración tan grande y un apoyo incondicional, el imaginario arte de Binho Ribeiro continuará prosperando.

Más información sobre Binho Ribeiro aquí.

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Con residencia en São Paulo, Binho Ribeiro es en la actualidad uno de los pioneros y figuras artísticas más sobresalientes en el mundo del arte urbano en Brasil. A muy temprana edad fue testigo del no tan conocido arte del graffiti y desde entonces se sintió atraído por su belleza y técnica de representación. Hoy en día, Ribeiro es el creador de vibrantes obras de arte que expresan extraordinarios textos en tercera dimensión y diversos personajes cuya inspiración ha nacido de la fauna y los llamativos colores Brasileños. A lo largo de su carrera, Binho ha trabajado en lugares como París, Tokio, Los Ángeles, Ámsterdam, Beirut, Ciudad del Cabo, Beijing y casi todos los estados en Brasil.

Fabio Luiz Santos Ribeiro, también conocido como Binho Ribeiro, es un apasionado artista y uno de los primeros en iniciar el movimiento del arte urbano en Brasil. Su carrera comenzó en 1984 como resultado de sus experiencias como bailarín de break-dance y patinador. “Era natural para mi expresarme a través del graffiti” comentó con Global Street Art. Otras fuentes de inspiración fueron a su vez su amistad con los artistas urbanos Os Gemeos y Speto, con quienes solía salir a las calles a pintar. Poco a poco, los graffitis hechos por Binho evolucionaron en creatividad y técnica y muy pronto fue capaz de crear no solamente personajes sino también fantásticas letras y textos. En la actualidad su estilo lleno de humor es conocido a nivel internacional por su excelente balance de contrastes de líneas suaves, colores y formas inspiradas en elementos Brasileños.

Sin embargo, los graffitis, letras, ilustraciones y cómicos personajes creados por Ribeiro están lejos de ser su único interés. También trabaja para ayudar a la gente, crear un mejor ambiente para la sociedad y apoyar la plataforma del arte urbano en Brasil. En los últimos años, Binho ha sido el organizador y curador de diversos eventos culturales -como el International Biennial of Fine Art Graffiti at the MUBE museum (Museu Brasileiro de Esculturas / Museo Brasileño de Esculturas)- con la esperanza de reunir a artistas jóvenes, exponer su trabajo y expandir la decoración en las calles del país.

“En Brasil el graffiti es un arte que educa a personas jóvenes. En muchos lugares es usado como un arma en contra del crimen y el vandalismo. La gente nos apoya ahora y nosotros creamos proyectos con un gran impacto, muchas veces con el apoyo de diferentes compañías y del gobierno”. Binho Ribeiro dijo a Global Street Art

Brasil es un país donde el arte urbano es una forma de vida. Artistas de todas partes del mundo viajan a las tierras del país sudamericano para participar en este gran movimiento colectivo en donde son capaces de decorar todo tipo de ciudades y vecindarios. No cabe duda de que en un lugar con fuente de inspiración tan grande y un apoyo incondicional, el imaginario arte de Binho Ribeiro continuará prosperando.

Más información sobre Binho Ribeiro aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

★ By Dalia Vasquez

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