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May 27, 2015 - No Comments!

★ Hari & Deepti (US) | Magical Handcut Paper Boxes

Denver-based graphic designers and illustrators Deepti Nair and Harikrishnan Panicker share their passion for imaginary beings, unreal worlds and paper cutting. Their enigmatic work as the creative duo Hari & Deepti is identified by splendid dioramas formed with delicate and complex hand-cut characters and dreamy scenarios that only come to life when lit with LED lights. Their laborious craftwork is the perfect example of what great minds can do using a medium as simple – yet versatile- as paper.

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March 25, 2015 - No Comments!

★ Jen Stark (USA) | 3D Paper Psychodelia

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Born in Miami, Florida, Jen Stark is a contemporary sculptor and artist who knows how to make the most of her imagination, artistic skills, and simple materials to create greatly complex kaleidoscopic paper artworks. Since her graduation from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005, Stark has given to her technicolor hand-cut creations a deep meaning that combines her natural, mathematical, and spiritual passions.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

It happened while studying abroad in the south of France that Los Angeles-based artist and sculptor Jen Stark encountered the disadvantages of the euro’s high exchange rate within the artistic world. It was then that she saw the necessity to find an affordable material in which to express her passions and interests. Finally, it was paper the ultimate supply-solution, and soon the artist realized the endless amount of possibilities that awaited her if she used her talent to transform it in an exceptional way.

Today, Jen Stark uses her imagination and patience to convert paper into fantastic psychedelic sculptures. With time, her artistic mediums have expanded, and currently, she also works with other materials like wood, plexi, foamboard, fiberboard (mdf), metal, mirrors, and paint. She has also explored drawing, muralism, and animation.

Stark’s style is full of vibrant colors and dynamism, and usually imitates mandalas and sacred objects. She combines her enthusiasm for the ideas of infinity, cosmos, mystery and nature, with her talent to transform common materials into splendid three-dimensional sculptures. Through her hypnotic geometrical patterns and repetitions, Stark attempts to express her idea that mathematics and science can be somehow related to all aspects of life. Her passion for optical illusions and kaleidoscopic designs is remarkably expressed in her stacked layers of paper that she arranges and shapes into stars, flowers, petal-like elements, and wormholes, all of them reminiscent of typographical maps and geoids. Examples of that are her projects “The Whole” and “Vortextural” projects.

Behind each sculpture there is a highly intensive and detailed creative process. Depending on the size and complexity of the artwork, Jen spends either weeks or months completing it. She starts by sketching the concept and then by stacking the paper in the order she will need it – the number of paper sheets she uses generally goes from 50 to a maximum of 150. Finally, she cuts the biggest hole and then proceeds to move inward cutting layer by layer. Admirably, not a single layer is cut by computer; using an X-ACTO knife, the artist is the only author of her psychedelic hand-cut sculptures.

Jen Stark graduated from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005. Two years later, her work started to gain outstanding online recognition and some of the best galleries around the world asked her to exhibit her sculptures. Since the takeoff of her career, she has exhibited in places like New York City, Seattle, Washington DC, Thailand, Canada and Australia. At 32, she is one of the greatest emerging artists that continue to create hypnotic geometrical works of art that stand out and influence people around the world.

More information on Jen Stark here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

It happened while studying abroad in the south of France that Los Angeles-based artist and sculptor Jen Stark encountered the disadvantages of the euro’s high exchange rate within the artistic world. It was then that she saw the necessity to find an affordable material in which to express her passions and interests. Finally, it was paper the ultimate supply-solution, and soon the artist realized the endless amount of possibilities that awaited her if she used her talent to transform it in an exceptional way.

Today, Jen Stark uses her imagination and patience to convert paper into fantastic psychedelic sculptures. With time, her artistic mediums have expanded, and currently, she also works with other materials like wood, plexi, foamboard, fiberboard (mdf), metal, mirrors, and paint. She has also explored drawing, muralism, and animation.

Stark’s style is full of vibrant colors and dynamism, and usually imitates mandalas and sacred objects. She combines her enthusiasm for the ideas of infinity, cosmos, mystery and nature, with her talent to transform common materials into splendid three-dimensional sculptures. Through her hypnotic geometrical patterns and repetitions, Stark attempts to express her idea that mathematics and science can be somehow related to all aspects of life. Her passion for optical illusions and kaleidoscopic designs is remarkably expressed in her stacked layers of paper that she arranges and shapes into stars, flowers, petal-like elements, and wormholes, all of them reminiscent of typographical maps and geoids. Examples of that are her projects “The Whole” and “Vortextural” projects.

Behind each sculpture there is a highly intensive and detailed creative process. Depending on the size and complexity of the artwork, Jen spends either weeks or months completing it. She starts by sketching the concept and then by stacking the paper in the order she will need it – the number of paper sheets she uses generally goes from 50 to a maximum of 150. Finally, she cuts the biggest hole and then proceeds to move inward cutting layer by layer. Admirably, not a single layer is cut by computer; using an X-ACTO knife, the artist is the only author of her psychedelic hand-cut sculptures.

Jen Stark graduated from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005. Two years later, her work started to gain outstanding online recognition and some of the best galleries around the world asked her to exhibit her sculptures. Since the takeoff of her career, she has exhibited in places like New York City, Seattle, Washington DC, Thailand, Canada and Australia. At 32, she is one of the greatest emerging artists that continue to create hypnotic geometrical works of art that stand out and influence people around the world.

More information on Jen Stark here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Proveniente de Miami, Florida, Jen Stark es una artista y escultora contemporánea que combina a la perfección su imaginación, extraordinarias habilidades artísticas y materiales comunes que le permiten crear sus caleidoscópicas y excepcionalmente complejas obras en papel. Estudió arte en el Maryland Institute College of Art y desde su graduación en el 2005, ha sabido dar a sus creaciones hechas a mano un significado único que une su pasión por lo natural, lo espiritual y las matemáticas.

La artista, actualmente con residencia en Los Ángeles, CA, se encontraba estudiando en el sur de Francia cuando descubrió lo caro que sería abastecerse de materiales artísticos en ese lugar. Es por eso que en ese momento tomó la decisión de escoger un material atractivo pero de bajo costo con el cual pudiera trabajar. Finalmente, eligió papel de colores y pronto se dio cuenta de las infinitas posibilidades que este material brinda a quien sabe transformarlo de manera excepcional.

Hoy en día, Jen Stark utiliza su imaginación y paciencia para convertir diferentes tipos de papel en fantásticas esculturas de carácter psicodélico. Con el tiempo, los suministros con los que trabaja han ido evolucionando y actualmente, también utiliza materiales como madera, plástico, fomi, mdf, metal, espejos y pintura. A su vez, ha explorado otras áreas como el dibujo, el muralismo y la animación.

El estilo de Jen está plagado de colores vibrantes y dinamismo. Usualmente, sus obras tienden a replicar hasta cierto grado las mándalas hindúes y otros objetos sagrados. Stark sabe combinar su pasión por la idea del infinito, el cosmos, el misterio y la naturaleza, con su talento por transformar materiales comunes en espléndidas esculturas tridimensionales. Es a través de sus patrones y repeticiones geométricas altamente hipnóticas que también refleja su idea de que las matemáticas y la ciencia de alguna manera se relacionan con todos los aspectos de la vida. Su pasión por las ilusiones ópticas y los diseños caleidoscópicos se ven perfectamente representados en las múltiples capas de papel que la artista apila y posteriormente modifica en forma de estrellas, flores, pétalos, y agujeros de gusano, todos con un toque tecnicolor que hacen recordar mapas tipográficos y geoides. Ejemplos de esto son sus proyectos “The Whole” and “Vortextural”.

La creación de cada obra lleva consigo un intenso y detallado proceso creativo. Le puede llevar semanas o meses el completar una escultura, todo depende del tamaño y nivel de complejidad de la misma. Stark comienza por crear un boceto del concepto. Posteriormente, apila el papel en el orden en que lo utilizará – el número de hojas que utiliza va de las 50 a un máximo de 150. Finalmente, corta el agujero más grande y a partir de ahí trabaja hacia adentro cortando cada hoja de manera individual. Por increíble que parezca, ninguno de los cortes es hecho por computadora. Todo el trabajo es manual utilizando un cuchillo X-ACTO.

Dos años después de su graduación de la carrera, el trabajo de Jen Stark comenzó a ser ampliamente reconocido en múltiples blogs en línea. Fue entonces que diversas de las mejores galerías del mundo pidieron a la artista que exhibiera sus obras. Desde ese momento, su trabajo se ha encontrado en lugares como Nueva York, Seattle, Washington, Tailandia, Canadá y Australia. A los 32 años de edad, Stark es una de las más grandes y emerges artistas que continua creando extraordinarias obras geométricas que cautivan e influencian al resto del mundo.

Más información sobre Jen Stark aquí.

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Proveniente de Miami, Florida, Jen Stark es una artista y escultora contemporánea que combina a la perfección su imaginación, extraordinarias habilidades artísticas y materiales comunes que le permiten crear sus caleidoscópicas y excepcionalmente complejas obras en papel. Estudió arte en el Maryland Institute College of Art y desde su graduación en el 2005, ha sabido dar a sus creaciones hechas a mano un significado único que une su pasión por lo natural, lo espiritual y las matemáticas.

La artista, actualmente con residencia en Los Ángeles, CA, se encontraba estudiando en el sur de Francia cuando descubrió lo caro que sería abastecerse de materiales artísticos en ese lugar. Es por eso que en ese momento tomó la decisión de escoger un material atractivo pero de bajo costo con el cual pudiera trabajar. Finalmente, eligió papel de colores y pronto se dio cuenta de las infinitas posibilidades que este material brinda a quien sabe transformarlo de manera excepcional.

Hoy en día, Jen Stark utiliza su imaginación y paciencia para convertir diferentes tipos de papel en fantásticas esculturas de carácter psicodélico. Con el tiempo, los suministros con los que trabaja han ido evolucionando y actualmente, también utiliza materiales como madera, plástico, fomi, mdf, metal, espejos y pintura. A su vez, ha explorado otras áreas como el dibujo, el muralismo y la animación.

El estilo de Jen está plagado de colores vibrantes y dinamismo. Usualmente, sus obras tienden a replicar hasta cierto grado las mándalas hindúes y otros objetos sagrados. Stark sabe combinar su pasión por la idea del infinito, el cosmos, el misterio y la naturaleza, con su talento por transformar materiales comunes en espléndidas esculturas tridimensionales. Es a través de sus patrones y repeticiones geométricas altamente hipnóticas que también refleja su idea de que las matemáticas y la ciencia de alguna manera se relacionan con todos los aspectos de la vida. Su pasión por las ilusiones ópticas y los diseños caleidoscópicos se ven perfectamente representados en las múltiples capas de papel que la artista apila y posteriormente modifica en forma de estrellas, flores, pétalos, y agujeros de gusano, todos con un toque tecnicolor que hacen recordar mapas tipográficos y geoides. Ejemplos de esto son sus proyectos “The Whole” and “Vortextural”.

La creación de cada obra lleva consigo un intenso y detallado proceso creativo. Le puede llevar semanas o meses el completar una escultura, todo depende del tamaño y nivel de complejidad de la misma. Stark comienza por crear un boceto del concepto. Posteriormente, apila el papel en el orden en que lo utilizará – el número de hojas que utiliza va de las 50 a un máximo de 150. Finalmente, corta el agujero más grande y a partir de ahí trabaja hacia adentro cortando cada hoja de manera individual. Por increíble que parezca, ninguno de los cortes es hecho por computadora. Todo el trabajo es manual utilizando un cuchillo X-ACTO.

Dos años después de su graduación de la carrera, el trabajo de Jen Stark comenzó a ser ampliamente reconocido en múltiples blogs en línea. Fue entonces que diversas de las mejores galerías del mundo pidieron a la artista que exhibiera sus obras. Desde ese momento, su trabajo se ha encontrado en lugares como Nueva York, Seattle, Washington, Tailandia, Canadá y Australia. A los 32 años de edad, Stark es una de las más grandes y emerges artistas que continua creando extraordinarias obras geométricas que cautivan e influencian al resto del mundo.

Más información sobre Jen Stark aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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March 11, 2015 - No Comments!

★ Robert Montgomery (UK) | Inspiring Subversive Words

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

London-based artist Robert Montgomery is one of the recent figures who have captivated countless of worldwide readers with his poetic narratives placed in public locations. Of a tender and melancholic nature, his text-art installations are writings that express his deepest beliefs regarding modern life and the detrimental influence that capitalism and the advertisement industry have over society.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text] montgomery20 montgomery19 montgomery23 montgomery1 montgomery21 montgomery3 montgomery9 montgomery22 montgomery8 montgomery12 montgomery10 [/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in Chapelhall, Scotland, Robert Montgomery is a fine artist who has gained public acknowledgement -particularly in magazines and online blogs- for his extraordinary use of text-art installations. He got his BA and MFA at the Edinburgh College of Art, and during his time as a student, he became passionate of the text-based art and the Situationist Movement from the 1960s.

The Situationists were a group of artists, writers, and filmmakes in Europe that criticized the power of public images, the loss of the people’s willpower to make decisions, and the creation of a society immersed in an unreal and materialistic world. They advertised their ideas in the form of public communication-guerilla propaganda, like comics, pamphlets, posters, slogans, collages and graffitis.

Following the same principle, Robert Montgomery works in what is now called “Brandalism” (graffiti + brand + vandalism), a contemporary movement that challenges the advertising industry by publicly placing different artworks in the same rectangular spaces where people usually find commercial ads. In 2012, Montgomery and other 25 artists appropriated 37 billboards in five important cities across the United Kingdom and altered them with their defiant artistic style.

Montgomery uses a simple yet effective tactic to make his work as impactful as possible. Unlike the regular ads which people should be able to read in a few seconds while walking, Robert makes his texts long enough so people have to stop and read them. By disregarding the established time that should take a billboard to be read by passers-by, he defies one of the most basic guidelines of advertising.

Among his most renowned texts are “THE PEOPLE YOU LOVE BECOME GHOSTS INSIDE OF YOU AND LIKE THIS YOU KEEP THEM ALIVE” and his 2009 piece “WHENEVER YOU SEE THE SUN REFLECTED IN THE WINDOW OF A BUILDING IT IS AN ANGEL”, which was then selected to appear in the new pop-up Dior Homme store in SoHo, New York in 2012.

Tired of meaningless ads, Robert Montgomery started his career by “illegally” working on someone else’s billboards in 2004. Today, he also creates recycled sunlight artworks, fire poems that burn and disintegrate, woodcut panels, and watercolors. His style remains simple, frequently working in white and black and often adding bright LED lights to illuminate his remarkable poems.

More information on Robert Montgomery here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Born in Chapelhall, Scotland, Robert Montgomery is a fine artist who has gained public acknowledgement -particularly in magazines and online blogs- for his extraordinary use of text-art installations. He got his BA and MFA at the Edinburgh College of Art, and during his time as a student, he became passionate of the text-based art and the Situationist Movement from the 1960s.

The Situationists were a group of artists, writers, and filmmakes in Europe that criticized the power of public images, the loss of the people’s willpower to make decisions, and the creation of a society immersed in an unreal and materialistic world. They advertised their ideas in the form of public communication-guerilla propaganda, like comics, pamphlets, posters, slogans, collages and graffitis.

Following the same principle, Robert Montgomery works in what is now called “Brandalism” (graffiti + brand + vandalism), a contemporary movement that challenges the advertising industry by publicly placing different artworks in the same rectangular spaces where people usually find commercial ads. In 2012, Montgomery and other 25 artists appropriated 37 billboards in five important cities across the United Kingdom and altered them with their defiant artistic style.

Montgomery uses a simple yet effective tactic to make his work as impactful as possible. Unlike the regular ads which people should be able to read in a few seconds while walking, Robert makes his texts long enough so people have to stop and read them. By disregarding the established time that should take a billboard to be read by passers-by, he defies one of the most basic guidelines of advertising.

Among his most renowned texts are “THE PEOPLE YOU LOVE BECOME GHOSTS INSIDE OF YOU AND LIKE THIS YOU KEEP THEM ALIVE” and his 2009 piece “WHENEVER YOU SEE THE SUN REFLECTED IN THE WINDOW OF A BUILDING IT IS AN ANGEL”, which was then selected to appear in the new pop-up Dior Homme store in SoHo, New York in 2012.

Tired of meaningless ads, Robert Montgomery started his career by “illegally” working on someone else’s billboards in 2004. Today, he also creates recycled sunlight artworks, fire poems that burn and disintegrate, woodcut panels, and watercolors. His style remains simple, frequently working in white and black and often adding bright LED lights to illuminate his remarkable poems.

More information on Robert Montgomery here.

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Nacido en Chapelhall, Escocia y con residencia actual en Londres, Reino Unido, Robert Montgomery es uno de los más recientes artistas que ha logrado cautivar a un sin fin de lectores con sus extraordinarios poemas ubicados en lugares públicos. De una naturaleza tierna y melancólica, sus instalaciones de arte-texto son escritos que expresan sus más profundas creencias en cuanto a la vida moderna y el inquietante impacto que el capitalismo y la industria publicitaria tienen sobre la sociedad.

Su trabajo ha recibido gran reconocimiento principalmente en revistas y blogs en línea. Estudió su licenciatura y maestría en Arte en el Edinburgh College of Art y fue durante su época como estudiante que nació su pasión por el arte basado en textos y su interés en el Movimiento Situacionista de los años 60’s.

Los Situacionistas fueron un grupo de artistas, escritores y cinematógrafos en Europa que criticaron la influencia de las imágenes públicas, la pérdida del poder de las personas para tomar decisiones y la creación de una sociedad inmersa en un mundo irreal y materialista. Se dedicaron a publicar sus protestas a través de métodos de mercadotecnia poco convencionales, como cómics, panfletos, posters, slogans, collages y graffitis.

Bajo el mismo principio, Robert Montgomery trabaja en lo que hoy en día ha sido definido como “Brandalism” (graffiti + brand (marca) + vandalism), un movimiento contemporáneo que desafía la industria publicitaria por medio de la creación de obras en los mismos espacios públicos donde se suelen observar los anuncios publicitarios de diversas marcas. En el 2012, Montgomery y 25 otros artistas se apropiaron “ilegalmente” de 37 carteles en cinco ciudades importantes del Reino Unido, alterándolos con su desafiante estilo artístico.

Montgomery utiliza una técnica simple pero altamente efectiva para lograr que su trabajo tenga el mayor impacto posible en las personas. A diferencia de los anuncios comunes que deben tomar sólo unos segundos en ser leídos mientras la gente camina, Robert hace que sus escritos sean lo suficientemente largos para que el transeúnte se vea en la necesidad de detenerse a leerlos. De esta manera, al ignorar el tiempo establecido que debe tomar un anuncio en ser leído, el artista desafía una de las pautas más básicas de la publicidad.

Entre sus escritos más famosos se encuentran “THE PEOPLE YOU LOVE BECOME GHOSTS INSIDE OF YOU AND LIKE THIS YOU KEEP THEM ALIVE” (La gente que amas se convierte en fantasma dentro de ti y de esta manera los mantienes vivos) y su trabajo creado en el 2009 “WHENEVER YOU SEE THE SUN REFLECTED IN THE WINDOW OF A BUILDING IT IS AN ANGEL” (Cuando quiera que veas el sol reflejado en la ventana de un edificio es un ángel), el cual fue posteriormente seleccionado para aparecer en el nuevo aparador de Dior Homme en Soho, Nueva York en el 2012.

Harto de anuncios publicitarios sin sentido, Robert Montgomery comenzó su carrera apropiándose de manera “ilegal” de escaparates ajenos en el 2004. Hoy en día también es creador de trabajos que reciclan la luz solar, poemas que se incendian y se desintegran, páneles de madera y acuarelas. Su estilo se mantiene simple, trabajando frecuentemente en blanco y negro y añadiendo luz LED para iluminar sus increíbles pensamientos.

Más información sobre Robert Montgomery aquí.

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Nacido en Chapelhall, Escocia y con residencia actual en Londres, Reino Unido, Robert Montgomery es uno de los más recientes artistas que ha logrado cautivar a un sin fin de lectores con sus extraordinarios poemas ubicados en lugares públicos. De una naturaleza tierna y melancólica, sus instalaciones de arte-texto son escritos que expresan sus más profundas creencias en cuanto a la vida moderna y el inquietante impacto que el capitalismo y la industria publicitaria tienen sobre la sociedad.

Su trabajo ha recibido gran reconocimiento principalmente en revistas y blogs en línea. Estudió su licenciatura y maestría en Arte en el Edinburgh College of Art y fue durante su época como estudiante que nació su pasión por el arte basado en textos y su interés en el Movimiento Situacionista de los años 60’s.

Los Situacionistas fueron un grupo de artistas, escritores y cinematógrafos en Europa que criticaron la influencia de las imágenes públicas, la pérdida del poder de las personas para tomar decisiones y la creación de una sociedad inmersa en un mundo irreal y materialista. Se dedicaron a publicar sus protestas a través de métodos de mercadotecnia poco convencionales, como cómics, panfletos, posters, slogans, collages y graffitis.

Bajo el mismo principio, Robert Montgomery trabaja en lo que hoy en día ha sido definido como “Brandalism” (graffiti + brand (marca) + vandalism), un movimiento contemporáneo que desafía la industria publicitaria por medio de la creación de obras en los mismos espacios públicos donde se suelen observar los anuncios publicitarios de diversas marcas. En el 2012, Montgomery y 25 otros artistas se apropiaron “ilegalmente” de 37 carteles en cinco ciudades importantes del Reino Unido, alterándolos con su desafiante estilo artístico.

Montgomery utiliza una técnica simple pero altamente efectiva para lograr que su trabajo tenga el mayor impacto posible en las personas. A diferencia de los anuncios comunes que deben tomar sólo unos segundos en ser leídos mientras la gente camina, Robert hace que sus escritos sean lo suficientemente largos para que el transeúnte se vea en la necesidad de detenerse a leerlos. De esta manera, al ignorar el tiempo establecido que debe tomar un anuncio en ser leído, el artista desafía una de las pautas más básicas de la publicidad.

Entre sus escritos más famosos se encuentran “THE PEOPLE YOU LOVE BECOME GHOSTS INSIDE OF YOU AND LIKE THIS YOU KEEP THEM ALIVE” (La gente que amas se convierte en fantasma dentro de ti y de esta manera los mantienes vivos) y su trabajo creado en el 2009 “WHENEVER YOU SEE THE SUN REFLECTED IN THE WINDOW OF A BUILDING IT IS AN ANGEL” (Cuando quiera que veas el sol reflejado en la ventana de un edificio es un ángel), el cual fue posteriormente seleccionado para aparecer en el nuevo aparador de Dior Homme en Soho, Nueva York en el 2012.

Harto de anuncios publicitarios sin sentido, Robert Montgomery comenzó su carrera apropiándose de manera “ilegal” de escaparates ajenos en el 2004. Hoy en día también es creador de trabajos que reciclan la luz solar, poemas que se incendian y se desintegran, páneles de madera y acuarelas. Su estilo se mantiene simple, trabajando frecuentemente en blanco y negro y añadiendo luz LED para iluminar sus increíbles pensamientos.

Más información sobre Robert Montgomery aquí.

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February 25, 2015 - No Comments!

★ JUCO (USA) | The Creative Balance Of Two Minds

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Julia Galdo from Miami, FL, and Cody Cloud from Phoenix, AZ, are JUCO, a photography duo with more than 5 years of experience creating outstanding shoots that fuse advertising, fashion and portrait. Based in Los Angeles, CA, they have collaborated with commercial and editorial brands like Apple, Microsoft, Nike, Sony Music, Target, The New Yorker, and Warner Brother Records, just to name a few, and have produced pictures characterized by vibrant colors and clever pattern designs.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

In 2002, Julia Galdo and Cody Cloud’s passion and extraordinary eye for taking pictures brought them together at the San Francisco Art Institute; she was studying her bachelor in Photography and he was on his way to receive his MFA degree in the same field. In 2009 they formed JUCO, a collaborative photography duo that mixes Julia’s attention for details and Cody’s love for imperfections. In time, their unique vision to think of stunning compositions out of the box has helped them position themselves in the market as one of the best fast-growing creative partnerships of the moment.

Even though Julia and Cody’s style is continuously evolving and adapting to the individual nature of each project, they have established the core of their own witty style. What makes JUCO’s work exceptional is its ability to blend in one powerful outcome, elements like the character’s attire, graphic patterns, intense colors and original backgrounds.

Among their most recognized projects are: “Women on the Verge”, a fashion photoshoot for Paper Magazine, where JUCO played with geometric forms and colorful sets to reveal glamorous collections of brands like Ralph Lauren, Stella McCartney and Miu Miu, among others; “Painted Backdrops”, a personal project where Julia and Cody camouflaged the clothing of the models with the hand-painted backgrounds in order to produce a unique effect of association; and the “Laffy Taffy” photoshoot, where JUCO’s inspiration was based on 90’s style and pop art colors.

In addition, Julia and Cody have learned from experience that the best way to stop their work getting stale is having a balance between control and uncertainty. Only by not taking care of every single detail, they are able to discover truly wonderful effects.

“If you’re always dialing everything in, if you’re always planning it, then there’s little room left for magic. You have to let go of your expectations to be able to see the unexpected.” JUCO told The Photographic Journal 

Based in Los Angeles, CA, Julia and Cody expect to be able to open their own studio someday. With a portfolio full of remarkable projects, this talented couple is endeavored to produce more compelling work that will cause a positive long-term impression on the viewer.

More information on JUCO here.

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In 2002, Julia Galdo and Cody Cloud’s passion and extraordinary eye for taking pictures brought them together at the San Francisco Art Institute; she was studying her bachelor in Photography and he was on his way to receive his MFA degree in the same field. In 2009 they formed JUCO, a collaborative photography duo that mixes Julia’s attention for details and Cody’s love for imperfections. In time, their unique vision to think of stunning compositions out of the box has helped them position themselves in the market as one of the best fast-growing creative partnerships of the moment.

Even though Julia and Cody’s style is continuously evolving and adapting to the individual nature of each project, they have established the core of their own witty style. What makes JUCO’s work exceptional is its ability to blend in one powerful outcome, elements like the character’s attire, graphic patterns, intense colors and original backgrounds.

Among their most recognized projects are: “Women on the Verge”, a fashion photoshoot for Paper Magazine, where JUCO played with geometric forms and colorful sets to reveal glamorous collections of brands like Ralph Lauren, Stella McCartney and Miu Miu, among others; “Painted Backdrops”, a personal project where Julia and Cody camouflaged the clothing of the models with the hand-painted backgrounds in order to produce a unique effect of association; and the “Laffy Taffy” photoshoot, where JUCO’s inspiration was based on 90’s style and pop art colors.

In addition, Julia and Cody have learned from experience that the best way to stop their work getting stale is having a balance between control and uncertainty. Only by not taking care of every single detail, they are able to discover truly wonderful effects.

“If you’re always dialing everything in, if you’re always planning it, then there’s little room left for magic. You have to let go of your expectations to be able to see the unexpected.” JUCO told The Photographic Journal 

Based in Los Angeles, CA, Julia and Cody expect to be able to open their own studio someday. With a portfolio full of remarkable projects, this talented couple is endeavored to produce more compelling work that will cause a positive long-term impression on the viewer.

More information on JUCO here.

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JUCO es un dúo fotográfico conformado por dos grandes artistas, Julia Galdo originaria de Miami, Florida, y Cody Cloud proveniente de Fénix, Arizona. Juntos, cuentan con más de 5 años de experiencia creando fotografías únicas que combinan elementos relacionados a la publicidad, la moda y el retrato. Desde sus inicios, han trabajado con grandes marcas comerciales y editoriales, tales como Apple, Microsoft, Nike, Sony Music, Target, The New Yorker, y Warner Brother Records, entre otras. Su trabajo se caracteriza por colores ampliamente llamativos e ingeniosos diseños de patrones.

Julia y Cody se conocieron en el 2002 en el San Francisco Art Institute gracias al talento y la pasión de ambos por tomar fotografías. Ella se encontraba estudiando la carrera en Fotografía y él estaba por graduarse de la maestría en la misma área. En el 2009 formaron JUCO, un equipo que combina la atención de Julia por los detalles y el amor de Cody por las imperfecciones. Con el tiempo, su extraordinaria visión para capturar composiciones innovadoras los ha ayudado a posicionarse en el mercado como una de las mejores entidades creativas en vías de crecimiento.

El estilo artístico de JUCO se encuentra en un progresivo proceso de evolución y adaptación constante debido principalmente a los diferentes proyectos en los que participan. Lo que hace que su trabajo sea tan excepcional es su gran habilidad para unir en un concepto perfecto diversos elementos, como moda, patrones gráficos, colores fuertes y fondos altamente originales.

Entre sus proyectos más sobresalientes se encuentran: “Women on the Verge”, una sesión de fotografías para Paper Magazine en la que JUCO utilizó diversos patrones geométricos y coloridos sets para exhibir las glamorosas prendas de vestir de marcas como Ralph Lauren, Stella McCartney y Miu Miu; “Painted Backdrops”, un proyecto personal de la pareja en el que camuflajearon la ropa de los modelos con los fondos pintados a mano, produciendo así un efecto único de asociación; y “Laffy Taffy”, un proyecto cuya inspiración nació del estilo de los 90’s y los colores del arte pop.

A su vez, la experiencia les ha enseñado que la mejor manera de evitar que su trabajo se vuelva obsoleto y aburrido es encontrar el balance ideal entre el control y la incertidumbre. Es decir, al no cerciorarse que absolutamente todos los aspectos del proceso creativo son adecuados, ellos son capaces de descubrir resultados asombrosos.

“Si siempre te encuentras señalando todo, si siempre estás planeando, entonces dejas muy poca oportunidad para que la magia ocurra. Uno debe dejar ir las expectativas para sólo así poder ver lo inesperado. ” – JUCO comentó en The Photographic Journal.

Actualmente ubicados en Los Ángeles, California, Julia y Cody tienen la esperanza de abrir su propio estudio algún día. Con un portafolio lleno de un sin fin de extraordinarios proyectos, esta talentosa pareja está empeñada en continuar produciendo un trabajo que cautive al observador y que cause en él una impresión que dure por largo tiempo.

Más información sobre JUCO aquí.

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JUCO es un dúo fotográfico conformado por dos grandes artistas, Julia Galdo originaria de Miami, Florida, y Cody Cloud proveniente de Fénix, Arizona. Juntos, cuentan con más de 5 años de experiencia creando fotografías únicas que combinan elementos relacionados a la publicidad, la moda y el retrato. Desde sus inicios, han trabajado con grandes marcas comerciales y editoriales, tales como Apple, Microsoft, Nike, Sony Music, Target, The New Yorker, y Warner Brother Records, entre otras. Su trabajo se caracteriza por colores ampliamente llamativos e ingeniosos diseños de patrones.

Julia y Cody se conocieron en el 2002 en el San Francisco Art Institute gracias al talento y la pasión de ambos por tomar fotografías. Ella se encontraba estudiando la carrera en Fotografía y él estaba por graduarse de la maestría en la misma área. En el 2009 formaron JUCO, un equipo que combina la atención de Julia por los detalles y el amor de Cody por las imperfecciones. Con el tiempo, su extraordinaria visión para capturar composiciones innovadoras los ha ayudado a posicionarse en el mercado como una de las mejores entidades creativas en vías de crecimiento.

El estilo artístico de JUCO se encuentra en un progresivo proceso de evolución y adaptación constante debido principalmente a los diferentes proyectos en los que participan. Lo que hace que su trabajo sea tan excepcional es su gran habilidad para unir en un concepto perfecto diversos elementos, como moda, patrones gráficos, colores fuertes y fondos altamente originales.

Entre sus proyectos más sobresalientes se encuentran: “Women on the Verge”, una sesión de fotografías para Paper Magazine en la que JUCO utilizó diversos patrones geométricos y coloridos sets para exhibir las glamorosas prendas de vestir de marcas como Ralph Lauren, Stella McCartney y Miu Miu; “Painted Backdrops”, un proyecto personal de la pareja en el que camuflajearon la ropa de los modelos con los fondos pintados a mano, produciendo así un efecto único de asociación; y “Laffy Taffy”, un proyecto cuya inspiración nació del estilo de los 90’s y los colores del arte pop.

A su vez, la experiencia les ha enseñado que la mejor manera de evitar que su trabajo se vuelva obsoleto y aburrido es encontrar el balance ideal entre el control y la incertidumbre. Es decir, al no cerciorarse que absolutamente todos los aspectos del proceso creativo son adecuados, ellos son capaces de descubrir resultados asombrosos.

“Si siempre te encuentras señalando todo, si siempre estás planeando, entonces dejas muy poca oportunidad para que la magia ocurra. Uno debe dejar ir las expectativas para sólo así poder ver lo inesperado. ” – JUCO comentó en The Photographic Journal.

Actualmente ubicados en Los Ángeles, California, Julia y Cody tienen la esperanza de abrir su propio estudio algún día. Con un portafolio lleno de un sin fin de extraordinarios proyectos, esta talentosa pareja está empeñada en continuar produciendo un trabajo que cautive al observador y que cause en él una impresión que dure por largo tiempo.

Más información sobre JUCO aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]   ★ By Dalia Vasquez [/cd_text][/cd_column][/cd_row]

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February 4, 2015 - No Comments!

★ Leta Sobierajski (USA) | Artistic Randomness

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in Brooklyn, New York City, Leta Sobierajski is a multidisciplinary designer and art director who produces outstanding visual projects of an audacious and offbeat nature. Her versatile work incorporates surreal and conventional features involving mainly graphic design, photography, art, and digital elements. In 2013, her career as a freelancer began and she quickly positioned herself as a rising young designer captivating the world with her bizarre creations.


[Ver artículo en español abajo]

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[vimeo 34393858 w=100 h=338]

Applications from Leta Sobierajski on Vimeo.

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With a bachelor in Graphic Design at Purchase College and recognition by Print Magazine as one of the 20 best designers under age of 30, New York City-based artist Leta Sobierajski is the owner of a quirky portfolio characterized by a daring and surreal style.

In her work, she demonstrates her exceptional talent for combining striking color palettes, witty ideas, unexpected elements and diverse artistic techniques -such as graphic design, photography, art, and film- in unique compositions. It is through her playful arrangement of features that she manages to come up with the most unconventional and attractive designs.

Among her best recognized projects are her collaboration with Refinery29 –a company that offers fashionable and trendy inspiration for women- in which Sobierajski created five pictures of lifeless objects depicting the strangest ideas of beauty; and the series of fantastic promos created for the polka dot collection of Odd Pears, a sock company specialized in selling three-sock packs.

On a more personal level, Leta Sobierajski shares her artistic passion, outstanding sense of humor and life with her partner Wade Jeffree, an art director and designer as well. Together, they have created “Complements”, an ongoing project about love and the stages of their relationship, expressed in a series of versatile, expressive and humorous self-portraits.

More information on Leta Sobierajski here.

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With a bachelor in Graphic Design at Purchase College and recognition by Print Magazine as one of the 20 best designers under age of 30, New York City-based artist Leta Sobierajski is the owner of a quirky portfolio characterized by a daring and surreal style.

In her work, she demonstrates her exceptional talent for combining striking color palettes, witty ideas, unexpected elements and diverse artistic techniques -such as graphic design, photography, art, and film- in unique compositions. It is through her playful arrangement of features that she manages to come up with the most unconventional and attractive designs.

Among her best recognized projects are her collaboration with Refinery29 –a company that offers fashionable and trendy inspiration for women- in which Sobierajski created five pictures of lifeless objects depicting the strangest ideas of beauty; and the series of fantastic promos created for the polka dot collection of Odd Pears, a sock company specialized in selling three-sock packs.

On a more personal level, Leta Sobierajski shares her artistic passion, outstanding sense of humor and life with her partner Wade Jeffree, an art director and designer as well. Together, they have created “Complements”, an ongoing project about love and the stages of their relationship, expressed in a series of versatile, expressive and humorous self-portraits.

More information on Leta Sobierajski here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicada en Brooklyn, Nueva York, Leta Sobierajski es una diseñadora multidisciplinaria y directora de arte que se dedica a crear increíbles proyectos visuales de una naturaleza poco convencional y atrevida. Su versátil trabajo incorpora conceptos tanto convencionales como surreales, y usualmente es el producto de una combinación de diversos medios, como diseño gráfico, fotografía, arte y el mundo digital. Sobierajski comenzó a trabajar de manera autónoma en el 2013 y rápidamente se posicionó como una exitosa joven diseñadora cautivando al mundo con sus extrañas creaciones.

Habiendo estudiado Diseño Gráfico en el Purchase College y siendo reconocida por Print Magazine como una de las 20 mejores diseñadoras menores de 30 años de edad, Leta Sobierajski es la autora de un extravagante portafolio creativo caracterizado por un atrevido estilo surrealista. En su trabajo, ella demuestra su gran habilidad y talento para combinar llamativas gamas de colores, ocurrentes ideas, inesperados elementos y diversas técnicas creativas en una sola composición. Es gracias a su excelente disposición de elementos que la artista logra desarrollar los más atractivos e insólitos diseños.

Entre sus proyectos más reconocidos se encuentran su colaboración con Refinery29, una compañía que ofrece consejos de moda a las mujeres, y para la que Sobierajski creó 5 imágenes de objetos inanimados representando las más extrañas nociones de belleza; y la serie de fantásticas imágenes promocionales para la colección de polka dots de la empresa Odd Pears, una compañía especializada en la venta de calcetines.

A un nivel más personal, Leta Sobierajski comparte su pasión por el diseño, su extraordinario sentido del humor y su vida con su pareja, Wade Jeffre, también un diseñador y director de arte. Juntos han creado “Complements” (Complementos), un proyecto en curso que trata sobre el amor y las diversas etapas de su relación, expresados en una serie de versátiles, expresivos y divertidos autorretratos en pareja.

Más información sobre Leta Sobierajski aquí.

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Ubicada en Brooklyn, Nueva York, Leta Sobierajski es una diseñadora multidisciplinaria y directora de arte que se dedica a crear increíbles proyectos visuales de una naturaleza poco convencional y atrevida. Su versátil trabajo incorpora conceptos tanto convencionales como surreales, y usualmente es el producto de una combinación de diversos medios, como diseño gráfico, fotografía, arte y el mundo digital. Sobierajski comenzó a trabajar de manera autónoma en el 2013 y rápidamente se posicionó como una exitosa joven diseñadora cautivando al mundo con sus extrañas creaciones.

Habiendo estudiado Diseño Gráfico en el Purchase College y siendo reconocida por Print Magazine como una de las 20 mejores diseñadoras menores de 30 años de edad, Leta Sobierajski es la autora de un extravagante portafolio creativo caracterizado por un atrevido estilo surrealista. En su trabajo, ella demuestra su gran habilidad y talento para combinar llamativas gamas de colores, ocurrentes ideas, inesperados elementos y diversas técnicas creativas en una sola composición. Es gracias a su excelente disposición de elementos que la artista logra desarrollar los más atractivos e insólitos diseños.

Entre sus proyectos más reconocidos se encuentran su colaboración con Refinery29, una compañía que ofrece consejos de moda a las mujeres, y para la que Sobierajski creó 5 imágenes de objetos inanimados representando las más extrañas nociones de belleza; y la serie de fantásticas imágenes promocionales para la colección de polka dots de la empresa Odd Pears, una compañía especializada en la venta de calcetines.

A un nivel más personal, Leta Sobierajski comparte su pasión por el diseño, su extraordinario sentido del humor y su vida con su pareja, Wade Jeffre, también un diseñador y director de arte. Juntos han creado “Complements” (Complementos), un proyecto en curso que trata sobre el amor y las diversas etapas de su relación, expresados en una serie de versátiles, expresivos y divertidos autorretratos en pareja.

Más información sobre Leta Sobierajski aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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January 14, 2015 - No Comments!

★ Kumi Yamashita (JP) | The Power Of Invisible Art

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in Manhattan and with a studio in Long Island City, Japanese installation artist and sculptor Kumi Yamashita has mastered the use of light and shadow in her minimal artworks. Her innovative creations are the result of a skillful arrangement of elements placed in relation to a single light source that wonderfully cast the silhouette of different profiles and figures.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in Takasaki, Japan, installation artist Kumi Yamashita arrived to the USA as a high school exchange student. She received her Bachelor of Fine Arts degree at Cornish College of the Arts in Seattle. Years later, after studying two years in Florence, she graduated from the Master of Fine Arts at Glasgow School of Art in the United Kingdom.

With a vast experience among different cultures and a strong interest in the human figure, Yamashita’s style has evolved to become a versatile representation of human profiles, portraits and figures. Her work involves the use of numerous elements -like fabrics, wooden pieces, creased pieces of paper, pleated aluminum sheets and thread, among others- that are carefully illuminated with a single light source. The outcome is an outstanding reflection –frequently of human nature- that would be almost impossible to forecast by just looking at the assortment of materials on the surface.

“I'm attracted to both: light and shadow because, simply put, I think they are beautiful. In my work the object and the shadow that it casts are equally important. I love to see the presence of both solidness/weight of materials and the weightlessness/ungraspable aspect of light and shadow; to see permanence and ephemera sharing the same spaces, the same moments” – Kumi Yamashita shared with e-junkie.info

Among Yamashita’s most recognized projects are “Constellation”, a set of several wooden panels painted in white in which a portrait was created in each one of them by winding a single black sewing thread throughout the thousand nails inserted on the surface; “Light & Shadow”, a collection of works in which the artist created the silhouette of a person by positioning numerous objects and then illuminating them from a unique spot; and “Warp & Weft”, a set of portraits created thanks to threads that were removed from the original fabric.

Kumi Yamashita’s illusive shadow art installations are of outstanding detail, precision and complexity, and invite the viewer to reflect about his/her perception of the images that fact, are not there.

More information on Kumi Yamashita here.

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Born in Takasaki, Japan, installation artist Kumi Yamashita arrived to the USA as a high school exchange student. She received her Bachelor of Fine Arts degree at Cornish College of the Arts in Seattle. Years later, after studying two years in Florence, she graduated from the Master of Fine Arts at Glasgow School of Art in the United Kingdom.

With a vast experience among different cultures and a strong interest in the human figure, Yamashita’s style has evolved to become a versatile representation of human profiles, portraits and figures. Her work involves the use of numerous elements -like fabrics, wooden pieces, creased pieces of paper, pleated aluminum sheets and thread, among others- that are carefully illuminated with a single light source. The outcome is an outstanding reflection –frequently of human nature- that would be almost impossible to forecast by just looking at the assortment of materials on the surface.

“I'm attracted to both: light and shadow because, simply put, I think they are beautiful. In my work the object and the shadow that it casts are equally important. I love to see the presence of both solidness/weight of materials and the weightlessness/ungraspable aspect of light and shadow; to see permanence and ephemera sharing the same spaces, the same moments” – Kumi Yamashita shared with e-junkie.info

Among Yamashita’s most recognized projects are “Constellation”, a set of several wooden panels painted in white in which a portrait was created in each one of them by winding a single black sewing thread throughout the thousand nails inserted on the surface; “Light & Shadow”, a collection of works in which the artist created the silhouette of a person by positioning numerous objects and then illuminating them from a unique spot; and “Warp & Weft”, a set of portraits created thanks to threads that were removed from the original fabric.

Kumi Yamashita’s illusive shadow art installations are of outstanding detail, precision and complexity, and invite the viewer to reflect about his/her perception of the images that fact, are not there.

More information on Kumi Yamashita here.

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Con residencia en Manhattan y un estudio en Long Island City, la artista y escultora japonesa Kumi Yamashita ha logrado una extraordinaria manipulación de luz y sombra en sus obras de carácter minimalista. Sus innovadoras creaciones son el resultado de un cuidadoso arreglo de elementos que ella sitúa en relación a una única fuente de luz y que como resultado emiten la sombra de diversos perfiles y figuras.

Proveniente de la ciudad de Takasaki en Japón, la artista creadora de magníficas instalaciones Kumi Yamashita llegó por primera vez a los Estados Unidos como una estudiante de intercambio de preparatoria. Posteriormente se tituló de la carrera de Artes Plásticas en el Cornish College of the Arts en Seattle y más tarde, tras dos años de estudios en Florencia, se graduó de la maestría en Artes Plásticas en la Escuela de Arte en Glasgow, UK.

Con una vasta experiencia conociendo diversas culturas y su fuerte interés por la figura humana, el estilo artístico de Yamashita evolucionó hasta convertirse en una versátil representación de perfiles humanos, retratos y otras figuras. Su trabajo incluye un sin fin de elementos -como telas, piezas de madera, pedazos de papel arrugados, hojas de aluminio plegadas, entre otros- y su iluminación utilizando una fuente de luz. El resultado son increíbles siluetas –comúnmente de carácter humano- que de otra forma serían imposible de distinguir con anticipación con tan solo mirar la gran selección de materiales sobre la superficie.

“Me atraen ambas: la luz y la sombra simplemente porque son aspectos de gran belleza. En mi trabajo el objeto y su sombra son igualmente importantes. Me encanta ser testigo de la presencia de la solidez/peso de los materiales y de la ingravidez/inteligibilidad de la luz y la sombra; de poder ver la permanencia y lo efímero compartir un mismo espacio y un mismo momento” – Kumi Yamashita compartió con e-junkie.info

Entre los trabajos más reconocidos de la artista se encuentran “Constelación”, un set de diversos páneles de madera pintados de blanco en el que Yamashita creó el retrato de una persona enredando un único trozo de hilo negro alrededor de las miles de tachuelas clavadas en cada uno de ellos;  “Light & Shadow”, una colección de obras en la que la artista creó siluetas de personas y objetos al posicionar cuidadosamente diversos materiales en relación a una fuente de luz; y “Warp & Weft”, una serie de retratos en tela creados a partir del deshilado de diversos fragmentos.

Las ilusorias instalaciones de sombras de Kumi Yamashita son un magnífico trabajo caracterizado por gran detalle, precisión y complejidad e invitan al observador a reflexionar acerca de las imágenes que observan, las cuales en realidad, no existen.

Más información sobre Kumi Yamashita aquí.

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Con residencia en Manhattan y un estudio en Long Island City, la artista y escultora japonesa Kumi Yamashita ha logrado una extraordinaria manipulación de luz y sombra en sus obras de carácter minimalista. Sus innovadoras creaciones son el resultado de un cuidadoso arreglo de elementos que ella sitúa en relación a una única fuente de luz y que como resultado emiten la sombra de diversos perfiles y figuras.

Proveniente de la ciudad de Takasaki en Japón, la artista creadora de magníficas instalaciones Kumi Yamashita llegó por primera vez a los Estados Unidos como una estudiante de intercambio de preparatoria. Posteriormente se tituló de la carrera de Artes Plásticas en el Cornish College of the Arts en Seattle y más tarde, tras dos años de estudios en Florencia, se graduó de la maestría en Artes Plásticas en la Escuela de Arte en Glasgow, UK.

Con una vasta experiencia conociendo diversas culturas y su fuerte interés por la figura humana, el estilo artístico de Yamashita evolucionó hasta convertirse en una versátil representación de perfiles humanos, retratos y otras figuras. Su trabajo incluye un sin fin de elementos -como telas, piezas de madera, pedazos de papel arrugados, hojas de aluminio plegadas, entre otros- y su iluminación utilizando una fuente de luz. El resultado son increíbles siluetas –comúnmente de carácter humano- que de otra forma serían imposible de distinguir con anticipación con tan solo mirar la gran selección de materiales sobre la superficie.

“Me atraen ambas: la luz y la sombra simplemente porque son aspectos de gran belleza. En mi trabajo el objeto y su sombra son igualmente importantes. Me encanta ser testigo de la presencia de la solidez/peso de los materiales y de la ingravidez/inteligibilidad de la luz y la sombra; de poder ver la permanencia y lo efímero compartir un mismo espacio y un mismo momento” – Kumi Yamashita compartió con e-junkie.info

Entre los trabajos más reconocidos de la artista se encuentran “Constelación”, un set de diversos páneles de madera pintados de blanco en el que Yamashita creó el retrato de una persona enredando un único trozo de hilo negro alrededor de las miles de tachuelas clavadas en cada uno de ellos;  “Light & Shadow”, una colección de obras en la que la artista creó siluetas de personas y objetos al posicionar cuidadosamente diversos materiales en relación a una fuente de luz; y “Warp & Weft”, una serie de retratos en tela creados a partir del deshilado de diversos fragmentos.

Las ilusorias instalaciones de sombras de Kumi Yamashita son un magnífico trabajo caracterizado por gran detalle, precisión y complejidad e invitan al observador a reflexionar acerca de las imágenes que observan, las cuales en realidad, no existen.

Más información sobre Kumi Yamashita aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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December 3, 2014 - No Comments!

★ Iris Van Herpen (NE) | A Future Of Sculptural Fashion

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Always surrounded by multi-disciplinary artists and scientists, Dutch fashion designer Iris Van Herpen creates enigmatic garments made out of brand-new materials, innovative technologies and eclectic manufacture techniques. Her bizarre inspiration, futuristic style and unusual fabrication process have made her designs attractive to eccentric celebrities like Björk, Lady Gaga and Beyoncé.


[Ver artículo en español abajo]

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Native from the town of Wamel in The Netherlands, 30-year-old Iris Van Herpen has rapidly positioned herself as one of the most transcendental fashion designers in the international couture industry. With a background in Fashion Design at the Artez Institute of the Arts in Arnhem and internships at Alexander McQueen in London and Claudy Jongstra in Amsterdam, Van Herpen’s futuristic style has become her most fascinating trademark.

Since the conception of her label in 2007, Van Herpen’s collections have been characterized by their fictional style, which is only achieved through the hard work of a multi-disciplinary team. A professional group of artists, architects, photographers, dancers, musicians, and scientists, to mention just a few, work together to manufacture entirely new materials, forms and structures that can jointly become a medium of a woman’s self-expression.

“For me fashion is an expression of art that is very close related to me and to my body. I see it as my expression of identity combined with desire, moods and cultural setting. In all my work I try to make clear that fashion is an artistic expression, showing and wearing art, and not just a functional and devoid of content or commercial tool.” – Shared Iris Van Herpen on her website.

With no specific design laid out, Iris Van Herpen starts the creative process of each garment with only a vision in her mind that she explains to her co-workers. Such idea develops into unexpected features as the fabrication procedure progresses. The final piece is a masterful combination of a diligent craftsmanship and exclusive production techniques – particularly 3D printing, injection molding, and laser cutting- which give the clothing a sculpture-like appearance that remarkably adapts to the body’s movement.

Among her most remarkable collections are her Autumn/Winter 2014 exhibition "Biopiracy", in which her models were suspended in a fetus-like position within a vacuumed plastic installation wearing gleaming dresses; “Crystallization”, a digitally printed collection of garments based on the transformation of liquids into crystals; “Mummification”, a couture collection based on the Egyptian mummies and their wrapping practices; and her Spring/Summer 2015 exhibition titled "Magnetic Motion", which depicts magnetic clothing inspiried by the fusion of technology and nature.

With a strong passion for dancing and other creative disciplines, like painting and sculpting, Iris Van Herpen continues to create beautiful and elusive garments. She never lets that ordinary fabrics limit her creativity and point out how far she can go with her designs. For her, anything is possible within the realm of fashion.

More information on Iris Van Herpen here.

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Native from the town of Wamel in The Netherlands, 30-year-old Iris Van Herpen has rapidly positioned herself as one of the most transcendental fashion designers in the international couture industry. With a background in Fashion Design at the Artez Institute of the Arts in Arnhem and internships at Alexander McQueen in London and Claudy Jongstra in Amsterdam, Van Herpen’s futuristic style has become her most fascinating trademark.

Since the conception of her label in 2007, Van Herpen’s collections have been characterized by their fictional style, which is only achieved through the hard work of a multi-disciplinary team. A professional group of artists, architects, photographers, dancers, musicians, and scientists, to mention just a few, work together to manufacture entirely new materials, forms and structures that can jointly become a medium of a woman’s self-expression.

“For me fashion is an expression of art that is very close related to me and to my body. I see it as my expression of identity combined with desire, moods and cultural setting. In all my work I try to make clear that fashion is an artistic expression, showing and wearing art, and not just a functional and devoid of content or commercial tool.” – Shared Iris Van Herpen on her website.

With no specific design laid out, Iris Van Herpen starts the creative process of each garment with only a vision in her mind that she explains to her co-workers. Such idea develops into unexpected features as the fabrication procedure progresses. The final piece is a masterful combination of a diligent craftsmanship and exclusive production techniques – particularly 3D printing, injection molding, and laser cutting- which give the clothing a sculpture-like appearance that remarkably adapts to the body’s movement.

Among her most remarkable collections are her Autumn/Winter 2014 exhibition "Biopiracy", in which her models were suspended in a fetus-like position within a vacuumed plastic installation wearing gleaming dresses; “Crystallization”, a digitally printed collection of garments based on the transformation of liquids into crystals; “Mummification”, a couture collection based on the Egyptian mummies and their wrapping practices; and her Spring/Summer 2015 exhibition titled "Magnetic Motion", which depicts magnetic clothing inspiried by the fusion of technology and nature.

With a strong passion for dancing and other creative disciplines, like painting and sculpting, Iris Van Herpen continues to create beautiful and elusive garments. She never lets that ordinary fabrics limit her creativity and point out how far she can go with her designs. For her, anything is possible within the realm of fashion.

More information on Iris Van Herpen here.

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Rodeada continuamente por científicos y artistas provenientes de distintas disciplinas, la diseñadora de modas holandesa Iris Van Herpen se dedica a crear enigmáticas prendas de vestir a partir de innovadores materiales y tecnologías y eclécticas técnicas de producción. Sus vanguardistas diseños son el resultado de una extraña fuente inspiración, un estilo futurista y un inusual proceso creativo que han atraído a excéntricas celebridades como Björk, Lady Gaga y Beyoncé.

Proveniente de la ciudad de Wamel, Holanda y con tan solo 30 años de edad, Iris Van Herpen se ha posicionado rápidamente como una de las más trascendentales diseñadoras de moda en la industria internacional de alta costura. Estudió Diseño de Modas en el Artez Institute of the Arts en Arnhem y adquirió experiencia en las casas de moda Alexander McQueen en Londres y Claudy Jongstra en Ámsterdam. Su innovador estilo la ha diferenciado del resto desde la concepción de su marca en el año 2007.

Desde sus inicios, las colecciones de Van Herpen se han distinguido por su magnífico estilo de naturaleza ficticia el cual es logrado gracias a un arduo trabajo de equipo. Artistas, arquitectos, fotógrafos, bailarines, músicos y científicos profesionales –entre otros- trabajan en conjunto para crear materiales, formas y estructuras completamente nuevas que al unirse sean capaces de formar un medio de expresión para la mujer que los viste.

“Para mí, la moda es una expresión del arte que se relaciona directamente conmigo y con mi cuerpo. La veo como una expresión de identidad combinada con deseo, carácter y ambiente cultural. En todos mis diseños trato de dejar en claro que la moda –el mostrarla y el vestirla- es una forma de expresión artística y no una herramienta comercial sin significado.” – Iris Van Herpen comenta en su página de Internet.

El proceso creativo de la diseñadora holandesa es una experiencia totalmente diferente. Comienza la fabricación de cada prenda únicamente con una idea/imagen en su mente, la cual comparte con su equipo de trabajo y toma formas inesperadas conforme el proceso se desarrolla. La pieza final se convierte en una magnífica combinación de trabajo artesanal y técnicas de producción exclusivas -como impresión en 3D, moldeado por inyección y cortes con láser- las cuales dan al vestido una apariencia escultórica que de manera notable se adapta al movimiento del cuerpo.

Entre sus colecciones más sobresalientes se encuentran su exhibición de Otoño/Invierno 2014 "Biopiracy", en la cual sus modelos vistieron brillantes vestidos y fueron suspendidas en posición fetal en una instalación plástica a la que se le extrajo el aire; “Cristalización”, prendas impresas en 3D inspirada en la transformación de líquidos en cristales; “Mummification”, una colección basada en las momias egipcias y sus prácticas de envoltura; y su exhibición Primavera/Verano 2015 titulada "Magnetic Motion", la cual presenta vestidos fabricados con imanes y está inspirada en la fusión de la tecnoloía y la naturaleza.

Apasionada por el baile y otras disciplinas creativas, como la pintura y la escultura, Iris van Herpen continua creando sorprendentes prendas de alta costura. Jamás permite que lo ordinario de un material textil la limite y le indique hasta dónde puede llegar como diseñadora. Para ella, todo es posible dentro del mundo de la moda.

Más información sobre Iris Van Herpen aquí.

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Rodeada continuamente por científicos y artistas provenientes de distintas disciplinas, la diseñadora de modas holandesa Iris Van Herpen se dedica a crear enigmáticas prendas de vestir a partir de innovadores materiales y tecnologías y eclécticas técnicas de producción. Sus vanguardistas diseños son el resultado de una extraña fuente inspiración, un estilo futurista y un inusual proceso creativo que han atraído a excéntricas celebridades como Björk, Lady Gaga y Beyoncé.

Proveniente de la ciudad de Wamel, Holanda y con tan solo 30 años de edad, Iris Van Herpen se ha posicionado rápidamente como una de las más trascendentales diseñadoras de moda en la industria internacional de alta costura. Estudió Diseño de Modas en el Artez Institute of the Arts en Arnhem y adquirió experiencia en las casas de moda Alexander McQueen en Londres y Claudy Jongstra en Ámsterdam. Su innovador estilo la ha diferenciado del resto desde la concepción de su marca en el año 2007.

Desde sus inicios, las colecciones de Van Herpen se han distinguido por su magnífico estilo de naturaleza ficticia el cual es logrado gracias a un arduo trabajo de equipo. Artistas, arquitectos, fotógrafos, bailarines, músicos y científicos profesionales –entre otros- trabajan en conjunto para crear materiales, formas y estructuras completamente nuevas que al unirse sean capaces de formar un medio de expresión para la mujer que los viste.

“Para mí, la moda es una expresión del arte que se relaciona directamente conmigo y con mi cuerpo. La veo como una expresión de identidad combinada con deseo, carácter y ambiente cultural. En todos mis diseños trato de dejar en claro que la moda –el mostrarla y el vestirla- es una forma de expresión artística y no una herramienta comercial sin significado.” – Iris Van Herpen comenta en su página de Internet.

El proceso creativo de la diseñadora holandesa es una experiencia totalmente diferente. Comienza la fabricación de cada prenda únicamente con una idea/imagen en su mente, la cual comparte con su equipo de trabajo y toma formas inesperadas conforme el proceso se desarrolla. La pieza final se convierte en una magnífica combinación de trabajo artesanal y técnicas de producción exclusivas -como impresión en 3D, moldeado por inyección y cortes con láser- las cuales dan al vestido una apariencia escultórica que de manera notable se adapta al movimiento del cuerpo.

Entre sus colecciones más sobresalientes se encuentran su exhibición de Otoño/Invierno 2014 "Biopiracy", en la cual sus modelos vistieron brillantes vestidos y fueron suspendidas en posición fetal en una instalación plástica a la que se le extrajo el aire; “Cristalización”, prendas impresas en 3D inspirada en la transformación de líquidos en cristales; “Mummification”, una colección basada en las momias egipcias y sus prácticas de envoltura; y su exhibición Primavera/Verano 2015 titulada "Magnetic Motion", la cual presenta vestidos fabricados con imanes y está inspirada en la fusión de la tecnoloía y la naturaleza.

Apasionada por el baile y otras disciplinas creativas, como la pintura y la escultura, Iris van Herpen continua creando sorprendentes prendas de alta costura. Jamás permite que lo ordinario de un material textil la limite y le indique hasta dónde puede llegar como diseñadora. Para ella, todo es posible dentro del mundo de la moda.

Más información sobre Iris Van Herpen aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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November 5, 2014 - No Comments!

★ Lord Whitney (UK) | The New Face Of Northern Talent

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Based in a newly redesigned studio just outside the city center of Leeds, England, and having adopted a new flashy branding look, creative duo Amy Lord and Rebekah Whitney –Lord Whitney- keep up their excellent work producing high-quality projects with their characteristic inventiveness used since their partnership in 2009.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Known as an eccentric and cutting-edge creative duo specialized in set design, art direction and prop making, Lord Whitney chose to remodel its studio –a former leather mill- and turn it into a friendly, warm and spacious environment that all people can enjoy. Amy and Rebekah greet customers, visitors and friends in an idyllic workplace that now includes a new kitchen, a workshop, a meeting area and a Treehouse studio space.

Their purpose is to make of the renewed location a place that can help stimulate, motivate and support emerging artists – especially from Leeds- to meet and exhibit their work. Lord Whitney also wants the studio to become a graduate center where volunteer and internship programs are offered to people in general and where talks, events and workshops can be hosted.

“We do often work in London, but to us that isn't a problem, we have a lovely big studio where we can make everything and we can be in London in 2 hours if we need to be! We are passionate about retaining talent in the North, and not a lot would happen here if everybody decided to leave”. – Lord Whitney told Awesome Merch

In this time of change, Lord Whitney’s brand also suffered a makeover. Passport is the design studio behind their new branding look and Prints of Thieves is the print service responsible for their original bussiness cards.

However, not only has the studio’s image continued evolving. Their flamboyant ideas also keep turning into remarkable different ventures. Among their latest ones is their fashion film for Cartier's new jewellery collection “Juste un Clou”, in which Lord Whitney designed the concept, created the sets and was in charge of the art directing process. The studio also organized the project “Playing Faces” at the V&A Museum in London, where people could visit and create their own portraits on the spot using Lord Whitney’s photo booth.

The Wood Beneath the World” is their next collaboration with Leeds Town Hall coming in winter 2014. Stay tuned!

More information on Lord Whitney here.

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Known as an eccentric and cutting-edge creative duo specialized in set design, art direction and prop making, Lord Whitney chose to remodel its studio –a former leather mill- and turn it into a friendly, warm and spacious environment that all people can enjoy. Amy and Rebekah greet customers, visitors and friends in an idyllic workplace that now includes a new kitchen, a workshop, a meeting area and a Treehouse studio space.

Their purpose is to make of the renewed location a place that can help stimulate, motivate and support emerging artists – especially from Leeds- to meet and exhibit their work. Lord Whitney also wants the studio to become a graduate center where volunteer and internship programs are offered to people in general and where talks, events and workshops can be hosted.

“We do often work in London, but to us that isn't a problem, we have a lovely big studio where we can make everything and we can be in London in 2 hours if we need to be! We are passionate about retaining talent in the North, and not a lot would happen here if everybody decided to leave”. – Lord Whitney told Awesome Merch

In this time of change, Lord Whitney’s brand also suffered a makeover. Passport is the design studio behind their new branding look and Prints of Thieves is the print service responsible for their original bussiness cards.

However, not only has the studio’s image continued evolving. Their flamboyant ideas also keep turning into remarkable different ventures. Among their latest ones is their fashion film for Cartier's new jewellery collection “Juste un Clou”, in which Lord Whitney designed the concept, created the sets and was in charge of the art directing process. The studio also organized the project “Playing Faces” at the V&A Museum in London, where people could visit and create their own portraits on the spot using Lord Whitney’s photo booth.

The Wood Beneath the World” is their next collaboration with Leeds Town Hall coming in winter 2014. Stay tuned!

More information on Lord Whitney here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Estrenando un nuevo look de marca y un estudio recientemente remodelado a las afueras del centro de la ciudad de Leeds en Inglaterra, Amy Lord y Rebekah Whitney –Lord Whitney- continúan su arduo trabajo produciendo proyectos de la más alta calidad con el toque de originalidad que las caracteriza desde su colaboración en 2009.

Conocido como un excéntrico dúo de vanguardia el cual se especializa en el diseño y elaboración de sets y dirección de arte, Lord Whitney decidió remodelar su estudio –antiguamente un molino de piel/cuero- y convertirlo en un espacio amplio, amigable y cálido que esté al alcance del público. Amy y Rebekah dan la bienvenida a clientes, visitantes y amigos en un magnífico ambiente de trabajo que ahora cuenta con una cocina nueva, un taller, un área de recibimiento y una casa de árbol que funge como estudio.

Su objetivo es hacer del nuevo ambiente un lugar capaz de estimular, motivar y apoyar a artistas emergentes –principalmente aquellos provenientes de Leeds- a que se reúnan y exhiban su trabajo sin limitaciones. A su vez, Lord Whitney desea que el estudio se convierta en un centro donde se ofrezcan programas de internship y voluntariado al público en general, y donde la gente pueda organizar pláticas, talleres y diversos eventos.

“Frecuentemente trabajamos en Londres, pero eso no es un problema, contamos con un agradable estudio donde podemos crear lo que queramos y ¡podemos estar en Londres en dos horas si es necesario! Nos apasiona el poder retener el talento que existe en el norte, ya que aquí no sucedería nada si todo el mundo decidiera irse”. - Lord Whitney compartió con Awesome Merch

Aprovechando la etapa de grandes cambios, Lord Whitney decidió también modificar su imagen. Passport es el estudio creativo que se encargó de crear su nueva identidad y el servicio de impresión Prints of Thieves fue el encargado de producir sus originales tarjetas personales.

Sin embargo, la imagen de dicho estudio creativo no es lo único que ha evolucionado. Las ideas de ambas artistas continúan convirtiéndose en los más extravagantes y extraños proyectos. Entre los más recientes se encuentran: el video para la colección “Juste un Clou” de la marca Cartier, donde Lord Whitney diseñó el concepto, creó los sets y estuvo a cargo de la dirección de arte; y su proyecto titulado “Playing Faces” el cual se llevó a cabo en el museo de Victoria y Alberto en Londres y donde la gente pudo acudir a la cabina fotográfica de Lord Whitney y crear su propio retrato.

The Wood Beneath the World” es su siguiente colaboración con el municipio de Leeds, un proyecto próximo a presentarse en el invierno del 2014. ¡No te lo pierdas!

Más información sobre Lord Whitney aquí.

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Estrenando un nuevo look de marca y un estudio recientemente remodelado a las afueras del centro de la ciudad de Leeds en Inglaterra, Amy Lord y Rebekah Whitney –Lord Whitney- continúan su arduo trabajo produciendo proyectos de la más alta calidad con el toque de originalidad que las caracteriza desde su colaboración en 2009.

Conocido como un excéntrico dúo de vanguardia el cual se especializa en el diseño y elaboración de sets y dirección de arte, Lord Whitney decidió remodelar su estudio –antiguamente un molino de piel/cuero- y convertirlo en un espacio amplio, amigable y cálido que esté al alcance del público. Amy y Rebekah dan la bienvenida a clientes, visitantes y amigos en un magnífico ambiente de trabajo que ahora cuenta con una cocina nueva, un taller, un área de recibimiento y una casa de árbol que funge como estudio.

Su objetivo es hacer del nuevo ambiente un lugar capaz de estimular, motivar y apoyar a artistas emergentes –principalmente aquellos provenientes de Leeds- a que se reúnan y exhiban su trabajo sin limitaciones. A su vez, Lord Whitney desea que el estudio se convierta en un centro donde se ofrezcan programas de internship y voluntariado al público en general, y donde la gente pueda organizar pláticas, talleres y diversos eventos.

“Frecuentemente trabajamos en Londres, pero eso no es un problema, contamos con un agradable estudio donde podemos crear lo que queramos y ¡podemos estar en Londres en dos horas si es necesario! Nos apasiona el poder retener el talento que existe en el norte, ya que aquí no sucedería nada si todo el mundo decidiera irse”. - Lord Whitney compartió con Awesome Merch

Aprovechando la etapa de grandes cambios, Lord Whitney decidió también modificar su imagen. Passport es el estudio creativo que se encargó de crear su nueva identidad y el servicio de impresión Prints of Thieves fue el encargado de producir sus originales tarjetas personales.

Sin embargo, la imagen de dicho estudio creativo no es lo único que ha evolucionado. Las ideas de ambas artistas continúan convirtiéndose en los más extravagantes y extraños proyectos. Entre los más recientes se encuentran: el video para la colección “Juste un Clou” de la marca Cartier, donde Lord Whitney diseñó el concepto, creó los sets y estuvo a cargo de la dirección de arte; y su proyecto titulado “Playing Faces” el cual se llevó a cabo en el museo de Victoria y Alberto en Londres y donde la gente pudo acudir a la cabina fotográfica de Lord Whitney y crear su propio retrato.

The Wood Beneath the World” es su siguiente colaboración con el municipio de Leeds, un proyecto próximo a presentarse en el invierno del 2014. ¡No te lo pierdas!

Más información sobre Lord Whitney aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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October 29, 2014 - No Comments!

★ V ARE (AU) | Presenting The Unknown

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

V ARE ["we are"], a creative duo based in Vienna, Austria formed by Adia Trischler and Andreas Waldschuetz, specializes in the combination of music, light, visual elements and space in order to generate their own whimsical interpretations of life. BREATHE”, their last collaborative undertaking, is another one of their captivating projects that has left multiple visitors immersed in a deep mayhem of complex sensations and abstract thoughts.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Adia Trischler is a film director and creative consultant from New York with an extensive background in fashion, style and theater. Andreas Waldschuetz is a fashion photographer and video artist originally from Vienna, Austria. During the last years, these two talented artists have pursued the ambition of discovering unexplored surroundings and new creative minds with the sole purpose of producing a brand-new hub for upcoming artists.

Supported by different types of documentation like film, press and vinyl, Trischler and Waldschuetz expose unseen forms of art with the aim of generating an eclectic network of talent and revolutionary ideas.

Their more recent collective project “BREATHE” was an art film successfully presented at an abandoned building in Altes Zollamt, Austria. From October 17 to October 26, the spectator became part of the fictional story by being guided through different settings around the mysterious and somber exhibition. An extraordinary use of light, shadows and theatrical production made of the project a unique experience in which feelings and memories were strongly stimulated.

The event also included the performance of dancer Mickey Mahar and musician Manu Mayr, as well as the presentation of fashion designer Andrea Cammarosano and Vienna-based jewelry label Henwoodcraft.

More information on V ARE here.

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Adia Trischler is a film director and creative consultant from New York with an extensive background in fashion, style and theater. Andreas Waldschuetz is a fashion photographer and video artist originally from Vienna, Austria. During the last years, these two talented artists have pursued the ambition of discovering unexplored surroundings and new creative minds with the sole purpose of producing a brand-new hub for upcoming artists.

Supported by different types of documentation like film, press and vinyl, Trischler and Waldschuetz expose unseen forms of art with the aim of generating an eclectic network of talent and revolutionary ideas.

Their more recent collective project “BREATHE” was an art film successfully presented at an abandoned building in Altes Zollamt, Austria. From October 17 to October 26, the spectator became part of the fictional story by being guided through different settings around the mysterious and somber exhibition. An extraordinary use of light, shadows and theatrical production made of the project a unique experience in which feelings and memories were strongly stimulated.

The event also included the performance of dancer Mickey Mahar and musician Manu Mayr, as well as the presentation of fashion designer Andrea Cammarosano and Vienna-based jewelry label Henwoodcraft.

More information on V ARE here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicado en la ciudad de Viena, Austria, V ARE ["we are" / “nosotros somos”] es un dúo creativo conformado por los artistas Adia Trischler y Andreas Waldschuetz quienes se especializan en la combinación de música, luz, elementos visuales y espacios para la generación de sus propias interpretaciones de la realidad. “BREATHE” [“respirar”] constituye su último proyecto artístico, el cual dejó inmersos a los múltiples espectadores en un profundo estado abstracto de desconcierto.

Proveniente de Nueva York, Adia Trischler es una directora de cine y consultora creativa con amplia experiencia en los rubros de la moda, el estilo y el teatro. Por su parte, Andreas Waldschuetz es un fotógrafo de moda y un hábil creador de videos originario de Viena, Austria. Durante los últimos años, ambos personajes han puesto en práctica el descubrimiento y exhibición de nuevas y extrañas locaciones así como nuevas mentes creativas, con el fin de generar una plataforma única para los artistas emergentes.

Utilizando diversos elementos para documentar su trabajo, como videos, la prensa y discos de vinilo, Trischler y Waldschuetz se dedican a exponer desconocidas formas de arte con el propósito de crear una red de contactos e ideas totalmente ecléctica.

Su más reciente trabajo colectivo “BREATHE” consistió en la creación y exitosa exhibición de su trabajo cinematográfico en un edificio abandonado en Altes Zollamt, Austria. Desde el 17 de Octubre hasta el 26 del mismo mes, el espectador se volvió parte de la historia creativa al ser dirigido por diversas habitaciones dentro de un ambiente sombrío y lleno de misterio. El extraordinario uso de luz y sombras, así como una excelente producción teatral, hizo del proyecto una experiencia única que estimuló todo tipo de sentimientos y recuerdos en la mente del visitante.

El evento también incluyó el desempeño del bailarín Mickey Mahar y el músico Manu Mayr, así como la presentación de la diseñadora de modas Andrea Cammarosano y la marca de joyas localizada en Viana, Henwoodcraft.

Más información sobre V ARE aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Ubicado en la ciudad de Viena, Austria, V ARE ["we are" / “nosotros somos”] es un dúo creativo conformado por los artistas Adia Trischler y Andreas Waldschuetz quienes se especializan en la combinación de música, luz, elementos visuales y espacios para la generación de sus propias interpretaciones de la realidad. “BREATHE” [“respirar”] constituye su último proyecto artístico, el cual dejó inmersos a los múltiples espectadores en un profundo estado abstracto de desconcierto.

Proveniente de Nueva York, Adia Trischler es una directora de cine y consultora creativa con amplia experiencia en los rubros de la moda, el estilo y el teatro. Por su parte, Andreas Waldschuetz es un fotógrafo de moda y un hábil creador de videos originario de Viena, Austria. Durante los últimos años, ambos personajes han puesto en práctica el descubrimiento y exhibición de nuevas y extrañas locaciones así como nuevas mentes creativas, con el fin de generar una plataforma única para los artistas emergentes.

Utilizando diversos elementos para documentar su trabajo, como videos, la prensa y discos de vinilo, Trischler y Waldschuetz se dedican a exponer desconocidas formas de arte con el propósito de crear una red de contactos e ideas totalmente ecléctica.

Su más reciente trabajo colectivo “BREATHE” consistió en la creación y exitosa exhibición de su trabajo cinematográfico en un edificio abandonado en Altes Zollamt, Austria. Desde el 17 de Octubre hasta el 26 del mismo mes, el espectador se volvió parte de la historia creativa al ser dirigido por diversas habitaciones dentro de un ambiente sombrío y lleno de misterio. El extraordinario uso de luz y sombras, así como una excelente producción teatral, hizo del proyecto una experiencia única que estimuló todo tipo de sentimientos y recuerdos en la mente del visitante.

El evento también incluyó el desempeño del bailarín Mickey Mahar y el músico Manu Mayr, así como la presentación de la diseñadora de modas Andrea Cammarosano y la marca de joyas localizada en Viana, Henwoodcraft.

Más información sobre V ARE aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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