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May 20, 2015 - No Comments!

★ Blommers & Schumm (NL) | One-of-a-kind Fashion Photography

Dutch photographers Anuschka Blommers and Niels Schumm are the two talented master-minds behind Blommers Schumm, a creative duo that remarkably balances art, fashion and photography to produce the most striking photoshoots. Based in Amsterdam, they have revolutionized the portrayal of multiple ideas by producing images that not only catch the eye of the viewer, but which also challenge the ordinary notions of photography. Since 1997, they have exhibited their work in diverse museums and galleries around the world and appeared in publications like Fantastic Man, Gentlewoman, Another Magazine, Purple, Dazed & Confused and NY Times Magazine, and many more.

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February 25, 2015 - No Comments!

★ JUCO (USA) | The Creative Balance Of Two Minds

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Julia Galdo from Miami, FL, and Cody Cloud from Phoenix, AZ, are JUCO, a photography duo with more than 5 years of experience creating outstanding shoots that fuse advertising, fashion and portrait. Based in Los Angeles, CA, they have collaborated with commercial and editorial brands like Apple, Microsoft, Nike, Sony Music, Target, The New Yorker, and Warner Brother Records, just to name a few, and have produced pictures characterized by vibrant colors and clever pattern designs.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

In 2002, Julia Galdo and Cody Cloud’s passion and extraordinary eye for taking pictures brought them together at the San Francisco Art Institute; she was studying her bachelor in Photography and he was on his way to receive his MFA degree in the same field. In 2009 they formed JUCO, a collaborative photography duo that mixes Julia’s attention for details and Cody’s love for imperfections. In time, their unique vision to think of stunning compositions out of the box has helped them position themselves in the market as one of the best fast-growing creative partnerships of the moment.

Even though Julia and Cody’s style is continuously evolving and adapting to the individual nature of each project, they have established the core of their own witty style. What makes JUCO’s work exceptional is its ability to blend in one powerful outcome, elements like the character’s attire, graphic patterns, intense colors and original backgrounds.

Among their most recognized projects are: “Women on the Verge”, a fashion photoshoot for Paper Magazine, where JUCO played with geometric forms and colorful sets to reveal glamorous collections of brands like Ralph Lauren, Stella McCartney and Miu Miu, among others; “Painted Backdrops”, a personal project where Julia and Cody camouflaged the clothing of the models with the hand-painted backgrounds in order to produce a unique effect of association; and the “Laffy Taffy” photoshoot, where JUCO’s inspiration was based on 90’s style and pop art colors.

In addition, Julia and Cody have learned from experience that the best way to stop their work getting stale is having a balance between control and uncertainty. Only by not taking care of every single detail, they are able to discover truly wonderful effects.

“If you’re always dialing everything in, if you’re always planning it, then there’s little room left for magic. You have to let go of your expectations to be able to see the unexpected.” JUCO told The Photographic Journal 

Based in Los Angeles, CA, Julia and Cody expect to be able to open their own studio someday. With a portfolio full of remarkable projects, this talented couple is endeavored to produce more compelling work that will cause a positive long-term impression on the viewer.

More information on JUCO here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

In 2002, Julia Galdo and Cody Cloud’s passion and extraordinary eye for taking pictures brought them together at the San Francisco Art Institute; she was studying her bachelor in Photography and he was on his way to receive his MFA degree in the same field. In 2009 they formed JUCO, a collaborative photography duo that mixes Julia’s attention for details and Cody’s love for imperfections. In time, their unique vision to think of stunning compositions out of the box has helped them position themselves in the market as one of the best fast-growing creative partnerships of the moment.

Even though Julia and Cody’s style is continuously evolving and adapting to the individual nature of each project, they have established the core of their own witty style. What makes JUCO’s work exceptional is its ability to blend in one powerful outcome, elements like the character’s attire, graphic patterns, intense colors and original backgrounds.

Among their most recognized projects are: “Women on the Verge”, a fashion photoshoot for Paper Magazine, where JUCO played with geometric forms and colorful sets to reveal glamorous collections of brands like Ralph Lauren, Stella McCartney and Miu Miu, among others; “Painted Backdrops”, a personal project where Julia and Cody camouflaged the clothing of the models with the hand-painted backgrounds in order to produce a unique effect of association; and the “Laffy Taffy” photoshoot, where JUCO’s inspiration was based on 90’s style and pop art colors.

In addition, Julia and Cody have learned from experience that the best way to stop their work getting stale is having a balance between control and uncertainty. Only by not taking care of every single detail, they are able to discover truly wonderful effects.

“If you’re always dialing everything in, if you’re always planning it, then there’s little room left for magic. You have to let go of your expectations to be able to see the unexpected.” JUCO told The Photographic Journal 

Based in Los Angeles, CA, Julia and Cody expect to be able to open their own studio someday. With a portfolio full of remarkable projects, this talented couple is endeavored to produce more compelling work that will cause a positive long-term impression on the viewer.

More information on JUCO here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

JUCO es un dúo fotográfico conformado por dos grandes artistas, Julia Galdo originaria de Miami, Florida, y Cody Cloud proveniente de Fénix, Arizona. Juntos, cuentan con más de 5 años de experiencia creando fotografías únicas que combinan elementos relacionados a la publicidad, la moda y el retrato. Desde sus inicios, han trabajado con grandes marcas comerciales y editoriales, tales como Apple, Microsoft, Nike, Sony Music, Target, The New Yorker, y Warner Brother Records, entre otras. Su trabajo se caracteriza por colores ampliamente llamativos e ingeniosos diseños de patrones.

Julia y Cody se conocieron en el 2002 en el San Francisco Art Institute gracias al talento y la pasión de ambos por tomar fotografías. Ella se encontraba estudiando la carrera en Fotografía y él estaba por graduarse de la maestría en la misma área. En el 2009 formaron JUCO, un equipo que combina la atención de Julia por los detalles y el amor de Cody por las imperfecciones. Con el tiempo, su extraordinaria visión para capturar composiciones innovadoras los ha ayudado a posicionarse en el mercado como una de las mejores entidades creativas en vías de crecimiento.

El estilo artístico de JUCO se encuentra en un progresivo proceso de evolución y adaptación constante debido principalmente a los diferentes proyectos en los que participan. Lo que hace que su trabajo sea tan excepcional es su gran habilidad para unir en un concepto perfecto diversos elementos, como moda, patrones gráficos, colores fuertes y fondos altamente originales.

Entre sus proyectos más sobresalientes se encuentran: “Women on the Verge”, una sesión de fotografías para Paper Magazine en la que JUCO utilizó diversos patrones geométricos y coloridos sets para exhibir las glamorosas prendas de vestir de marcas como Ralph Lauren, Stella McCartney y Miu Miu; “Painted Backdrops”, un proyecto personal de la pareja en el que camuflajearon la ropa de los modelos con los fondos pintados a mano, produciendo así un efecto único de asociación; y “Laffy Taffy”, un proyecto cuya inspiración nació del estilo de los 90’s y los colores del arte pop.

A su vez, la experiencia les ha enseñado que la mejor manera de evitar que su trabajo se vuelva obsoleto y aburrido es encontrar el balance ideal entre el control y la incertidumbre. Es decir, al no cerciorarse que absolutamente todos los aspectos del proceso creativo son adecuados, ellos son capaces de descubrir resultados asombrosos.

“Si siempre te encuentras señalando todo, si siempre estás planeando, entonces dejas muy poca oportunidad para que la magia ocurra. Uno debe dejar ir las expectativas para sólo así poder ver lo inesperado. ” – JUCO comentó en The Photographic Journal.

Actualmente ubicados en Los Ángeles, California, Julia y Cody tienen la esperanza de abrir su propio estudio algún día. Con un portafolio lleno de un sin fin de extraordinarios proyectos, esta talentosa pareja está empeñada en continuar produciendo un trabajo que cautive al observador y que cause en él una impresión que dure por largo tiempo.

Más información sobre JUCO aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

JUCO es un dúo fotográfico conformado por dos grandes artistas, Julia Galdo originaria de Miami, Florida, y Cody Cloud proveniente de Fénix, Arizona. Juntos, cuentan con más de 5 años de experiencia creando fotografías únicas que combinan elementos relacionados a la publicidad, la moda y el retrato. Desde sus inicios, han trabajado con grandes marcas comerciales y editoriales, tales como Apple, Microsoft, Nike, Sony Music, Target, The New Yorker, y Warner Brother Records, entre otras. Su trabajo se caracteriza por colores ampliamente llamativos e ingeniosos diseños de patrones.

Julia y Cody se conocieron en el 2002 en el San Francisco Art Institute gracias al talento y la pasión de ambos por tomar fotografías. Ella se encontraba estudiando la carrera en Fotografía y él estaba por graduarse de la maestría en la misma área. En el 2009 formaron JUCO, un equipo que combina la atención de Julia por los detalles y el amor de Cody por las imperfecciones. Con el tiempo, su extraordinaria visión para capturar composiciones innovadoras los ha ayudado a posicionarse en el mercado como una de las mejores entidades creativas en vías de crecimiento.

El estilo artístico de JUCO se encuentra en un progresivo proceso de evolución y adaptación constante debido principalmente a los diferentes proyectos en los que participan. Lo que hace que su trabajo sea tan excepcional es su gran habilidad para unir en un concepto perfecto diversos elementos, como moda, patrones gráficos, colores fuertes y fondos altamente originales.

Entre sus proyectos más sobresalientes se encuentran: “Women on the Verge”, una sesión de fotografías para Paper Magazine en la que JUCO utilizó diversos patrones geométricos y coloridos sets para exhibir las glamorosas prendas de vestir de marcas como Ralph Lauren, Stella McCartney y Miu Miu; “Painted Backdrops”, un proyecto personal de la pareja en el que camuflajearon la ropa de los modelos con los fondos pintados a mano, produciendo así un efecto único de asociación; y “Laffy Taffy”, un proyecto cuya inspiración nació del estilo de los 90’s y los colores del arte pop.

A su vez, la experiencia les ha enseñado que la mejor manera de evitar que su trabajo se vuelva obsoleto y aburrido es encontrar el balance ideal entre el control y la incertidumbre. Es decir, al no cerciorarse que absolutamente todos los aspectos del proceso creativo son adecuados, ellos son capaces de descubrir resultados asombrosos.

“Si siempre te encuentras señalando todo, si siempre estás planeando, entonces dejas muy poca oportunidad para que la magia ocurra. Uno debe dejar ir las expectativas para sólo así poder ver lo inesperado. ” – JUCO comentó en The Photographic Journal.

Actualmente ubicados en Los Ángeles, California, Julia y Cody tienen la esperanza de abrir su propio estudio algún día. Con un portafolio lleno de un sin fin de extraordinarios proyectos, esta talentosa pareja está empeñada en continuar produciendo un trabajo que cautive al observador y que cause en él una impresión que dure por largo tiempo.

Más información sobre JUCO aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]   ★ By Dalia Vasquez [/cd_text][/cd_column][/cd_row]

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June 26, 2014 - No Comments!

★ Dina Goldstein (CA) | Real Fairy Tale Endings

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A visual artist resolved to portray -through fairy tale characters and fictitious personages- the crudeness of real life.


[Ver artículo en español abajo]

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[vimeo 43211063 w=100 h=338]

About Dina Goldstein from Dina Goldstein on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in Tel Aviv, Israel, Dina Goldstein is a professional photographer currently based in Vancouver, Canada. Her pop surreal style is characterized for placing her subjects in unusual scenarios in order to comprehend the human condition. Dina studied photography and graduated from the Langara College in 1993.

Dina’s work is not intended to be traditionally beautiful, but to evoke feelings of shame, anger, shock and empathy on the viewer. Through spontaneity and lack of control, Goldstein inspires herself and is able to depict metaphors of life in an exceptional ironic and satirical ways.

One of Goldstein’s most recognized projects is "Fallen Princesses", a set of images launched online in 2010 in which she placed iconic fairy tale characters –from the Brothers Grimm to Walt Disney- in ordinary and modern settings. Snow White, Cinderella, and Pocahontas are among the Princesses living tragic everyday situations, like failed dreams, war, obesity, cancer, unhappy marriages, alcoholism, and pollution, among others.

For “Fallen Princesses", Dina’s inspiration arose when two important events occurred in her life: her three-year old daughter became interested in princess, and her mother was diagnosed with breast cancer.

“The two events collided and made me wonder what a Princess would look like if she had to battle a disease, struggle financially or deal with aging. I began to imagine what could happen to the Princesses later in life and after the happily ever after. Naturally they would have to deal with challenges that all modern woman face.” - Dina Goldstein

For this project, Dina found her models in different locations, such as weddings, restaurants, lingerie stores, etc. The make-up, hair and general style was achieved by artist Vicky Lee Chan.

In the Dollhouse” is another famous project of the Canadian photographer in which the lives of internationally known figures Barbie and Ken were depicted during their “unfortunate” marriage.

More information on Dina Goldstein here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Born in Tel Aviv, Israel, Dina Goldstein is a professional photographer currently based in Vancouver, Canada. Her pop surreal style is characterized for placing her subjects in unusual scenarios in order to comprehend the human condition. Dina studied photography and graduated from the Langara College in 1993.

Dina’s work is not intended to be traditionally beautiful, but to evoke feelings of shame, anger, shock and empathy on the viewer. Through spontaneity and lack of control, Goldstein inspires herself and is able to depict metaphors of life in an exceptional ironic and satirical ways.

One of Goldstein’s most recognized projects is "Fallen Princesses", a set of images launched online in 2010 in which she placed iconic fairy tale characters –from the Brothers Grimm to Walt Disney- in ordinary and modern settings. Snow White, Cinderella, and Pocahontas are among the Princesses living tragic everyday situations, like failed dreams, war, obesity, cancer, unhappy marriages, alcoholism, and pollution, among others.

For “Fallen Princesses", Dina’s inspiration arose when two important events occurred in her life: her three-year old daughter became interested in princess, and her mother was diagnosed with breast cancer.

“The two events collided and made me wonder what a Princess would look like if she had to battle a disease, struggle financially or deal with aging. I began to imagine what could happen to the Princesses later in life and after the happily ever after. Naturally they would have to deal with challenges that all modern woman face.” - Dina Goldstein

For this project, Dina found her models in different locations, such as weddings, restaurants, lingerie stores, etc. The make-up, hair and general style was achieved by artist Vicky Lee Chan.

In the Dollhouse” is another famous project of the Canadian photographer in which the lives of internationally known figures Barbie and Ken were depicted during their “unfortunate” marriage.

More information on Dina Goldstein here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Nacida en Tel Aviv, Israel, Dina Goldstein es una fotógrafa profesional decidida a retratar –a través de personajes ficticios y de cuentos de hadas- la crudeza de la vida real. Con residencia actual en la ciudad de Vancouver, Canadá, Dina ha desarrollado un estilo pop surreal en el que ubica a sus modelos en escenarios inusuales con el fin de comprender mejor la condición humana. Goldstein estudió fotografía y se graduó del Colegio Langara en 1993.

El objetivo de la artista no es crear imágenes tradicionalmente bellas, sino provocar sentimientos de vergüenza, enojo, conmoción y empatía en los observadores. Por medio de espontaneidad y falta de control, Dina logra inspirarse y es capaz de representar metáforas de la vida de una manera excepcionalmente irónica y satírica.

Uno de los proyectos más reconocidos de Goldstein es “Fallen Princesses” (Princesas Caídas), una serie de imágenes publicadas en Internet en el 2010 en las que ubicó a personajes de cuentos de hadas (desde los Hermanos Grimm hasta Walt Disney) en locaciones ordinarias y modernas. Blanca Nieves, Cenicienta y Pocahontas  son de las princesas retratadas en situaciones trágicas de la vida diaria, como sueños fallidos, guerra, obesidad, cáncer, matrimonios infelices, alcoholismo, contaminación, entre otros.

Para “Fallen Princesses”, la inspiración de Dina surgió debido a dos eventos importantes de su vida: su hija de tres años comenzó a interesarse en las princesas, y su madre fue diagnosticada con cáncer de mama.

“Los dos eventos coincidieron y me hicieron preguntarme cómo luciría una princesa si tuviera que luchar contra una enfermedad, batallar económicamente o lidiar con el envejecimiento. Comencé a imaginarme qué podría pasarle a las princesas ya entrados los años y más allá de su “vivieron felices para siempre”. Naturalmente ellas tendrían que lidiar con los retos que toda mujer enfrenta hoy en día.” – Dina Goldstein

Para este proyecto, Dina encontró sus modelos en diversos lugares: bodas, restaurantes, tiendas de lencería, entre muchas otras. El maquillaje, los peinados y el estilo general de las modelos fueron realizados por la artista Vicky Lee Chan.

In the Dollhouse” (En la casa de muñecas) es otro de los proyectos de la fotógrafa Canadiense en el cual ubicó a las conocidas figuras Barbie y Ken en diversos momentos durante su matrimonio.

Más información sobre Dina Goldstein aquí.

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Nacida en Tel Aviv, Israel, Dina Goldstein es una fotógrafa profesional decidida a retratar –a través de personajes ficticios y de cuentos de hadas- la crudeza de la vida real. Con residencia actual en la ciudad de Vancouver, Canadá, Dina ha desarrollado un estilo pop surreal en el que ubica a sus modelos en escenarios inusuales con el fin de comprender mejor la condición humana. Goldstein estudió fotografía y se graduó del Colegio Langara en 1993.

El objetivo de la artista no es crear imágenes tradicionalmente bellas, sino provocar sentimientos de vergüenza, enojo, conmoción y empatía en los observadores. Por medio de espontaneidad y falta de control, Dina logra inspirarse y es capaz de representar metáforas de la vida de una manera excepcionalmente irónica y satírica.

Uno de los proyectos más reconocidos de Goldstein es “Fallen Princesses” (Princesas Caídas), una serie de imágenes publicadas en Internet en el 2010 en las que ubicó a personajes de cuentos de hadas (desde los Hermanos Grimm hasta Walt Disney) en locaciones ordinarias y modernas. Blanca Nieves, Cenicienta y Pocahontas  son de las princesas retratadas en situaciones trágicas de la vida diaria, como sueños fallidos, guerra, obesidad, cáncer, matrimonios infelices, alcoholismo, contaminación, entre otros.

Para “Fallen Princesses”, la inspiración de Dina surgió debido a dos eventos importantes de su vida: su hija de tres años comenzó a interesarse en las princesas, y su madre fue diagnosticada con cáncer de mama.

“Los dos eventos coincidieron y me hicieron preguntarme cómo luciría una princesa si tuviera que luchar contra una enfermedad, batallar económicamente o lidiar con el envejecimiento. Comencé a imaginarme qué podría pasarle a las princesas ya entrados los años y más allá de su “vivieron felices para siempre”. Naturalmente ellas tendrían que lidiar con los retos que toda mujer enfrenta hoy en día.” – Dina Goldstein

Para este proyecto, Dina encontró sus modelos en diversos lugares: bodas, restaurantes, tiendas de lencería, entre muchas otras. El maquillaje, los peinados y el estilo general de las modelos fueron realizados por la artista Vicky Lee Chan.

In the Dollhouse” (En la casa de muñecas) es otro de los proyectos de la fotógrafa Canadiense en el cual ubicó a las conocidas figuras Barbie y Ken en diversos momentos durante su matrimonio.

Más información sobre Dina Goldstein aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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June 24, 2014 - No Comments!

★ Sofia & Mauro X Air France | Retro And Modernity: The New Campaign

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Since the 1930s, Air France has managed to stand out using unique and clever poster designs. This year, an innovative advertisement campaign featuring Parisian clichés and beautiful models was successfully assembled.


[Ver artículo en español abajo]

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[youtube http://www.youtube.com/watch?v=fwqZd62gIKY]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Sofia Sanchez and Mauro Mongiello are an Argentinian photography duo currently based in Paris, France. They are internationally known for their creative and eye-catching portraits and editorial shoots.

In April 2014, Sofia & Mauro collaborated with BETC agency in the campaign “Air France, France is in the air”. Such partnership consisted in the portrayal of some of the services offered by Air France, like the comfort of their new cabins and the gastronomy. The project also included a set of 12 posters illustrating famous destinations available in the French airline, such as Paris, New York, Brazil, China, Japan, Africa, Italy, among others.

The exciting inventiveness of the campaign was achieved by mixing heritage, traditional and modern elements with a French way of living. Iconic aspects like the Eiffel Tower, Moulin Rouge, the master chefs, the high couture, the French Revolution and even Marie Antoinette-like resting positions were incorporated to the images. The ads feature beautiful women with a provocative sense of fashion and style in which make up, accessories, clothing and color were perfectly coordinated.

More information on Sofia & Mauro here.

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Sofia Sanchez and Mauro Mongiello are an Argentinian photography duo currently based in Paris, France. They are internationally known for their creative and eye-catching portraits and editorial shoots.

In April 2014, Sofia & Mauro collaborated with BETC agency in the campaign “Air France, France is in the air”. Such partnership consisted in the portrayal of some of the services offered by Air France, like the comfort of their new cabins and the gastronomy. The project also included a set of 12 posters illustrating famous destinations available in the French airline, such as Paris, New York, Brazil, China, Japan, Africa, Italy, among others.

The exciting inventiveness of the campaign was achieved by mixing heritage, traditional and modern elements with a French way of living. Iconic aspects like the Eiffel Tower, Moulin Rouge, the master chefs, the high couture, the French Revolution and even Marie Antoinette-like resting positions were incorporated to the images. The ads feature beautiful women with a provocative sense of fashion and style in which make up, accessories, clothing and color were perfectly coordinated.

More information on Sofia & Mauro here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Desde la década de los años 30s, Air France ha logrado sobresalir en el mercado utilizando ingeniosos y únicos diseños de pósters. Este año, se llevó a cabo una nueva campaña de mercadotecnia en la que clichés parisinos y hermosas modelos trabajaron en conjunto.

Sofia Sanchez y Mauro Mongiello son un dúo fotográfico argentino el cual está basado actualmente en la ciudad de París, Francia. Son conocidos internacionalmente por sus atractivos retratos y creativas fotografías del mundo de la moda.

En abril del 2014, Sofia & Mauro colaboraron con la agencia BETC en la realización de la campaña “Air France, France is in the air”. Dicho proyecto consistió en la representación de los servicios ofrecidos por Air France, entre los que se encuentran la comodidad de sus nuevas cabinas y su gastronomía. También se incluyeron 12 posters que hacen alusión a famosos destinos disponibles en la aerolínea francesa, tales como Paris, New York, Brasil, China, Japón, África, Italia, entre otros.

Elementos retro, tradicionales y modernos combinados con un estilo de vida francés logró la extraordinaria originalidad de la campaña. Aspectos icónicos como la Torre Eiffel, el Moulin Rouge, los chefs profesionales, la alta costura, la Revolución Francesa e incluso las posiciones de descanso que hacen remembranza a María Antonieta fueron incorporados en las imágenes. Los anuncios muestran a bellas mujeres con un estilo único y provocativo, en el que el maquillaje, los accesorios, la ropa y el color fueron elementos perfectamente coordinados.

Más información sobre Sofia & Mauro aquí.

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Desde la década de los años 30s, Air France ha logrado sobresalir en el mercado utilizando ingeniosos y únicos diseños de pósters. Este año, se llevó a cabo una nueva campaña de mercadotecnia en la que clichés parisinos y hermosas modelos trabajaron en conjunto.

Sofia Sanchez y Mauro Mongiello son un dúo fotográfico argentino el cual está basado actualmente en la ciudad de París, Francia. Son conocidos internacionalmente por sus atractivos retratos y creativas fotografías del mundo de la moda.

En abril del 2014, Sofia & Mauro colaboraron con la agencia BETC en la realización de la campaña “Air France, France is in the air”. Dicho proyecto consistió en la representación de los servicios ofrecidos por Air France, entre los que se encuentran la comodidad de sus nuevas cabinas y su gastronomía. También se incluyeron 12 posters que hacen alusión a famosos destinos disponibles en la aerolínea francesa, tales como Paris, New York, Brasil, China, Japón, África, Italia, entre otros.

Elementos retro, tradicionales y modernos combinados con un estilo de vida francés logró la extraordinaria originalidad de la campaña. Aspectos icónicos como la Torre Eiffel, el Moulin Rouge, los chefs profesionales, la alta costura, la Revolución Francesa e incluso las posiciones de descanso que hacen remembranza a María Antonieta fueron incorporados en las imágenes. Los anuncios muestran a bellas mujeres con un estilo único y provocativo, en el que el maquillaje, los accesorios, la ropa y el color fueron elementos perfectamente coordinados.

Más información sobre Sofia & Mauro aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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June 9, 2014 - No Comments!

★ Mathias Sterner (SW) | Natural Environments Exposed

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A Swedish photographer whose passion for nature and people has driven him to redefine the reality of his models.


[Ver artículo en español abajo]

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Born in the city of Kalmar, Sweden, Mathias Sterner is a distinguished fashion photographer who divides his time between Stockholm and London. He studied at Gamleby Photo Academy and obtained his postgraduate degree in Paris. Throughout his career he has contributed with magazines such as Dazed & Confused, Tank and Livraison and brands like Sony Music and Weekday.

Mathias finds his main inspiration in Renaissance paintings and sculptures and enjoys the patterns existing in landscapes, nature and forests. By using an old Pentax camera and a Canon 5D mark II with either a 50 mm or a 35 mm lens, Mathias achieves a distinctive intriguing and eerie style in which he beautifully combines emotive images, light, texture and form.

Among his most famous works is his collection of photos for Swedish fashion house Nor Autonom, which shows a series of mysterious portraits of men wearing handmade wire masks in a complete dark setting.

More information on Mathias Sterner here.

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Born in the city of Kalmar, Sweden, Mathias Sterner is a distinguished fashion photographer who divides his time between Stockholm and London. He studied at Gamleby Photo Academy and obtained his postgraduate degree in Paris. Throughout his career he has contributed with magazines such as Dazed & Confused, Tank and Livraison and brands like Sony Music and Weekday.

Mathias finds his main inspiration in Renaissance paintings and sculptures and enjoys the patterns existing in landscapes, nature and forests. By using an old Pentax camera and a Canon 5D mark II with either a 50 mm or a 35 mm lens, Mathias achieves a distinctive intriguing and eerie style in which he beautifully combines emotive images, light, texture and form.

Among his most famous works is his collection of photos for Swedish fashion house Nor Autonom, which shows a series of mysterious portraits of men wearing handmade wire masks in a complete dark setting.

More information on Mathias Sterner here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Proveniente de la ciudad de Kalmar, en Suecia, Mathias Sterner es un distinguido fotógrafo de modas que divide su tiempo entre la ciudad de Estocolmo y Londres. Estudió en la Academia de Fotografía Gamleby y posteriormente se graduó de un posgrado en París. A lo largo de su carrera, Sterner ha contribuido con revistas como Dazed & Confused, Tank y Livraison, y con marcas como Sony Music y Weekday.

Mathias se siente profundamente inspirado por las pinturas y esculturas de la época del Renacimiento, así como por los patrones que puede encontrar en paisajes, la naturaleza y el bosque. Trabaja con dos cámaras, una Pentax antigua y una Canon 5D mark II con lentes de 50 mm o 35 mm; por medio de ellas, Sterner logra un estilo intrigante y sombrío en el que mezcla extraordinarias imágenes, luz, textura y diversas formas.

Entre sus trabajos más conocidos está su colección de fotografías para la marca Sueca Nor Autonom, la cual muestra misteriosos retratos de hombres utilizando máscaras de alambre hechas a mano en un ambiente completamente oscuro.

Más información sobre Mathias Sterner aquí.

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Proveniente de la ciudad de Kalmar, en Suecia, Mathias Sterner es un distinguido fotógrafo de modas que divide su tiempo entre la ciudad de Estocolmo y Londres. Estudió en la Academia de Fotografía Gamleby y posteriormente se graduó de un posgrado en París. A lo largo de su carrera, Sterner ha contribuido con revistas como Dazed & Confused, Tank y Livraison, y con marcas como Sony Music y Weekday.

Mathias se siente profundamente inspirado por las pinturas y esculturas de la época del Renacimiento, así como por los patrones que puede encontrar en paisajes, la naturaleza y el bosque. Trabaja con dos cámaras, una Pentax antigua y una Canon 5D mark II con lentes de 50 mm o 35 mm; por medio de ellas, Sterner logra un estilo intrigante y sombrío en el que mezcla extraordinarias imágenes, luz, textura y diversas formas.

Entre sus trabajos más conocidos está su colección de fotografías para la marca Sueca Nor Autonom, la cual muestra misteriosos retratos de hombres utilizando máscaras de alambre hechas a mano en un ambiente completamente oscuro.

Más información sobre Mathias Sterner aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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May 8, 2014 - No Comments!

★ Oleg Oprisco (UKR) | Juxtaposing Reality And Magic

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A fine-art photographer that creates mesmerizing enchanted worlds through detail, dedication and old-school photography techniques.


[Ver artículo en español abajo]

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“As soon as the feeling of progressing and belief in success develops, your mind will instantly sparkle with a unique recipe of how to make a complex and interesting frame.” - Oleg Oprisco

Native from Lviv, in western Ukraine, Oleg Oprisco is a contemporary photographer recognized across many countries because of his masterful use of perspective, composition and especially, color and tonalities in which he captures his models and landscapes.

Oleg started his artistic career at the age of 16, when he began working in a photolab in his hometown and started to take photos of his friends and acquaintances. During the next three to four years of his life, he learned all about printing film and digital photography, and became a specialist manipulating the color of images and recognizing the most generally liked human postures. Up to date, such valuable knowledge has played a key part in his profession.

In 2009, after working in the commercial photography industry where he experienced routine and lack of innovation and creativity, he came across an old medium format film camera called Kiev 6C; it was then that he found his true passion. Since then, he has created new experiences and stories that he represents in his fairy-tale like scenarios.

Oleg’s main source of inspiration is real life and every-day activities. In his photographs, existent and surreal worlds meet with mysterious women in order to convey emotive and sensitive portraits. For Oprisco, there is no point in trying to digitally fix the complete final result in the post-production process; he plans in advance and chooses the general color scheme. That way, clothes, lights, location, makeup and hair fit in the same color range and everything is in balance.

More information on Oleg Oprisco here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

“As soon as the feeling of progressing and belief in success develops, your mind will instantly sparkle with a unique recipe of how to make a complex and interesting frame.” - Oleg Oprisco

Native from Lviv, in western Ukraine, Oleg Oprisco is a contemporary photographer recognized across many countries because of his masterful use of perspective, composition and especially, color and tonalities in which he captures his models and landscapes.

Oleg started his artistic career at the age of 16, when he began working in a photolab in his hometown and started to take photos of his friends and acquaintances. During the next three to four years of his life, he learned all about printing film and digital photography, and became a specialist manipulating the color of images and recognizing the most generally liked human postures. Up to date, such valuable knowledge has played a key part in his profession.

In 2009, after working in the commercial photography industry where he experienced routine and lack of innovation and creativity, he came across an old medium format film camera called Kiev 6C; it was then that he found his true passion. Since then, he has created new experiences and stories that he represents in his fairy-tale like scenarios.

Oleg’s main source of inspiration is real life and every-day activities. In his photographs, existent and surreal worlds meet with mysterious women in order to convey emotive and sensitive portraits. For Oprisco, there is no point in trying to digitally fix the complete final result in the post-production process; he plans in advance and chooses the general color scheme. That way, clothes, lights, location, makeup and hair fit in the same color range and everything is in balance.

More information on Oleg Oprisco here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

“Tan pronto como el sentimiento de progreso y éxito se desarrolle en ti, tu mente inmediatamente ideará la manera perfecta de cómo crear una toma compleja e interesante” – Oleg Oprisco

Originario de la ciudad de Lviv en el este de Ucrania, Oleg Oprisco es un fotógrafo contemporáneo reconocido a nivel mundial debido a su excelente habilidad para trabajar con perspectivas, composiciones, colores y tonalidades en las que captura a sus modelos y paisajes.

A la edad de 16 años, Oleg comenzó su carrera artística trabajando en un laboratorio de fotografía en su ciudad natal. Durante los siguientes tres o cuatro años, aprendió todo lo relacionado a la impresión fotográfica y a la fotografía digital y se convirtió en un especialista en la manipulación de colores y en la detección de las mejores posturas del cuerpo humano. Hoy en día, dichos conocimientos continúan siendo una parte elemental en su profesión.

En el 2009, después de colaborar con la industria de la fotografía comercial y de haber experimentado un trabajo rutinario y la falta de creatividad e innovación, Oleg conoció la Kiev 6C, una cámara de formato medio que le cambió la vida y le mostró su verdadera pasión. Desde entonces, se ha dedicado a crear nuevas experiencias e historias que representa en sus fantásticos escenarios.

Sus principales fuentes de inspiración son la vida real y las actividades diarias. En sus fotografías, mundo surreales y existentes se conjuntan con mujeres misteriosas para crear retratos sensibles y altamente emotivos. Para Oleg, no tiene sentido el querer modificar digitalmente cada imagen en el proceso de post-producción; él planea con anticipación y escoge la estrategia general de color que desea emplear, de esa manera, la ropa, la luz, la locación, el maquillaje y el peinado están en un balance completo.

Más información sobre Oleg Oprisco aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

“Tan pronto como el sentimiento de progreso y éxito se desarrolle en ti, tu mente inmediatamente ideará la manera perfecta de cómo crear una toma compleja e interesante” – Oleg Oprisco

Originario de la ciudad de Lviv en el este de Ucrania, Oleg Oprisco es un fotógrafo contemporáneo reconocido a nivel mundial debido a su excelente habilidad para trabajar con perspectivas, composiciones, colores y tonalidades en las que captura a sus modelos y paisajes.

A la edad de 16 años, Oleg comenzó su carrera artística trabajando en un laboratorio de fotografía en su ciudad natal. Durante los siguientes tres o cuatro años, aprendió todo lo relacionado a la impresión fotográfica y a la fotografía digital y se convirtió en un especialista en la manipulación de colores y en la detección de las mejores posturas del cuerpo humano. Hoy en día, dichos conocimientos continúan siendo una parte elemental en su profesión.

En el 2009, después de colaborar con la industria de la fotografía comercial y de haber experimentado un trabajo rutinario y la falta de creatividad e innovación, Oleg conoció la Kiev 6C, una cámara de formato medio que le cambió la vida y le mostró su verdadera pasión. Desde entonces, se ha dedicado a crear nuevas experiencias e historias que representa en sus fantásticos escenarios.

Sus principales fuentes de inspiración son la vida real y las actividades diarias. En sus fotografías, mundo surreales y existentes se conjuntan con mujeres misteriosas para crear retratos sensibles y altamente emotivos. Para Oleg, no tiene sentido el querer modificar digitalmente cada imagen en el proceso de post-producción; él planea con anticipación y escoge la estrategia general de color que desea emplear, de esa manera, la ropa, la luz, la locación, el maquillaje y el peinado están en un balance completo.

Más información sobre Oleg Oprisco aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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May 7, 2014 - No Comments!

★ Sabrina Van Den Heuvel (NE) | Love, Loving, Lovable; Real Moments Of Intensity

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

“Don’t take a picture you think I want to see, but take a picture that’s you; photograph yourself” (Marvin Israel).


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Tell us a bit about yourself, when did you start your career as a photographer?

In 2004 I started the four beautiful years at the Royal Academy of Art in The Hague; I graduated in the year of 2008.

How you would describe tour photography style?

Love, loving, lovable; real moments of intensity. The artist has the privilege of being in touch with his or her unconscious, and this is really a gift.

What and/or who inspires you and why?

The human singing voice. Peter Doherty, the most talented writer and poet. It’s like he is talking to you, straight to you. He is real, sensitive.

Love and passion are present in many of your photos. What do you mean to show or communicate through your pictures?

Marvin Israel, the art director of Harper’s Bazaar in the 60s once told Bob Richardson: “Don’t take a picture that you think I want to see, but take a picture that’s you, photograph yourself.”  For me, that’s inspiring, I want to show beauty and love. A photo to me has to be a very personal and subjective voice.

One of your most popular pictures is a portrait of Peter Doherty. How was meeting him and what kind of relationship there is between your photography and music?

I could’t be happier. This charming man hit me right in the heart; a whole new world opened up, I fell in love, that wonderful day! It’s what he is saying with his music, it’s incredibly well-written and incredibly intelligent. Peter Doherty I adore you, and when can we marry?

What kind of music do you like?

The Smiths, Pokey Lafarge and the South City Three and of course, Peter Doherty with his solo album Grace / Wastelands.

Who is your favorite photographer?

Anton Corbijn

What are you working on right now? Any future plans?

Anything that gets me one step closer achieving my goal: working for Purple Magazine with Olivier Zahm.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Tell us a bit about yourself, when did you start your career as a photographer?

In 2004 I started the four beautiful years at the Royal Academy of Art in The Hague; I graduated in the year of 2008.

How you would describe tour photography style?

Love, loving, lovable; real moments of intensity. The artist has the privilege of being in touch with his or her unconscious, and this is really a gift.

What and/or who inspires you and why?

The human singing voice. Peter Doherty, the most talented writer and poet. It’s like he is talking to you, straight to you. He is real, sensitive.

Love and passion are present in many of your photos. What do you mean to show or communicate through your pictures?

Marvin Israel, the art director of Harper’s Bazaar in the 60s once told Bob Richardson: “Don’t take a picture that you think I want to see, but take a picture that’s you, photograph yourself.”  For me, that’s inspiring, I want to show beauty and love. A photo to me has to be a very personal and subjective voice.

One of your most popular pictures is a portrait of Peter Doherty. How was meeting him and what kind of relationship there is between your photography and music?

I could’t be happier. This charming man hit me right in the heart; a whole new world opened up, I fell in love, that wonderful day! It’s what he is saying with his music, it’s incredibly well-written and incredibly intelligent. Peter Doherty I adore you, and when can we marry?

What kind of music do you like?

The Smiths, Pokey Lafarge and the South City Three and of course, Peter Doherty with his solo album Grace / Wastelands.

Who is your favorite photographer?

Anton Corbijn

What are you working on right now? Any future plans?

Anything that gets me one step closer achieving my goal: working for Purple Magazine with Olivier Zahm.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Platícanos un poco acerca de ti, ¿cuándo iniciaste tu carrera en fotografía?

Comencé mis magníficos cuatro años de estudio en la Royal Academy of Art en La Haya en el 2004; me gradué en el 2008.

¿Cómo describirías tu estilo fotográfico?

Amor, amoroso, adorable; momentos de verdadera intensidad. El artista tiene el privilegio de estar en contacto con su subconsciente, y eso definitivamente es un regalo.

¿Qué o quién te inspira y por qué?

La voz humana. Peter Doherty, el poeta y escritor más talentoso que existe. Es como si él te hablara directamente a ti. Es real, sensible.

Amor y pasión son sentimientos presentes en tus fotos. ¿Qué es lo que intentas mostrar o comunicar a través de tus fotografías?

Marvin Israel, el director de la revista Harper’s Bazaar durante los años 60s una vez le dijo a Bob Richardson: “No tomes una fotografía que creas que yo quiero ver, en su lugar, fotografíate a ti mismo”. Para mí eso es inspirador. Quiero mostrar belleza y amor. Mis fotografías deben ser muy personales y deben tener una voz subjetiva.

Una de tus más famosas fotografías es un retrato de Peter Doherty. ¿Cómo fue la experiencia de conocerlo y qué tipo de relación existe entre tu fotografía y la música?

No podría estar más feliz. Este hombre tan encantador me llegó al corazón; un nuevo mundo se abrió ante mí, me enamoré, ¡que magnífico día! Se trata acerca de lo que él dice en su música, está muy bien escrita y es increíblemente inteligente. Peter Doherty te amo, ¿cuándo podemos casarnos?

¿Qué tipo de música te gusta?

The Smiths, Pokey Lafarge and the South City Three y por supuesto, Peter Doherty con su album Grace / Wastelands.

¿Quién es tu fotógrafo favorito?

Anton Corbijn

¿En qué te encuentras trabajando actualmente? ¿Cuáles son tus planes a futuro?

En cualquier cosa que me acerca cada vez más a mi meta: trabajar para la Revista Purple con Olivier Zahm.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Platícanos un poco acerca de ti, ¿cuándo iniciaste tu carrera en fotografía?

Comencé mis magníficos cuatro años de estudio en la Royal Academy of Art en La Haya en el 2004; me gradué en el 2008.

¿Cómo describirías tu estilo fotográfico?

Amor, amoroso, adorable; momentos de verdadera intensidad. El artista tiene el privilegio de estar en contacto con su subconsciente, y eso definitivamente es un regalo.

¿Qué o quién te inspira y por qué?

La voz humana. Peter Doherty, el poeta y escritor más talentoso que existe. Es como si él te hablara directamente a ti. Es real, sensible.

Amor y pasión son sentimientos presentes en tus fotos. ¿Qué es lo que intentas mostrar o comunicar a través de tus fotografías?

Marvin Israel, el director de la revista Harper’s Bazaar durante los años 60s una vez le dijo a Bob Richardson: “No tomes una fotografía que creas que yo quiero ver, en su lugar, fotografíate a ti mismo”. Para mí eso es inspirador. Quiero mostrar belleza y amor. Mis fotografías deben ser muy personales y deben tener una voz subjetiva.

Una de tus más famosas fotografías es un retrato de Peter Doherty. ¿Cómo fue la experiencia de conocerlo y qué tipo de relación existe entre tu fotografía y la música?

No podría estar más feliz. Este hombre tan encantador me llegó al corazón; un nuevo mundo se abrió ante mí, me enamoré, ¡que magnífico día! Se trata acerca de lo que él dice en su música, está muy bien escrita y es increíblemente inteligente. Peter Doherty te amo, ¿cuándo podemos casarnos?

¿Qué tipo de música te gusta?

The Smiths, Pokey Lafarge and the South City Three y por supuesto, Peter Doherty con su album Grace / Wastelands.

¿Quién es tu fotógrafo favorito?

Anton Corbijn

¿En qué te encuentras trabajando actualmente? ¿Cuáles son tus planes a futuro?

En cualquier cosa que me acerca cada vez más a mi meta: trabajar para la Revista Purple con Olivier Zahm.

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★ Original Article by HoopDoop Magazine #14. Interview by Monyart & Attilio Brancaccio.  Spanish edition by Dalia Vasquez. 

 

 

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HoopDoopMag243

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April 28, 2014 - No Comments!

★ Jamie Hawkesworth (UK) | Keeping True Stories Relevant

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A contemporary photographer who uses his camera and public transport services to portray the daily lives of ordinary people that come across in his path.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Presto (1)

Presto (3)

Presto (18)

Preston Bus Station

Presto (4)

Presto (6)

Presto (7)

Presto (9)

Presto (15)

[vimeo 71197125 w=100 h=338]

PRESTON BUS STATION from Tom Chick on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in one of England’s ancient towns, Ipswich, Jamie Hawkesworth is regarded today as a visual artist that has master the art of capturing ordinary scenarios combined with the glamour of the fashion industry.

He studied Forensic Science at Preston University, and while shooting fingerprints and footprints at crime scenes during his first year as a student, he discovered his interest towards taking pictures. A year later, he decided to enroll in Photography instead.

He started working with a digital camera and eventually changed to the medium format, which is the one he uses now. Jamie’s main subjects of interest are people, especially teenagers, which enable him to produce present-day images with a relevant meaning. He focuses on keeping his work simple and trustworthy and enjoys maintaining a sense of unpredictability by shooting in different places of England.

“I like the aspect of not knowing who I’m going to come across. I think being fascinated with the unknown and having no real connection with that place, drives you to want to understand that area more. That, as a process for taking photos, is perfect.” - Jamie Hawkesworth

Hawkesworth makes sure that all his characters fit properly in the environment, in terms of clothing. He does not make any exceptions, and no matter how extravagant, strange or extreme the outfits are, Jamie and the stylist he collaborates with, Benjamin Bruno, always find the way to stand out unique aspects in each one of them. One of the basic elements of Jamie’s work is his ability to blend, in an almost unnoticeable manner, the documentary and fashion styles that strongly engage the spectator.

Among his most recognized projects are his series of portraits “Preston Bus Station” and “Preston Bus Station Tribute”. Such place is to be demolished soon, so, he decided to portray the last days of the building, its essence, the people, and the life that elapsed day by day. The project was lately produced as a newspaper and the photos were displayed inside the station. Jamie also directed a video as tribute to the station, which features children from the All Hallows High School Brass Band.

More information on Jamie Hawkesworth here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Born in one of England’s ancient towns, Ipswich, Jamie Hawkesworth is regarded today as a visual artist that has master the art of capturing ordinary scenarios combined with the glamour of the fashion industry.

He studied Forensic Science at Preston University, and while shooting fingerprints and footprints at crime scenes during his first year as a student, he discovered his interest towards taking pictures. A year later, he decided to enroll in Photography instead.

He started working with a digital camera and eventually changed to the medium format, which is the one he uses now. Jamie’s main subjects of interest are people, especially teenagers, which enable him to produce present-day images with a relevant meaning. He focuses on keeping his work simple and trustworthy and enjoys maintaining a sense of unpredictability by shooting in different places of England.

“I like the aspect of not knowing who I’m going to come across. I think being fascinated with the unknown and having no real connection with that place, drives you to want to understand that area more. That, as a process for taking photos, is perfect.” - Jamie Hawkesworth

Hawkesworth makes sure that all his characters fit properly in the environment, in terms of clothing. He does not make any exceptions, and no matter how extravagant, strange or extreme the outfits are, Jamie and the stylist he collaborates with, Benjamin Bruno, always find the way to stand out unique aspects in each one of them. One of the basic elements of Jamie’s work is his ability to blend, in an almost unnoticeable manner, the documentary and fashion styles that strongly engage the spectator.

Among his most recognized projects are his series of portraits “Preston Bus Station” and “Preston Bus Station Tribute”. Such place is to be demolished soon, so, he decided to portray the last days of the building, its essence, the people, and the life that elapsed day by day. The project was lately produced as a newspaper and the photos were displayed inside the station. Jamie also directed a video as tribute to the station, which features children from the All Hallows High School Brass Band.

More information on Jamie Hawkesworth here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Proveniente de Ipswich, una de las ciudades más antiguas de Inglaterra, Jamie Hawkesworth es un fotógrafo contemporáneo que utiliza su cámara y el trasporte público, como principales herramientas para capturar la vida de las personas que se cruzan en su camino. En la actualidad, es reconocido como un gran artista visual que logra combinar ambientes cotidianos con un estilo lleno de glamur.

Comenzó a estudiar la carrera de Forense en la Universidad de Preston, sin embargo, al retratar continuamente las huellas digitales en escenas del crimen, se dio cuenta de su fuerte interés por la fotografía y decidió dedicarse por completo a ello. Un año después se cambió a la carrera de Fotografía.

Comenzó por trabajar utilizando una cámara digital, y más adelante, cambió a un medio formato, que es el que utiliza ahora. Sus modelos son la gente, principalmente los adolescentes, los cuales le permiten producir imágenes que retratan temas relevantes y sobretodo, actuales. Su principal objetivo es lograr que su trabajo sea simple y honesto; además de que busca hacerlo impredecible al escoger diversos lugares de Inglaterra donde realizar sus sesiones fotográficas.

“Me gusta el no saber con quién me voy a encontrar. Pienso que el estar fascinado con lo desconocido y el no tener una conexión real con el lugar, lleva a una persona a entender el área de una mejor manera. Esa característica hace que el proceso de tomar fotografías sea perfecto.” - Jamie Hawkesworth

Hawkesworth se asegura de que las personas que fotografía encajen correctamente en el ambiente que escoge, en términos de vestimenta. No hace ninguna excepción y sin importar cuán extravagantes, extraños o extremos sean los atuendos, Jamie y el estilista con el que colabora, Benjamin Bruno, encuentran siempre la manera de resaltar aspectos únicos en cada uno de ellos. Uno de los principales elementos del trabajo de Hawkesworth es su habilidad para combinar de una manera casi imperceptible, su estilo documental y glamoroso, el cual fascina al espectador.

Entre sus principales proyectos se encuentran las series de portarretratos de “Preston Bus Station” y “Preston Bus Station Tribute”. Dicha estación está pronta a ser demolida, por lo que él decidió retratar los últimos días del edificio, su esencia, la gente, y la vida que transcurre día con día. El proyecto fue producido a manera de periódico y diversas fotografías fueron expuestas dentro del edificio. Jamie también dirigió un video como tributo a la estación, en el cual participan niños de la banda de All Hallows High School.

Más información de Jamie Hawkesworth aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Proveniente de Ipswich, una de las ciudades más antiguas de Inglaterra, Jamie Hawkesworth es un fotógrafo contemporáneo que utiliza su cámara y el trasporte público, como principales herramientas para capturar la vida de las personas que se cruzan en su camino. En la actualidad, es reconocido como un gran artista visual que logra combinar ambientes cotidianos con un estilo lleno de glamur.

Comenzó a estudiar la carrera de Forense en la Universidad de Preston, sin embargo, al retratar continuamente las huellas digitales en escenas del crimen, se dio cuenta de su fuerte interés por la fotografía y decidió dedicarse por completo a ello. Un año después se cambió a la carrera de Fotografía.

Comenzó por trabajar utilizando una cámara digital, y más adelante, cambió a un medio formato, que es el que utiliza ahora. Sus modelos son la gente, principalmente los adolescentes, los cuales le permiten producir imágenes que retratan temas relevantes y sobretodo, actuales. Su principal objetivo es lograr que su trabajo sea simple y honesto; además de que busca hacerlo impredecible al escoger diversos lugares de Inglaterra donde realizar sus sesiones fotográficas.

“Me gusta el no saber con quién me voy a encontrar. Pienso que el estar fascinado con lo desconocido y el no tener una conexión real con el lugar, lleva a una persona a entender el área de una mejor manera. Esa característica hace que el proceso de tomar fotografías sea perfecto.” - Jamie Hawkesworth

Hawkesworth se asegura de que las personas que fotografía encajen correctamente en el ambiente que escoge, en términos de vestimenta. No hace ninguna excepción y sin importar cuán extravagantes, extraños o extremos sean los atuendos, Jamie y el estilista con el que colabora, Benjamin Bruno, encuentran siempre la manera de resaltar aspectos únicos en cada uno de ellos. Uno de los principales elementos del trabajo de Hawkesworth es su habilidad para combinar de una manera casi imperceptible, su estilo documental y glamoroso, el cual fascina al espectador.

Entre sus principales proyectos se encuentran las series de portarretratos de “Preston Bus Station” y “Preston Bus Station Tribute”. Dicha estación está pronta a ser demolida, por lo que él decidió retratar los últimos días del edificio, su esencia, la gente, y la vida que transcurre día con día. El proyecto fue producido a manera de periódico y diversas fotografías fueron expuestas dentro del edificio. Jamie también dirigió un video como tributo a la estación, en el cual participan niños de la banda de All Hallows High School.

Más información de Jamie Hawkesworth aquí.

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★ By [Author Name]

 

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April 15, 2014 - No Comments!

★ Khokhlov, Kutsan And Ershova | Beyond Make Up Art

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Three Russian artists team-up to accomplish exceptional body painting results.


[Ver artículo en español abajo]

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2D or not 2D

collab-k1

collab-k4

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collab-k6

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collab-k7

Weird Beauty

collab-khokhlov and kutsan2

collab-khokhlov and kutsan5

collab-khokhlov and kutsan

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=5HkH0K_5d-w]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Photographer Alexander Khokhlov and wonderful make-up artist Valeriya Kutsan collaborated in 2012 in a white and black project called “Weird Beauty”. Together, these two Russian artists created a new series of three-dimensional portraits skillfully painting the face of models to enhance patterns, simple forms and their beauty.

2D or not 2D” is the new collaborative series of face paintings created by Khoklov and Kutsan, with the addition of Veronica Ershova, who was in charge of monitoring the photo edition and the post-production process.

In this new project, the objective was to recreate two-dimensional posters images. Kutsan used a wide selection of painting techniques -like sketch, acrylic, watercolor and oil painting- to achieve the most true-like results. On the other hand, Alexander took the photographs in a way that the volume of the face would not be noticed. By taking great care of shadows and lights, he resolved to make the photo look as flat as possible.

Alexander Khokhlov is a Moscow-based photographer who since 2008 started to produce fashion and beauty photos. For him, working alongside high-level artists is a vital factor that gives way to innovation and growth. Throughout his career his several projects with make-up artists have had international recognition. His series “Table Stories” in partnership with artist Veronica Ershova, is another of Alexander’s famous projects in which he combines images and word games.

More information on Alexander Khokhlov here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Photographer Alexander Khokhlov and wonderful make-up artist Valeriya Kutsan collaborated in 2012 in a white and black project called “Weird Beauty”. Together, these two Russian artists created a new series of three-dimensional portraits skillfully painting the face of models to enhance patterns, simple forms and their beauty.

2D or not 2D” is the new collaborative series of face paintings created by Khoklov and Kutsan, with the addition of Veronica Ershova, who was in charge of monitoring the photo edition and the post-production process.

In this new project, the objective was to recreate two-dimensional posters images. Kutsan used a wide selection of painting techniques -like sketch, acrylic, watercolor and oil painting- to achieve the most true-like results. On the other hand, Alexander took the photographs in a way that the volume of the face would not be noticed. By taking great care of shadows and lights, he resolved to make the photo look as flat as possible.

Alexander Khokhlov is a Moscow-based photographer who since 2008 started to produce fashion and beauty photos. For him, working alongside high-level artists is a vital factor that gives way to innovation and growth. Throughout his career his several projects with make-up artists have had international recognition. His series “Table Stories” in partnership with artist Veronica Ershova, is another of Alexander’s famous projects in which he combines images and word games.

More information on Alexander Khokhlov here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

El fotógrafo Alexander Kohkhlov y la magnífica maquillista Valeriya Kutsan colaboraron en el 2012 en un proyecto llamado “Weird Beauty”, en el que crearon una serie de retratos tridimensionales pintados en blanco y negro. Gracias a su gran habilidad artística lograron resaltar un sinfín de patrones, formas simplistas y gran belleza.

2D or no 2D” es uno de los últimos proyectos colaborativos de pintura facial entre Khoklov y  Kutsan. En esta ocasión, la artista Veronica Ershova estuvo a cargo de la edición de las fotografías y el proceso de post producción.

El objetivo de este nuevo proyecto fue recrear imágenes de posters. Kutsan utilizó diversas técnicas pictóricas para lograr resultados únicos, entre las que estuvieron el sketch, la pintura acrílica, el óleo y la acuarela. Por su parte, Alexander puso énfasis en evitar capturar el volumen del rostro. Cuidando las luces y sombras, logró que la imagen luciera lo menos tridimensional posible.

Alexander Khokhlov es un fotógrafo profesional ubicado en Moscú, Rusia, que desde el 2008 se ha interesado en la fotografía artística y el retrato. Opina que trabajar en conjunto con otros artistas profesionales es la mejor manera de dar cabida a la innovación y el crecimiento. A lo largo de su carrera, sus diversos proyectos con maquillistas han tenido un fuerte reconocimiento internacional. Su serie “Table Stories” en colaboración con Veronica Ershova, es otro de sus famosos proyecto en el que combina imágenes y juego de palabras.

Más información sobre Alexander Khokhlov aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

El fotógrafo Alexander Kohkhlov y la magnífica maquillista Valeriya Kutsan colaboraron en el 2012 en un proyecto llamado “Weird Beauty”, en el que crearon una serie de retratos tridimensionales pintados en blanco y negro. Gracias a su gran habilidad artística lograron resaltar un sinfín de patrones, formas simplistas y gran belleza.

2D or no 2D” es uno de los últimos proyectos colaborativos de pintura facial entre Khoklov y  Kutsan. En esta ocasión, la artista Veronica Ershova estuvo a cargo de la edición de las fotografías y el proceso de post producción.

El objetivo de este nuevo proyecto fue recrear imágenes de posters. Kutsan utilizó diversas técnicas pictóricas para lograr resultados únicos, entre las que estuvieron el sketch, la pintura acrílica, el óleo y la acuarela. Por su parte, Alexander puso énfasis en evitar capturar el volumen del rostro. Cuidando las luces y sombras, logró que la imagen luciera lo menos tridimensional posible.

Alexander Khokhlov es un fotógrafo profesional ubicado en Moscú, Rusia, que desde el 2008 se ha interesado en la fotografía artística y el retrato. Opina que trabajar en conjunto con otros artistas profesionales es la mejor manera de dar cabida a la innovación y el crecimiento. A lo largo de su carrera, sus diversos proyectos con maquillistas han tenido un fuerte reconocimiento internacional. Su serie “Table Stories” en colaboración con Veronica Ershova, es otro de sus famosos proyecto en el que combina imágenes y juego de palabras.

Más información sobre Alexander Khokhlov aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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March 10, 2014 - No Comments!

★ Kirsty Mitchell (UK) | A Magical World In Photographs

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

With a background in costume and fashion design, Kirsty Mitchell found in photography a new sort of inner expression that allowed her to discover a world full of fantasy and magic.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

9c05384ef963d792f0c307f6198a07e0

The-Candy-Cane-Witch

Gaia-The-Birth-of-an-End

The White Witch

Gammelyns-Daughter-A-Waking-Dream

The_Ghost_Swift_

[vimeo 81996555 w=500 h=281]

Wonderland - 'Gaia, The Birth Of An End' - Kirsty Mitchell Photography from Kirsty Mitchell Photography on Vimeo.

 

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Born in 1976 and raised in Kent, England, Kirsty Mitchell is currently a professional photographer based in Surrey. She started her career in the fashion industry where she worked as a fashion designer for 11 years. However, her life changed radically in 2007, when her mother was diagnosed with cancer. It was then when Mitchell felt the need to find a new way to express her existing sadness and grief.

Photography became her main tool, and by following her mother advice (use your imagination, believe in beauty), she entered the urban art scene. She portrayed persons that could express her own emotions and throughout the time, her photographies acquired life on their own. They became her getaway, her unique alternative world after her mother passed away.

Today, by combining her fashion and costume background with her photography knowledge, her full dedication and attention to detail, her ability to personally handcraft the accessories, and her magnificent artistic talent and passion, she has visualized and taken to completion beautiful and emotional shootings. One of her most sensitive and exquisite work is Wonderland, a collection of over 70 photographs that took nearly 5 years to complete. Such project was a tribute to her mother, and each one of the photos is a unique product of Mitchell’s imagination. She used real locations and decorations, making a highly complex and elaborated production-process, but achieving an exceptional outcome without the intervention of digital tools like Photoshop.

The process-making of one single photograph is completely designed by Kirsty Mitchell and it can take from weeks to even months of hard work and preparation to accomplish it. However, this part of her work is what she enjoys the most; for her, it is her own way of transforming her dreams into something tangible and real.

More information on Kirsty Mitchell’s work here.

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Born in 1976 and raised in Kent, England, Kirsty Mitchell is currently a professional photographer based in Surrey. She started her career in the fashion industry where she worked as a fashion designer for 11 years. However, her life changed radically in 2007, when her mother was diagnosed with cancer. It was then when Mitchell felt the need to find a new way to express her existing sadness and grief.

Photography became her main tool, and by following her mother advice (use your imagination, believe in beauty), she entered the urban art scene. She portrayed persons that could express her own emotions and throughout the time, her photographies acquired life on their own. They became her getaway, her unique alternative world after her mother passed away.

Today, by combining her fashion and costume background with her photography knowledge, her full dedication and attention to detail, her ability to personally handcraft the accessories, and her magnificent artistic talent and passion, she has visualized and taken to completion beautiful and emotional shootings. One of her most sensitive and exquisite work is Wonderland, a collection of over 70 photographs that took nearly 5 years to complete. Such project was a tribute to her mother, and each one of the photos is a unique product of Mitchell’s imagination. She used real locations and decorations, making a highly complex and elaborated production-process, but achieving an exceptional outcome without the intervention of digital tools like Photoshop.

The process-making of one single photograph is completely designed by Kirsty Mitchell and it can take from weeks to even months of hard work and preparation to accomplish it. However, this part of her work is what she enjoys the most; for her, it is her own way of transforming her dreams into something tangible and real.

More information on Kirsty Mitchell’s work here.

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Nacida en 1976 y habiendo iniciado su carrera en el mundo de la moda, Kirsty Mitchell es en la actualidad una fotógrafa profesional del Reino Unido, cuyo trabajo le ha permitido descubrir un mundo lleno de magia y fantasía. Trabaja durante 11 años como diseñadora de modas hasta que en 2007 su vida cambia drásticamente cuando su madre es diagnosticada con cáncer. Es entonces que ella comienza a sentir la necesidad de encontrar una nueva manera de expresar su dolor y su profunda tristeza.

La fotografía se convierte en su primordial herramienta de trabajo y expresión, y es a través de las enseñanzas de su madre – utilizar su imaginación y creer en la belleza – que logra adentrarse en el mundo del arte urbano buscando capturar sus propios afligidos sentimientos en los rostros de los que retrata. Con el tiempo, sus imágenes comienzan a adquirir vida propia y es después de la muerte de su madre en el 2008, que sus fotografías se convierten en su escape, en su único mundo alternativo.

Hoy en día, a través de la combinación de sus antecedentes como diseñadora de modas, sus conocimientos de fotografía, su total dedicación y pasión por lo que hace, su atención al detalle, su habilidad para fabricar sus propios accesorios manualmente y su magnífico talento artístico, Mitchell logra completar maravillosas y emocionales sesiones fotográficas. Uno de sus trabajos más reconocidos por su versatilidad y calidad es Wonderland (País de las Maravillas), una colección de más de 70 imágenes las cuales toman poco más de 5 años en llevarse a cabo. Dicho proyecto es dedicado a su madre, donde cada una de los elementos es producto de la propia imaginación de la artista. Utiliza decoraciones y locaciones reales, haciendo de su proceso de producción una ardua experiencia, pero logrando así un resultado extraordinario sin la necesaria intervención de herramientas digitales como Photoshop.

El proceso de producción de una sola fotografía puede tomarle a Kirsty Mitchell desde semanas hasta meses de labor y preparación; sin embargo, esa parte de su trabajo es la que realmente disfruta, pues según explica, es la verdadera transformación de sus sueños en objetos tangibles y reales.

Más información de Kirsty Mitchell aquí.

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Nacida en 1976 y habiendo iniciado su carrera en el mundo de la moda, Kirsty Mitchell es en la actualidad una fotógrafa profesional del Reino Unido, cuyo trabajo le ha permitido descubrir un mundo lleno de magia y fantasía. Trabaja durante 11 años como diseñadora de modas hasta que en 2007 su vida cambia drásticamente cuando su madre es diagnosticada con cáncer. Es entonces que ella comienza a sentir la necesidad de encontrar una nueva manera de expresar su dolor y su profunda tristeza.

La fotografía se convierte en su primordial herramienta de trabajo y expresión, y es a través de las enseñanzas de su madre – utilizar su imaginación y creer en la belleza – que logra adentrarse en el mundo del arte urbano buscando capturar sus propios afligidos sentimientos en los rostros de los que retrata. Con el tiempo, sus imágenes comienzan a adquirir vida propia y es después de la muerte de su madre en el 2008, que sus fotografías se convierten en su escape, en su único mundo alternativo.

Hoy en día, a través de la combinación de sus antecedentes como diseñadora de modas, sus conocimientos de fotografía, su total dedicación y pasión por lo que hace, su atención al detalle, su habilidad para fabricar sus propios accesorios manualmente y su magnífico talento artístico, Mitchell logra completar maravillosas y emocionales sesiones fotográficas. Uno de sus trabajos más reconocidos por su versatilidad y calidad es Wonderland (País de las Maravillas), una colección de más de 70 imágenes las cuales toman poco más de 5 años en llevarse a cabo. Dicho proyecto es dedicado a su madre, donde cada una de los elementos es producto de la propia imaginación de la artista. Utiliza decoraciones y locaciones reales, haciendo de su proceso de producción una ardua experiencia, pero logrando así un resultado extraordinario sin la necesaria intervención de herramientas digitales como Photoshop.

El proceso de producción de una sola fotografía puede tomarle a Kirsty Mitchell desde semanas hasta meses de labor y preparación; sin embargo, esa parte de su trabajo es la que realmente disfruta, pues según explica, es la verdadera transformación de sus sueños en objetos tangibles y reales.

Más información de Kirsty Mitchell aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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