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April 22, 2015 - No Comments!

★ Chaim Machlev (GE) | Timeless Ink Art

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Berlin-based tattoo artist Chaim Machlev uses lines and dots to engrave appealing yet unconventional designs on people’s skins. Usually of a large-scale and minimalistic style, his monochromatic tattoos achieve a remarkable sense of three-dimensionality and movement thanks to the delicate intertwining of organic and geometric elements that match the curves of the body shape. With clients from all over the world - Australia, Africa, America, South America, and the Middle East – Machlev has rapidly positioned as one of the most coveted tattoo artists in the last three years.


[Ver artículo en español abajo]

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[youtube http://www.youtube.com/watch?v=vDmo5YMQAy8]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

“A dot is something so simple that you can make things in a thousand different ways” – Chaim Machlev

Native from Tel Aviv, Israel, rising tattoo artist Chaim Machlev creates elegant line and dot designs inside his private studio, DotsToLines, in Berlin, Germany. A former project manager for an IT company, Machlev decided to start his tattooing career in 2012, after getting his first tattoo at Psycho Tattoo Studio in Tel Aviv and knowing tattoo artist Avi Vanunu. Chaim thinks of his first tattoo process as a life-changing experience that contributed to the definite unleash of his creativity. Because of it, today, he is the author of extraordinary body-art designs and one of the most trending tattooist of the moment.

The style of his work is simple yet distinctively sophisticated. Usually of a large-scale and symmetrical nature, Chaim’s tattoos are engraved across an arm, leg, back or chest, using black ink –the only color he thinks will make his designs timeless. The geometric shapes and wavy lines that he intertwines to produce abstract forms impeccably adapt and flow throughout the human body.

Through his art, Machlev attempts to beautify the body in movement and to make tattoos less intimidating for those who see them as a “negative” form of expression. Always striving for individuality, Chaim conceives each complex design separately according to the body shape in which it will be engraved.

“I experiment a lot, like on a daily basis—which is a bit risky when it comes to a non-reversible form of art, but I guess that is the only way to develop your own style as an artist and create something individual daily”. – Chaim Machlev told Inked Magazine

Influenced by nature and the spiritual world, Chaim Machlev gets his main inspiration from insects, lotus flowers and the symbol of universe, Mandala. As a meticulous and perfectionist artist, the high quality of his work has attracted thousands of online followers around the world creating a 1-2 years waiting time to get an appointment.

More information on Chaim Machlev here.

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“A dot is something so simple that you can make things in a thousand different ways” – Chaim Machlev

Native from Tel Aviv, Israel, rising tattoo artist Chaim Machlev creates elegant line and dot designs inside his private studio, DotsToLines, in Berlin, Germany. A former project manager for an IT company, Machlev decided to start his tattooing career in 2012, after getting his first tattoo at Psycho Tattoo Studio in Tel Aviv and knowing tattoo artist Avi Vanunu. Chaim thinks of his first tattoo process as a life-changing experience that contributed to the definite unleash of his creativity. Because of it, today, he is the author of extraordinary body-art designs and one of the most trending tattooist of the moment.

The style of his work is simple yet distinctively sophisticated. Usually of a large-scale and symmetrical nature, Chaim’s tattoos are engraved across an arm, leg, back or chest, using black ink –the only color he thinks will make his designs timeless. The geometric shapes and wavy lines that he intertwines to produce abstract forms impeccably adapt and flow throughout the human body.

Through his art, Machlev attempts to beautify the body in movement and to make tattoos less intimidating for those who see them as a “negative” form of expression. Always striving for individuality, Chaim conceives each complex design separately according to the body shape in which it will be engraved.

“I experiment a lot, like on a daily basis—which is a bit risky when it comes to a non-reversible form of art, but I guess that is the only way to develop your own style as an artist and create something individual daily”. – Chaim Machlev told Inked Magazine

Influenced by nature and the spiritual world, Chaim Machlev gets his main inspiration from insects, lotus flowers and the symbol of universe, Mandala. As a meticulous and perfectionist artist, the high quality of his work has attracted thousands of online followers around the world creating a 1-2 years waiting time to get an appointment.

More information on Chaim Machlev here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

“Un punto es algo tan simple que uno puede hacer cosas de mil maneras distintas” – Chaim Machlev

Originario de Tel Aviv, Israel y con residencia actual en Berlín, Alemana, Chaim Machlev es un artista y tatuador contemporáneo que utiliza líneas y puntos para crear sus atractivos y originales diseños. Generalmente de tamaño considerable y un estilo minimalista, sus tatuajes se caracterizan por su tridimensionalidad y sensación de movimiento gracias al elegante entrelazado de elementos orgánicos y  geométricos que se adaptan a las líneas del cuerpo.

Actualmente Chaim Machlev crea sus delicados diseños en su estudio DotsToLines. Años atrás, trabajaba como gerente de proyectos para una compañía de tecnologías de información, sin embargo, después de obtener su primer tatuaje en el 2012 en el Psycho Tattoo Studio en Tel Aviv y platicar con el artista Avi Vanunu, decidió comenzar su propia carrera como tatuador. Chaim opina que el proceso de hacerse su primer tatuaje fue una experiencia que le cambió la vida y lo que finalmente hizo que su creatividad saliera a flote. Debido a eso, hoy es el creador de extraordinarios diseños y uno de los tatuadores más buscados del momento.

El estilo de su trabajo es simple pero con una sofisticación única. Sus diseños -generalmente grandes y simétricos- son realizados en la superficie de un brazo, una pierna, la espalda o el pecho, usando tinta negra – el único color que él considera hará que sus diseños se vuelvan atemporales. Las figuras geométricas y las líneas curveadas que el artista logra entrecruzar para formar figuras abstractas se adaptan de manera impecable al cuerpo y fluyen a través de él.

A través de su arte, Machlev pretende hacer de la figura humana en movimiento algo más bello, además de hacer del arte del tatuaje una forma de expresión menos intimidante para aquellas personas que piensan de él como algo “negativo”. Siempre en búsqueda de la individualidad, Chaim crea el concepto de cada uno de sus diseños de manera separada, basándose en la forma única que tiene el cuerpo de la persona en el que será realizado el tatuaje.

“Experimento mucho, prácticamente todos los días – lo cual es un poco riesgoso si hablamos de un tipo de arte que no es reversible, pero supongo que es la única manera de desarrollar un estilo propio como artista y de crear algo individual diariamente”. - Chaim Machlev compartió con Inked Magazine

Influenciado por la naturaleza y el mundo espiritual, Chaim Machlev obtiene su principal fuente de inspiración de insectos, las flores de loto y del Mándala, el símbolo del universo. Como un artista perfeccionista y meticuloso, crea sus tatuajes con la más alta calidad, logrando un amplio número de seguidores en línea y una lista de espera de 1 a 2 años para la obtención de una cita.

Más información sobre Chaim Machlev aquí.

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“Un punto es algo tan simple que uno puede hacer cosas de mil maneras distintas” – Chaim Machlev

Originario de Tel Aviv, Israel y con residencia actual en Berlín, Alemana, Chaim Machlev es un artista y tatuador contemporáneo que utiliza líneas y puntos para crear sus atractivos y originales diseños. Generalmente de tamaño considerable y un estilo minimalista, sus tatuajes se caracterizan por su tridimensionalidad y sensación de movimiento gracias al elegante entrelazado de elementos orgánicos y  geométricos que se adaptan a las líneas del cuerpo.

Actualmente Chaim Machlev crea sus delicados diseños en su estudio DotsToLines. Años atrás, trabajaba como gerente de proyectos para una compañía de tecnologías de información, sin embargo, después de obtener su primer tatuaje en el 2012 en el Psycho Tattoo Studio en Tel Aviv y platicar con el artista Avi Vanunu, decidió comenzar su propia carrera como tatuador. Chaim opina que el proceso de hacerse su primer tatuaje fue una experiencia que le cambió la vida y lo que finalmente hizo que su creatividad saliera a flote. Debido a eso, hoy es el creador de extraordinarios diseños y uno de los tatuadores más buscados del momento.

El estilo de su trabajo es simple pero con una sofisticación única. Sus diseños -generalmente grandes y simétricos- son realizados en la superficie de un brazo, una pierna, la espalda o el pecho, usando tinta negra – el único color que él considera hará que sus diseños se vuelvan atemporales. Las figuras geométricas y las líneas curveadas que el artista logra entrecruzar para formar figuras abstractas se adaptan de manera impecable al cuerpo y fluyen a través de él.

A través de su arte, Machlev pretende hacer de la figura humana en movimiento algo más bello, además de hacer del arte del tatuaje una forma de expresión menos intimidante para aquellas personas que piensan de él como algo “negativo”. Siempre en búsqueda de la individualidad, Chaim crea el concepto de cada uno de sus diseños de manera separada, basándose en la forma única que tiene el cuerpo de la persona en el que será realizado el tatuaje.

“Experimento mucho, prácticamente todos los días – lo cual es un poco riesgoso si hablamos de un tipo de arte que no es reversible, pero supongo que es la única manera de desarrollar un estilo propio como artista y de crear algo individual diariamente”. - Chaim Machlev compartió con Inked Magazine

Influenciado por la naturaleza y el mundo espiritual, Chaim Machlev obtiene su principal fuente de inspiración de insectos, las flores de loto y del Mándala, el símbolo del universo. Como un artista perfeccionista y meticuloso, crea sus tatuajes con la más alta calidad, logrando un amplio número de seguidores en línea y una lista de espera de 1 a 2 años para la obtención de una cita.

Más información sobre Chaim Machlev aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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January 21, 2015 - No Comments!

★ Thomas Poulsom (UK) | Giving Lego Bricks Life

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Native from Bristol, UK, Thomas Poulsom is a gardener and a bird enthusiast whose formidable passion to create objects with LEGO bricks dates back to his childhood. In 2012, with a vast collection of LEGO pieces and years of experience reproducing man-made objects, Poulsom started a unique project in which he managed to bring to life splendid LEGO birds.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text] lego7 lego10 lego6 lego4 lego2-puffin lego lego8 lego15 lego11 lego12 [youtube http://www.youtube.com/watch?v=G4NaZtU0dhs] [/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Thomas Poulsom’s bird project combines his passion for nature and the magic of building objects with LEGO bricks. Gardening is an activity that has continuously placed him face to face with some of the most outstanding birds’ specimens. An example of that was his encounter with a Robin Red Breast, a bird that landed one day in the costumer’s garden he was working on and which gave him the idea to begin his extraordinary LEGO bird project.

Poulsom’s interest in LEGO has been an important aspect throughout most of his life. He has created exact replicas of different objects, like cars, trucks and spaceships. However, in 2012 he felt the need to build something different, something that reflected what he enjoys about his job and that helped both, adults and kids, appreciate nature and wildlife more. That was how, in an attempt to express his love and concern for the environment, he began his bird journey.

After creating his first seven LEGO birds, Poulsom posted the images on Flickr and to his surprise they rapidly received massive admiration from fans all around the word. “A follower suggested I add the birds to LEGO Ideas and here I am now with an official LEGO set containing my Idea” –Poulsom told LEGO Ideas.

Poulsom’s creative process varies from bird to bird and it can take him a night or several days to finish one replica. He carefully chooses the pieces that will best represent the animal’s features and makes sure that his creations are as accurate as possible in terms of shape, size, color, posture and character. Currently, his LEGO birds are classified in four groups: British birds, North America birds, Oceania birds and Tropical birds.

Finally, it took Thomas Poulsom 10,000 supporters to transform three of his birds (Robin from Europe, the Blue Jay from North America, and the Hummingbird from South America) into official 580-piece LEGO sets. Poulsom’s creations can be purchased since January 2015 here. His future goal is to take the LEGO sets to zoos, schools, universities, museums and galleries from all around the world so all kinds of people can receive his message about the importance of nature.

More information on Thomas Poulsom here.

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Thomas Poulsom’s bird project combines his passion for nature and the magic of building objects with LEGO bricks. Gardening is an activity that has continuously placed him face to face with some of the most outstanding birds’ specimens. An example of that was his encounter with a Robin Red Breast, a bird that landed one day in the costumer’s garden he was working on and which gave him the idea to begin his extraordinary LEGO bird project.

Poulsom’s interest in LEGO has been an important aspect throughout most of his life. He has created exact replicas of different objects, like cars, trucks and spaceships. However, in 2012 he felt the need to build something different, something that reflected what he enjoys about his job and that helped both, adults and kids, appreciate nature and wildlife more. That was how, in an attempt to express his love and concern for the environment, he began his bird journey.

After creating his first seven LEGO birds, Poulsom posted the images on Flickr and to his surprise they rapidly received massive admiration from fans all around the word. “A follower suggested I add the birds to LEGO Ideas and here I am now with an official LEGO set containing my Idea” –Poulsom told LEGO Ideas.

Poulsom’s creative process varies from bird to bird and it can take him a night or several days to finish one replica. He carefully chooses the pieces that will best represent the animal’s features and makes sure that his creations are as accurate as possible in terms of shape, size, color, posture and character. Currently, his LEGO birds are classified in four groups: British birds, North America birds, Oceania birds and Tropical birds.

Finally, it took Thomas Poulsom 10,000 supporters to transform three of his birds (Robin from Europe, the Blue Jay from North America, and the Hummingbird from South America) into official 580-piece LEGO sets. Poulsom’s creations can be purchased since January 2015 here. His future goal is to take the LEGO sets to zoos, schools, universities, museums and galleries from all around the world so all kinds of people can receive his message about the importance of nature.

More information on Thomas Poulsom here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Proveniente de la ciudad de Bristol, Inglaterra, Thomas Poulsom es un jardinero profesional y apasionado de las aves cuyo interés por crear objetos utilizando LEGOs comenzó a muy temprana edad. En el 2012, gracias a su gran colección de piezas de LEGO así como a sus años de experiencia reproduciendo objetos producidos por el hombre, Poulsom comenzó un proyecto para recrear en LEGO espléndidas especies de aves.

El proyecto de aves de Thomas Poulsom involucra dos de sus más fuertes pasiones: la naturaleza y lo mágico que es para él construir objetos utilizando piezas de LEGO. Jardinería es una actividad que le ha permitido desenvolverse de manera directa en un ambiente donde extraordinarias especies de aves pueden ser vistas en los momentos más inesperados. Un ejemplo de ello fue su encuentro con un Robin Red Breast, un ave que aterrizó un día en el jardín en el que se encontraba trabajando y la cual le dio la idea de comenzar su extraordinario proyecto de aves en LEGO.

El interés de Poulsom por construir piezas en LEGO ha sido un aspecto sumamente especial durante toda su vida. A lo largo de los años, ha creado réplicas exactas de diversos objetos, como carros, camiones y naves espaciales. Sin embargo, en el 2012 Thomas sintió la necesidad de crear algo diferente, algo que de alguna manera reflejara su amor por su trabajo y que además ayudara tanto a adultos como a niños, a apreciar la naturaleza y la fauna un poco más. Fue así como, en un intento por expresar su amor y preocupación por el medio ambiente, Poulsom comenzó su gran travesía.

Después de crear sus primeras siete aves en LEGO, Poulsom compartió las imágenes de su trabajo en Flickr y para su sorpresa, éstas recibieron rápidamente la admiración de centenar de personas alrededor del mundo. “Un seguidor de mi trabajo sugirió que yo añadiera mi proyecto a LEGO Ideas y aquí estoy, creador de un set oficial de LEGO que contiene mi Idea” – Poulsom compartió con LEGO Ideas.

El proceso creativo de Poulsom varía de acuerdo al ave en la que trabaja y puede tomarle de una noche a varios días terminar una réplica. Cuidadosamente escoge las piezas que mejor representarán cada una de las características del animal y se asegura de que sus creaciones sean lo más fieles a la realidad posible en términos de forma, tamaño, color, postura y personalidad. Hoy en día, sus aves en LEGO se clasifican en cuatro grupos: aves Inglesas, aves de Norteamérica, aves de Oceanía y aves Tropicales.

Finalmente, Tomas Poulsom requirió contar con 10,000 seguidores para lograr que tres de sus aves (Robin de Europa, el Blue Jay de Norteamérica, y el Hummingbird de Sudamérica) se convirtieran en sets oficiales de LEGO de 580 piezas cada uno. Sus creaciones pueden ser adquiridas a partir de Enero 2015 aquí. En un futuro, Poulsom espera poder llevar los nuevos sets de aves a zoológicos, escuelas, universidades, museos y galerías de todo el mundo de manera que todo tipo de personas puedan recibir su mensaje sobre la importancia del medio ambiente y la naturaleza.

Más información sobre Thomas Poulsom aquí.

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Proveniente de la ciudad de Bristol, Inglaterra, Thomas Poulsom es un jardinero profesional y apasionado de las aves cuyo interés por crear objetos utilizando LEGOs comenzó a muy temprana edad. En el 2012, gracias a su gran colección de piezas de LEGO así como a sus años de experiencia reproduciendo objetos producidos por el hombre, Poulsom comenzó un proyecto para recrear en LEGO espléndidas especies de aves.

El proyecto de aves de Thomas Poulsom involucra dos de sus más fuertes pasiones: la naturaleza y lo mágico que es para él construir objetos utilizando piezas de LEGO. Jardinería es una actividad que le ha permitido desenvolverse de manera directa en un ambiente donde extraordinarias especies de aves pueden ser vistas en los momentos más inesperados. Un ejemplo de ello fue su encuentro con un Robin Red Breast, un ave que aterrizó un día en el jardín en el que se encontraba trabajando y la cual le dio la idea de comenzar su extraordinario proyecto de aves en LEGO.

El interés de Poulsom por construir piezas en LEGO ha sido un aspecto sumamente especial durante toda su vida. A lo largo de los años, ha creado réplicas exactas de diversos objetos, como carros, camiones y naves espaciales. Sin embargo, en el 2012 Thomas sintió la necesidad de crear algo diferente, algo que de alguna manera reflejara su amor por su trabajo y que además ayudara tanto a adultos como a niños, a apreciar la naturaleza y la fauna un poco más. Fue así como, en un intento por expresar su amor y preocupación por el medio ambiente, Poulsom comenzó su gran travesía.

Después de crear sus primeras siete aves en LEGO, Poulsom compartió las imágenes de su trabajo en Flickr y para su sorpresa, éstas recibieron rápidamente la admiración de centenar de personas alrededor del mundo. “Un seguidor de mi trabajo sugirió que yo añadiera mi proyecto a LEGO Ideas y aquí estoy, creador de un set oficial de LEGO que contiene mi Idea” – Poulsom compartió con LEGO Ideas.

El proceso creativo de Poulsom varía de acuerdo al ave en la que trabaja y puede tomarle de una noche a varios días terminar una réplica. Cuidadosamente escoge las piezas que mejor representarán cada una de las características del animal y se asegura de que sus creaciones sean lo más fieles a la realidad posible en términos de forma, tamaño, color, postura y personalidad. Hoy en día, sus aves en LEGO se clasifican en cuatro grupos: aves Inglesas, aves de Norteamérica, aves de Oceanía y aves Tropicales.

Finalmente, Tomas Poulsom requirió contar con 10,000 seguidores para lograr que tres de sus aves (Robin de Europa, el Blue Jay de Norteamérica, y el Hummingbird de Sudamérica) se convirtieran en sets oficiales de LEGO de 580 piezas cada uno. Sus creaciones pueden ser adquiridas a partir de Enero 2015 aquí. En un futuro, Poulsom espera poder llevar los nuevos sets de aves a zoológicos, escuelas, universidades, museos y galerías de todo el mundo de manera que todo tipo de personas puedan recibir su mensaje sobre la importancia del medio ambiente y la naturaleza.

Más información sobre Thomas Poulsom aquí.

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October 8, 2014 - No Comments!

★ Andy Scott (UK) | Outer Metallic Craftsmanship

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Graduated from the Bachelor and Post Graduate Diploma of Fine Art Sculpture at Glasgow School of Art, Andy Scott is an internationally prominent artist whose figurative sculptures have become famous landmarks in the Scottish scenery. His work is the result of an assortment of traditional practices, contemporary production techniques and an outstanding team effort.


[Ver artículo en español abajo]

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[vimeo 90747645 w=100 h=338]

The Kelpies from The Helix on Vimeo.

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Born in the district of Springburn in the city of Glasgow, Andy Scott received from his father the passion for art and an honest work ethic. Based in the area of Maryhill, Scott has transcended within the realm of contemporary public art thanks to the creative design and successful production and assembly of more than 70 projects. His versatility to work with different materials as well as his great endowment are aspects that have made of his career an incomparable artistic journey.

Always supported by remarkable concepts, and carefully sited according the history, legends and geography they are based on, Scott’s sculptures diverge in size and go from 3 to 30 meters high. He is best known for his work with bronze, fiberglass and galvanized steel and some of his greatest artworks include thousands of steel plates warily adapted in order to convey the most delicate and organic forms. An example of this is his sculpture called “Rise”, located at Meadowside Square in Glasgow.

Andy Scott’s magnificent creatures merge with the environment thanks to their powerful ability to attract the viewer’s attention and emotions. The sculptures’ semi-translucency, detail and great magnitude, combined with the external light that usually complements the project, make of the setting an striking attraction.

Scott’s figures have travelled around the world. However, since 2007, art enthusiasts can appreciate six of his artworks in the Andy Scott Sculpture Trail, which runs throughout the county of Clackmannanshire in Scotland. Among his most acknowledged projects is "The Kelpies", a huge set of two horse-head sculptures based on the legend of water-spirits and which honor the horse heritage across the country. Such massive structure took more than 7 years to be completed and 1 year to assemble.

More information on Andy Scott here.

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Born in the district of Springburn in the city of Glasgow, Andy Scott received from his father the passion for art and an honest work ethic. Based in the area of Maryhill, Scott has transcended within the realm of contemporary public art thanks to the creative design and successful production and assembly of more than 70 projects. His versatility to work with different materials as well as his great endowment are aspects that have made of his career an incomparable artistic journey.

Always supported by remarkable concepts, and carefully sited according the history, legends and geography they are based on, Scott’s sculptures diverge in size and go from 3 to 30 meters high. He is best known for his work with bronze, fiberglass and galvanized steel and some of his greatest artworks include thousands of steel plates warily adapted in order to convey the most delicate and organic forms. An example of this is his sculpture called “Rise”, located at Meadowside Square in Glasgow.

Andy Scott’s magnificent creatures merge with the environment thanks to their powerful ability to attract the viewer’s attention and emotions. The sculptures’ semi-translucency, detail and great magnitude, combined with the external light that usually complements the project, make of the setting an striking attraction.

Scott’s figures have travelled around the world. However, since 2007, art enthusiasts can appreciate six of his artworks in the Andy Scott Sculpture Trail, which runs throughout the county of Clackmannanshire in Scotland. Among his most acknowledged projects is "The Kelpies", a huge set of two horse-head sculptures based on the legend of water-spirits and which honor the horse heritage across the country. Such massive structure took more than 7 years to be completed and 1 year to assemble.

More information on Andy Scott here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Andy Scott es un artista conocido a nivel internacional cuyas esculturas de carácter figurativo se han convertido en famosas estructuras de origen escocés. Graduado de la licenciatura y posgrado en Arte y Escultura en la Escuela de Arte de Glasgow, el trabajo de este talentoso artista es el resultado de una combinación de métodos tradicionales, técnicas de producción modernas y una magnífica labor colectiva.

Nacido en el distrito de Springburn en la ciudad de Glasgow, Andy Scott heredó de su padre su pasión por el arte y su honesta y fuerte ética de trabajo. Actualmente basado en el área de Maryhill, Scott ha trascendido en el ámbito del arte público contemporáneo gracias al diseño, producción y ensamblaje de más de 70 proyectos en los que ha participado. Su talento y habilidad para trabajar con diversos materiales han hecho de su carrera una experiencia artística incomparable.

Sus esculturas se encuentran constantemente basadas en extraordinarios conceptos y situadas en lugares de acuerdo a la historia, leyenda y/o geografía que las apoyan. El tamaño de sus figuras varía de los 3 a los 30 metros de altura. Su gran talento es conocido por su trabajo en bronce, fibra de vidrio y acero galvanizado y algunas de sus más destacadas obras incluyen miles de placas de acero posicionadas cuidadosamente de manera que representen delicadas formas orgánicas. Un ejemplo de esto es su escultura llamada “Rise”, ubicada en Meadowside Square en Glasgow.

Las esculturas creadas por Andy Scott tienen el poder de atraer la atención y emoción del espectador debido a su imponente naturaleza y fusión con el ambiente. Su nivel de detalle, gran tamaño y semi-transparencia son aspectos básicos que al combinarse con la luz que las complementa hacen del escenario una atracción única.

Su trabajo ha viajado a diversas ciudades alrededor del mundo. Sin embargo, desde el año 2007, seis de sus esculturas pueden ser apreciadas al aire libre en el Andy Scott Sculpture Trail, el cual forma parte del condado de Clackmannanshire en Escocia. Entre sus proyectos más reconocidos está "The Kelpies", un enorme set de dos cabezas de caballo basado en la leyenda de espíritus marinos y el cual honra la gran influencia equina del país. Dicha obra le tomó al artista más de 7 años en construirse y un año en ensamblarse.

Más información sobre Andy Scott aquí.

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Andy Scott es un artista conocido a nivel internacional cuyas esculturas de carácter figurativo se han convertido en famosas estructuras de origen escocés. Graduado de la licenciatura y posgrado en Arte y Escultura en la Escuela de Arte de Glasgow, el trabajo de este talentoso artista es el resultado de una combinación de métodos tradicionales, técnicas de producción modernas y una magnífica labor colectiva.

Nacido en el distrito de Springburn en la ciudad de Glasgow, Andy Scott heredó de su padre su pasión por el arte y su honesta y fuerte ética de trabajo. Actualmente basado en el área de Maryhill, Scott ha trascendido en el ámbito del arte público contemporáneo gracias al diseño, producción y ensamblaje de más de 70 proyectos en los que ha participado. Su talento y habilidad para trabajar con diversos materiales han hecho de su carrera una experiencia artística incomparable.

Sus esculturas se encuentran constantemente basadas en extraordinarios conceptos y situadas en lugares de acuerdo a la historia, leyenda y/o geografía que las apoyan. El tamaño de sus figuras varía de los 3 a los 30 metros de altura. Su gran talento es conocido por su trabajo en bronce, fibra de vidrio y acero galvanizado y algunas de sus más destacadas obras incluyen miles de placas de acero posicionadas cuidadosamente de manera que representen delicadas formas orgánicas. Un ejemplo de esto es su escultura llamada “Rise”, ubicada en Meadowside Square en Glasgow.

Las esculturas creadas por Andy Scott tienen el poder de atraer la atención y emoción del espectador debido a su imponente naturaleza y fusión con el ambiente. Su nivel de detalle, gran tamaño y semi-transparencia son aspectos básicos que al combinarse con la luz que las complementa hacen del escenario una atracción única.

Su trabajo ha viajado a diversas ciudades alrededor del mundo. Sin embargo, desde el año 2007, seis de sus esculturas pueden ser apreciadas al aire libre en el Andy Scott Sculpture Trail, el cual forma parte del condado de Clackmannanshire en Escocia. Entre sus proyectos más reconocidos está "The Kelpies", un enorme set de dos cabezas de caballo basado en la leyenda de espíritus marinos y el cual honra la gran influencia equina del país. Dicha obra le tomó al artista más de 7 años en construirse y un año en ensamblarse.

Más información sobre Andy Scott aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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September 10, 2014 - No Comments!

★ Rick Silva (BR) | Inspiring Digital Landscapes

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A Brazilian artist and animator who transforms his visions of nature into a set of extraordinary virtual GIF images. Highly influenced by landscapes, wildlife, parallel universes and the fusion of technology and the natural world, Rick Silva spends most of his time working outdoors in order to acquire natural details and new sources of inspiration.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

With a BFA in Film and a MFA in Art obtained at the University of Colorado, in the USA, Rick Silva has participated in numerous exhibitions around the world. Among his most famous works is “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future” which features 18 videos of surreal, geometric and abstract flying birds that drift in a futuristic atmosphere.

Silva’s work is characterized by psychedelic colors and shimmering surfaces. In each one of his creations he transmits his ultimate fascination with perception, light and time, as well as his need to give an organic sense to his virtual compositions. As the Impressionist and Post-Impressionist artists accustomed in their time, Silva finds the outside space the ideal place to create multiple digital interpretations of his surroundings. The best example of this practice can be found in his continuing project “En Plein Air”, a series of GIF images depicting diverse virtual landscapes that can be differentiated between one another thanks to Silva’s careful documentation of place, date, time, and temperature. The result is a fantastic gathering of moving and pointy images in which the spectator can always perceive the artist’s main impression: a sunny day, mountains reflected on a lake or a cloudy weather, among others.

Constantly working with different computers, cameras and software like Cinema 4D, Silva transforms the outside world into malleable digital compositions. His work is the latest example of how the natural world can coexist with technology inside a creative mind.

More information on Rick Silva here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

With a BFA in Film and a MFA in Art obtained at the University of Colorado, in the USA, Rick Silva has participated in numerous exhibitions around the world. Among his most famous works is “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future” which features 18 videos of surreal, geometric and abstract flying birds that drift in a futuristic atmosphere.

Silva’s work is characterized by psychedelic colors and shimmering surfaces. In each one of his creations he transmits his ultimate fascination with perception, light and time, as well as his need to give an organic sense to his virtual compositions. As the Impressionist and Post-Impressionist artists accustomed in their time, Silva finds the outside space the ideal place to create multiple digital interpretations of his surroundings. The best example of this practice can be found in his continuing project “En Plein Air”, a series of GIF images depicting diverse virtual landscapes that can be differentiated between one another thanks to Silva’s careful documentation of place, date, time, and temperature. The result is a fantastic gathering of moving and pointy images in which the spectator can always perceive the artist’s main impression: a sunny day, mountains reflected on a lake or a cloudy weather, among others.

Constantly working with different computers, cameras and software like Cinema 4D, Silva transforms the outside world into malleable digital compositions. His work is the latest example of how the natural world can coexist with technology inside a creative mind.

More information on Rick Silva here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Rick Silva es un artista y animador brasileño que se dedica a transformar su percepción de la naturaleza en extraordinarias imágenes animadas GIF. A lo largo de su carrera, se ha visto ampliamente influenciado por paisajes naturales, la flora y la fauna, universos paralelos y la fusión de la tecnología con el mundo natural. Actualmente pasa gran parte de su tiempo trabajando al aire libre con el objetivo de ampliar sus horizontes y encontrar nuevas fuentes de inspiración.

Graduado de la Maestría de Arte en la Universidad de Colorado en Estados Unidos, Rick Silva ha participado en numerosas exhibiciones alrededor del mundo. Entre sus trabajos más reconocidos se encuentra el “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future”, una serie de 18 videos ilustrando aves de carácter surreal, geométrico y abstracto que dan la impresión de volar sin rumbo en una atmósfera futurista.

El trabajo de Silva se caracteriza por colores psicodélicos y una apariencia brillante. En cada una de sus creaciones se puede apreciar su fuerte fascinación por la percepción, la luz y el tiempo, así como su necesidad de dar un toque orgánico a sus composiciones. Así como los artistas Impresionistas y Post-Impresionistas hicieron en su tiempo, Silva encuentra en el espacio exterior el ambiente perfecto para trabajar y realizar múltiples interpretaciones digitales del mundo que lo rodea. El proyecto que mejor refleja esta práctica es su actual serie de imágenes GIF titulado “En Plein Air”. Éste consiste en la producción virtual de paisajes que pueden ser diferenciados entre sí gracias a la documentación del lugar, la fecha, la hora y la temperatura que representan. El resultado es un fantástico conjunto de imágenes en movimiento en las que el espectador es capaz de diferenciar la idea principal del artista: un día soleado, montañas que se reflejan en un lago o un clima nublado, entre otros.

Trabajando constantemente con diferentes computadoras, cámaras y programas digitales como Cinema 4D, Silva transforma el mundo exterior en maleables composiciones digitales. Su trabajo es uno de los últimos ejemplos de cómo el mundo natural puede coexistir con la tecnología a través de una mente creativa.

Más información sobre Rick Silva aquí.

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Rick Silva es un artista y animador brasileño que se dedica a transformar su percepción de la naturaleza en extraordinarias imágenes animadas GIF. A lo largo de su carrera, se ha visto ampliamente influenciado por paisajes naturales, la flora y la fauna, universos paralelos y la fusión de la tecnología con el mundo natural. Actualmente pasa gran parte de su tiempo trabajando al aire libre con el objetivo de ampliar sus horizontes y encontrar nuevas fuentes de inspiración.

Graduado de la Maestría de Arte en la Universidad de Colorado en Estados Unidos, Rick Silva ha participado en numerosas exhibiciones alrededor del mundo. Entre sus trabajos más reconocidos se encuentra el “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future”, una serie de 18 videos ilustrando aves de carácter surreal, geométrico y abstracto que dan la impresión de volar sin rumbo en una atmósfera futurista.

El trabajo de Silva se caracteriza por colores psicodélicos y una apariencia brillante. En cada una de sus creaciones se puede apreciar su fuerte fascinación por la percepción, la luz y el tiempo, así como su necesidad de dar un toque orgánico a sus composiciones. Así como los artistas Impresionistas y Post-Impresionistas hicieron en su tiempo, Silva encuentra en el espacio exterior el ambiente perfecto para trabajar y realizar múltiples interpretaciones digitales del mundo que lo rodea. El proyecto que mejor refleja esta práctica es su actual serie de imágenes GIF titulado “En Plein Air”. Éste consiste en la producción virtual de paisajes que pueden ser diferenciados entre sí gracias a la documentación del lugar, la fecha, la hora y la temperatura que representan. El resultado es un fantástico conjunto de imágenes en movimiento en las que el espectador es capaz de diferenciar la idea principal del artista: un día soleado, montañas que se reflejan en un lago o un clima nublado, entre otros.

Trabajando constantemente con diferentes computadoras, cámaras y programas digitales como Cinema 4D, Silva transforma el mundo exterior en maleables composiciones digitales. Su trabajo es uno de los últimos ejemplos de cómo el mundo natural puede coexistir con la tecnología a través de una mente creativa.

Más información sobre Rick Silva aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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September 3, 2014 - No Comments!

★ Diana Beltrán Herrera (CO) | Rediscovering Magical Wildlife

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in Bristol, England, Diana Beltrán is a Colombian sculptor and designer who recreates exotic elements of nature- birds in particular- in order to make a statement about the gradual separation that humans are suffering from the environment in today’s society. With a strong background in crafts, colors, patterns and volumes, and a profound passion for birds, Diana intents to influence the world in a positive way and give people the opportunity to rediscover their natural surroundings before it is too late.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Graduated from the bachelor of Industrial Design at the Jorge Tadeo Lozano University in Bogota, Colombia in 2010 and currently studying a MA of Fine Arts at the University of the West of England, Diana Beltrán has reproduced more than 100 species of tropical birds. She observes photographs, researches the animal’s habitat and way of living, and talks to members of the ornithology world in order to reconstruct the birds as accurately as possible.

Diana’s handmade paper sculptures aim to represent an ideal universe in which the relationship between humans and nature is restored and not so often disregarded by people. Her delicate and detailed birds are characterized by economic materials and an enduring process in which repetition is the key aspect of accomplishment.

“The world is a 24-hour day full of inspiration”, Diana shares when asked about her motivation. A photograph and a drawing in Illustrator is all that this talented artist needs in order to bring to life the real-size sculptures of such fantastic flying creatures. Generally, the manufacture period of each bird is from 5 days to 2 weeks, depending on the complexity and size of the animal.

More information on Diana Beltrán Herrera here.

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Graduated from the bachelor of Industrial Design at the Jorge Tadeo Lozano University in Bogota, Colombia in 2010 and currently studying a MA of Fine Arts at the University of the West of England, Diana Beltrán has reproduced more than 100 species of tropical birds. She observes photographs, researches the animal’s habitat and way of living, and talks to members of the ornithology world in order to reconstruct the birds as accurately as possible.

Diana’s handmade paper sculptures aim to represent an ideal universe in which the relationship between humans and nature is restored and not so often disregarded by people. Her delicate and detailed birds are characterized by economic materials and an enduring process in which repetition is the key aspect of accomplishment.

“The world is a 24-hour day full of inspiration”, Diana shares when asked about her motivation. A photograph and a drawing in Illustrator is all that this talented artist needs in order to bring to life the real-size sculptures of such fantastic flying creatures. Generally, the manufacture period of each bird is from 5 days to 2 weeks, depending on the complexity and size of the animal.

More information on Diana Beltrán Herrera here.

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Con residencia actual en Bristol, Inglaterra, Diana Beltrán es una diseñadora y escultura Colombiana que se dedica a recrear exóticos miembros de la naturaleza –principalmente aves- con el objetivo de declarar su postura con respecto a la fuerte separación que se está llevando a cabo entre el ser humano de nuestra sociedad contemporánea y el medio ambiente. Con antecedentes en artes plásticas, el estudio de color, patrones y volúmenes, y con una intensa pasión por las aves, Beltrán intenta influenciar al mundo de manera positiva y brindar a las personas la oportunidad de redescubrir el mundo natural antes de que sea demasiado tarde.

Graduada de la licenciatura en Diseño Industrial en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá, Colombia en el 2010 y actualmente estudiando una maestría en artes en la Universidad de West of England, Diana Beltrán ha reproducido más de 100 especies de aves tropicales. Gracias al estudio del hábitat y forma de vida de dichas especies, su observación de fotografías y sus reuniones con ornitólogos, Diana reconstruye sus aves lo más exactas y cercanas a la realidad posible.

Sus esculturas de papel fabricadas a mano representan un universo ficticio en el que la relación entre los humanos y la naturaleza se ve restaurada. Sus detalladas y delicadas aves se caracterizan por materiales económicos y un paciente proceso creativo en el que la repetición es un factor clave para llevarlas a cabo.

“El mundo es un lugar lleno de inspiración las 24 horas al día”, es lo que Diana piensa respecto a su motivación para seguir trabajando. Una fotografía y un dibujo en el programa Ilustrador son las principales herramientas que esta talentosa artista necesita para crear sus fantásticas esculturas de tamaño real. Generalmente, la manufactura de cada una de ellas le lleva de 5 días a 2 semanas, dependiendo del grado de complejidad y el tamaño del ave en cuestión.

Más información sobre Diana Beltrán aquí.

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Con residencia actual en Bristol, Inglaterra, Diana Beltrán es una diseñadora y escultura Colombiana que se dedica a recrear exóticos miembros de la naturaleza –principalmente aves- con el objetivo de declarar su postura con respecto a la fuerte separación que se está llevando a cabo entre el ser humano de nuestra sociedad contemporánea y el medio ambiente. Con antecedentes en artes plásticas, el estudio de color, patrones y volúmenes, y con una intensa pasión por las aves, Beltrán intenta influenciar al mundo de manera positiva y brindar a las personas la oportunidad de redescubrir el mundo natural antes de que sea demasiado tarde.

Graduada de la licenciatura en Diseño Industrial en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá, Colombia en el 2010 y actualmente estudiando una maestría en artes en la Universidad de West of England, Diana Beltrán ha reproducido más de 100 especies de aves tropicales. Gracias al estudio del hábitat y forma de vida de dichas especies, su observación de fotografías y sus reuniones con ornitólogos, Diana reconstruye sus aves lo más exactas y cercanas a la realidad posible.

Sus esculturas de papel fabricadas a mano representan un universo ficticio en el que la relación entre los humanos y la naturaleza se ve restaurada. Sus detalladas y delicadas aves se caracterizan por materiales económicos y un paciente proceso creativo en el que la repetición es un factor clave para llevarlas a cabo.

“El mundo es un lugar lleno de inspiración las 24 horas al día”, es lo que Diana piensa respecto a su motivación para seguir trabajando. Una fotografía y un dibujo en el programa Ilustrador son las principales herramientas que esta talentosa artista necesita para crear sus fantásticas esculturas de tamaño real. Generalmente, la manufactura de cada una de ellas le lleva de 5 días a 2 semanas, dependiendo del grado de complejidad y el tamaño del ave en cuestión.

Más información sobre Diana Beltrán aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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August 13, 2014 - No Comments!

★ Federico Uribe (CO) | Hybrid Art And The Celebration Of Life

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A Colombian painter and conceptual artist who fuses his own work and talent with hundreds – and sometimes thousands - of daily life objects. His purpose is to allow people to joyfully reconnect to life and experience beauty through his unusual and colorful installations.


[Ver artículo en español abajo]

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“This [his work] is not about making statements; this is about transmitting feelings to people”. – Federico Uribe

Born in Bogota in 1962 and currently based in Miami, Florida, Federico Uribe reuses different materials such as pencils, cables, baby bottle nipples, coins, screws, and shoe laces to create outstanding artworks. After graduating from the bachelor of arts at the University of Los Andes in Bogota, he travelled to New York to study a master of fine arts.

Uribe’s career transitioned from painting to sculpting when he became attracted to ordinary objects and their endless possibilities of combination and arrangement. His sculptures are multiple arrays of elements that beautifully reveal different figures, forms and volumes from a far distance, and also invite the viewer to closely discover the exhaustive and detailed art-making process required to achieve them.

In his artworks, color, form, texture, repetition and symbolism are key factors that when fused together generate a new form of self-expression in which objects acquire different meanings. Highly influenced by literature and psychology, Uribe creates extraordinary characters placing figurative and abstract elements in diverse contexts in order to give the work a new sense of history, personality, attitude and gesture. His sculptures bond themselves with the environment creating a unique three-dimensional effect that has attracted viewers all around the world. Among his most recognized exhibitions are “Pencilism: Paintings”, “Animal Farm” and "Abstract-O".

“I feel that every object that you choose says something about you, says something about your confrontation to life, and with time I learned that celebrating life was better that complaining about it”. – Federico Uribe

More information on Federico Uribe here.

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“This [his work] is not about making statements; this is about transmitting feelings to people”. – Federico Uribe

Born in Bogota in 1962 and currently based in Miami, Florida, Federico Uribe reuses different materials such as pencils, cables, baby bottle nipples, coins, screws, and shoe laces to create outstanding artworks. After graduating from the bachelor of arts at the University of Los Andes in Bogota, he travelled to New York to study a master of fine arts.

Uribe’s career transitioned from painting to sculpting when he became attracted to ordinary objects and their endless possibilities of combination and arrangement. His sculptures are multiple arrays of elements that beautifully reveal different figures, forms and volumes from a far distance, and also invite the viewer to closely discover the exhaustive and detailed art-making process required to achieve them.

In his artworks, color, form, texture, repetition and symbolism are key factors that when fused together generate a new form of self-expression in which objects acquire different meanings. Highly influenced by literature and psychology, Uribe creates extraordinary characters placing figurative and abstract elements in diverse contexts in order to give the work a new sense of history, personality, attitude and gesture. His sculptures bond themselves with the environment creating a unique three-dimensional effect that has attracted viewers all around the world. Among his most recognized exhibitions are “Pencilism: Paintings”, “Animal Farm” and "Abstract-O".

“I feel that every object that you choose says something about you, says something about your confrontation to life, and with time I learned that celebrating life was better that complaining about it”. – Federico Uribe

More information on Federico Uribe here.

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“El objetivo de mi trabajo no es hacer declaraciones, sino trasmitir sentimientos a la gente” – Federico Uribe

Federico Uribe es un pintor y artista conceptual colombiano nacido en Bogotá en 1962 y con residencia actual en Miami, Florida. Utiliza cientos – y en ocasiones miles – de objetos de la vida diaria (como lápices, cables, tapaderas, monedas, tornillos y agujetas) para complementar su trabajo artístico. Su objetivo es brindar a la gente la oportunidad de reconectarse plácidamente con la vida y experimentar su belleza a través de sus inusuales y coloridas instalaciones. Estudió arte en la Universidad de Los Andes en Bogotá, y cuenta con una maestría en artes plásticas.

Uribe pasó de la pintura al arte de la escultura al verse atraído por objetos cotidianos y su infinita posibilidad de combinaciones y arreglos. Sus creaciones son múltiples exposiciones de elementos que de manera estética y a gran distancia logran revelar diferentes imágenes, formas y volúmenes, pero las cuales invitan al observador a detectar de cerca el exhaustivo trabajo, detalle y proceso creativo por el que tienen que pasar para llevarse a cabo.

En sus obras, el color, la forma, la textura, la repetición y el simbolismo son factores clave que al combinarse entre sí generan una nueva forma de expresión en la que los objetos finales adquieren diferentes significados. Ampliamente influenciado por la literatura y la psicología, Uribe crea personajes extraordinarios en donde elementos figurativos y abstractos son ubicados en contextos alternativos con el propósito de darles un nuevo sentido histórico, así como personalidad, actitud y gestos. Sus esculturas se vinculan con el ambiente creando un efecto tridimensional que ha atraído a espectadores en múltiples exhibiciones alrededor del mundo. Entre las más reconocidas se encuentran “Pencilism: Paintings”, “Animal Farm” y “Abstract-O”.

“Siento que cada objeto que uno escoge dice algo acerca de uno mismo, algo acerca de la confrontación que uno tiene con la vida; con el tiempo he aprendido que vale la pena existir celebrando la vida y no quejándonos de ella”. – Federico Uribe

Más información sobre Federico Uribe aquí.

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“El objetivo de mi trabajo no es hacer declaraciones, sino trasmitir sentimientos a la gente” – Federico Uribe

Federico Uribe es un pintor y artista conceptual colombiano nacido en Bogotá en 1962 y con residencia actual en Miami, Florida. Utiliza cientos – y en ocasiones miles – de objetos de la vida diaria (como lápices, cables, tapaderas, monedas, tornillos y agujetas) para complementar su trabajo artístico. Su objetivo es brindar a la gente la oportunidad de reconectarse plácidamente con la vida y experimentar su belleza a través de sus inusuales y coloridas instalaciones. Estudió arte en la Universidad de Los Andes en Bogotá, y cuenta con una maestría en artes plásticas.

Uribe pasó de la pintura al arte de la escultura al verse atraído por objetos cotidianos y su infinita posibilidad de combinaciones y arreglos. Sus creaciones son múltiples exposiciones de elementos que de manera estética y a gran distancia logran revelar diferentes imágenes, formas y volúmenes, pero las cuales invitan al observador a detectar de cerca el exhaustivo trabajo, detalle y proceso creativo por el que tienen que pasar para llevarse a cabo.

En sus obras, el color, la forma, la textura, la repetición y el simbolismo son factores clave que al combinarse entre sí generan una nueva forma de expresión en la que los objetos finales adquieren diferentes significados. Ampliamente influenciado por la literatura y la psicología, Uribe crea personajes extraordinarios en donde elementos figurativos y abstractos son ubicados en contextos alternativos con el propósito de darles un nuevo sentido histórico, así como personalidad, actitud y gestos. Sus esculturas se vinculan con el ambiente creando un efecto tridimensional que ha atraído a espectadores en múltiples exhibiciones alrededor del mundo. Entre las más reconocidas se encuentran “Pencilism: Paintings”, “Animal Farm” y “Abstract-O”.

“Siento que cada objeto que uno escoge dice algo acerca de uno mismo, algo acerca de la confrontación que uno tiene con la vida; con el tiempo he aprendido que vale la pena existir celebrando la vida y no quejándonos de ella”. – Federico Uribe

Más información sobre Federico Uribe aquí.

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June 12, 2014 - No Comments!

★ Tomas Saraceno (AR) | Ideal Cities For The Future

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

An Argentinian artist who explores the possibility of future sustainable aerial ways of life through his geometrical experiments, models and proposals.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Tomás Saraceno, Air-Port-City / Cloud Cities at Tanya Bonakdar

Tomás Saraceno, Air-Port-City / Cloud Cities at Tanya Bonakdar

"Cloud City"

cloud

cloud2

cloud city-b

"In Orbit"

In orbit (1)

In orbit (13)

In orbit (12)

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=JKEP6DheJ3g]

[vimeo 70104409 w=100 h=338]

in orbit by tomás saraceno from andreas fechner on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Native from San Miguel de Tucumán, Argentina and currently living in Germany, Tomas Saraceno is an artist and an architect known for his airborne habitat-like sculptures and installations that combine art, architecture, science and engineering. His work usually involves geometrical elements based on the formations of spider webs, neural networks, cloud patterns, foam and soap bubbles.

Saraceno’s artworks are influenced by the idea of new ways of inhabiting our environment -especially above ground-, by the analysis of space and light materials, and by the study of the adaptability and mobility of different structures. He demonstrates the limitless reconfiguration of a material by varying the shapes and sizes of his creations, and invites spectators to question the natural world and to comprehend that there are still multiple ways in which we can interact with each other.

Among Saraceno’s most recognized works of art is “Cloud City”, a bubble-inspired reflective structure located on the roof of the Metropolitan Museum of Art in New York City, which allows visitors to walk inside its mirrored and transparent floors and to obtain spectacular views from their surroundings.

In Orbit” is another famous project of the Argentinian artist, in which a series of inflated spheres suspended more than 25 meters from the floor over a network welcome visitors so that they can experience relationships and communication from another level.

Throughout his career, Tomas has collaborated with arachnologists and other scientists in order to study the methods spiders use to construct their webs. Inspired by overpopulation and the emergent lack of habitability of the earth, Saraceno’s projects represent alternatives of floating cities that can be developed someday.

More information on Tomas Saraceno here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Native from San Miguel de Tucumán, Argentina and currently living in Germany, Tomas Saraceno is an artist and an architect known for his airborne habitat-like sculptures and installations that combine art, architecture, science and engineering. His work usually involves geometrical elements based on the formations of spider webs, neural networks, cloud patterns, foam and soap bubbles.

Saraceno’s artworks are influenced by the idea of new ways of inhabiting our environment -especially above ground-, by the analysis of space and light materials, and by the study of the adaptability and mobility of different structures. He demonstrates the limitless reconfiguration of a material by varying the shapes and sizes of his creations, and invites spectators to question the natural world and to comprehend that there are still multiple ways in which we can interact with each other.

Among Saraceno’s most recognized works of art is “Cloud City”, a bubble-inspired reflective structure located on the roof of the Metropolitan Museum of Art in New York City, which allows visitors to walk inside its mirrored and transparent floors and to obtain spectacular views from their surroundings.

In Orbit” is another famous project of the Argentinian artist, in which a series of inflated spheres suspended more than 25 meters from the floor over a network welcome visitors so that they can experience relationships and communication from another level.

Throughout his career, Tomas has collaborated with arachnologists and other scientists in order to study the methods spiders use to construct their webs. Inspired by overpopulation and the emergent lack of habitability of the earth, Saraceno’s projects represent alternatives of floating cities that can be developed someday.

More information on Tomas Saraceno here.

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Originario de la ciudad de San Miguel de Tucumán en Argentina y con residencia actual en Alemania, Tomás Saraceno es un artista y arquitecto que se dedica a explorar diversas posibilidades flotantes y sustentables para vivir. Es conocido por sus esculturas e instalaciones “habitables” las cuales combinan arte, arquitectura, ciencia e ingeniería. Su trabajo generalmente incluye elementos geométricos basados en las formaciones de telarañas, redes, patrones de nubes, espuma y burbujas de jabón.

Las obras de Saraceno se ven influenciadas por la idea de encontrar nuevas maneras de coexistir en el medio ambiente, en especial, aquellas que incluyen un hábitat suspendido en el aire; por el análisis del espacio y materiales ligeros, y por el estudio de la adaptabilidad y movilidad de diversas estructuras. Tomás demuestra las infinitas reconfiguraciones que puede tener un material al variar la forma y escala de sus obras. A su vez, invita al espectador a cuestionarse el mundo natural en el que vivimos y a comprender que aún hay muchas maneras en las que podemos interactuar con otras personas.

Entre sus obras más reconocidas se encuentran “Cloud City” (Ciudad de Nubes), una estructura reflejante inspirada en burbujas y ubicada en el techo del Museo de Arte Metropolitano en la ciudad de Nueva York. Dicha escultura permite que los visitantes caminen entre sus pisos transparentes y con espejos y que puedan obtener espectaculares vistas de la ciudad y sus alrededores.

In Orbit” (En Órbita) es otro famoso proyecto del artista argentino, el cual incluye una serie de esferas suspendidas a más de 25 metros de altura sobre una red que hacen posible que los espectadores experimenten cómo relacionarse y comunicarse a otro nivel.

A lo largo de su carrera, Saraceno ha colaborado con aracnólogos y otros científicos para estudiar los métodos que tienen las arañas para construir sus redes. Inspirado por el crecimiento demográfico y la creciente falta de habitabilidad del planeta, cada uno de sus proyectos es una alternativa de una ciudad flotante que puede desarrollarse algún día.

Más información sobre Tomás Saraceno aquí.

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Originario de la ciudad de San Miguel de Tucumán en Argentina y con residencia actual en Alemania, Tomás Saraceno es un artista y arquitecto que se dedica a explorar diversas posibilidades flotantes y sustentables para vivir. Es conocido por sus esculturas e instalaciones “habitables” las cuales combinan arte, arquitectura, ciencia e ingeniería. Su trabajo generalmente incluye elementos geométricos basados en las formaciones de telarañas, redes, patrones de nubes, espuma y burbujas de jabón.

Las obras de Saraceno se ven influenciadas por la idea de encontrar nuevas maneras de coexistir en el medio ambiente, en especial, aquellas que incluyen un hábitat suspendido en el aire; por el análisis del espacio y materiales ligeros, y por el estudio de la adaptabilidad y movilidad de diversas estructuras. Tomás demuestra las infinitas reconfiguraciones que puede tener un material al variar la forma y escala de sus obras. A su vez, invita al espectador a cuestionarse el mundo natural en el que vivimos y a comprender que aún hay muchas maneras en las que podemos interactuar con otras personas.

Entre sus obras más reconocidas se encuentran “Cloud City” (Ciudad de Nubes), una estructura reflejante inspirada en burbujas y ubicada en el techo del Museo de Arte Metropolitano en la ciudad de Nueva York. Dicha escultura permite que los visitantes caminen entre sus pisos transparentes y con espejos y que puedan obtener espectaculares vistas de la ciudad y sus alrededores.

In Orbit” (En Órbita) es otro famoso proyecto del artista argentino, el cual incluye una serie de esferas suspendidas a más de 25 metros de altura sobre una red que hacen posible que los espectadores experimenten cómo relacionarse y comunicarse a otro nivel.

A lo largo de su carrera, Saraceno ha colaborado con aracnólogos y otros científicos para estudiar los métodos que tienen las arañas para construir sus redes. Inspirado por el crecimiento demográfico y la creciente falta de habitabilidad del planeta, cada uno de sus proyectos es una alternativa de una ciudad flotante que puede desarrollarse algún día.

Más información sobre Tomás Saraceno aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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June 10, 2014 - No Comments!

★ Paulo Grangeon X WWF | Paper Pandas Around The World

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Native from South China and currently a national treasure in that country, the black and white distinctive panda bear is one of the most endangered species in the globe. Artist Paulo Grangeon is resolved to raise consciousness of the bear’s vulnerable condition.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Due to the human damage to their natural habitat and a very low birthrate, both in the wild and in captivity, the Panda has become one of the world's most adored and protected rare animals. In order to raise the awareness of their rapid disappearance in the world, French artist Paulo Grangeon collaborated with conservation organization World Wildlife Fund, creative group PMQ and studio AllRightsReserved to generate an installation made out of 1,600 papier-mâché pandas in the streets of Hong Kong.

Since its inception in 2008, the Paper Panda Project has traveled around 20 countries and more than 100 cities like Paris, Rome, Berlin and Taipei.

The amount of pandas chosen for representation – 1,600 - was proposed by the head of the French section of WWF Serge Orru in 2008, and it is based on the actual number of pandas still alive in the wild (according to a 2004 census). Sculptor Paulo Grangeon encountered exceptional papier-mâché techniques in Thailand in 1999 and became fascinated by them.

For this June exhibition in Hong Kong, Grangeon decided to create four special-edition paper bears. He produces one or several initial models from which the copies are constructed, and then builds each panda bear out of 12 individual sections.

The idea is to display the graceful bears in a crowded urban area so that the effect caused in people is both captivating and unsettling. It is intended to be a reminder of the damage we have caused to the environment and a fictional depiction of what we still can lose in the future.

More information on the Paper Panda Project here.

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Due to the human damage to their natural habitat and a very low birthrate, both in the wild and in captivity, the Panda has become one of the world's most adored and protected rare animals. In order to raise the awareness of their rapid disappearance in the world, French artist Paulo Grangeon collaborated with conservation organization World Wildlife Fund, creative group PMQ and studio AllRightsReserved to generate an installation made out of 1,600 papier-mâché pandas in the streets of Hong Kong.

Since its inception in 2008, the Paper Panda Project has traveled around 20 countries and more than 100 cities like Paris, Rome, Berlin and Taipei.

The amount of pandas chosen for representation – 1,600 - was proposed by the head of the French section of WWF Serge Orru in 2008, and it is based on the actual number of pandas still alive in the wild (according to a 2004 census). Sculptor Paulo Grangeon encountered exceptional papier-mâché techniques in Thailand in 1999 and became fascinated by them.

For this June exhibition in Hong Kong, Grangeon decided to create four special-edition paper bears. He produces one or several initial models from which the copies are constructed, and then builds each panda bear out of 12 individual sections.

The idea is to display the graceful bears in a crowded urban area so that the effect caused in people is both captivating and unsettling. It is intended to be a reminder of the damage we have caused to the environment and a fictional depiction of what we still can lose in the future.

More information on the Paper Panda Project here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Originarios del sur de China y actualmente un tesoro nacional en ese país, el característico oso panda en blanco y negro es en la actualidad una de las especies en mayor peligro de extinción. El artista Paulo Grangeon está decidido a crear conciencia en la sociedad acerca de la vulnerable condición que sufre dicho animal.

Debido al daño que el ser humano está ocasionando en su hábitat natural y a su lenta reproducción, tanto al natural como en cautiverio, el oso panda se ha convertido en uno de los animales extraños más preciados y protegidos del mundo. Con el fin de crear una mayor consciencia en la gente acerca de su rápida desaparición, el artista francés Paulo Grangeon colaboró con la organización de conservación World Wildlife Fund, el grupo creativo PMQ y el estudio AllRightsReserved para la producción de una instalación masiva hecha de 1,600 osos pandas de papel maché en las calles de la ciudad de Hong Kong.

Desde su creación en el 2008, el Proyecto Paper Panda (Panda de Papel) ha viajado a lo largo de 20 países y visitado más de 100 ciudades como París, Roma, Berlín y Taipei.

El número de pandas escogidos para la representación – 1,600 – fue propuesto por el director de la sección francesa del WWF Serge Orru en el 2008, y es un reflejo del número real de osos de este tipo que queda vivos en el mundo (de acuerdo a un censo realizado en el 2004). El escultor Paulo Grangeon conoció excepcionales técnicas de fabricación en papel maché en Tailandia en 1999 y fue ahí cuando quedó fascinado por ellas.

Para la próxima exhibición en la ciudad de Hong Kong en junio, Grangeon decidió crear cuatro ediciones especiales de los osos de papel. El artista produce uno o varios modelos iniciales que sirven como base para la construcción del resto de las piezas, y posteriormente construye cada panda uniendo las 12 partes que lo conforman.

La idea es exhibir osos pandas en pequeñas áreas urbanas para que causen un efecto tanto cautivador como inquietante en la gente. El objetivo es que sirva como un recordatorio del daño que estamos causando al medio ambiente y una representación ficticia de lo que todavía podemos perder en un futuro.

Más información sobre el Proyecto Paper Panda aquí.

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Originarios del sur de China y actualmente un tesoro nacional en ese país, el característico oso panda en blanco y negro es en la actualidad una de las especies en mayor peligro de extinción. El artista Paulo Grangeon está decidido a crear conciencia en la sociedad acerca de la vulnerable condición que sufre dicho animal.

Debido al daño que el ser humano está ocasionando en su hábitat natural y a su lenta reproducción, tanto al natural como en cautiverio, el oso panda se ha convertido en uno de los animales extraños más preciados y protegidos del mundo. Con el fin de crear una mayor consciencia en la gente acerca de su rápida desaparición, el artista francés Paulo Grangeon colaboró con la organización de conservación World Wildlife Fund, el grupo creativo PMQ y el estudio AllRightsReserved para la producción de una instalación masiva hecha de 1,600 osos pandas de papel maché en las calles de la ciudad de Hong Kong.

Desde su creación en el 2008, el Proyecto Paper Panda (Panda de Papel) ha viajado a lo largo de 20 países y visitado más de 100 ciudades como París, Roma, Berlín y Taipei.

El número de pandas escogidos para la representación – 1,600 – fue propuesto por el director de la sección francesa del WWF Serge Orru en el 2008, y es un reflejo del número real de osos de este tipo que queda vivos en el mundo (de acuerdo a un censo realizado en el 2004). El escultor Paulo Grangeon conoció excepcionales técnicas de fabricación en papel maché en Tailandia en 1999 y fue ahí cuando quedó fascinado por ellas.

Para la próxima exhibición en la ciudad de Hong Kong en junio, Grangeon decidió crear cuatro ediciones especiales de los osos de papel. El artista produce uno o varios modelos iniciales que sirven como base para la construcción del resto de las piezas, y posteriormente construye cada panda uniendo las 12 partes que lo conforman.

La idea es exhibir osos pandas en pequeñas áreas urbanas para que causen un efecto tanto cautivador como inquietante en la gente. El objetivo es que sirva como un recordatorio del daño que estamos causando al medio ambiente y una representación ficticia de lo que todavía podemos perder en un futuro.

Más información sobre el Proyecto Paper Panda aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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June 9, 2014 - No Comments!

★ Mathias Sterner (SW) | Natural Environments Exposed

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A Swedish photographer whose passion for nature and people has driven him to redefine the reality of his models.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in the city of Kalmar, Sweden, Mathias Sterner is a distinguished fashion photographer who divides his time between Stockholm and London. He studied at Gamleby Photo Academy and obtained his postgraduate degree in Paris. Throughout his career he has contributed with magazines such as Dazed & Confused, Tank and Livraison and brands like Sony Music and Weekday.

Mathias finds his main inspiration in Renaissance paintings and sculptures and enjoys the patterns existing in landscapes, nature and forests. By using an old Pentax camera and a Canon 5D mark II with either a 50 mm or a 35 mm lens, Mathias achieves a distinctive intriguing and eerie style in which he beautifully combines emotive images, light, texture and form.

Among his most famous works is his collection of photos for Swedish fashion house Nor Autonom, which shows a series of mysterious portraits of men wearing handmade wire masks in a complete dark setting.

More information on Mathias Sterner here.

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Born in the city of Kalmar, Sweden, Mathias Sterner is a distinguished fashion photographer who divides his time between Stockholm and London. He studied at Gamleby Photo Academy and obtained his postgraduate degree in Paris. Throughout his career he has contributed with magazines such as Dazed & Confused, Tank and Livraison and brands like Sony Music and Weekday.

Mathias finds his main inspiration in Renaissance paintings and sculptures and enjoys the patterns existing in landscapes, nature and forests. By using an old Pentax camera and a Canon 5D mark II with either a 50 mm or a 35 mm lens, Mathias achieves a distinctive intriguing and eerie style in which he beautifully combines emotive images, light, texture and form.

Among his most famous works is his collection of photos for Swedish fashion house Nor Autonom, which shows a series of mysterious portraits of men wearing handmade wire masks in a complete dark setting.

More information on Mathias Sterner here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Proveniente de la ciudad de Kalmar, en Suecia, Mathias Sterner es un distinguido fotógrafo de modas que divide su tiempo entre la ciudad de Estocolmo y Londres. Estudió en la Academia de Fotografía Gamleby y posteriormente se graduó de un posgrado en París. A lo largo de su carrera, Sterner ha contribuido con revistas como Dazed & Confused, Tank y Livraison, y con marcas como Sony Music y Weekday.

Mathias se siente profundamente inspirado por las pinturas y esculturas de la época del Renacimiento, así como por los patrones que puede encontrar en paisajes, la naturaleza y el bosque. Trabaja con dos cámaras, una Pentax antigua y una Canon 5D mark II con lentes de 50 mm o 35 mm; por medio de ellas, Sterner logra un estilo intrigante y sombrío en el que mezcla extraordinarias imágenes, luz, textura y diversas formas.

Entre sus trabajos más conocidos está su colección de fotografías para la marca Sueca Nor Autonom, la cual muestra misteriosos retratos de hombres utilizando máscaras de alambre hechas a mano en un ambiente completamente oscuro.

Más información sobre Mathias Sterner aquí.

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Proveniente de la ciudad de Kalmar, en Suecia, Mathias Sterner es un distinguido fotógrafo de modas que divide su tiempo entre la ciudad de Estocolmo y Londres. Estudió en la Academia de Fotografía Gamleby y posteriormente se graduó de un posgrado en París. A lo largo de su carrera, Sterner ha contribuido con revistas como Dazed & Confused, Tank y Livraison, y con marcas como Sony Music y Weekday.

Mathias se siente profundamente inspirado por las pinturas y esculturas de la época del Renacimiento, así como por los patrones que puede encontrar en paisajes, la naturaleza y el bosque. Trabaja con dos cámaras, una Pentax antigua y una Canon 5D mark II con lentes de 50 mm o 35 mm; por medio de ellas, Sterner logra un estilo intrigante y sombrío en el que mezcla extraordinarias imágenes, luz, textura y diversas formas.

Entre sus trabajos más conocidos está su colección de fotografías para la marca Sueca Nor Autonom, la cual muestra misteriosos retratos de hombres utilizando máscaras de alambre hechas a mano en un ambiente completamente oscuro.

Más información sobre Mathias Sterner aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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May 14, 2014 - No Comments!

★ Teresa Visceglia (IT) | La Vita Liquida

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“Like no other, water is the place where I can find what I look for. Underwater the ordinary matches the extraordinary.”


[Ver artículo en español abajo]

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What’s the reason you get interested in underwater photography?

Amazement in the face of everyday life events and ordinary things is my favorite starting point. Moments of astonishment like the ones in dreams where beauty is often twisted by some weird feeling and when Bad is unexpectedly whispering sweet nothings. Like no other, water is the place where I can find what I look for. Underwater the ordinary matches the extraordinary.

Can you tell us something about the origin of the series “La vita liquida”?

In spite of the physical effort, the fluctuation of the body into water is smoother, less mechanical. I’ve always been fascinated with that dreamy atmosphere: reflection on the skin, rays of light, water bubbles. I love the soft way submerged bodies sway, stretch and bend. I started “La vita liquida” only two years ago when I finally bought a waterproof camera.

Why is everything in Black and White?

Taking color off is like erasing most of the links between the image and its space time context. Then you can find out unique and outstanding human beings… without ID!

How do you see yourself “as a photographer” 10 years from now?

Photography is a work in progress. In the future, I may be interested in something different but I know I will keep on trying new things out.

Are you working on a new project right now? Do you want to share it with our readers?

It’s been a few months now since I joined a group project. I was not behind it at the outset, I got involved in it and it drove me to focus on my work as I felt moved by the ongoing research and shared the aesthetic mood. The main theme of the study is the human body explored as a sensitive filter to show the intimate perceptions and feelings. You can check out here the intent of the project. It is open to everyone!

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What’s the reason you get interested in underwater photography?

Amazement in the face of everyday life events and ordinary things is my favorite starting point. Moments of astonishment like the ones in dreams where beauty is often twisted by some weird feeling and when Bad is unexpectedly whispering sweet nothings. Like no other, water is the place where I can find what I look for. Underwater the ordinary matches the extraordinary.

Can you tell us something about the origin of the series “La vita liquida”?

In spite of the physical effort, the fluctuation of the body into water is smoother, less mechanical. I’ve always been fascinated with that dreamy atmosphere: reflection on the skin, rays of light, water bubbles. I love the soft way submerged bodies sway, stretch and bend. I started “La vita liquida” only two years ago when I finally bought a waterproof camera.

Why is everything in Black and White?

Taking color off is like erasing most of the links between the image and its space time context. Then you can find out unique and outstanding human beings… without ID!

How do you see yourself “as a photographer” 10 years from now?

Photography is a work in progress. In the future, I may be interested in something different but I know I will keep on trying new things out.

Are you working on a new project right now? Do you want to share it with our readers?

It’s been a few months now since I joined a group project. I was not behind it at the outset, I got involved in it and it drove me to focus on my work as I felt moved by the ongoing research and shared the aesthetic mood. The main theme of the study is the human body explored as a sensitive filter to show the intimate perceptions and feelings. You can check out here the intent of the project. It is open to everyone!

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¿Cuál es la razón por la cual te interesaste en la fotografía bajo el agua?

Entre mis fuentes de inspiración favoritas están el asombro que te dan los eventos de la vida diaria y las cosas ordinarias. Momentos de sorpresa como los de los sueños en los que la belleza es comúnmente distorsionada por un sentimiento extraño y en los que el Mal inesperadamente susurra cosas casi imperceptibles. Como ningún otro elemento, el agua es el lugar donde puedo encontrar lo que busco. Debajo del agua lo ordinario se encuentra con lo extraordinario.

¿Podrías platicarnos sobre el origen de la serie “La vita liquida”?

A pesar de todo el esfuerzo físico, la fluctuación del cuerpo en el agua es más delicada y regular, es menos mecánica. Siempre me he sentido fascinada por dicha atmósfera: el reflejo sobre la piel, los rayos de luz, las burbujas de agua. Me encanta la manera en que los cuerpos sumergidos se balancean, se estiran y se doblan. Comencé “La vita liquida” hace solamente dos años cuando finalmente compré mi cámara de agua.

¿Por qué elegiste trabajar únicamente en blanco y negro?

Capturar todo en blanco y negro elimina en gran parte la relación entre la imagen y su contexto en tiempo y espacio. Solamente de esa manera es posible identificar a increíbles seres humanos.

Como fotógrafa, ¿cómo te visualizas en 10 años?

La fotografía es un proyecto que nunca termina. En un futuro, posiblemente me interese algo diferente, pero sé que siempre continuaré intentando cosas nuevas.

¿Estás trabajando en algún proyecto en la actualidad? ¿Te gustaría compartirlo con nuestros lectores?

Desde hace un par de meses he estado colaborando con un grupo al que me uní, el cual me ha ayudado a concentrarme en mi trabajo ya que compartimos el mismo sentido de la estética. El principal tema del proyecto es el cuerpo humano expuesto como un filtro que muestra percepciones y sentimientos íntimos. Puedes checarlo aquí. Está abierto a todo el mundo.

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¿Cuál es la razón por la cual te interesaste en la fotografía bajo el agua?

Entre mis fuentes de inspiración favoritas están el asombro que te dan los eventos de la vida diaria y las cosas ordinarias. Momentos de sorpresa como los de los sueños en los que la belleza es comúnmente distorsionada por un sentimiento extraño y en los que el Mal inesperadamente susurra cosas casi imperceptibles. Como ningún otro elemento, el agua es el lugar donde puedo encontrar lo que busco. Debajo del agua lo ordinario se encuentra con lo extraordinario.

¿Podrías platicarnos sobre el origen de la serie “La vita liquida”?

A pesar de todo el esfuerzo físico, la fluctuación del cuerpo en el agua es más delicada y regular, es menos mecánica. Siempre me he sentido fascinada por dicha atmósfera: el reflejo sobre la piel, los rayos de luz, las burbujas de agua. Me encanta la manera en que los cuerpos sumergidos se balancean, se estiran y se doblan. Comencé “La vita liquida” hace solamente dos años cuando finalmente compré mi cámara de agua.

¿Por qué elegiste trabajar únicamente en blanco y negro?

Capturar todo en blanco y negro elimina en gran parte la relación entre la imagen y su contexto en tiempo y espacio. Solamente de esa manera es posible identificar a increíbles seres humanos.

Como fotógrafa, ¿cómo te visualizas en 10 años?

La fotografía es un proyecto que nunca termina. En un futuro, posiblemente me interese algo diferente, pero sé que siempre continuaré intentando cosas nuevas.

¿Estás trabajando en algún proyecto en la actualidad? ¿Te gustaría compartirlo con nuestros lectores?

Desde hace un par de meses he estado colaborando con un grupo al que me uní, el cual me ha ayudado a concentrarme en mi trabajo ya que compartimos el mismo sentido de la estética. El principal tema del proyecto es el cuerpo humano expuesto como un filtro que muestra percepciones y sentimientos íntimos. Puedes checarlo aquí. Está abierto a todo el mundo.

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★ Original Article by HoopDoop Magazine #17. Interview by Monyart. Spanish edition by Dalia Vasquez. 

 

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HoopDoopMag243

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