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October 29, 2014 - No Comments!

★ V ARE (AU) | Presenting The Unknown

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

V ARE ["we are"], a creative duo based in Vienna, Austria formed by Adia Trischler and Andreas Waldschuetz, specializes in the combination of music, light, visual elements and space in order to generate their own whimsical interpretations of life. BREATHE”, their last collaborative undertaking, is another one of their captivating projects that has left multiple visitors immersed in a deep mayhem of complex sensations and abstract thoughts.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Adia Trischler is a film director and creative consultant from New York with an extensive background in fashion, style and theater. Andreas Waldschuetz is a fashion photographer and video artist originally from Vienna, Austria. During the last years, these two talented artists have pursued the ambition of discovering unexplored surroundings and new creative minds with the sole purpose of producing a brand-new hub for upcoming artists.

Supported by different types of documentation like film, press and vinyl, Trischler and Waldschuetz expose unseen forms of art with the aim of generating an eclectic network of talent and revolutionary ideas.

Their more recent collective project “BREATHE” was an art film successfully presented at an abandoned building in Altes Zollamt, Austria. From October 17 to October 26, the spectator became part of the fictional story by being guided through different settings around the mysterious and somber exhibition. An extraordinary use of light, shadows and theatrical production made of the project a unique experience in which feelings and memories were strongly stimulated.

The event also included the performance of dancer Mickey Mahar and musician Manu Mayr, as well as the presentation of fashion designer Andrea Cammarosano and Vienna-based jewelry label Henwoodcraft.

More information on V ARE here.

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Adia Trischler is a film director and creative consultant from New York with an extensive background in fashion, style and theater. Andreas Waldschuetz is a fashion photographer and video artist originally from Vienna, Austria. During the last years, these two talented artists have pursued the ambition of discovering unexplored surroundings and new creative minds with the sole purpose of producing a brand-new hub for upcoming artists.

Supported by different types of documentation like film, press and vinyl, Trischler and Waldschuetz expose unseen forms of art with the aim of generating an eclectic network of talent and revolutionary ideas.

Their more recent collective project “BREATHE” was an art film successfully presented at an abandoned building in Altes Zollamt, Austria. From October 17 to October 26, the spectator became part of the fictional story by being guided through different settings around the mysterious and somber exhibition. An extraordinary use of light, shadows and theatrical production made of the project a unique experience in which feelings and memories were strongly stimulated.

The event also included the performance of dancer Mickey Mahar and musician Manu Mayr, as well as the presentation of fashion designer Andrea Cammarosano and Vienna-based jewelry label Henwoodcraft.

More information on V ARE here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicado en la ciudad de Viena, Austria, V ARE ["we are" / “nosotros somos”] es un dúo creativo conformado por los artistas Adia Trischler y Andreas Waldschuetz quienes se especializan en la combinación de música, luz, elementos visuales y espacios para la generación de sus propias interpretaciones de la realidad. “BREATHE” [“respirar”] constituye su último proyecto artístico, el cual dejó inmersos a los múltiples espectadores en un profundo estado abstracto de desconcierto.

Proveniente de Nueva York, Adia Trischler es una directora de cine y consultora creativa con amplia experiencia en los rubros de la moda, el estilo y el teatro. Por su parte, Andreas Waldschuetz es un fotógrafo de moda y un hábil creador de videos originario de Viena, Austria. Durante los últimos años, ambos personajes han puesto en práctica el descubrimiento y exhibición de nuevas y extrañas locaciones así como nuevas mentes creativas, con el fin de generar una plataforma única para los artistas emergentes.

Utilizando diversos elementos para documentar su trabajo, como videos, la prensa y discos de vinilo, Trischler y Waldschuetz se dedican a exponer desconocidas formas de arte con el propósito de crear una red de contactos e ideas totalmente ecléctica.

Su más reciente trabajo colectivo “BREATHE” consistió en la creación y exitosa exhibición de su trabajo cinematográfico en un edificio abandonado en Altes Zollamt, Austria. Desde el 17 de Octubre hasta el 26 del mismo mes, el espectador se volvió parte de la historia creativa al ser dirigido por diversas habitaciones dentro de un ambiente sombrío y lleno de misterio. El extraordinario uso de luz y sombras, así como una excelente producción teatral, hizo del proyecto una experiencia única que estimuló todo tipo de sentimientos y recuerdos en la mente del visitante.

El evento también incluyó el desempeño del bailarín Mickey Mahar y el músico Manu Mayr, así como la presentación de la diseñadora de modas Andrea Cammarosano y la marca de joyas localizada en Viana, Henwoodcraft.

Más información sobre V ARE aquí.

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Ubicado en la ciudad de Viena, Austria, V ARE ["we are" / “nosotros somos”] es un dúo creativo conformado por los artistas Adia Trischler y Andreas Waldschuetz quienes se especializan en la combinación de música, luz, elementos visuales y espacios para la generación de sus propias interpretaciones de la realidad. “BREATHE” [“respirar”] constituye su último proyecto artístico, el cual dejó inmersos a los múltiples espectadores en un profundo estado abstracto de desconcierto.

Proveniente de Nueva York, Adia Trischler es una directora de cine y consultora creativa con amplia experiencia en los rubros de la moda, el estilo y el teatro. Por su parte, Andreas Waldschuetz es un fotógrafo de moda y un hábil creador de videos originario de Viena, Austria. Durante los últimos años, ambos personajes han puesto en práctica el descubrimiento y exhibición de nuevas y extrañas locaciones así como nuevas mentes creativas, con el fin de generar una plataforma única para los artistas emergentes.

Utilizando diversos elementos para documentar su trabajo, como videos, la prensa y discos de vinilo, Trischler y Waldschuetz se dedican a exponer desconocidas formas de arte con el propósito de crear una red de contactos e ideas totalmente ecléctica.

Su más reciente trabajo colectivo “BREATHE” consistió en la creación y exitosa exhibición de su trabajo cinematográfico en un edificio abandonado en Altes Zollamt, Austria. Desde el 17 de Octubre hasta el 26 del mismo mes, el espectador se volvió parte de la historia creativa al ser dirigido por diversas habitaciones dentro de un ambiente sombrío y lleno de misterio. El extraordinario uso de luz y sombras, así como una excelente producción teatral, hizo del proyecto una experiencia única que estimuló todo tipo de sentimientos y recuerdos en la mente del visitante.

El evento también incluyó el desempeño del bailarín Mickey Mahar y el músico Manu Mayr, así como la presentación de la diseñadora de modas Andrea Cammarosano y la marca de joyas localizada en Viana, Henwoodcraft.

Más información sobre V ARE aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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September 24, 2014 - No Comments!

★ Little Shao (FR) | A Flawless Portrayal Of Rhythm

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in Paris, France, Little Shao is a photographer, film maker and art director of Vietnamese background whose pictures of dancers, models, actors and singers have called the public attention thanks to their astonishing composition, quality, and emotion. After transitioning from finance to photography many years ago, he discovered the way to capture the most outstanding moments within the dancing world, especially the ones related to the Hip-Hop culture.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

With a deep passion for traveling and pictures, and as a dedicated Bboy (break-dancer), Little Shao has positioned himself as an exceptional photographer of the contemporary dancing and artistic community. He has worked with the best dancers and choreographers of celebrities like Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé, and Justin Timberlake.

As a young photographer in a highly-competitive world and with a large number of photographic tools available in the market, Shao considers the task of achieving the ideal shoot harder every day. He obtains his inspiration from different sources, like movies, music and the everyday life, and believes that a balance between talent, creativity and the right equipment is the perfect combination for a successful and valuable portfolio.

Little Shao’s style is spotless and delicate. Either in motion or static, the arrangement of his models inside the frame transforms a specific dancing moment into a sensational experience truly worth seen. He is not only portraying an image, he is creating a memory by asking people to take dancers –even the ones in early stages- seriously, and making them understand the meaning that life has to the people that practice such art.

“My goal is to innovate and push the Hip-Hop community to understand that “Communication & Marketing” should be much more important than their dance skills. That if they want to survive being a dancer, they should also take care of their image and how they are spreading it. Life as a dancer is not only about dance, it’s also about strategy, communication and networking”.

More information on Little Shao here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

With a deep passion for traveling and pictures, and as a dedicated Bboy (break-dancer), Little Shao has positioned himself as an exceptional photographer of the contemporary dancing and artistic community. He has worked with the best dancers and choreographers of celebrities like Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé, and Justin Timberlake.

As a young photographer in a highly-competitive world and with a large number of photographic tools available in the market, Shao considers the task of achieving the ideal shoot harder every day. He obtains his inspiration from different sources, like movies, music and the everyday life, and believes that a balance between talent, creativity and the right equipment is the perfect combination for a successful and valuable portfolio.

Little Shao’s style is spotless and delicate. Either in motion or static, the arrangement of his models inside the frame transforms a specific dancing moment into a sensational experience truly worth seen. He is not only portraying an image, he is creating a memory by asking people to take dancers –even the ones in early stages- seriously, and making them understand the meaning that life has to the people that practice such art.

“My goal is to innovate and push the Hip-Hop community to understand that “Communication & Marketing” should be much more important than their dance skills. That if they want to survive being a dancer, they should also take care of their image and how they are spreading it. Life as a dancer is not only about dance, it’s also about strategy, communication and networking”.

More information on Little Shao here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Little Shao es un fotógrafo, director de cine y de arte con antecedentes vietnamitas y con actual residencia en París, Francia. Sus fotografías de bailarines, modelos, actores y cantantes han llamado fuertemente la atención del público gracias a su extraordinaria composición, calidad y emotividad que las caracteriza. Su carrera sufrió una gran transición cuando dejó el mundo de las finanzas y decidió dedicarse de lleno a la fotografía. Con los años, Shao ha descubierto la manera de capturar momentos únicos dentro del mundo del baile, en particular, aquellos pertenecientes a la cultura del hip-hop.

Shao es un apasionado fotógrafo, viajero y practicante del break dance. Desde el inicio de su carrera como artista, se ha posicionado como un fotógrafo excepcional dentro de su actual comunidad de baile. Ha trabajado con los mejores bailarines y coreógrafos de celebridades como Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé y Justin Timberlake.

Como un talentoso y joven artista que se desarrolla en mundo altamente competitivo, y con un sin fin de herramientas tecnológicas a la mano, Shao considera que el lograr una fotografía innovadora es una tarea cada día más difícil. Él obtiene su inspiración de diversas fuentes, como películas, música y la vida diaria, y cree que un balance entre el talento, la creatividad y el material de trabajo es la combinación perfecta para crear un portafolio atractivo y de alto valor.

Su estilo es delicado e impecable. Ya sea que sus modelos se encuentren en movimiento o estáticos dentro de su composición, el arreglo que da a los elementos en la toma transforma un momento dentro del mundo del baile en toda una experiencia totalmente nueva. No sólo se dedica a plasmar imágenes, sino que crea recuerdos en los que pide al espectador tomar la carrera de un bailarín en serio, y los invita a comprender el significado que tiene la vida para las personas que practican dicho arte.

“Mi objetivo es innovar y sacar adelante a la comunidad del hip-hop haciéndolos entender que la comunicación y la mercadotecnia deben ser mucho más importantes que sus habilidades como bailarines. Que si desean sobrevivir haciendo lo que les gusta, deben tomar en cuenta su imagen y la manera en que ésta es difundida. La vida de un bailarín no solo consiste en bailar, sino también en pensar en la estrategia a utilizar, la comunicación y su red de contactos.”

Más información sobre Little Shao aquí.

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Little Shao es un fotógrafo, director de cine y de arte con antecedentes vietnamitas y con actual residencia en París, Francia. Sus fotografías de bailarines, modelos, actores y cantantes han llamado fuertemente la atención del público gracias a su extraordinaria composición, calidad y emotividad que las caracteriza. Su carrera sufrió una gran transición cuando dejó el mundo de las finanzas y decidió dedicarse de lleno a la fotografía. Con los años, Shao ha descubierto la manera de capturar momentos únicos dentro del mundo del baile, en particular, aquellos pertenecientes a la cultura del hip-hop.

Shao es un apasionado fotógrafo, viajero y practicante del break dance. Desde el inicio de su carrera como artista, se ha posicionado como un fotógrafo excepcional dentro de su actual comunidad de baile. Ha trabajado con los mejores bailarines y coreógrafos de celebridades como Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé y Justin Timberlake.

Como un talentoso y joven artista que se desarrolla en mundo altamente competitivo, y con un sin fin de herramientas tecnológicas a la mano, Shao considera que el lograr una fotografía innovadora es una tarea cada día más difícil. Él obtiene su inspiración de diversas fuentes, como películas, música y la vida diaria, y cree que un balance entre el talento, la creatividad y el material de trabajo es la combinación perfecta para crear un portafolio atractivo y de alto valor.

Su estilo es delicado e impecable. Ya sea que sus modelos se encuentren en movimiento o estáticos dentro de su composición, el arreglo que da a los elementos en la toma transforma un momento dentro del mundo del baile en toda una experiencia totalmente nueva. No sólo se dedica a plasmar imágenes, sino que crea recuerdos en los que pide al espectador tomar la carrera de un bailarín en serio, y los invita a comprender el significado que tiene la vida para las personas que practican dicho arte.

“Mi objetivo es innovar y sacar adelante a la comunidad del hip-hop haciéndolos entender que la comunicación y la mercadotecnia deben ser mucho más importantes que sus habilidades como bailarines. Que si desean sobrevivir haciendo lo que les gusta, deben tomar en cuenta su imagen y la manera en que ésta es difundida. La vida de un bailarín no solo consiste en bailar, sino también en pensar en la estrategia a utilizar, la comunicación y su red de contactos.”

Más información sobre Little Shao aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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June 25, 2014 - No Comments!

★ Dorhout Mees (NE) | Musical & Elegant Designs

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Conversion” is Dorhout Mees second collection presented at Amsterdam Fashion Week. In her new work, she describes how oxidation, is a metaphor for observing the beauty of impermanence and how “the material transformation is similar to a spiritual one”.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

“Using film and music to tell my story is something I’ve always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do”. (Dorhout Mees)

What is inspiration for you?

I feel inspiration is in everything. Literally, it just depends on which way you’re looking. So it can be a feeling you notice in yourself and your surroundings, like the search of origin in my summer collection “Become”, or something more concrete like architecture. But if I would have to narrow it down, I would say Nature and Architecture are always great sources of beauty and contrasts.

Is there a memory, a moment you remember you thought about doing fashion?

To begin with a project I was always drawing. My very first memories are of me drawing everything and all the time. I wanted to make my own clothes when I was around eight years old. They were very simple tops and skirts made with the help of my grandmother. Later on, I started making prints on them by drawing and painting it on. So the love for prints was already there as well!

When did you start using music and video in your work?

Using film and music to tell my story is something I have always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do. Take them on that journey I went on; involve them as much as I can.

What about other material use?

I start from different types of silk, soft chiffon and stiff organza, wool, cashmere that I often work with. Then if inspiration takes me somewhere I choose a material, like in this collection I did with copper and copper oxidation process. I used this material for shoes, belts, necklaces, bracelets and even knitted it from copper thread from a machine.

What is it like to be part of the Fashion Week? How would you describe it?

First of all is a big honor. It’s such a great platform to show your work. It’s very hectic the last week leading up to it, actually, it is so until the last model walks onto the catwalk. But it is a beautiful feeling, magical even, everything that you’ve worked for falls into place at that very moment.

In your last show presented at the Fashion Week you used a music loop from the Pixies. Why did you choose that song? Could you list the top five of your favorite songs at the moment?

Great question! I feel that music is life, and it is very important to me. The reason I chose for parts of the song “Where is my mind” by Pixies, is first of all I felt the title was fitting me. It’s about transformation, spiritual transformation, in which you have to start a journey inwards trying to leave that hardworking mind behind and simply go on feeling and intuition.

Then, I just love the song, but I wanted to reflect the contrast of the difference in oxidation. The organic one, organic shapes and colors, and the microscopic one where everything is geometric and grey and white. So I looked for a classical interpretation of the song, even mixed a piano version vs a string quartet version. I like contrasts. Then I used the original during the final moment on the catwalk only.

My loves at the moment ;-):

Damien Rice, everything he has written, “Little Bird” by Lisa Hannigan, “Josephine” by Teitur, “Hollo Talk” by Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” by Bat for Lashes, and just one more, “C’mon Talk” by Bernhoft.

What do you like to share with your work in fashion?

With my collections I like to tell stories, but I also want to give power to women. I love the power of women who go after whatever it is they want to get out of life. I admire women like that and I would like to add something to that passion for life. I constantly search for the delicate balance between telling a story and the fact that it has to look great on a woman’s body. For me those aspects are equally important.

More information on Dorhout Mees here.

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“Using film and music to tell my story is something I’ve always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do”. (Dorhout Mees)

What is inspiration for you?

I feel inspiration is in everything. Literally, it just depends on which way you’re looking. So it can be a feeling you notice in yourself and your surroundings, like the search of origin in my summer collection “Become”, or something more concrete like architecture. But if I would have to narrow it down, I would say Nature and Architecture are always great sources of beauty and contrasts.

Is there a memory, a moment you remember you thought about doing fashion?

To begin with a project I was always drawing. My very first memories are of me drawing everything and all the time. I wanted to make my own clothes when I was around eight years old. They were very simple tops and skirts made with the help of my grandmother. Later on, I started making prints on them by drawing and painting it on. So the love for prints was already there as well!

When did you start using music and video in your work?

Using film and music to tell my story is something I have always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do. Take them on that journey I went on; involve them as much as I can.

What about other material use?

I start from different types of silk, soft chiffon and stiff organza, wool, cashmere that I often work with. Then if inspiration takes me somewhere I choose a material, like in this collection I did with copper and copper oxidation process. I used this material for shoes, belts, necklaces, bracelets and even knitted it from copper thread from a machine.

What is it like to be part of the Fashion Week? How would you describe it?

First of all is a big honor. It’s such a great platform to show your work. It’s very hectic the last week leading up to it, actually, it is so until the last model walks onto the catwalk. But it is a beautiful feeling, magical even, everything that you’ve worked for falls into place at that very moment.

In your last show presented at the Fashion Week you used a music loop from the Pixies. Why did you choose that song? Could you list the top five of your favorite songs at the moment?

Great question! I feel that music is life, and it is very important to me. The reason I chose for parts of the song “Where is my mind” by Pixies, is first of all I felt the title was fitting me. It’s about transformation, spiritual transformation, in which you have to start a journey inwards trying to leave that hardworking mind behind and simply go on feeling and intuition.

Then, I just love the song, but I wanted to reflect the contrast of the difference in oxidation. The organic one, organic shapes and colors, and the microscopic one where everything is geometric and grey and white. So I looked for a classical interpretation of the song, even mixed a piano version vs a string quartet version. I like contrasts. Then I used the original during the final moment on the catwalk only.

My loves at the moment ;-):

Damien Rice, everything he has written, “Little Bird” by Lisa Hannigan, “Josephine” by Teitur, “Hollo Talk” by Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” by Bat for Lashes, and just one more, “C’mon Talk” by Bernhoft.

What do you like to share with your work in fashion?

With my collections I like to tell stories, but I also want to give power to women. I love the power of women who go after whatever it is they want to get out of life. I admire women like that and I would like to add something to that passion for life. I constantly search for the delicate balance between telling a story and the fact that it has to look great on a woman’s body. For me those aspects are equally important.

More information on Dorhout Mees here.

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Conversion” es la segunda colección de Dorhout Mees que ha sido presentada en la Semana Fashion de Ámsterdam. En su nuevo trabajo, ella describe cómo la oxidación es la metáfora para observar la belleza de la impermanencia y cómo “la transformación del material es similar al del espíritu”.

“Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo”. (Dorhout Mees)

¿Dónde encuentras tu inspiración?

Prácticamente en todas partes. Literalmente sólo depende de hacia dónde mires. Puede ser un sentimiento que uno encuentre en sí mismo o en los alrededores, como la búsqueda del origen en mi colección de verano “Become”, o algo más concreto como la arquitectura. Sin embargo, si tuviera que escoger entre dos aspectos, la Naturaleza y la Arquitectura son siempre excelentes fuentes de belleza y contraste.

¿Hay algún recuerdo o momento que te llevó a dedicarte al diseño de modas?

Para empezar, siempre estaba dibujando. Mis primeros recuerdos los tengo de estar dibujando todo el tiempo. Para cuando tenía ocho años de edad ya quería hacer mi propia ropa. Eran blusas y faldas sencillas que hice con la ayuda de mi abuela.  Posteriormente, comencé a hacer mis propias impresiones pintando y dibujando sobre ellas. ¡Así que el amor por los gráficos nació en ese momento también!

¿Cuándo comenzaste a utilizar el cine y el video en su trabajo?

Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo. Me gusta llevarlos en el mismo viaje que yo e involucrarlos lo más que se pueda.

¿Qué otros materiales utilizas?

Comienzo con diferentes tipos de seda, chiffon, organza, lana y casimir, eso es con lo que más trabajo. Después, si la inspiración me lleva más lejos, escojo un material, como hice en esta colección en la que utilicé cobre y su proceso de oxidación. Utilicé dicho material para hacer zapatos, cinturones, collares, pulseras e incluso cosí hilos de cobre con ayuda de una máquina.

¿Qué significa para ti formar parte de la Semana Fashion? ¿Cómo describirías tu experiencia?

Primero que nada pienso que es un gran honor. Es una extraordinaria plataforma en la que uno logra exhibir el trabajo. Todo es muy agitado, la última semana antes del evento, hasta el último momento en el que la modelo camina por la pasarela. Pero a su vez es un sentimiento hermoso, mágico incluso, pues todo por lo que has trabajado es revelado en ese preciso momento.

En tu último show que presentaste en la Semana Fashion, utilizaste música del grupo los Pixies. ¿Por qué escogiste esa música? ¿Podrías enlistar tus cinco canciones favoritas hasta el momento?

¡Excelente pregunta! Pienso que la música es vida, por lo que es muy importante para mí. La razón por la que escogí fragmentos de la canción “Where is my mind” (Dónde está mi mente) de Los Pixies es primero que nada porque el título encajaba con mi trabajo. Habla de la transformación espiritual en la que uno debe iniciar una búsqueda interior para dejar atrás la mente trabajadora y simplemente continuar sintiendo.

Por otra parte, me encanta esa canción, y quise reflejar el contraste de la diferencia en la oxidación. Lo orgánico, los colores y las formas naturales, y lo microscópico donde todo es geométrico, gris y blanco. Así que busqué diferentes versiones de la canción, con piano y con instrumentos de cuerdas. Me gustan los contrastes. Finalmente, utilicé la versión original en la última parte del desfile de modas.

Mis canciones favoritas en este momento ;-):

Todo lo de Damien Rice, “Little Bird” por Lisa Hannigan, “Josephine” por Teitur, “Hollo Talk” por el Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” por Bat for Lashes, y una más, “C’mon Talk” por Bernhoft.

¿Qué es lo que te gusta compartir en tu trabajo como diseñadora de modas?

Con mis colecciones me gusta contar historias, pero también quiero dar poder a las mujeres. Me encanta el poder que las mujeres tienen para perseguir aquello que más quieren en la vida. Las admiro y me gustaría añadir algo a esa pasión que sienten por la vida. Contantemente busco un balance entre contar una historia y lograr que los diseños se vean lo mejor posible en el cuerpo de una mujer. Para mí, esos dos aspectos son de igual importancia.

Más información sobre Dorhout Mees aquí.

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Conversion” es la segunda colección de Dorhout Mees que ha sido presentada en la Semana Fashion de Ámsterdam. En su nuevo trabajo, ella describe cómo la oxidación es la metáfora para observar la belleza de la impermanencia y cómo “la transformación del material es similar al del espíritu”.

“Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo”. (Dorhout Mees)

¿Dónde encuentras tu inspiración?

Prácticamente en todas partes. Literalmente sólo depende de hacia dónde mires. Puede ser un sentimiento que uno encuentre en sí mismo o en los alrededores, como la búsqueda del origen en mi colección de verano “Become”, o algo más concreto como la arquitectura. Sin embargo, si tuviera que escoger entre dos aspectos, la Naturaleza y la Arquitectura son siempre excelentes fuentes de belleza y contraste.

¿Hay algún recuerdo o momento que te llevó a dedicarte al diseño de modas?

Para empezar, siempre estaba dibujando. Mis primeros recuerdos los tengo de estar dibujando todo el tiempo. Para cuando tenía ocho años de edad ya quería hacer mi propia ropa. Eran blusas y faldas sencillas que hice con la ayuda de mi abuela.  Posteriormente, comencé a hacer mis propias impresiones pintando y dibujando sobre ellas. ¡Así que el amor por los gráficos nació en ese momento también!

¿Cuándo comenzaste a utilizar el cine y el video en su trabajo?

Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo. Me gusta llevarlos en el mismo viaje que yo e involucrarlos lo más que se pueda.

¿Qué otros materiales utilizas?

Comienzo con diferentes tipos de seda, chiffon, organza, lana y casimir, eso es con lo que más trabajo. Después, si la inspiración me lleva más lejos, escojo un material, como hice en esta colección en la que utilicé cobre y su proceso de oxidación. Utilicé dicho material para hacer zapatos, cinturones, collares, pulseras e incluso cosí hilos de cobre con ayuda de una máquina.

¿Qué significa para ti formar parte de la Semana Fashion? ¿Cómo describirías tu experiencia?

Primero que nada pienso que es un gran honor. Es una extraordinaria plataforma en la que uno logra exhibir el trabajo. Todo es muy agitado, la última semana antes del evento, hasta el último momento en el que la modelo camina por la pasarela. Pero a su vez es un sentimiento hermoso, mágico incluso, pues todo por lo que has trabajado es revelado en ese preciso momento.

En tu último show que presentaste en la Semana Fashion, utilizaste música del grupo los Pixies. ¿Por qué escogiste esa música? ¿Podrías enlistar tus cinco canciones favoritas hasta el momento?

¡Excelente pregunta! Pienso que la música es vida, por lo que es muy importante para mí. La razón por la que escogí fragmentos de la canción “Where is my mind” (Dónde está mi mente) de Los Pixies es primero que nada porque el título encajaba con mi trabajo. Habla de la transformación espiritual en la que uno debe iniciar una búsqueda interior para dejar atrás la mente trabajadora y simplemente continuar sintiendo.

Por otra parte, me encanta esa canción, y quise reflejar el contraste de la diferencia en la oxidación. Lo orgánico, los colores y las formas naturales, y lo microscópico donde todo es geométrico, gris y blanco. Así que busqué diferentes versiones de la canción, con piano y con instrumentos de cuerdas. Me gustan los contrastes. Finalmente, utilicé la versión original en la última parte del desfile de modas.

Mis canciones favoritas en este momento ;-):

Todo lo de Damien Rice, “Little Bird” por Lisa Hannigan, “Josephine” por Teitur, “Hollo Talk” por el Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” por Bat for Lashes, y una más, “C’mon Talk” por Bernhoft.

¿Qué es lo que te gusta compartir en tu trabajo como diseñadora de modas?

Con mis colecciones me gusta contar historias, pero también quiero dar poder a las mujeres. Me encanta el poder que las mujeres tienen para perseguir aquello que más quieren en la vida. Las admiro y me gustaría añadir algo a esa pasión que sienten por la vida. Contantemente busco un balance entre contar una historia y lograr que los diseños se vean lo mejor posible en el cuerpo de una mujer. Para mí, esos dos aspectos son de igual importancia.

Más información sobre Dorhout Mees aquí.

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★ Original Article by HoopDoop Magazine #20. Interview by Agnese Roda. Photography by Monyart.  Spanish edition by Dalia Vasquez.

 

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HoopDoopMag243

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June 11, 2014 - No Comments!

★Mark Ryden (USA) | Welcome To His Fantastic World

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Mark Ryden is one of the most eclectic and influential American artists of the latest years. He is widely recognized as the father of pop surrealism and of lowbrow art (the art without intellectual pretentions). He has been the first one captivating the attention of various galleries and collectors around the globe, including star system celebrities like Robert de Niro, Stephen King, Leonardo Di Caprio and Marilyn Mason, among others.


[Ver artículo en español abajo]

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mark1

ArtScans CMYK

ArtScans CMYK

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[youtube http://www.youtube.com/watch?v=vaBeAS_J5Rg]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Compared many times to Dali, Ryden’s work is mostly inspired on children’s stories iconography and popular culture. In his art, alchemy, religion, toys, numerology, blood and flesh are part of a disturbing universe in which angelical beings and odd creatures coexist.

There is no doubt that pop surrealism has found his definite legacy. The artworks of Mark Ryden transmit a strong message and an inimitable visual impact scope. His style is Machiavellian, where children’s innocence and the darkest mysteries of men meet and mesmerize the spectator within an intriguing and chilling journey to Wonderland.

Interview about his exhibition “The Gay 90s” at Kohn Gallery.

As a meat lover, I would like to start this interview discussing the concept of meat in your work. In many of your artworks, meat occupies an essential place within a well-defined context. Why is it important for you to create stories and circumstances around it?

For one and only reason… We are spirits and meat is the only thing that allows us to exist physically in this world. We eat meat as nourishment without ever thinking of the animal from which it was obtained. I have always felt curious about the fact that, before eating it, we give thanks to God and not to the animal that was sacrificed so that it could be turned into our food. I believe there is a substantial disconnection between meat as nourishment and meat as life. I guess it is this contradiction what makes me paint it in several occasions. I tend to surprise many people when I tell them I am not a vegetarian…

Do you think that eating meat is morally wrong?

Not at all! What I try to do is to be conscious about what I am eating and where it comes from. I only buy meat where the natural surroundings are respected and preserved, with the hope that the animal I am eating has had a happy life. Just to be clear, I am not preaching about any moral attitude in my work. I just think that if we were more conscious about our interconnection with the natural world around us, we would all be much happier.

In your paintings, one of the most repeated characters is Abraham Lincoln, why is his presence important in your work?

Because there is something indefinable and fascinating about Abraham Lincoln’s legend. If you had been born in the United States, you would have been exposed to the image of Lincoln since an early age. And there is something truly especial about it. For example, when you compare Lincoln’s image to that of George Washington, our first president and father of our country, you would notice that the later does not evoke any feelings in you. I think this happens because Lincoln was the first celebrity to be photographed an in all his photos, you can sense something unique and astonishing in his face.

To many people, Lincoln is so much more than just the president of the United States. He became a canonized figure and a lot of us grew up praising his portraits. Lincoln was a martyr of our slavery sin and that turned him into a saint of our time.

Generally, kids are thrilled when they discover your work, how do you react to such situation?

Even when my work is not envisioned for children, I am gratified to see that a child is mesmerized by any of my paintings. I think that when an artwork makes a connection with a child’s soul, something very especial and divine emerges.

One of my favorite quotes of Pablo Picasso is: “All children are born artists. The problem lays in how to keep on being artists when growing up”. I find that quote very true, because when it comes to creating things, kids are much more imaginative than adults. They are not repressed by their imagination and they do not question what they are creating. Children do not have to define or justify their “art”. They connect directly to creativity; however, adults are always frightened by mental disarray. Regrettably, our capacity for astonishment in today’s society has diminished and it has been limited to our childhood. We are not aware that unlike adults, children react to art in an instinctive way, with no intellectual thoughts. It is true that generally kids respond very well to my art, and when that happens, I fill like a fulfilled artist, because I know my work will succeed.

Throughout your career you have collaborated designing the album covers of artists like Ringo Star, Red Hot Chili Peppers and 4 Non Blondes. One of the most famous was the album cover for "Dangerous" of Michael Jackson. How did that collaboration happen? Did you have complete freedom or were you subdued to M. Jackson requests? I heard he was present during the creative process… 

Oh, you have no idea of the stories I could tell you of my collaboration with Michael. Unfortunately, I am not officially authorized to give details and to reveal anecdotes that occurred before and after the creation of the album cover of Dangerous. The only thing that can say is that I feel very lucky to have known and worked with one of the most relevant people of our time. Lamentably, stupid people remember him as a pervert. I think Michael was just a victim of the opportunistic parasites of the show bussiness.

Melancholy and fantasy have been two of the most looked down elements in the modern art world. Why do you think it is that sentimentalism and that cult to aesthetic beauty are intolerable aspects in some sectors of art?

That is an excellent question, and maybe it is the big question. Of course I do not have an answer but in any case, that is what I try to recover in my paintings. I try to break the barriers and absurd ideologies that make sentimentalism and kitsch gender unworthy of diverse artistic divisions.

What are you working on right now?

In something completely different to what I have done before. I am adding to my artworks dioramas with mechanical movement. That will be part of a series of works called “The Gay 90s West”. I have been working a year on them and I will present them in an exposition at the Kohn Gallery.

Another project I have been working on and that will also be part of the exhibition is the vinyl album that will collect the best songs of 1890. I have friends who are musicians like Tyler the Creator, Nick Cave, Everlast, Mark Mothersbaugh from group Devo, Kirk Hammett from Metallica and Weird Al Yankovic, who will be part of this project and will perform their own versions of the old songs recorded in 1890.

More information on Mark Ryden here.

Article stracted from El Fanzine.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Compared many times to Dali, Ryden’s work is mostly inspired on children’s stories iconography and popular culture. In his art, alchemy, religion, toys, numerology, blood and flesh are part of a disturbing universe in which angelical beings and odd creatures coexist.

There is no doubt that pop surrealism has found his definite legacy. The artworks of Mark Ryden transmit a strong message and an inimitable visual impact scope. His style is Machiavellian, where children’s innocence and the darkest mysteries of men meet and mesmerize the spectator within an intriguing and chilling journey to Wonderland.

Interview about his exhibition “The Gay 90s” at Kohn Gallery.

As a meat lover, I would like to start this interview discussing the concept of meat in your work. In many of your artworks, meat occupies an essential place within a well-defined context. Why is it important for you to create stories and circumstances around it?

For one and only reason… We are spirits and meat is the only thing that allows us to exist physically in this world. We eat meat as nourishment without ever thinking of the animal from which it was obtained. I have always felt curious about the fact that, before eating it, we give thanks to God and not to the animal that was sacrificed so that it could be turned into our food. I believe there is a substantial disconnection between meat as nourishment and meat as life. I guess it is this contradiction what makes me paint it in several occasions. I tend to surprise many people when I tell them I am not a vegetarian…

Do you think that eating meat is morally wrong?

Not at all! What I try to do is to be conscious about what I am eating and where it comes from. I only buy meat where the natural surroundings are respected and preserved, with the hope that the animal I am eating has had a happy life. Just to be clear, I am not preaching about any moral attitude in my work. I just think that if we were more conscious about our interconnection with the natural world around us, we would all be much happier.

In your paintings, one of the most repeated characters is Abraham Lincoln, why is his presence important in your work?

Because there is something indefinable and fascinating about Abraham Lincoln’s legend. If you had been born in the United States, you would have been exposed to the image of Lincoln since an early age. And there is something truly especial about it. For example, when you compare Lincoln’s image to that of George Washington, our first president and father of our country, you would notice that the later does not evoke any feelings in you. I think this happens because Lincoln was the first celebrity to be photographed an in all his photos, you can sense something unique and astonishing in his face.

To many people, Lincoln is so much more than just the president of the United States. He became a canonized figure and a lot of us grew up praising his portraits. Lincoln was a martyr of our slavery sin and that turned him into a saint of our time.

Generally, kids are thrilled when they discover your work, how do you react to such situation?

Even when my work is not envisioned for children, I am gratified to see that a child is mesmerized by any of my paintings. I think that when an artwork makes a connection with a child’s soul, something very especial and divine emerges.

One of my favorite quotes of Pablo Picasso is: “All children are born artists. The problem lays in how to keep on being artists when growing up”. I find that quote very true, because when it comes to creating things, kids are much more imaginative than adults. They are not repressed by their imagination and they do not question what they are creating. Children do not have to define or justify their “art”. They connect directly to creativity; however, adults are always frightened by mental disarray. Regrettably, our capacity for astonishment in today’s society has diminished and it has been limited to our childhood. We are not aware that unlike adults, children react to art in an instinctive way, with no intellectual thoughts. It is true that generally kids respond very well to my art, and when that happens, I fill like a fulfilled artist, because I know my work will succeed.

Throughout your career you have collaborated designing the album covers of artists like Ringo Star, Red Hot Chili Peppers and 4 Non Blondes. One of the most famous was the album cover for "Dangerous" of Michael Jackson. How did that collaboration happen? Did you have complete freedom or were you subdued to M. Jackson requests? I heard he was present during the creative process… 

Oh, you have no idea of the stories I could tell you of my collaboration with Michael. Unfortunately, I am not officially authorized to give details and to reveal anecdotes that occurred before and after the creation of the album cover of Dangerous. The only thing that can say is that I feel very lucky to have known and worked with one of the most relevant people of our time. Lamentably, stupid people remember him as a pervert. I think Michael was just a victim of the opportunistic parasites of the show bussiness.

Melancholy and fantasy have been two of the most looked down elements in the modern art world. Why do you think it is that sentimentalism and that cult to aesthetic beauty are intolerable aspects in some sectors of art?

That is an excellent question, and maybe it is the big question. Of course I do not have an answer but in any case, that is what I try to recover in my paintings. I try to break the barriers and absurd ideologies that make sentimentalism and kitsch gender unworthy of diverse artistic divisions.

What are you working on right now?

In something completely different to what I have done before. I am adding to my artworks dioramas with mechanical movement. That will be part of a series of works called “The Gay 90s West”. I have been working a year on them and I will present them in an exposition at the Kohn Gallery.

Another project I have been working on and that will also be part of the exhibition is the vinyl album that will collect the best songs of 1890. I have friends who are musicians like Tyler the Creator, Nick Cave, Everlast, Mark Mothersbaugh from group Devo, Kirk Hammett from Metallica and Weird Al Yankovic, who will be part of this project and will perform their own versions of the old songs recorded in 1890.

More information on Mark Ryden here.

Article stracted from El Fanzine.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Mark Ryden es uno de los artistas estadounidenses más eclécticos e influyentes de los últimos tiempos. Reconocido como el padre del surrealismo pop y del lowbrow art (arte sin pretensiones intelectuales), el artista ha sido uno de los primeros del género en haber cautivado la atención de numerosas galerías y coleccionistas en todo el mundo; incluyendo personalidades del star system como Robert de Niro, Stephen King, Leonardo Di Caprio y Marilyn Manson, entre otros.

Comparado muchas veces con Dalí, el trabajo de Ryden se inspira básicamente en la iconografía de los cuentos infantiles y de la cultura popular. Y en su obra, la alquimia, la religión, los juguetes, la numerología, la sangre y la carne forman parte de un inquietante universo cohabitado por angelicales presencias y extrañas criaturas.

Sin duda, el surrealismo pop ha encontrado su legado definitivo. Las pinturas de Mark Ryden llevan consigo un fuerte mensaje y una inimitable capacidad de impacto visual. Un maquiavélico estilo donde la inocencia infantil y los misterios más oscuros del hombre se dan cita para seducir y atrapar al espectador dentro de un intrigante y escalofriante viaje al país de las maravillas.

Entrevista acerca de su exposición "The Gay 90s" en Kohn Gallery.

Como buen amante de la carne que soy, me gustaría comenzar esta entrevista hablando de ella. En muchos de tus cuadros la carne ocupa un lugar imprescindible, y siempre bajo contextos bien puntuales y precisos. ¿Por qué te interesa tanto crear situaciones e historias en torno a la carne?

Por una sola y simple razón… Somos espíritus y la “carne” es lo único  que nos permite existir físicamente en este mundo. Consumimos carne como alimento, sin pensar jamás en el animal del que ésta procede. Siempre me ha parecido curioso el hecho de que, antes de comerla, damos las gracias a Dios y no al animal que dio su vida para transformarse en nuestro alimento. Creo que hay una desconexión total entre la carne como alimento y la carne como vida. Y supongo que es esta misma contradicción la que me lleva a pintarla reiteradas veces. Suelo sorprender a muchas personas cuando digo que no soy vegetariano…

¿Te parece moralmente malo comer carne?

¡En absoluto! Lo que hago es tratar de mantenerme al tanto de lo que estoy comiendo y de su procedencia. Sólo compro carne allí donde se respeta la conservación del medio y del entorno natural, con la sola esperanza de que el animal que me estoy comiendo haya tenido una vida feliz. Que quede claro que no trato de predicar ninguna postura moral en mi trabajo. Sólo creo que si fuéramos más conscientes de nuestra interconexión con el mundo natural que nos rodea, todos seríamos mucho más felices.

Uno de los personajes que se repite reiteradas veces en tus pinturas es Abraham Lincoln. ¿Por qué es tan importante su presencia en tu obra?

Porque hay algo indefinible y fascinante en la leyenda de Abraham Lincoln. Si hubieras nacido y crecido en los Estados Unidos, habrías estado expuesto a la imagen de Lincoln desde muy temprano. Y hay algo muy especial en ellas. Por ejemplo, cuando comparas la imagen de Lincoln con la de George Washington, nuestro primer presidente y padre de nuestro país, te darías cuenta de que ésta no genera ningún sentimiento. Creo que esto sucede porque Lincoln fue la primera celebridad en ser fotografiada. Y en aquellas fotos se puede percibir algo único y asombroso en su rostro.

Para muchos, Lincoln es algo mucho más importante que un presidente de los Estados Unidos. Llegó a convertirse en una figura canonizada por el pueblo, y muchos crecimos rindiendo culto a sus retratos. Lincoln fue un mártir de nuestro pecado de esclavitud, y esto lo transformó en un santo de nuestros tiempos.

Generalmente los niños quedan asombrados o maravillados cuando descubren tu trabajo. ¿Cómo reaccionas ante tal situación?

Si bien mi trabajo no se dirige a los niños, encuentro muy gratificante el hecho de que un niño quede maravillado por uno de mis cuadros. Pienso que cuando una obra de arte se conecta con el alma de un niño, se genera algo muy especial, algo divino.

Una de mis citas favoritas de Pablo Picasso es: “Todos los niños nacen artistas. El problema es cómo seguir siendo artistas al crecer.” Me parece que esto es muy cierto, porque los niños son mucho más imaginativos que los adultos a la hora de crear. No están inhibidos por su imaginación y tampoco cuestionan lo que están creando. Los niños no tienen que definir o justificar su “arte”. Poseen una conexión directa con la creatividad; sin embargo, los adultos estamos siempre filtrados y empantanados por la suciedad mental. Lamentablemente, la capacidad de asombro en la sociedad actual, se ha reducido y limitado al mundo de la infancia. Sin tener en cuenta que, a diferencia de los adultos, los niños reaccionan ante al arte de forma instintiva, sin intelectualizar. Es cierto que generalmente los niños responden muy bien a mi arte, y cuando esto sucede, me siento un artista realizado, porque sé que mi trabajo tendrá éxito.

A lo largo de tu carrera has colaborado también ilustrando las portadas de álbumes para artistas como Ringo Starr, Red Hot Chili Peppers y 4 Non Blondes. Pero una de las más célebres es la portada que creaste para el álbum Dangerous de Michael Jackson. ¿Como nació esta colaboración? ¿Trabajaste con libertad absoluta o bajo sugerencias estrictas por parte de M. Jackson? Tengo entendido que estuvo muy presente durante todo el proceso de creación…

Oh, no te imaginas las historias que podría contarte sobre mi colaboración con Michael. Por desgracia no estoy “oficialmente” autorizado para entrar en detalles y revelar todas las anécdotas que surgieron durante y después de la creación de la portada de Dangerous. Lo único que te puedo decir es que me siento muy afortunado de haber conocido y trabajado con una de las personas con más relevancia de nuestros tiempos. Lamentablemente, la gente idiota y estrecha de mente lo recuerda como a un pervertido. Creo que Michael fue sólo una víctima más de los parásitos oportunistas del show bussiness.

La nostalgia y la fantasía siempre fueron dos temáticas bastantes menospreciadas en el mundo del arte moderno. ¿Por qué crees que tanto el sentimentalismo como el culto a la belleza estética son factores intolerables en ciertos sectores del arte?

Ésta es una excelente pregunta, y tal vez sea la gran pregunta. Desde luego no tengo una respuesta, pero en todo caso, es lo que trato de reivindicar en mis pinturas. Con ello sólo intento romper barreras e ideologías absurdas que hacen del sentimentalismo o del kitsch géneros indignos en diversas ramas artísticas.

¿En qué proyectos nuevos estás trabajando?

En algo completamente diferente a todo lo que he hecho anteriormente. Estoy incorporando a mis obras dioramas con movimiento mecánico. Y esto formará parte de una nueva serie a la que he llamado "The Gay 90’s West." Llevo un año trabajando en ello y lo presentaré en una exposición unipersonal en la Kohn Gallery.

Otro proyecto en el que estoy trabajando y que también formará parte de mi exposición, es en la producción de un álbum en formato vinilo que recopilará las mejores canciones de los años 1890. Tengo amigos músicos como Tyler the Creator, Nick Cave, Everlast, Mark Mothersbaugh del grupo Devo, Kirk Hammett de Metallica y Weird Al Yankovic que formarán parte de este proyecto e interpretarán sus propias versiones de aquellas viejas canciones grabadas originalmente en 1890.

Más información sobre Mark Ryden aquí.

Artículo extraido de El Fanzine.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Mark Ryden es uno de los artistas estadounidenses más eclécticos e influyentes de los últimos tiempos. Reconocido como el padre del surrealismo pop y del lowbrow art (arte sin pretensiones intelectuales), el artista ha sido uno de los primeros del género en haber cautivado la atención de numerosas galerías y coleccionistas en todo el mundo; incluyendo personalidades del star system como Robert de Niro, Stephen King, Leonardo Di Caprio y Marilyn Manson, entre otros.

Comparado muchas veces con Dalí, el trabajo de Ryden se inspira básicamente en la iconografía de los cuentos infantiles y de la cultura popular. Y en su obra, la alquimia, la religión, los juguetes, la numerología, la sangre y la carne forman parte de un inquietante universo cohabitado por angelicales presencias y extrañas criaturas.

Sin duda, el surrealismo pop ha encontrado su legado definitivo. Las pinturas de Mark Ryden llevan consigo un fuerte mensaje y una inimitable capacidad de impacto visual. Un maquiavélico estilo donde la inocencia infantil y los misterios más oscuros del hombre se dan cita para seducir y atrapar al espectador dentro de un intrigante y escalofriante viaje al país de las maravillas.

Entrevista acerca de su exposición "The Gay 90s" en Kohn Gallery.

Como buen amante de la carne que soy, me gustaría comenzar esta entrevista hablando de ella. En muchos de tus cuadros la carne ocupa un lugar imprescindible, y siempre bajo contextos bien puntuales y precisos. ¿Por qué te interesa tanto crear situaciones e historias en torno a la carne?

Por una sola y simple razón… Somos espíritus y la “carne” es lo único  que nos permite existir físicamente en este mundo. Consumimos carne como alimento, sin pensar jamás en el animal del que ésta procede. Siempre me ha parecido curioso el hecho de que, antes de comerla, damos las gracias a Dios y no al animal que dio su vida para transformarse en nuestro alimento. Creo que hay una desconexión total entre la carne como alimento y la carne como vida. Y supongo que es esta misma contradicción la que me lleva a pintarla reiteradas veces. Suelo sorprender a muchas personas cuando digo que no soy vegetariano…

¿Te parece moralmente malo comer carne?

¡En absoluto! Lo que hago es tratar de mantenerme al tanto de lo que estoy comiendo y de su procedencia. Sólo compro carne allí donde se respeta la conservación del medio y del entorno natural, con la sola esperanza de que el animal que me estoy comiendo haya tenido una vida feliz. Que quede claro que no trato de predicar ninguna postura moral en mi trabajo. Sólo creo que si fuéramos más conscientes de nuestra interconexión con el mundo natural que nos rodea, todos seríamos mucho más felices.

Uno de los personajes que se repite reiteradas veces en tus pinturas es Abraham Lincoln. ¿Por qué es tan importante su presencia en tu obra?

Porque hay algo indefinible y fascinante en la leyenda de Abraham Lincoln. Si hubieras nacido y crecido en los Estados Unidos, habrías estado expuesto a la imagen de Lincoln desde muy temprano. Y hay algo muy especial en ellas. Por ejemplo, cuando comparas la imagen de Lincoln con la de George Washington, nuestro primer presidente y padre de nuestro país, te darías cuenta de que ésta no genera ningún sentimiento. Creo que esto sucede porque Lincoln fue la primera celebridad en ser fotografiada. Y en aquellas fotos se puede percibir algo único y asombroso en su rostro.

Para muchos, Lincoln es algo mucho más importante que un presidente de los Estados Unidos. Llegó a convertirse en una figura canonizada por el pueblo, y muchos crecimos rindiendo culto a sus retratos. Lincoln fue un mártir de nuestro pecado de esclavitud, y esto lo transformó en un santo de nuestros tiempos.

Generalmente los niños quedan asombrados o maravillados cuando descubren tu trabajo. ¿Cómo reaccionas ante tal situación?

Si bien mi trabajo no se dirige a los niños, encuentro muy gratificante el hecho de que un niño quede maravillado por uno de mis cuadros. Pienso que cuando una obra de arte se conecta con el alma de un niño, se genera algo muy especial, algo divino.

Una de mis citas favoritas de Pablo Picasso es: “Todos los niños nacen artistas. El problema es cómo seguir siendo artistas al crecer.” Me parece que esto es muy cierto, porque los niños son mucho más imaginativos que los adultos a la hora de crear. No están inhibidos por su imaginación y tampoco cuestionan lo que están creando. Los niños no tienen que definir o justificar su “arte”. Poseen una conexión directa con la creatividad; sin embargo, los adultos estamos siempre filtrados y empantanados por la suciedad mental. Lamentablemente, la capacidad de asombro en la sociedad actual, se ha reducido y limitado al mundo de la infancia. Sin tener en cuenta que, a diferencia de los adultos, los niños reaccionan ante al arte de forma instintiva, sin intelectualizar. Es cierto que generalmente los niños responden muy bien a mi arte, y cuando esto sucede, me siento un artista realizado, porque sé que mi trabajo tendrá éxito.

A lo largo de tu carrera has colaborado también ilustrando las portadas de álbumes para artistas como Ringo Starr, Red Hot Chili Peppers y 4 Non Blondes. Pero una de las más célebres es la portada que creaste para el álbum Dangerous de Michael Jackson. ¿Como nació esta colaboración? ¿Trabajaste con libertad absoluta o bajo sugerencias estrictas por parte de M. Jackson? Tengo entendido que estuvo muy presente durante todo el proceso de creación…

Oh, no te imaginas las historias que podría contarte sobre mi colaboración con Michael. Por desgracia no estoy “oficialmente” autorizado para entrar en detalles y revelar todas las anécdotas que surgieron durante y después de la creación de la portada de Dangerous. Lo único que te puedo decir es que me siento muy afortunado de haber conocido y trabajado con una de las personas con más relevancia de nuestros tiempos. Lamentablemente, la gente idiota y estrecha de mente lo recuerda como a un pervertido. Creo que Michael fue sólo una víctima más de los parásitos oportunistas del show bussiness.

La nostalgia y la fantasía siempre fueron dos temáticas bastantes menospreciadas en el mundo del arte moderno. ¿Por qué crees que tanto el sentimentalismo como el culto a la belleza estética son factores intolerables en ciertos sectores del arte?

Ésta es una excelente pregunta, y tal vez sea la gran pregunta. Desde luego no tengo una respuesta, pero en todo caso, es lo que trato de reivindicar en mis pinturas. Con ello sólo intento romper barreras e ideologías absurdas que hacen del sentimentalismo o del kitsch géneros indignos en diversas ramas artísticas.

¿En qué proyectos nuevos estás trabajando?

En algo completamente diferente a todo lo que he hecho anteriormente. Estoy incorporando a mis obras dioramas con movimiento mecánico. Y esto formará parte de una nueva serie a la que he llamado "The Gay 90’s West." Llevo un año trabajando en ello y lo presentaré en una exposición unipersonal en la Kohn Gallery.

Otro proyecto en el que estoy trabajando y que también formará parte de mi exposición, es en la producción de un álbum en formato vinilo que recopilará las mejores canciones de los años 1890. Tengo amigos músicos como Tyler the Creator, Nick Cave, Everlast, Mark Mothersbaugh del grupo Devo, Kirk Hammett de Metallica y Weird Al Yankovic que formarán parte de este proyecto e interpretarán sus propias versiones de aquellas viejas canciones grabadas originalmente en 1890.

Más información sobre Mark Ryden aquí.

Artículo extraido de El Fanzine.

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★ Written by Juan Darío Gómez. English edition by Dalia Vasquez.

 

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elFANZINE

 

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May 27, 2014 - No Comments!

★ Feel Flavour | Hearing A Poster Is Now Possible

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Making flavor a tangible and visual element for people was the main idea of this new artistic collaboration.


[Ver artículo en español abajo]

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Feel-Flavour-3-1

the-sound-of-taste-poster-conductive-ink

feel-the-flavour-poster

Feel Flavour 3

DSCF2444

[vimeo 90653961 w=100 h=338]

The Sound of Taste - Feel Flavour from Grey London on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Schwartz, a UK-based brand specialized in herbs and spices, went beyond the common idea of promoting food products in its “Feel Flavour” campaign. They collaborated with printed electronics company Novalia, Print Tech collective, advertising agency Grey London and illustrator Billie Jean, to create a unique musical poster that provokes many more human senses than just taste.

“Feel Flavour” is a print constructed with touch sensitive inks that turn the selected area into an interactive interface when someone presses the poster’s surface with her/his fingers. 16 different herbs and spices were associated to a particular piano musical chord. The poster does not have integrated speakers; it was designed to be linked to an application of a smartphone or a tablet through a Bluetooth platform, which turns the phone into a mobile speaker.

“Conductive ink is a prototype technology that puts the same type of touch screen you have in a smart phone or tablet into plain old paper –effectively breathing new life into what many believe is a dying medium. Schwartz is the first brand to use this technology in a commercial application”. – Kate Stone (founder of Novalia).

Italian conceptual artist Billie Jean designed the color, shape and general visual representation of each flavor based on the flavor’s taste and characteristics. For example, cumin was E flat major and chilli was A flat major.

More information on Feel Flavour poster here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Schwartz, a UK-based brand specialized in herbs and spices, went beyond the common idea of promoting food products in its “Feel Flavour” campaign. They collaborated with printed electronics company Novalia, Print Tech collective, advertising agency Grey London and illustrator Billie Jean, to create a unique musical poster that provokes many more human senses than just taste.

“Feel Flavour” is a print constructed with touch sensitive inks that turn the selected area into an interactive interface when someone presses the poster’s surface with her/his fingers. 16 different herbs and spices were associated to a particular piano musical chord. The poster does not have integrated speakers; it was designed to be linked to an application of a smartphone or a tablet through a Bluetooth platform, which turns the phone into a mobile speaker.

“Conductive ink is a prototype technology that puts the same type of touch screen you have in a smart phone or tablet into plain old paper –effectively breathing new life into what many believe is a dying medium. Schwartz is the first brand to use this technology in a commercial application”. – Kate Stone (founder of Novalia).

Italian conceptual artist Billie Jean designed the color, shape and general visual representation of each flavor based on the flavor’s taste and characteristics. For example, cumin was E flat major and chilli was A flat major.

More information on Feel Flavour poster here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Hacer del sabor un elemento tangible y visual fue la idea principal de esta nueva colaboración.

Schwartz, una empresa ubicada en el Reino Unido que se especializa en hierbas y especias, fue más allá de la idea tradicional de promocionar productos alimenticios con su campaña “Feel Flavour” (Siente el Sabor). Colaboró con la compañía de impresión electrónica Novalia, con Print Tech, con la empresa de publicidad Grey London y con el ilustrador Billie Jean en la creación de un innovador poster musical que estimula otros sentidos del ser humano además del sabor.

“Feel Flavour” es una impresión construida con pintura sensitiva al tacto, la cual transforma la superficie del área donde se aplica en una interface interactiva cuando entra en contacto con el roce de los dedos de una persona. 16 hierbas y especias distintas fueron seleccionadas para asociarse con un acorde musical de piano en particular. El poster no cuenta con bocinas integradas, sino que fue diseñado para poder ser conectado vía Bluetooth con un Smartphone o una tableta, los cuales se convierten en bocinas móviles.

“La pintura conductora es un tipo de tecnología que se basa en algo similar a una pantalla táctil como la de un Smartphone o una tableta, pero sobre papel, lo cual da nuevamente vida a un medio que se considera extinto. Schwartz es la primera empresa que utiliza este tipo de tecnología en una aplicación comercial”. – Kate Stone (fundador de Novalia).

El artista conceptual Billie Jean diseñó el color, la forma y la representación visual general de cada sabor tomando como referencia el sabor mismo y las características de las hierbas y las especias. Por ejemplo, comino fue Mi bemol mayor, y chile fue La bemol mayor.

Más información sobre Feel Flavour aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Hacer del sabor un elemento tangible y visual fue la idea principal de esta nueva colaboración.

Schwartz, una empresa ubicada en el Reino Unido que se especializa en hierbas y especias, fue más allá de la idea tradicional de promocionar productos alimenticios con su campaña “Feel Flavour” (Siente el Sabor). Colaboró con la compañía de impresión electrónica Novalia, con Print Tech, con la empresa de publicidad Grey London y con el ilustrador Billie Jean en la creación de un innovador poster musical que estimula otros sentidos del ser humano además del sabor.

“Feel Flavour” es una impresión construida con pintura sensitiva al tacto, la cual transforma la superficie del área donde se aplica en una interface interactiva cuando entra en contacto con el roce de los dedos de una persona. 16 hierbas y especias distintas fueron seleccionadas para asociarse con un acorde musical de piano en particular. El poster no cuenta con bocinas integradas, sino que fue diseñado para poder ser conectado vía Bluetooth con un Smartphone o una tableta, los cuales se convierten en bocinas móviles.

“La pintura conductora es un tipo de tecnología que se basa en algo similar a una pantalla táctil como la de un Smartphone o una tableta, pero sobre papel, lo cual da nuevamente vida a un medio que se considera extinto. Schwartz es la primera empresa que utiliza este tipo de tecnología en una aplicación comercial”. – Kate Stone (fundador de Novalia).

El artista conceptual Billie Jean diseñó el color, la forma y la representación visual general de cada sabor tomando como referencia el sabor mismo y las características de las hierbas y las especias. Por ejemplo, comino fue Mi bemol mayor, y chile fue La bemol mayor.

Más información sobre Feel Flavour aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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May 21, 2014 - No Comments!

★ Andres Medina (MX) | El Fanzine, A Rewarding Life Experience

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A writer, cultural journalist, art enthusiast and current editorial director of Mexican creative magazine El Fanzine.


[Ver artículo en español abajo]

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Meet Andres Medina in this exclusive interview for Saketekilla*.

Could you please tell us a bit about yourself and your background? What took you to be the editorial director of El Fanzine?

I was born in Mexico City and all my life I lived in Colonia Del Valle. Since I was a little boy I attended private schools, however, the bohemian life was what really attracted me. It was there where I found my true influence. My parents love music, dancing and parties, so, at a very young age I was used of having contact with the artistic world. My mother was a librarian for thirty years; as a result, reading was a common habit in our home. I studied Communication at Universidad Iberoamericana and specialized in cinema. Later on, my path crossed with the editorial world.

I met El Fanzine when I was in the final stage of college. The first edition I was truly involved was number 6. Since then, alongside all the people who have been part of the project, we have created amazing things with absolute dedication.

Who/what has been a key factor in the creation of El Fanzine? How did it transform into something tangible and especial, into something that people would like? Since the beginning did you imagine to have the success you have experienced so far?

This question could be better answered by its creators; however, I will tell you what I know. Mariano Rocha had the ambitious idea of creating a magazine called SODA. Along the way, he did an exhibition about two friends of him: Julio Pineda (photographer) and Daniel Coca (designer), with the collaboration of Landy Bustamente, who commercialized the event. They realized that they could work together very well, so they decided to launch El Fanzine, which has been functioning for five years now. How did it transform into something tangible and especial? Well, the answer is easy: they did it. Since the beginning it was a successful project because of its honesty, eccentricity and passion; besides, it is one of the first free proposals in Mexico City with an attractive look and large format that informs about art, music, design, fashion and photography. In my opinion, the successful proposals are built stronger when they are the result of the willingness of the authors to create; when passion drives them, and not success.

In Mexico, no other magazine approaches the reader to Mexican and international culture, artist expressions and talents as El Fanzine does. What is the philosophy behind all that? What do you expect to achieve in the future? What are your biggest dreams?

The main objective of El Fanzine is to share, to make people think and to open dialogues between them to be able to enjoy culture and art. I believe that what distinguish El Fanzine from other editorials is how it approaches art, without pretensions and with the solely desire to reciprocate and to grow. The editorial line has a constructive profile; it does not inflict a certain point of view on readers, but it shares, reaching people with the same likes.

We do not like to talk about the future; we prefer to think about the present. But when we do, we always see ourselves deeper involved in society. We want to make a difference in our colony, our delegation, our state, our country and our planet.

My biggest dreams have always been related to creation; to be able to write a book, to make a painting, to write a song; but honestly, I think we are already living our own dreams.

What has been the biggest challenge El Fazine has faced throughout its trajectory?

Day after day we face new challenges, and that is what keeps us alive and what makes of this great experience something dynamic and real, far from perfection. But, talking about a challenge in particular, such adversity has been to maintain us different and unpredictable without transforming El Fanzine into a tedious editorial. We make sure that we grow personally so we can be in movement. Being united has also been a challenge we have learned to accept and which we all have faced positively. 

How did you come up with this amazing creative Mexican retro style of El Fanzine?

We have such style thanks to the good taste and sensitivity of Art Director Daniel Coca. The visual power and the effect that it has in the reader is characterized by Coca’s magical design. He lives a life full of creativity, and I dare to say that he achieves such style because he has very well established what he loves.

Regarding the editorial content, how do you choose the artists to discuss? What is your selection process? How do you make magic happen?

The process is absolutely personal and experience related, which I think is what makes El Fanzine so especial. The themes we choose are related to what we live every day. Even people who participate are individuals who cross our paths. Some collaborators are so deeply involved in the project and they understand so well our philosophy that we work together very often. The magic happens thanks to the energy and love of the almost 40 people that participate each month.

What are the most noticed artists right now, national and internationally?

As in everything else, it is all a matter of taste; actually it is there where the job of a curator or editor is most valuable, they get to share with the audience what they consider truly worthy. Personally, I like the work of Neck Face, Saner, JR, Ai Weiwei, Parra, Mark Ryden, Mario Testino, Pharrell Williams, Barry McGee, David Cook, and many others.

What are your main sources of inspiration?

I like to visit the official sites of Juxtapoz and Interview magazines, Mass Appeal, Ego Tripland, Dazed & Confused. However, I am starting to notice much more Instagram and what friends of mine share with me.

Lately, we have seen a great wave of Mexican artistic culture with incredible talent, what do you think of the current artistic scenario in Mexico and what do you think is going to happen in the years to come?

It is true that Mexico is living an amazing creative moment, and I think we should make the most of it by revealing ourselves to the world; the quality of our products and ideas is very high. I believe is important to notice bussiness strategies and project consolidations. As you say, there are a lot of proposals, but not a lot of action to carry them out. I think that if you want to do it, you should do it. This is the time, it is now or never. In my opinion, the artistic scenario in Mexico is earning international recognition; artists from all over the world want to come to Mexico and show themselves to society, which is eager for artistic culture. How do I see the future? I think it all depends on what we do now; I imagine that all those fakers will soon fall.

There are incredible artists related to different disciplines: urban and digital artists, illustrators, industrial designers, fashion designers and many more. Which artistic area do you consider stronger and with more potential in Mexico?

I think each area has its strength, they are all growing and I believe they all have great potential; each one will define how far they want to go. I would rather talk about the current failures. It seems to me that until Mexico starts to use its own products, the industries will consolidate. For example, I do not think a fashion industry exists. When I say “industry” I mean with its correspondent revenues, even for Mexico. Right now, it sees that there is only an industry which plays to be an industry. 

Years ago this was impossible because the market was not educated to use the fashion trends or extravagant proposals, and I mean it in all artistic disciplines. Today, even in architecture, the perceptions and necessities of the consumers are evolving. So, all of them have great potential.

London is fashion, Japan is technology, Mexico is…

Passionate surrealism.

How do the local brands, the media and organizations support the artistic scenario in Mexico?

I think we find ourselves in continuous growth; some have leaded the way since years ago, others have improved it, and others have evolved it. To some of us is our turn to think it over again because of the arrival of the social networks and technology, which offer broader paths. Brands have managed to adapt to such artist movement, not all of them have succeeded of course, but there are some who really support the content and do not seek personal credit.

How could they support such scenario?

I believe hiring sensitive people who really understand artists’ ideas; people who are not afraid of risking themselves. Artists know how to get to people, how to make them feel, if they gave them more creative power we would have fun, intellectual and conceptual advertising companies. I am sick of looking at meaningless and stupid TV spots all the time.

What are your future expectations collaborating with Saketekilla? Are there other future projects you would like to help develop or launch internationally?

It is always good to collaborate with someone new, the results are different and the energy built is never the same with everybody. A friend of mine always told me this: “it is better to gain a ally than an enemy” (laughs).

We thank Andres Medina for this great interview. More information on El Fanzine here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Meet Andres Medina in this exclusive interview for Saketekilla*.

Could you please tell us a bit about yourself and your background? What took you to be the editorial director of El Fanzine?

I was born in Mexico City and all my life I lived in Colonia Del Valle. Since I was a little boy I attended private schools, however, the bohemian life was what really attracted me. It was there where I found my true influence. My parents love music, dancing and parties, so, at a very young age I was used of having contact with the artistic world. My mother was a librarian for thirty years; as a result, reading was a common habit in our home. I studied Communication at Universidad Iberoamericana and specialized in cinema. Later on, my path crossed with the editorial world.

I met El Fanzine when I was in the final stage of college. The first edition I was truly involved was number 6. Since then, alongside all the people who have been part of the project, we have created amazing things with absolute dedication.

Who/what has been a key factor in the creation of El Fanzine? How did it transform into something tangible and especial, into something that people would like? Since the beginning did you imagine to have the success you have experienced so far?

This question could be better answered by its creators; however, I will tell you what I know. Mariano Rocha had the ambitious idea of creating a magazine called SODA. Along the way, he did an exhibition about two friends of him: Julio Pineda (photographer) and Daniel Coca (designer), with the collaboration of Landy Bustamente, who commercialized the event. They realized that they could work together very well, so they decided to launch El Fanzine, which has been functioning for five years now. How did it transform into something tangible and especial? Well, the answer is easy: they did it. Since the beginning it was a successful project because of its honesty, eccentricity and passion; besides, it is one of the first free proposals in Mexico City with an attractive look and large format that informs about art, music, design, fashion and photography. In my opinion, the successful proposals are built stronger when they are the result of the willingness of the authors to create; when passion drives them, and not success.

In Mexico, no other magazine approaches the reader to Mexican and international culture, artist expressions and talents as El Fanzine does. What is the philosophy behind all that? What do you expect to achieve in the future? What are your biggest dreams?

The main objective of El Fanzine is to share, to make people think and to open dialogues between them to be able to enjoy culture and art. I believe that what distinguish El Fanzine from other editorials is how it approaches art, without pretensions and with the solely desire to reciprocate and to grow. The editorial line has a constructive profile; it does not inflict a certain point of view on readers, but it shares, reaching people with the same likes.

We do not like to talk about the future; we prefer to think about the present. But when we do, we always see ourselves deeper involved in society. We want to make a difference in our colony, our delegation, our state, our country and our planet.

My biggest dreams have always been related to creation; to be able to write a book, to make a painting, to write a song; but honestly, I think we are already living our own dreams.

What has been the biggest challenge El Fazine has faced throughout its trajectory?

Day after day we face new challenges, and that is what keeps us alive and what makes of this great experience something dynamic and real, far from perfection. But, talking about a challenge in particular, such adversity has been to maintain us different and unpredictable without transforming El Fanzine into a tedious editorial. We make sure that we grow personally so we can be in movement. Being united has also been a challenge we have learned to accept and which we all have faced positively. 

How did you come up with this amazing creative Mexican retro style of El Fanzine?

We have such style thanks to the good taste and sensitivity of Art Director Daniel Coca. The visual power and the effect that it has in the reader is characterized by Coca’s magical design. He lives a life full of creativity, and I dare to say that he achieves such style because he has very well established what he loves.

Regarding the editorial content, how do you choose the artists to discuss? What is your selection process? How do you make magic happen?

The process is absolutely personal and experience related, which I think is what makes El Fanzine so especial. The themes we choose are related to what we live every day. Even people who participate are individuals who cross our paths. Some collaborators are so deeply involved in the project and they understand so well our philosophy that we work together very often. The magic happens thanks to the energy and love of the almost 40 people that participate each month.

What are the most noticed artists right now, national and internationally?

As in everything else, it is all a matter of taste; actually it is there where the job of a curator or editor is most valuable, they get to share with the audience what they consider truly worthy. Personally, I like the work of Neck Face, Saner, JR, Ai Weiwei, Parra, Mark Ryden, Mario Testino, Pharrell Williams, Barry McGee, David Cook, and many others.

What are your main sources of inspiration?

I like to visit the official sites of Juxtapoz and Interview magazines, Mass Appeal, Ego Tripland, Dazed & Confused. However, I am starting to notice much more Instagram and what friends of mine share with me.

Lately, we have seen a great wave of Mexican artistic culture with incredible talent, what do you think of the current artistic scenario in Mexico and what do you think is going to happen in the years to come?

It is true that Mexico is living an amazing creative moment, and I think we should make the most of it by revealing ourselves to the world; the quality of our products and ideas is very high. I believe is important to notice bussiness strategies and project consolidations. As you say, there are a lot of proposals, but not a lot of action to carry them out. I think that if you want to do it, you should do it. This is the time, it is now or never. In my opinion, the artistic scenario in Mexico is earning international recognition; artists from all over the world want to come to Mexico and show themselves to society, which is eager for artistic culture. How do I see the future? I think it all depends on what we do now; I imagine that all those fakers will soon fall.

There are incredible artists related to different disciplines: urban and digital artists, illustrators, industrial designers, fashion designers and many more. Which artistic area do you consider stronger and with more potential in Mexico?

I think each area has its strength, they are all growing and I believe they all have great potential; each one will define how far they want to go. I would rather talk about the current failures. It seems to me that until Mexico starts to use its own products, the industries will consolidate. For example, I do not think a fashion industry exists. When I say “industry” I mean with its correspondent revenues, even for Mexico. Right now, it sees that there is only an industry which plays to be an industry. 

Years ago this was impossible because the market was not educated to use the fashion trends or extravagant proposals, and I mean it in all artistic disciplines. Today, even in architecture, the perceptions and necessities of the consumers are evolving. So, all of them have great potential.

London is fashion, Japan is technology, Mexico is…

Passionate surrealism.

How do the local brands, the media and organizations support the artistic scenario in Mexico?

I think we find ourselves in continuous growth; some have leaded the way since years ago, others have improved it, and others have evolved it. To some of us is our turn to think it over again because of the arrival of the social networks and technology, which offer broader paths. Brands have managed to adapt to such artist movement, not all of them have succeeded of course, but there are some who really support the content and do not seek personal credit.

How could they support such scenario?

I believe hiring sensitive people who really understand artists’ ideas; people who are not afraid of risking themselves. Artists know how to get to people, how to make them feel, if they gave them more creative power we would have fun, intellectual and conceptual advertising companies. I am sick of looking at meaningless and stupid TV spots all the time.

What are your future expectations collaborating with Saketekilla? Are there other future projects you would like to help develop or launch internationally?

It is always good to collaborate with someone new, the results are different and the energy built is never the same with everybody. A friend of mine always told me this: “it is better to gain a ally than an enemy” (laughs).

We thank Andres Medina for this great interview. More information on El Fanzine here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Andrés Medina, escritor, periodista cultural y amante del cine; actualmente director en jefe de la revista creativa Mexicana El Fanzine.

Conócelo en esta entrevista exclusiva para Saketekilla*.

Primero que nada, nos gustaría saber más de ti. ¿De dónde vienes? ¿Qué estudiaste? De igual forma, ¿Qué fue lo que te llevó a la creación de El Fanzine?

Nací en la ciudad de México y toda mi vida viví en la colonia Del Valle. Fui a escuelas privadas desde niño pero mi ambiente siempre fue bohemio, de ahí viene mi mayor influencia. Mis padres son amantes de la música, bailarines natos y fiesteros, así que desde chico estuve en contacto con el arte. Mi mamá fue bibliotecaria por treinta años, por lo que siempre se inculcó la lectura en mi casa. Estudié Ciencias de la Comunicación en la Universidad Iberoamericana, me especialicé en cine y por asares del destino terminé en el mundo editorial.

Me crucé con El Fanzine antes de terminar la carrera, justo ya en la especialidad. Recuerdo que el primer número en el cual estuve involucrado fue el #6. Desde entonces, junto con todas las personas que han formado parte de la comunidad que da vida al proyecto, hemos creado cosas increíbles, con corazón.

¿Qué o quiénes fueron las piezas claves en la realización de El Fanzine? ¿Cómo pasó de ser una idea a algo tangible, y en especial, a algo que fuera gustar a la gente? ¿Desde un inicio imaginaron tener el éxito que han logrado hasta el momento?

Esta pregunta la podrían responder mejor sus creadores, pero les cuento lo que sé. Mariano Rocha tenía la inquietud de hacer una revista que llamaría SODA; era un proyecto ambicioso. En el camino a lograrlo hizo una exposición de dos amigos suyos: Julio Pineda (fotógrafo) y Daniel Coca (diseñador), con ayuda de Landy Bustamante quien comercializó el evento. Al ver que los cuatro trabajaban bien en equipo, decidieron armar el proyecto y pues hasta ahora lleva cinco años de vida. Sobre como pasó de ser una idea a algo tangible creo que la respuesta es sencilla, lo hicieron. El proyecto desde un inicio tuvo éxito por su sinceridad, rareza y por estar hecho con pasión, además de ser una de las primeras propuestas de la ciudad de México gratuitas, con un formato grande y atractivo, que habla de arte, música, diseño, moda y fotografía. En mi opinión, las propuestas exitosas o que se mantienen fuertes son las que se hacen por la necesidad de los autores por crear; llevan pasión y no se hacen pensando en alcanzar el éxito. 

No se ha visto otra revista en México como El Fanzine, la cual acerca al lector tanto a la cultura mexicana, a sus expresiones y talentos, como a tendencias mundiales. ¿Cuál es la filosofía detrás de todo eso? ¿Qué esperan alcanzar en un futuro? ¿Cuáles son tus mayores sueños?

El principal objetivo de El Fanzine es compartir, incitar a pensar y generar un diálogo para así disfrutar de la cultura y el arte. Creo que lo que distingue a El Fanzine de las demás publicaciones es la forma en la que se acerca al arte, sin pretensiones y con el deseo de intercambiar y crecer. La línea editorial tiene un perfil constructivo; no impone su punto de vista, sino que comparte y al compartir, agrada a quienes gustan de compartir.

No nos gusta pensar en el futuro; procuramos pensar mejor en el presente, pero cuando lo hacemos, siempre nos vemos involucrados con mayor profundidad y fuerza con la sociedad. Queremos tener un efecto en nuestra colonia, delegación, estado, país y planeta.

Mis mayores sueños siempre han girado en torno a la creación, poder escribir un libro, pintar un cuadro, hacer una canción; pero sinceramente creo que ya estamos viviendo nuestros sueños.

¿Cuál ha sido el mayor reto que El Fanzine ha enfrentado a lo largo de su trayectoria?

Día a día nos enfrentamos a nuevos retos, y eso es lo que nos mantiene vivos y lo que hace que no se vuelva aburrido y perfecto. Pero hablando sobre un reto en específico, que creo éste ha sido la base de todo: mantenernos interesantes, propositivos y no aburrirle al lector siendo predecible. Procuramos crecer personalmente para así estar en movimiento. Estar unidos también ha sido un reto que hemos aceptado y que hasta ahora hemos cumplido perfectamente.

¿Cómo llegaron a ese impactante y creativo estilo visual retro-mexicano que tiene El Fanzine?

Esto es consecuencia del gran gusto y la enorme sensibilidad de nuestro Director de Arte, Daniel Coca. El poder visual y el efecto que tiene en el lector es la magia que caracteriza el diseño de Coca, quien vive de una manera creativa la vida. Me arriesgo a decir que creo que gran parte de su estilo es gracias a que es un gran observador y a que tiene muy claro lo que ama.

En relación a tu equipo de trabajo, ¿cómo encuentran a los artistas y temas que desean cubrir? ¿Cuál es el proceso de selección? ¿Cómo logras que suceda la magia?

Este proceso es totalmente vivencial y personal, creo que es justamente lo que hace tan especial a El Fanzine. Los temas que elegimos nacen de las experiencias y situaciones que estamos viviendo en el momento, incluso las personas que participan son las personas que la vida pone en nuestro camino. Algunos de los colaboradores se involucran a un nivel tan profundo con nosotros que logran entender perfectamente la intención y la línea editorial de nuestro proyecto, por esta razón colaboramos con ellos muy seguido. La magia sucede gracias a la energía y amor de todos los involucrados, cada mes participan cerca de 40 personas.

¿Cuáles son los principales artistas del momento? Local e internacionalmente.

Pues creo que como en todo es cuestión de gustos, justo ahí es donde entra el trabajo de un curador o un editor, compartir con su audiencia lo que él considera valioso. En lo personal me gusta mucho el trabajo de Neck Face, Saner, JR, Ai Weiwei, Parra, Mark Ryden, Mario Testino, Pharrell Williams, Barry McGee, David Cook… existen muchísimos.

¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración en línea?

Me gusta consultar el sitio de Juxtapoz, Interview, Mass Appeal, Ego Tripland, Dazed & Confused, pero creo que mi consumo visual se está enfocando mucho ya en Instagram y en lo que mis amigos comparten conmigo.

Hemos visto una gran ola emergente de cultura artística en México con un increíble talento (¡aunque hay que indagar mucho para encontrarla!). Como mexicano, ¿cómo ves el actual escenario artístico en México y qué piensas que sucederá en los siguientes años?

Es verdad que México se encuentra en un momento creativo increíble, lo debemos aprovechar y es justo ahora cuando debemos exponernos al resto del mundo; la calidad de nuestros productos y nuestras ideas está en un punto muy alto. Creo que es momento de poner atención también a las estrategias de negocios y a la consolidación de los proyectos. Como dices, hay mucha propuesta, pero hay pocas que tienen la suficiente fuerza para realmente hacer las cosas. Pero definitivamente si lo quieres hacer, es ahora o nunca. Creo que la escena de arte en México está cobrando renombre internacional, todos los artistas de otras partes del mundo quieren venir y mostrarse a la sociedad, la cual está sedienta de arte. ¿Cómo veo el futuro?, pues creo que depende de cómo rifemos ahorita, pero imagino caerán los que eran pose y no tenían contenido.

Existen increíbles artistas, desde los dedicados al arte urbano, hasta los artistas digitales, los ilustradores y los diseñadores industriales y de moda. ¿Cuál área artística o de diseño consideras es la más fuerte y tiene mayor potencial en México?

Creo que cada área tiene su fuerza, todas están creciendo y creo que todas tienen un potencial grande, cada una definirá hasta donde llegar. Pero más bien podría hablarte un poco de las fallas que hay todavía. Me parece que hasta que el mismo México no consuma sus propios productos no se consolidarán las industrias; por ejemplo no creo que exista una industria de la moda. Con industria me refiero a que exista una ganancia y que incluso signifique una ganancia para el país. Ahora me parece que se mantiene en un sector que juega a tener una industria.

Hace unos años era imposible porque el mercado no estaba educado para consumir tendencias o propuestas extravagantes, y me refiero a todas las áreas artísticas que mencionas; incluso en la arquitectura, las necesidades y gustos del consumidor han evolucionado. Así que pues todas están en potencia.

Londres es moda de último momento, Japón es diseño de tecnología, México es…

Surrealismo pasional

¿Cómo apoyan las marcas locales, los medios y las organizaciones el medio artístico en México? 

Creo que nos encontramos en crecimiento; algunos llevan trazando el camino desde hace años, otros lo mejoraron y lo evolucionaron, a otros nos tocó pensarlo de nuevo, ya que llegaron las redes sociales y la tecnología ofrece muchos más caminos. Las marcas han sabido relacionarse con el movimiento, con esta explosión artística de la cual hablamos, no todas han sabido hacerlo ni han acertado, pero hay unos cuantos que realmente apoyan el contenido y no buscan el crédito como objetivo principal.

¿Cómo podrían éstos apoyar dicho escenario?

Creo que contratando personas sensibles, que realmente comprendan las ideas de los artistas; personas que no tengan miedo de arriesgar. Los artistas saben cómo llegar a las personas, cómo hacerlas sentir, si les dieran más poder creativo tendríamos campañas publicitarias divertidas, conceptuales e intelectuales. Estoy harto de seguir viendo anuncios vacíos, patéticos y tontos en la tele y por todos lados.

¿Cuáles son tus expectativas en tu colaboración con Saketekilla? ¿Existen otros proyectos a futuro que pienses te gustaría ayudar a desarrollar o lanzar internacionalmente?

Siempre es bueno hacer un link con alguien nuevo, los resultados son diferentes, la energía que se construye con alguien nunca es la misma que construiste con otro. Siempre me lo dijo un amigo, “más vale ganar un amigo que un enemigo” (risas).

Agradecemos a Andrés Medina por esta gran entrevista. Más información sobre El Fanzine aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Andrés Medina, escritor, periodista cultural y amante del cine; actualmente director en jefe de la revista creativa Mexicana El Fanzine.

Conócelo en esta entrevista exclusiva para Saketekilla*.

Primero que nada, nos gustaría saber más de ti. ¿De dónde vienes? ¿Qué estudiaste? De igual forma, ¿Qué fue lo que te llevó a la creación de El Fanzine?

Nací en la ciudad de México y toda mi vida viví en la colonia Del Valle. Fui a escuelas privadas desde niño pero mi ambiente siempre fue bohemio, de ahí viene mi mayor influencia. Mis padres son amantes de la música, bailarines natos y fiesteros, así que desde chico estuve en contacto con el arte. Mi mamá fue bibliotecaria por treinta años, por lo que siempre se inculcó la lectura en mi casa. Estudié Ciencias de la Comunicación en la Universidad Iberoamericana, me especialicé en cine y por asares del destino terminé en el mundo editorial.

Me crucé con El Fanzine antes de terminar la carrera, justo ya en la especialidad. Recuerdo que el primer número en el cual estuve involucrado fue el #6. Desde entonces, junto con todas las personas que han formado parte de la comunidad que da vida al proyecto, hemos creado cosas increíbles, con corazón.

¿Qué o quiénes fueron las piezas claves en la realización de El Fanzine? ¿Cómo pasó de ser una idea a algo tangible, y en especial, a algo que fuera gustar a la gente? ¿Desde un inicio imaginaron tener el éxito que han logrado hasta el momento?

Esta pregunta la podrían responder mejor sus creadores, pero les cuento lo que sé. Mariano Rocha tenía la inquietud de hacer una revista que llamaría SODA; era un proyecto ambicioso. En el camino a lograrlo hizo una exposición de dos amigos suyos: Julio Pineda (fotógrafo) y Daniel Coca (diseñador), con ayuda de Landy Bustamante quien comercializó el evento. Al ver que los cuatro trabajaban bien en equipo, decidieron armar el proyecto y pues hasta ahora lleva cinco años de vida. Sobre como pasó de ser una idea a algo tangible creo que la respuesta es sencilla, lo hicieron. El proyecto desde un inicio tuvo éxito por su sinceridad, rareza y por estar hecho con pasión, además de ser una de las primeras propuestas de la ciudad de México gratuitas, con un formato grande y atractivo, que habla de arte, música, diseño, moda y fotografía. En mi opinión, las propuestas exitosas o que se mantienen fuertes son las que se hacen por la necesidad de los autores por crear; llevan pasión y no se hacen pensando en alcanzar el éxito. 

No se ha visto otra revista en México como El Fanzine, la cual acerca al lector tanto a la cultura mexicana, a sus expresiones y talentos, como a tendencias mundiales. ¿Cuál es la filosofía detrás de todo eso? ¿Qué esperan alcanzar en un futuro? ¿Cuáles son tus mayores sueños?

El principal objetivo de El Fanzine es compartir, incitar a pensar y generar un diálogo para así disfrutar de la cultura y el arte. Creo que lo que distingue a El Fanzine de las demás publicaciones es la forma en la que se acerca al arte, sin pretensiones y con el deseo de intercambiar y crecer. La línea editorial tiene un perfil constructivo; no impone su punto de vista, sino que comparte y al compartir, agrada a quienes gustan de compartir.

No nos gusta pensar en el futuro; procuramos pensar mejor en el presente, pero cuando lo hacemos, siempre nos vemos involucrados con mayor profundidad y fuerza con la sociedad. Queremos tener un efecto en nuestra colonia, delegación, estado, país y planeta.

Mis mayores sueños siempre han girado en torno a la creación, poder escribir un libro, pintar un cuadro, hacer una canción; pero sinceramente creo que ya estamos viviendo nuestros sueños.

¿Cuál ha sido el mayor reto que El Fanzine ha enfrentado a lo largo de su trayectoria?

Día a día nos enfrentamos a nuevos retos, y eso es lo que nos mantiene vivos y lo que hace que no se vuelva aburrido y perfecto. Pero hablando sobre un reto en específico, que creo éste ha sido la base de todo: mantenernos interesantes, propositivos y no aburrirle al lector siendo predecible. Procuramos crecer personalmente para así estar en movimiento. Estar unidos también ha sido un reto que hemos aceptado y que hasta ahora hemos cumplido perfectamente.

¿Cómo llegaron a ese impactante y creativo estilo visual retro-mexicano que tiene El Fanzine?

Esto es consecuencia del gran gusto y la enorme sensibilidad de nuestro Director de Arte, Daniel Coca. El poder visual y el efecto que tiene en el lector es la magia que caracteriza el diseño de Coca, quien vive de una manera creativa la vida. Me arriesgo a decir que creo que gran parte de su estilo es gracias a que es un gran observador y a que tiene muy claro lo que ama.

En relación a tu equipo de trabajo, ¿cómo encuentran a los artistas y temas que desean cubrir? ¿Cuál es el proceso de selección? ¿Cómo logras que suceda la magia?

Este proceso es totalmente vivencial y personal, creo que es justamente lo que hace tan especial a El Fanzine. Los temas que elegimos nacen de las experiencias y situaciones que estamos viviendo en el momento, incluso las personas que participan son las personas que la vida pone en nuestro camino. Algunos de los colaboradores se involucran a un nivel tan profundo con nosotros que logran entender perfectamente la intención y la línea editorial de nuestro proyecto, por esta razón colaboramos con ellos muy seguido. La magia sucede gracias a la energía y amor de todos los involucrados, cada mes participan cerca de 40 personas.

¿Cuáles son los principales artistas del momento? Local e internacionalmente.

Pues creo que como en todo es cuestión de gustos, justo ahí es donde entra el trabajo de un curador o un editor, compartir con su audiencia lo que él considera valioso. En lo personal me gusta mucho el trabajo de Neck Face, Saner, JR, Ai Weiwei, Parra, Mark Ryden, Mario Testino, Pharrell Williams, Barry McGee, David Cook… existen muchísimos.

¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración en línea?

Me gusta consultar el sitio de Juxtapoz, Interview, Mass Appeal, Ego Tripland, Dazed & Confused, pero creo que mi consumo visual se está enfocando mucho ya en Instagram y en lo que mis amigos comparten conmigo.

Hemos visto una gran ola emergente de cultura artística en México con un increíble talento (¡aunque hay que indagar mucho para encontrarla!). Como mexicano, ¿cómo ves el actual escenario artístico en México y qué piensas que sucederá en los siguientes años?

Es verdad que México se encuentra en un momento creativo increíble, lo debemos aprovechar y es justo ahora cuando debemos exponernos al resto del mundo; la calidad de nuestros productos y nuestras ideas está en un punto muy alto. Creo que es momento de poner atención también a las estrategias de negocios y a la consolidación de los proyectos. Como dices, hay mucha propuesta, pero hay pocas que tienen la suficiente fuerza para realmente hacer las cosas. Pero definitivamente si lo quieres hacer, es ahora o nunca. Creo que la escena de arte en México está cobrando renombre internacional, todos los artistas de otras partes del mundo quieren venir y mostrarse a la sociedad, la cual está sedienta de arte. ¿Cómo veo el futuro?, pues creo que depende de cómo rifemos ahorita, pero imagino caerán los que eran pose y no tenían contenido.

Existen increíbles artistas, desde los dedicados al arte urbano, hasta los artistas digitales, los ilustradores y los diseñadores industriales y de moda. ¿Cuál área artística o de diseño consideras es la más fuerte y tiene mayor potencial en México?

Creo que cada área tiene su fuerza, todas están creciendo y creo que todas tienen un potencial grande, cada una definirá hasta donde llegar. Pero más bien podría hablarte un poco de las fallas que hay todavía. Me parece que hasta que el mismo México no consuma sus propios productos no se consolidarán las industrias; por ejemplo no creo que exista una industria de la moda. Con industria me refiero a que exista una ganancia y que incluso signifique una ganancia para el país. Ahora me parece que se mantiene en un sector que juega a tener una industria.

Hace unos años era imposible porque el mercado no estaba educado para consumir tendencias o propuestas extravagantes, y me refiero a todas las áreas artísticas que mencionas; incluso en la arquitectura, las necesidades y gustos del consumidor han evolucionado. Así que pues todas están en potencia.

Londres es moda de último momento, Japón es diseño de tecnología, México es…

Surrealismo pasional

¿Cómo apoyan las marcas locales, los medios y las organizaciones el medio artístico en México? 

Creo que nos encontramos en crecimiento; algunos llevan trazando el camino desde hace años, otros lo mejoraron y lo evolucionaron, a otros nos tocó pensarlo de nuevo, ya que llegaron las redes sociales y la tecnología ofrece muchos más caminos. Las marcas han sabido relacionarse con el movimiento, con esta explosión artística de la cual hablamos, no todas han sabido hacerlo ni han acertado, pero hay unos cuantos que realmente apoyan el contenido y no buscan el crédito como objetivo principal.

¿Cómo podrían éstos apoyar dicho escenario?

Creo que contratando personas sensibles, que realmente comprendan las ideas de los artistas; personas que no tengan miedo de arriesgar. Los artistas saben cómo llegar a las personas, cómo hacerlas sentir, si les dieran más poder creativo tendríamos campañas publicitarias divertidas, conceptuales e intelectuales. Estoy harto de seguir viendo anuncios vacíos, patéticos y tontos en la tele y por todos lados.

¿Cuáles son tus expectativas en tu colaboración con Saketekilla? ¿Existen otros proyectos a futuro que pienses te gustaría ayudar a desarrollar o lanzar internacionalmente?

Siempre es bueno hacer un link con alguien nuevo, los resultados son diferentes, la energía que se construye con alguien nunca es la misma que construiste con otro. Siempre me lo dijo un amigo, “más vale ganar un amigo que un enemigo” (risas).

Agradecemos a Andrés Medina por esta gran entrevista. Más información sobre El Fanzine aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

 

★ By Dalia Vasquez

 

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May 19, 2014 - No Comments!

★ Zimoun (SW) | Creating Rhythmic And Kinetic Worlds

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A Swiss artist that creates splendid aesthetic architecture-sound installations.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

[vimeo 93247677 w=100 h=338]

Zimoun : Sound Sculptures & Installations : 10 Selected Works, 5 Minutes from STUDIO ZIMOUN on Vimeo.

[vimeo 89285125 w=100 h=338]

Zimoun : 150 prepared dc-motors, cardboard elements, cardboard boxes 13x13x13cm, 2014 from STUDIO ZIMOUN on Vimeo.

[vimeo 92542181 w=100 h=338]

Zimoun : 370 prepared dc-motors, cotton balls, cardboard boxes 71x71x71cm, 2014 from STUDIO ZIMOUN on Vimeo.

[vimeo 16734961 w=100 h=338]

Zimoun : 111 prepared dc-motors, cardboard boxes 60x60x60cm, 2010 from STUDIO ZIMOUN on Vimeo.

[vimeo 81325806 w=100 h=338]

Zimoun : 144 prepared dc-motors, wires isolated, cardboard boxes 27x13x13cm, 2013 from STUDIO ZIMOUN on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Currently based in Bern, Switzerland, Zimoun is a self-taught artist known for his ingenious sculptures and installations in which sound and movement are key architectural components. His work is the result of the combination of industrial and found materials like cardboard boxes, cotton balls and plastic bags, with mechanical devices such as motors, ventilators, wires and microphones.

As a little boy, Zimoun had his first sound encounter when he witnessed the distinct clatters of an old oil heater machine that went from working at its maximum capacity to a cooled down stage; since then, Zimoun felt the necessity to explore the fusion of music, sound and visual representation in one single universe. Now, he is able to take those early interests –as well as new ones like simplicity, reductive methods, systems, material’s properties and aesthetics- into artistic compounds of arranged elements.

Zimoun’s minimal art is endeavored to reflect the chaos in our modern lives. He creates his installations and then leaves them to run in an ongoing course until they inevitable suffer decay. The sound is a metaphor of how technology affects our daily existence and is intended to represent the never ending hum of machines’ motors and electronics of our world.

This talented artist enjoys exploring the possibilities in which sound can be applied to different patterns of features. He is very detail-focused, and creates prototypes that he uses in numerous physical tests in order to develop an idea and find unexpected answers. Zimoun always makes sure that sound interacts with the space, and in consequence, that the spectator can directly relate to the rhythm and movement of the artwork.

More information on Zimoun here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Currently based in Bern, Switzerland, Zimoun is a self-taught artist known for his ingenious sculptures and installations in which sound and movement are key architectural components. His work is the result of the combination of industrial and found materials like cardboard boxes, cotton balls and plastic bags, with mechanical devices such as motors, ventilators, wires and microphones.

As a little boy, Zimoun had his first sound encounter when he witnessed the distinct clatters of an old oil heater machine that went from working at its maximum capacity to a cooled down stage; since then, Zimoun felt the necessity to explore the fusion of music, sound and visual representation in one single universe. Now, he is able to take those early interests –as well as new ones like simplicity, reductive methods, systems, material’s properties and aesthetics- into artistic compounds of arranged elements.

Zimoun’s minimal art is endeavored to reflect the chaos in our modern lives. He creates his installations and then leaves them to run in an ongoing course until they inevitable suffer decay. The sound is a metaphor of how technology affects our daily existence and is intended to represent the never ending hum of machines’ motors and electronics of our world.

This talented artist enjoys exploring the possibilities in which sound can be applied to different patterns of features. He is very detail-focused, and creates prototypes that he uses in numerous physical tests in order to develop an idea and find unexpected answers. Zimoun always makes sure that sound interacts with the space, and in consequence, that the spectator can directly relate to the rhythm and movement of the artwork.

More information on Zimoun here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Actualmente viviendo en la ciudad de Ben en Suiza, Zimoun es un artista autodidacto que se dedica a la creación de ingeniosas esculturas e instalaciones en las que el sonido y el movimiento son los elementos arquitectónicos más importantes. Su trabajo es el resultado de la combinación de materiales reciclados e industriales, como cajas de cartón, bolas de algodón y bolsas de plástico, con artefactos mecánicos, como motores, ventiladores, cables y micrófonos.

De pequeño, Zimoun tuvo su primer encuentro con sonidos interesantes cuando escuchó los cambios internos de un viejo calentador de aceite que pasó de trabajar a su máxima capacidad a un estado de enfriamiento al momento de apagarse. Desde entonces, Zimoun sintió la necesidad de explorar la mezcla de música, sonido y representaciones visuales en un mismo lugar. Hoy en día, tiene la oportunidad de aplicar dichos intereses –y también otros nuevos como simplicidad, métodos reductivos, sistemas, propiedades de los materiales y la estética- en sus artísticas instalaciones de ordenados elementos.

El arte minimalista de Zimoun es creado para reflejar el caos que distingue el estilo de vida moderno. Después de manufacturar sus instalaciones, el artista deja que continúen su propio curso hasta que inevitablemente sufren el deterioro del tiempo. El sonido es una metáfora de cómo la tecnología incesantemente afecta nuestra existencia, y su objetivo es representar el constante murmullo que emiten los motores de las máquinas y los aparatos electrónicos que nos rodean.

Zimoun disfruta explorar la inmensa variedad de posibilidades en las que el sonido puede ser aplicado a distintos patrones de figuras. Pone suma atención en los detalles y crea prototipos con los que realiza un sin fin de pruebas para desarrollar una idea y así obtener resultados inesperados. Zimoun se asegura de que el sonido pueda interactuar con el espacio, y a su vez, que el espectador sea capaz de relacionarse directamente tanto con el ritmo como con la cinética de la obra de arte.

Más información sobre Zimoun aquí.

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Actualmente viviendo en la ciudad de Ben en Suiza, Zimoun es un artista autodidacto que se dedica a la creación de ingeniosas esculturas e instalaciones en las que el sonido y el movimiento son los elementos arquitectónicos más importantes. Su trabajo es el resultado de la combinación de materiales reciclados e industriales, como cajas de cartón, bolas de algodón y bolsas de plástico, con artefactos mecánicos, como motores, ventiladores, cables y micrófonos.

De pequeño, Zimoun tuvo su primer encuentro con sonidos interesantes cuando escuchó los cambios internos de un viejo calentador de aceite que pasó de trabajar a su máxima capacidad a un estado de enfriamiento al momento de apagarse. Desde entonces, Zimoun sintió la necesidad de explorar la mezcla de música, sonido y representaciones visuales en un mismo lugar. Hoy en día, tiene la oportunidad de aplicar dichos intereses –y también otros nuevos como simplicidad, métodos reductivos, sistemas, propiedades de los materiales y la estética- en sus artísticas instalaciones de ordenados elementos.

El arte minimalista de Zimoun es creado para reflejar el caos que distingue el estilo de vida moderno. Después de manufacturar sus instalaciones, el artista deja que continúen su propio curso hasta que inevitablemente sufren el deterioro del tiempo. El sonido es una metáfora de cómo la tecnología incesantemente afecta nuestra existencia, y su objetivo es representar el constante murmullo que emiten los motores de las máquinas y los aparatos electrónicos que nos rodean.

Zimoun disfruta explorar la inmensa variedad de posibilidades en las que el sonido puede ser aplicado a distintos patrones de figuras. Pone suma atención en los detalles y crea prototipos con los que realiza un sin fin de pruebas para desarrollar una idea y así obtener resultados inesperados. Zimoun se asegura de que el sonido pueda interactuar con el espacio, y a su vez, que el espectador sea capaz de relacionarse directamente tanto con el ritmo como con la cinética de la obra de arte.

Más información sobre Zimoun aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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May 7, 2014 - No Comments!

★ Sabrina Van Den Heuvel (NE) | Love, Loving, Lovable; Real Moments Of Intensity

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

“Don’t take a picture you think I want to see, but take a picture that’s you; photograph yourself” (Marvin Israel).


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Tell us a bit about yourself, when did you start your career as a photographer?

In 2004 I started the four beautiful years at the Royal Academy of Art in The Hague; I graduated in the year of 2008.

How you would describe tour photography style?

Love, loving, lovable; real moments of intensity. The artist has the privilege of being in touch with his or her unconscious, and this is really a gift.

What and/or who inspires you and why?

The human singing voice. Peter Doherty, the most talented writer and poet. It’s like he is talking to you, straight to you. He is real, sensitive.

Love and passion are present in many of your photos. What do you mean to show or communicate through your pictures?

Marvin Israel, the art director of Harper’s Bazaar in the 60s once told Bob Richardson: “Don’t take a picture that you think I want to see, but take a picture that’s you, photograph yourself.”  For me, that’s inspiring, I want to show beauty and love. A photo to me has to be a very personal and subjective voice.

One of your most popular pictures is a portrait of Peter Doherty. How was meeting him and what kind of relationship there is between your photography and music?

I could’t be happier. This charming man hit me right in the heart; a whole new world opened up, I fell in love, that wonderful day! It’s what he is saying with his music, it’s incredibly well-written and incredibly intelligent. Peter Doherty I adore you, and when can we marry?

What kind of music do you like?

The Smiths, Pokey Lafarge and the South City Three and of course, Peter Doherty with his solo album Grace / Wastelands.

Who is your favorite photographer?

Anton Corbijn

What are you working on right now? Any future plans?

Anything that gets me one step closer achieving my goal: working for Purple Magazine with Olivier Zahm.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Tell us a bit about yourself, when did you start your career as a photographer?

In 2004 I started the four beautiful years at the Royal Academy of Art in The Hague; I graduated in the year of 2008.

How you would describe tour photography style?

Love, loving, lovable; real moments of intensity. The artist has the privilege of being in touch with his or her unconscious, and this is really a gift.

What and/or who inspires you and why?

The human singing voice. Peter Doherty, the most talented writer and poet. It’s like he is talking to you, straight to you. He is real, sensitive.

Love and passion are present in many of your photos. What do you mean to show or communicate through your pictures?

Marvin Israel, the art director of Harper’s Bazaar in the 60s once told Bob Richardson: “Don’t take a picture that you think I want to see, but take a picture that’s you, photograph yourself.”  For me, that’s inspiring, I want to show beauty and love. A photo to me has to be a very personal and subjective voice.

One of your most popular pictures is a portrait of Peter Doherty. How was meeting him and what kind of relationship there is between your photography and music?

I could’t be happier. This charming man hit me right in the heart; a whole new world opened up, I fell in love, that wonderful day! It’s what he is saying with his music, it’s incredibly well-written and incredibly intelligent. Peter Doherty I adore you, and when can we marry?

What kind of music do you like?

The Smiths, Pokey Lafarge and the South City Three and of course, Peter Doherty with his solo album Grace / Wastelands.

Who is your favorite photographer?

Anton Corbijn

What are you working on right now? Any future plans?

Anything that gets me one step closer achieving my goal: working for Purple Magazine with Olivier Zahm.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Platícanos un poco acerca de ti, ¿cuándo iniciaste tu carrera en fotografía?

Comencé mis magníficos cuatro años de estudio en la Royal Academy of Art en La Haya en el 2004; me gradué en el 2008.

¿Cómo describirías tu estilo fotográfico?

Amor, amoroso, adorable; momentos de verdadera intensidad. El artista tiene el privilegio de estar en contacto con su subconsciente, y eso definitivamente es un regalo.

¿Qué o quién te inspira y por qué?

La voz humana. Peter Doherty, el poeta y escritor más talentoso que existe. Es como si él te hablara directamente a ti. Es real, sensible.

Amor y pasión son sentimientos presentes en tus fotos. ¿Qué es lo que intentas mostrar o comunicar a través de tus fotografías?

Marvin Israel, el director de la revista Harper’s Bazaar durante los años 60s una vez le dijo a Bob Richardson: “No tomes una fotografía que creas que yo quiero ver, en su lugar, fotografíate a ti mismo”. Para mí eso es inspirador. Quiero mostrar belleza y amor. Mis fotografías deben ser muy personales y deben tener una voz subjetiva.

Una de tus más famosas fotografías es un retrato de Peter Doherty. ¿Cómo fue la experiencia de conocerlo y qué tipo de relación existe entre tu fotografía y la música?

No podría estar más feliz. Este hombre tan encantador me llegó al corazón; un nuevo mundo se abrió ante mí, me enamoré, ¡que magnífico día! Se trata acerca de lo que él dice en su música, está muy bien escrita y es increíblemente inteligente. Peter Doherty te amo, ¿cuándo podemos casarnos?

¿Qué tipo de música te gusta?

The Smiths, Pokey Lafarge and the South City Three y por supuesto, Peter Doherty con su album Grace / Wastelands.

¿Quién es tu fotógrafo favorito?

Anton Corbijn

¿En qué te encuentras trabajando actualmente? ¿Cuáles son tus planes a futuro?

En cualquier cosa que me acerca cada vez más a mi meta: trabajar para la Revista Purple con Olivier Zahm.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Platícanos un poco acerca de ti, ¿cuándo iniciaste tu carrera en fotografía?

Comencé mis magníficos cuatro años de estudio en la Royal Academy of Art en La Haya en el 2004; me gradué en el 2008.

¿Cómo describirías tu estilo fotográfico?

Amor, amoroso, adorable; momentos de verdadera intensidad. El artista tiene el privilegio de estar en contacto con su subconsciente, y eso definitivamente es un regalo.

¿Qué o quién te inspira y por qué?

La voz humana. Peter Doherty, el poeta y escritor más talentoso que existe. Es como si él te hablara directamente a ti. Es real, sensible.

Amor y pasión son sentimientos presentes en tus fotos. ¿Qué es lo que intentas mostrar o comunicar a través de tus fotografías?

Marvin Israel, el director de la revista Harper’s Bazaar durante los años 60s una vez le dijo a Bob Richardson: “No tomes una fotografía que creas que yo quiero ver, en su lugar, fotografíate a ti mismo”. Para mí eso es inspirador. Quiero mostrar belleza y amor. Mis fotografías deben ser muy personales y deben tener una voz subjetiva.

Una de tus más famosas fotografías es un retrato de Peter Doherty. ¿Cómo fue la experiencia de conocerlo y qué tipo de relación existe entre tu fotografía y la música?

No podría estar más feliz. Este hombre tan encantador me llegó al corazón; un nuevo mundo se abrió ante mí, me enamoré, ¡que magnífico día! Se trata acerca de lo que él dice en su música, está muy bien escrita y es increíblemente inteligente. Peter Doherty te amo, ¿cuándo podemos casarnos?

¿Qué tipo de música te gusta?

The Smiths, Pokey Lafarge and the South City Three y por supuesto, Peter Doherty con su album Grace / Wastelands.

¿Quién es tu fotógrafo favorito?

Anton Corbijn

¿En qué te encuentras trabajando actualmente? ¿Cuáles son tus planes a futuro?

En cualquier cosa que me acerca cada vez más a mi meta: trabajar para la Revista Purple con Olivier Zahm.

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★ Original Article by HoopDoop Magazine #14. Interview by Monyart & Attilio Brancaccio.  Spanish edition by Dalia Vasquez. 

 

 

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HoopDoopMag243

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May 6, 2014 - No Comments!

★ Gaga’s TechHaus & Studio XO | When Engineering And Fashion Meet

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Designers and engineers work together for the first time to create interactive flamboyant dresses for Lady Gaga’s attire.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Bubelle

Bubelle

Digital Mermaid Bra

Digital mermaid bra

Anemone

gaga dress

The Parametric Sculpture Dress

The Parametric Sculpture Dress

Volantis

Volantis2

Cipher

Lady Gaga Presents "artRave" - Press Conference

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=ZVtURELhy1w]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Founded by Nancy Tilbury and Benjamin Males, Studio XO is a London-based fashion company internationally known for their innovative dress designs for singers and pop stars. They merge science, technology, fashion and music to create extravagant outfits that give the user a new clothing interactive experience. Among their creations are the “Digital Mermaid Bra”, a piece of underwear with Swarovski crystals that reflects light at the beat of the music; and “Bubelle”, a dress that reads the levels of arousal of the human body and changes color according to the his/her mood.

For the promotion of “ARTPOP”, the fourth studio album by Lady Gaga which was launched on November 11, 2013, Studio XO collaborated with TechHaus -the technical division of House of Gaga- to create a series of couture dresses marked by futuristic fashion and high technology. The collaboration included: “Anemone”, a white 3D-printed dress with an integrated bubble machine; “The Parametric Sculpture Dress”, a costume inspired in her collaboration with Jeff Koons; “Volantis” the first flying dress; and “Cipher” a dress with black mirrors that repeat any sequence.

Intimacy and emotion are two of the most important elements they use to associate the human body to high-tech fashion. CAD programs and new digital techniques allow creators and artists to develop innovative ideas and perspectives into real things that “… feel like the ultimate fantasy…” as Tilbury says. Through an extraordinary use of digital skins and smart textiles, Studio XO achieves clothes that organically adapt to the human body, accomplishing a more ergonomic and naturalistic style.

“Volantis might seem very science fiction, but if you consider the developments in vehicle design, if you look at the trends toward space travel and jet pack design, actually the idea of having a personal aerial vehicle that has to have style doesn’t seem that crazy” – Benjamin Males.

More information on Studio XO here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Founded by Nancy Tilbury and Benjamin Males, Studio XO is a London-based fashion company internationally known for their innovative dress designs for singers and pop stars. They merge science, technology, fashion and music to create extravagant outfits that give the user a new clothing interactive experience. Among their creations are the “Digital Mermaid Bra”, a piece of underwear with Swarovski crystals that reflects light at the beat of the music; and “Bubelle”, a dress that reads the levels of arousal of the human body and changes color according to the his/her mood.

For the promotion of “ARTPOP”, the fourth studio album by Lady Gaga which was launched on November 11, 2013, Studio XO collaborated with TechHaus -the technical division of House of Gaga- to create a series of couture dresses marked by futuristic fashion and high technology. The collaboration included: “Anemone”, a white 3D-printed dress with an integrated bubble machine; “The Parametric Sculpture Dress”, a costume inspired in her collaboration with Jeff Koons; “Volantis” the first flying dress; and “Cipher” a dress with black mirrors that repeat any sequence.

Intimacy and emotion are two of the most important elements they use to associate the human body to high-tech fashion. CAD programs and new digital techniques allow creators and artists to develop innovative ideas and perspectives into real things that “… feel like the ultimate fantasy…” as Tilbury says. Through an extraordinary use of digital skins and smart textiles, Studio XO achieves clothes that organically adapt to the human body, accomplishing a more ergonomic and naturalistic style.

“Volantis might seem very science fiction, but if you consider the developments in vehicle design, if you look at the trends toward space travel and jet pack design, actually the idea of having a personal aerial vehicle that has to have style doesn’t seem that crazy” – Benjamin Males.

More information on Studio XO here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Studio XO es una compañía ubicada en Londres, Reino Unido, fundada por Nancy Tilbury y Benjamín Males. Hoy en día es reconocida internacionalmente por sus innovadores diseños textiles para celebridades y cantantes, los cuales surgen tras la combinación de talentos científicos, tecnológicos, de diseño y música. Los extravagantes atuendos que confeccionan permiten al usuario tener una nueva experiencia interactiva a través de la ropa. Entre sus más famosas creaciones se encuentran el “Digital Mermaid Bra”, un brasier con cristales Swarosky que refleja la luz al ritmo de la música; y “Bubelle”, un vestido que cambia de color de acuerdo al estado de ánimo de quien lo lleva puesto.

Para la promoción de “ARTPOP”, el cuarto álbum de la cantante Lady Gaga, el cual fue lanzado el 11 de noviembre del 2013, Studio XO colaboró con TechHaus – la división tecnológica de House of Gaga- para la creación de nuevos vestidos caracterizados por un sentido de moda futurista y altamente tecnológica. La colaboración incluyó “Anemone”, un vestido blanco impreso en tercera dimensión el cual lleva incluido una máquina que lanza burbujas de jabón; “The Parametric Sculpture Dress”, un atuendo inspirado en la colaboración entre la cantante y Jeff Koons; “Volantis” el primer vestido que vuela; y “Cipher”, un vestido hecho a base de espejos negros que repite cualquier secuencia. 

Dos de los elementos más importantes que Studio XO utiliza para la creación de sus diseños son intimidad y emoción, con los cuales logra asociar el cuerpo humano a un diseño textil tecnológico. Programas CAD y las nuevas técnicas digitales permiten a los diseñadores y creadores desarrollar innovadoras ideas y perspectivas y transformarlas en cosas reales nunca antes vistas. A través de un extraordinario uso de pieles digitales y telas inteligentes, Studio XO fabrica vestuarios que se adaptan orgánicamente al cuerpo y logran un estilo más ergonómico y natural.

“Volantis puede parecer demasiado influenciado por la ciencia ficción, pero si uno considera los avances en el desarrollo de vehículos, si uno mira las tendencias en relación a los viajes especiales y al diseño de jets, realmente la idea de tener un medio de transporte aéreo personal que además tenga estilo, no parece ya tan descabellada” – Benjamín Males.

Más información sobre Studio XO aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Studio XO es una compañía ubicada en Londres, Reino Unido, fundada por Nancy Tilbury y Benjamín Males. Hoy en día es reconocida internacionalmente por sus innovadores diseños textiles para celebridades y cantantes, los cuales surgen tras la combinación de talentos científicos, tecnológicos, de diseño y música. Los extravagantes atuendos que confeccionan permiten al usuario tener una nueva experiencia interactiva a través de la ropa. Entre sus más famosas creaciones se encuentran el “Digital Mermaid Bra”, un brasier con cristales Swarosky que refleja la luz al ritmo de la música; y “Bubelle”, un vestido que cambia de color de acuerdo al estado de ánimo de quien lo lleva puesto.

Para la promoción de “ARTPOP”, el cuarto álbum de la cantante Lady Gaga, el cual fue lanzado el 11 de noviembre del 2013, Studio XO colaboró con TechHaus – la división tecnológica de House of Gaga- para la creación de nuevos vestidos caracterizados por un sentido de moda futurista y altamente tecnológica. La colaboración incluyó “Anemone”, un vestido blanco impreso en tercera dimensión el cual lleva incluido una máquina que lanza burbujas de jabón; “The Parametric Sculpture Dress”, un atuendo inspirado en la colaboración entre la cantante y Jeff Koons; “Volantis” el primer vestido que vuela; y “Cipher”, un vestido hecho a base de espejos negros que repite cualquier secuencia. 

Dos de los elementos más importantes que Studio XO utiliza para la creación de sus diseños son intimidad y emoción, con los cuales logra asociar el cuerpo humano a un diseño textil tecnológico. Programas CAD y las nuevas técnicas digitales permiten a los diseñadores y creadores desarrollar innovadoras ideas y perspectivas y transformarlas en cosas reales nunca antes vistas. A través de un extraordinario uso de pieles digitales y telas inteligentes, Studio XO fabrica vestuarios que se adaptan orgánicamente al cuerpo y logran un estilo más ergonómico y natural.

“Volantis puede parecer demasiado influenciado por la ciencia ficción, pero si uno considera los avances en el desarrollo de vehículos, si uno mira las tendencias en relación a los viajes especiales y al diseño de jets, realmente la idea de tener un medio de transporte aéreo personal que además tenga estilo, no parece ya tan descabellada” – Benjamín Males.

Más información sobre Studio XO aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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April 25, 2014 - No Comments!

★ Nrmal Festival (MX) | Revolution That Gave Force To A Modern Age

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

When children are soothed with the same threat their entire childhood, they end up being scammed, with their eardrums tanned so they do not yield to the absurd voices that only offer them the same sweet lies.


[Ver artículo en español abajo]

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Festival NRML DF 2014

Festival NRML DF 2014

Festival NRML DF 2014

Festival NRML DF 2014

Festival NRML DF 2014

Festival NRML DF 2014

Festival NRML DF 2014

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Every year, renowned festivals announce the well-known yellow poster signs with repeated artist names and tons of young promises that spread like the 7:00 am fog. Some youngsters rooted to the past, prefer to relive old legends, each one with different ambitions. Some of them want fame and glory, while others want crowns and recognition. Still, none of them realize that this country is not thirsty of talent, but it is hungry of new ideas. There is a lack of voice and proposals in this nation, the ones that you cannot find neither in clothes nor in speech, only in facts. However, proposals do not grow in trees; they grow inside the brain and come out of the mouth like stones. Five years ago, In Monterrey -a warm land with wounds in its mountains- the Nrmal Festival emerged; music and revolution were the standard foundation of something as normal as its own name.

The Nrmal Festival is composed by different acts from all over the world, where metal and electronic bands are the usual performers. With a strange address and a very peculiar location, the first edition of the Nrmal Festival took place in Mexico City, having as main venue the sport center Lomas Altas in the north of the city. Once we arrived to the access gate, a pair of well-armed soldiers, who smiled and nodded while answering our questions, welcomed us. The doors were opened and the waltz performance by the valet parking began.

The weather was warm, just a little bit humid. You could sense an earthy smell while the wind slightly shivered the sky. Once inside, nothing changed; there was no roof or tents above us, just the sky.

The festival accomplished many of its objectives: for instance, the number of assistants, the extension of the place and the logistics of the general event were very well organized; it is also important to mention the scenography, which was organized with the same caution than the rest of the activities. There were two similar and very important stages which alternated each other between bands; so that when the blue stage finished performing, another band began playing in the red stage.

The food area had wood tables in the center and long benches instead of chairs; you did not just share food, you shared stories and met new people. The conversations would go from one corner to the other, while the lines of the Food Trucks kept moving; it was no hurry, you could sense peace. In this zone you could find Vietnamese food, Mexican tacos and sausage pretzels. In the same area, a little bit further, you could find the literature tent, brought by the magazine “Ciudad de Frente”, where six different acts with one main bond, literature, took place.

One of the main reasons why Nrmal Festival is so different, is because far from seeking recognition and popularity, it cares about generating not only spaces where the musical experience is the main attraction, but also an event with proposals with different approaches not necessarily done by young people; however such proposals were made for ears used to listening to old voices. The literature tent witnessed performances made by “Poemas Perrones” accompanied by electronic sounds and turbid bass. Also in this tent, the band “Extraños en el Tren” performed and you could listen to the musical instrument escracheos, as well as guitars and computer rhythms, making a black hole in the atmosphere filled with weirdness and torture.

The proposal of the Festival is not only on stage, it also extends throughout the entire land. As soon as you enter you see the signs, the decorated toilets with the symbolic image of the event, the little flee market where you can find decorative souvenirs, books and official merchandise of the Festival and of the performing artists.

Another podium which had much affluence was the Noisey stage, whose guardianship was given by Vice music channel. “Trillones”, a Mexican DJ originally from Mexicali who is well aware of the current situation in Mexico participated, and the music emanating from their assemblies reflected that perfectly. In the same stage, but in a different schedule, you could witness performances as overwhelming like the one by “Kelela”, a young girl with a voice as clear as the moon, which left the audience appeased. The artist “Matias Aguayo x Mostro” was one of the acts with the best public response. This androgynous group combined the Caribbean sounds of Aguayo with the saturated voices of Mostro.

At the same time, projects from all over the world like Australia, Chile, Colombia, United States and Mexico merged in and outside the stage in a natural way. There were no interruptions and the course of the event remained calm.

Nrmal is a cat of seven lives; it is a dog with three tails, a rooster of golden feathers and a silver throat. Nrmal is good.

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Every year, renowned festivals announce the well-known yellow poster signs with repeated artist names and tons of young promises that spread like the 7:00 am fog. Some youngsters rooted to the past, prefer to relive old legends, each one with different ambitions. Some of them want fame and glory, while others want crowns and recognition. Still, none of them realize that this country is not thirsty of talent, but it is hungry of new ideas. There is a lack of voice and proposals in this nation, the ones that you cannot find neither in clothes nor in speech, only in facts. However, proposals do not grow in trees; they grow inside the brain and come out of the mouth like stones. Five years ago, In Monterrey -a warm land with wounds in its mountains- the Nrmal Festival emerged; music and revolution were the standard foundation of something as normal as its own name.

The Nrmal Festival is composed by different acts from all over the world, where metal and electronic bands are the usual performers. With a strange address and a very peculiar location, the first edition of the Nrmal Festival took place in Mexico City, having as main venue the sport center Lomas Altas in the north of the city. Once we arrived to the access gate, a pair of well-armed soldiers, who smiled and nodded while answering our questions, welcomed us. The doors were opened and the waltz performance by the valet parking began.

The weather was warm, just a little bit humid. You could sense an earthy smell while the wind slightly shivered the sky. Once inside, nothing changed; there was no roof or tents above us, just the sky.

The festival accomplished many of its objectives: for instance, the number of assistants, the extension of the place and the logistics of the general event were very well organized; it is also important to mention the scenography, which was organized with the same caution than the rest of the activities. There were two similar and very important stages which alternated each other between bands; so that when the blue stage finished performing, another band began playing in the red stage.

The food area had wood tables in the center and long benches instead of chairs; you did not just share food, you shared stories and met new people. The conversations would go from one corner to the other, while the lines of the Food Trucks kept moving; it was no hurry, you could sense peace. In this zone you could find Vietnamese food, Mexican tacos and sausage pretzels. In the same area, a little bit further, you could find the literature tent, brought by the magazine “Ciudad de Frente”, where six different acts with one main bond, literature, took place.

One of the main reasons why Nrmal Festival is so different, is because far from seeking recognition and popularity, it cares about generating not only spaces where the musical experience is the main attraction, but also an event with proposals with different approaches not necessarily done by young people; however such proposals were made for ears used to listening to old voices. The literature tent witnessed performances made by “Poemas Perrones” accompanied by electronic sounds and turbid bass. Also in this tent, the band “Extraños en el Tren” performed and you could listen to the musical instrument escracheos, as well as guitars and computer rhythms, making a black hole in the atmosphere filled with weirdness and torture.

The proposal of the Festival is not only on stage, it also extends throughout the entire land. As soon as you enter you see the signs, the decorated toilets with the symbolic image of the event, the little flee market where you can find decorative souvenirs, books and official merchandise of the Festival and of the performing artists.

Another podium which had much affluence was the Noisey stage, whose guardianship was given by Vice music channel. “Trillones”, a Mexican DJ originally from Mexicali who is well aware of the current situation in Mexico participated, and the music emanating from their assemblies reflected that perfectly. In the same stage, but in a different schedule, you could witness performances as overwhelming like the one by “Kelela”, a young girl with a voice as clear as the moon, which left the audience appeased. The artist “Matias Aguayo x Mostro” was one of the acts with the best public response. This androgynous group combined the Caribbean sounds of Aguayo with the saturated voices of Mostro.

At the same time, projects from all over the world like Australia, Chile, Colombia, United States and Mexico merged in and outside the stage in a natural way. There were no interruptions and the course of the event remained calm.

Nrmal is a cat of seven lives; it is a dog with three tails, a rooster of golden feathers and a silver throat. Nrmal is good.

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Cuando a los niños se les quiere sosegar con la misma amenaza durante su corta infancia, terminan siendo timados pero con los tímpanos curtidos para no sucumbir ante voces absurdas que lo único que ofrecen son mentiras endulzadas con lo mismo.

Cada año festivales de renombre dan a conocer los carteles conocidos y amarillentos con los nombres repetidos y un bonche de jóvenes promesas semejantes a la niebla de las siete. Algunos, los más enraizados en el ayer, prefieren revivir del campo santo a las leyendas del pasado, todos buscan ambiciones diferentes: unos te dan sol y otros te dan corona, pero ninguno se da cuenta que en este país no hay sed sino hambre, que en este país falta voz y propuesta, una que no está ni en la ropa, ni en el habla y sí en los hechos. La propuesta no viene del bolso, la propuesta se gesta adentro, en el cerebro, y sale por la boca para convertirse en roca firme. En Monterrey, una tierra caliente y con yagas en la sierra, hace cinco años, de su tierra fértil emergía el Festival Nrmal, donde la música y las balas serían cimiento de algo tal normal como su nombre.

El Festival Nrmal es un festival con un cartel compuesto por actos de todas partes del mundo, donde el metal y los sonidos electrónicos son los géneros más socorridos por los ejecutantes. Con una dirección poco conocida y una locación nada familiar, se llevo a cabo la primera edición del Festival Nrmal en el DF, teniendo como epicentro el Deportivo Lomas Altas al norte de la ciudad. Al llegar a la puerta de acceso, la bienvenida corría a cargo de un par de militares bien armados pero muy sonrientes que, asintiendo con la cabeza, respondían nuestras preguntas. Las puertas se abrieron y el vals, a cargo del valet parking, comenzó.

El clima era templado, se podría decir que era húmedo. El ambiente olía a tierra y el cielo, en colores grisáceos, estremecía ante las ráfagas de viento. Una vez a dentro nada cambió, no había carpas ni techos, sólo ese cielo como cubierta de ese momento.

El festival cumple con muchos de sus cometidos: en primer lugar está la organización que tiene bien calculado el número de asistencias a la par de la extensión territorial del lugar; también es importante destacar que los escenarios curados por los medios aliados están bien justificados y organizados con la misma cautela que el resto de las actividades. El escenario principal no era uno sólo, compartía espacio con uno más semejante a él: la intención de este ejercicio era dejar sin vacío el cambio de backline entre banda y banda, así mientras en el escenario azul terminaba de tocar una banda, en el escenario rojo comenzaba la otra.

La zona de comida tenía al centro varias mesas de madera, con bancas corridas, que propiciaban al acto de compartir; no sólo el asiento sino historias y conocer personas nuevas. Las platicas se paseaban de esquina a esquina, la filas de las Food Trucks avanzaban continuamente; no había prisas y la calma imperaba. Comida de Vietnam, taquitos de cochina y pretzels de salchicha eran sólo algunos de los productos que la zona ofrecía. Justo ahí en el mismo terreno polvoriento pero un poco más apartado del murmullo se encontraba la carpa literaria curada por la revista la "Ciudad de Frente" donde desfilarían seis actos totalmente distintos pero con un mismo lazo de unión: la literatura.

Esta es una de las razones que hacen al Nrmal un festival diferente, pues lejos de buscar el reconocimiento y la popularidad, se preocupa por generar no sólo espacios donde la experiencia musical sea la única atracción, sino generar un  encuentro con propuestas no necesariamente jóvenes pero sí nuevas para oídos acostumbrados a las voces viejas.  La carpa literaria fue testigo de presentaciones como la de los "Poemas Perrones"  acompañados de sonidos electrónicos y bajos turbios. También ahí mismo se presentó "Extraños en el Tren", un proyecto donde los escracheos se hacen presentes al igual que las guitarras y los ritmos de computadora, haciendo del ambiente un agujero negro repleto de extrañesa y tormento.

A decir verdad, la propuesta del festival no sólo está en los escenarios pues se extiende por todo el territorio, ya que desde los señalamientos internos hasta los sanitarios son decorados con la imagen ya característica del festival, además de un pequeño tianguis donde bien se pueden encontrar artículos decorativos, fanzines, libros y mercancía oficial del festival y de los artistas participantes.

Otro de los entarimados que contó con mucha afluencia fue el escenario "Noisey", cuya curaduría corrió a cargo del canal de música de Vice, donde desfilaron actos como "Trillones", DJ originario de Mexicali quien tiene muy presente la situación actual que se vive en México y la música que emana de sus ensambles lo refleja perfectamente. También en ese mismo escenario pero en distinto horario se presentó "Kelela", una joven embellecida por su oscuro cabello y dueña de una boca que apaciguó a la ya encendida audiencia con una voz tan clara como la Luna. "Matías Aguayo x Mostro" fue uno de los actos con mejor respuesta pues tanto Matías como Mostro eran ya conocidos por el publico ahí reunido. Esta agrupación andrógina combinó de manera atinada los sonidos caribeños de Aguayo y las percusiones violentas y voces saturadas de Mostro.

La vitrina exponía al tiempo en el que reloj avanzaba proyectos de todas partes del mundo; Australia, Chile, Colombia, Estados Unidos, México y todas las naciones tanto abajo como arriba de los escenarios convivían de manera natural, sin altercados ni absurdos que interrumpieran la calma. Las balas dieron fuerza a una edad moderna.

El Nrmal es el gato de las siete vidas, es un perro de tres colas y un gallo con plumas de oro y garganta de plata. El Nrmal es el bueno.

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Cuando a los niños se les quiere sosegar con la misma amenaza durante su corta infancia, terminan siendo timados pero con los tímpanos curtidos para no sucumbir ante voces absurdas que lo único que ofrecen son mentiras endulzadas con lo mismo.

Cada año festivales de renombre dan a conocer los carteles conocidos y amarillentos con los nombres repetidos y un bonche de jóvenes promesas semejantes a la niebla de las siete. Algunos, los más enraizados en el ayer, prefieren revivir del campo santo a las leyendas del pasado, todos buscan ambiciones diferentes: unos te dan sol y otros te dan corona, pero ninguno se da cuenta que en este país no hay sed sino hambre, que en este país falta voz y propuesta, una que no está ni en la ropa, ni en el habla y sí en los hechos. La propuesta no viene del bolso, la propuesta se gesta adentro, en el cerebro, y sale por la boca para convertirse en roca firme. En Monterrey, una tierra caliente y con yagas en la sierra, hace cinco años, de su tierra fértil emergía el Festival Nrmal, donde la música y las balas serían cimiento de algo tal normal como su nombre.

El Festival Nrmal es un festival con un cartel compuesto por actos de todas partes del mundo, donde el metal y los sonidos electrónicos son los géneros más socorridos por los ejecutantes. Con una dirección poco conocida y una locación nada familiar, se llevo a cabo la primera edición del Festival Nrmal en el DF, teniendo como epicentro el Deportivo Lomas Altas al norte de la ciudad. Al llegar a la puerta de acceso, la bienvenida corría a cargo de un par de militares bien armados pero muy sonrientes que, asintiendo con la cabeza, respondían nuestras preguntas. Las puertas se abrieron y el vals, a cargo del valet parking, comenzó.

El clima era templado, se podría decir que era húmedo. El ambiente olía a tierra y el cielo, en colores grisáceos, estremecía ante las ráfagas de viento. Una vez a dentro nada cambió, no había carpas ni techos, sólo ese cielo como cubierta de ese momento.

El festival cumple con muchos de sus cometidos: en primer lugar está la organización que tiene bien calculado el número de asistencias a la par de la extensión territorial del lugar; también es importante destacar que los escenarios curados por los medios aliados están bien justificados y organizados con la misma cautela que el resto de las actividades. El escenario principal no era uno sólo, compartía espacio con uno más semejante a él: la intención de este ejercicio era dejar sin vacío el cambio de backline entre banda y banda, así mientras en el escenario azul terminaba de tocar una banda, en el escenario rojo comenzaba la otra.

La zona de comida tenía al centro varias mesas de madera, con bancas corridas, que propiciaban al acto de compartir; no sólo el asiento sino historias y conocer personas nuevas. Las platicas se paseaban de esquina a esquina, la filas de las Food Trucks avanzaban continuamente; no había prisas y la calma imperaba. Comida de Vietnam, taquitos de cochina y pretzels de salchicha eran sólo algunos de los productos que la zona ofrecía. Justo ahí en el mismo terreno polvoriento pero un poco más apartado del murmullo se encontraba la carpa literaria curada por la revista la "Ciudad de Frente" donde desfilarían seis actos totalmente distintos pero con un mismo lazo de unión: la literatura.

Esta es una de las razones que hacen al Nrmal un festival diferente, pues lejos de buscar el reconocimiento y la popularidad, se preocupa por generar no sólo espacios donde la experiencia musical sea la única atracción, sino generar un  encuentro con propuestas no necesariamente jóvenes pero sí nuevas para oídos acostumbrados a las voces viejas.  La carpa literaria fue testigo de presentaciones como la de los "Poemas Perrones"  acompañados de sonidos electrónicos y bajos turbios. También ahí mismo se presentó "Extraños en el Tren", un proyecto donde los escracheos se hacen presentes al igual que las guitarras y los ritmos de computadora, haciendo del ambiente un agujero negro repleto de extrañesa y tormento.

A decir verdad, la propuesta del festival no sólo está en los escenarios pues se extiende por todo el territorio, ya que desde los señalamientos internos hasta los sanitarios son decorados con la imagen ya característica del festival, además de un pequeño tianguis donde bien se pueden encontrar artículos decorativos, fanzines, libros y mercancía oficial del festival y de los artistas participantes.

Otro de los entarimados que contó con mucha afluencia fue el escenario "Noisey", cuya curaduría corrió a cargo del canal de música de Vice, donde desfilaron actos como "Trillones", DJ originario de Mexicali quien tiene muy presente la situación actual que se vive en México y la música que emana de sus ensambles lo refleja perfectamente. También en ese mismo escenario pero en distinto horario se presentó "Kelela", una joven embellecida por su oscuro cabello y dueña de una boca que apaciguó a la ya encendida audiencia con una voz tan clara como la Luna. "Matías Aguayo x Mostro" fue uno de los actos con mejor respuesta pues tanto Matías como Mostro eran ya conocidos por el publico ahí reunido. Esta agrupación andrógina combinó de manera atinada los sonidos caribeños de Aguayo y las percusiones violentas y voces saturadas de Mostro.

La vitrina exponía al tiempo en el que reloj avanzaba proyectos de todas partes del mundo; Australia, Chile, Colombia, Estados Unidos, México y todas las naciones tanto abajo como arriba de los escenarios convivían de manera natural, sin altercados ni absurdos que interrumpieran la calma. Las balas dieron fuerza a una edad moderna.

El Nrmal es el gato de las siete vidas, es un perro de tres colas y un gallo con plumas de oro y garganta de plata. El Nrmal es el bueno.

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★ Written by The boy with the golden teeth. Photography by Jaime Fernandez @jaimefphoto 

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elFANZINE

 

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