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May 27, 2015 - No Comments!

★ Hari & Deepti (US) | Magical Handcut Paper Boxes

Denver-based graphic designers and illustrators Deepti Nair and Harikrishnan Panicker share their passion for imaginary beings, unreal worlds and paper cutting. Their enigmatic work as the creative duo Hari & Deepti is identified by splendid dioramas formed with delicate and complex hand-cut characters and dreamy scenarios that only come to life when lit with LED lights. Their laborious craftwork is the perfect example of what great minds can do using a medium as simple – yet versatile- as paper.

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April 29, 2015 - No Comments!

★ Christoph Niemann (GE) | The Art of Ecstatic Simplicity

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

With a portfolio filled with witty and amusing drawings, German-born editorial artist Christoph Niemann has resorted to humoristic illustrations to engage his readers. His iconic work has appeared in prestigious publications like The New Yorker, Newsweek and American Illustration, and has taken him to collaborate with renowned corporations like Google, Herman Miller and The Museum of Modern Art. Based in Berlin, Niemann has accomplished a unique style in which his hand-drown illustrations may seem easily produced, but which in fact require a massive amount of effort.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Artist, author, and illustrator Christoph Niemann specializes in creating original and humorous illustrations, especially for advertising and editorial clients. He studied graphic design in Stuttgart, Germany and then moved to New York City where he rapidly made a name for himself as an innovative illustrator. After eleven years in the USA, he moved to Berlin, Germany, and now his career fluctuates mainly between the style and sense of humor of those two countries. Today, Niemann is a master of the expression of complex ideas through a brisk and witty style and one of the most prominent graphic artists of the moment.

Passionate of kinesthetic learning –thanks to which he is able to assign colors to letters to develop his memory- and of morning working-hours, Niemann has learned throughout his more than 10 years of experience that having short deadlines is the only way to really come up with sharp and successful creative results. “If the anxiety is about the deadline, then the energy really focuses on the result”. – Christoph shared with 99U

His striking and fast-executed illustrations cover all kinds of topics – politics, culture, economics, business, social developments, etc. - and are recognizable for their unique combination of reality and fantasy. An example of his extraordinary talent for incorporating the context of the story into his designs can be seen in his 2011 illustration for The New Yorker about the Fukushima disaster. In this cover, the artist cleverly used the branches of a traditional Japanese cherry tree and replaced the flowers with symbols of nuclear radiation.

To use jokes and laughter as a form of communication is the core attribute of Christoph’s work. Thanks to his limitless creativity, Niemann is also able to get inspired even by his most random and unthinkable experiences. For instance, his handmade illustrations depicting his trips from New York to Berlin, his napkin-drawings expressing his love-hate relationship with coffee – a project created using 40% of coffee infusion as part of the ink-, and his Lego creations while enclosed at home due to the cold weather.

“There is unfortunately no secret to the way I work. I sit in front of a stack of letter size paper, and think until my head hurts. I do not produce sketches of even the slightest artistic value”. - Christoph Niemann told Duarte

Since July 2008, “Abstract City” -renamed “Abstract Sunday” in 2011- became Christoph Niemann’s blog for The New York Times where readers can find part of his most recent work. Among other projects, Christoph is the author of two children’s books and the creator of “Petting Zoo”, an app that combines his amusing illustrations with technology allowing the user to see how 21 animals react to the screen touch.

More information on Christoph Niemann here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Artist, author, and illustrator Christoph Niemann specializes in creating original and humorous illustrations, especially for advertising and editorial clients. He studied graphic design in Stuttgart, Germany and then moved to New York City where he rapidly made a name for himself as an innovative illustrator. After eleven years in the USA, he moved to Berlin, Germany, and now his career fluctuates mainly between the style and sense of humor of those two countries. Today, Niemann is a master of the expression of complex ideas through a brisk and witty style and one of the most prominent graphic artists of the moment.

Passionate of kinesthetic learning –thanks to which he is able to assign colors to letters to develop his memory- and of morning working-hours, Niemann has learned throughout his more than 10 years of experience that having short deadlines is the only way to really come up with sharp and successful creative results. “If the anxiety is about the deadline, then the energy really focuses on the result”. – Christoph shared with 99U

His striking and fast-executed illustrations cover all kinds of topics – politics, culture, economics, business, social developments, etc. - and are recognizable for their unique combination of reality and fantasy. An example of his extraordinary talent for incorporating the context of the story into his designs can be seen in his 2011 illustration for The New Yorker about the Fukushima disaster. In this cover, the artist cleverly used the branches of a traditional Japanese cherry tree and replaced the flowers with symbols of nuclear radiation.

To use jokes and laughter as a form of communication is the core attribute of Christoph’s work. Thanks to his limitless creativity, Niemann is also able to get inspired even by his most random and unthinkable experiences. For instance, his handmade illustrations depicting his trips from New York to Berlin, his napkin-drawings expressing his love-hate relationship with coffee – a project created using 40% of coffee infusion as part of the ink-, and his Lego creations while enclosed at home due to the cold weather.

“There is unfortunately no secret to the way I work. I sit in front of a stack of letter size paper, and think until my head hurts. I do not produce sketches of even the slightest artistic value”. - Christoph Niemann told Duarte

Since July 2008, “Abstract City” -renamed “Abstract Sunday” in 2011- became Christoph Niemann’s blog for The New York Times where readers can find part of his most recent work. Among other projects, Christoph is the author of two children’s books and the creator of “Petting Zoo”, an app that combines his amusing illustrations with technology allowing the user to see how 21 animals react to the screen touch.

More information on Christoph Niemann here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Con un portafolio repleto de ingeniosas y divertidas ilustraciones, el artista, autor e ilustrador alemán Christoph Niemann ha recurrido al humor para capturar a sus lectores. Su excepcional trabajo ha aparecido en prestigiosas publicaciones tales como The New Yorker, Newsweek y American Illustration y su talento lo ha llevado a colaborar con importantes compañías, como Google, Herman Miller y The Museum of Modern Art. Actualmente con residencia en Berlín, Niemann ha sabido dar a su estilo un toque rápido y sencillo, sin embargo, su proceso requiere mucho más esfuerzo del pensando.

Christoph estudió diseño gráfico en Stuttgart, Alemania y posteriormente se mudó a Nueva York donde rápidamente se posicionó como un talentoso e innovador artista e ilustrador. Después de once años trabajando en Estados Unidos, decidió volver a Alemania y establecerse en Berlín, desarrollando así una prestigiosa carrera que fluctúa entre el estilo y sentido del humor de ambos países. Hoy en día, Niemann es experto en la expresión rápida, clara, y enérgica de ideas complejas y se le conoce como uno de los artistas gráficos más importantes del momento.

Apasionado del aprendizaje kinestésico – gracias al cual es capaz de asignar colores a las letras con el objetivo de mejorar su memoria- y de las horas de trabajo matutinas, Niemann ha aprendido durante sus más de 10 años de experiencia, que el tener fechas límite de entrega cortas es la única manera de crear resultados que verdaderamente valgan la pena. “Si lo que causa ansiedad es la fecha límite, entonces la energía se centra en el resultado”. – Christoph compartió con 99U

Sus notables ilustraciones creadas con sorprendente agilidad abarcan todo tipo de temas – política, cultura, negocios, economía, eventos sociales, etc. – y se destacan por la combinación única de realidad y fantasía. Un ejemplo de su gran talento para incorporar el contexto de la historia en sus diseños es su ilustración de 2011 para la publicación The New Yorker, la cual habla sobre el desastre de la planta de Fukushima. En esta portada, Niemann tomó las ramas de un tradicional árbol de flor de cerezo japonés y sustituyó las flores por un símbolo de radiación nuclear.

Utilizar chistes y risas como una forma de comunicación exitosa es el atributo principal del trabajo de Christoph. Gracias a su ilimitada creatividad, Niemann es capaz de obtener fantásticas ideas de las más inesperadas experiencias personales. Por ejemplo, sus ilustraciones a mano que expresan su travesía durante un viaje en avión de Nueva York a Berlín, su relación de amor-odio con el café – un proyecto realizado en servilletas utilizando como tinta un líquido compuesto de 40% de café – y sus creaciones en Lego, las cuales realizó estando encerrado en casa durante días de un clima tempestuoso.

“Desafortunadamente, no hay un secreto que demuestre la manera en que trabajo. Me siento en frente de una pila de hojas tamaño carta, y pienso hasta que me duele la cabeza. No realizo bocetos que contengan el menor valor artístico”. – Christoph Niemann dijo a Duarte

Desde julio del 2008, “Abstract City” – renombrado en el 2011 “Abstract Sunday”- se convirtió en el blog de Niemann para The New York Times. Los lectores pueden encontrar en él parte de su más reciente trabajo. Entre otros proyectos, Christoph es el autor de dos libros infantiles y el creador de “Petting Zoo”, una aplicación que combina sus creativas ilustraciones y la tecnología, permitiendo al usuario interactuar con 21 animales y observar su reacción ante el contacto de la pantalla.

Más información sobre Christoph Niemann aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Con un portafolio repleto de ingeniosas y divertidas ilustraciones, el artista, autor e ilustrador alemán Christoph Niemann ha recurrido al humor para capturar a sus lectores. Su excepcional trabajo ha aparecido en prestigiosas publicaciones tales como The New Yorker, Newsweek y American Illustration y su talento lo ha llevado a colaborar con importantes compañías, como Google, Herman Miller y The Museum of Modern Art. Actualmente con residencia en Berlín, Niemann ha sabido dar a su estilo un toque rápido y sencillo, sin embargo, su proceso requiere mucho más esfuerzo del pensando.

Christoph estudió diseño gráfico en Stuttgart, Alemania y posteriormente se mudó a Nueva York donde rápidamente se posicionó como un talentoso e innovador artista e ilustrador. Después de once años trabajando en Estados Unidos, decidió volver a Alemania y establecerse en Berlín, desarrollando así una prestigiosa carrera que fluctúa entre el estilo y sentido del humor de ambos países. Hoy en día, Niemann es experto en la expresión rápida, clara, y enérgica de ideas complejas y se le conoce como uno de los artistas gráficos más importantes del momento.

Apasionado del aprendizaje kinestésico – gracias al cual es capaz de asignar colores a las letras con el objetivo de mejorar su memoria- y de las horas de trabajo matutinas, Niemann ha aprendido durante sus más de 10 años de experiencia, que el tener fechas límite de entrega cortas es la única manera de crear resultados que verdaderamente valgan la pena. “Si lo que causa ansiedad es la fecha límite, entonces la energía se centra en el resultado”. – Christoph compartió con 99U

Sus notables ilustraciones creadas con sorprendente agilidad abarcan todo tipo de temas – política, cultura, negocios, economía, eventos sociales, etc. – y se destacan por la combinación única de realidad y fantasía. Un ejemplo de su gran talento para incorporar el contexto de la historia en sus diseños es su ilustración de 2011 para la publicación The New Yorker, la cual habla sobre el desastre de la planta de Fukushima. En esta portada, Niemann tomó las ramas de un tradicional árbol de flor de cerezo japonés y sustituyó las flores por un símbolo de radiación nuclear.

Utilizar chistes y risas como una forma de comunicación exitosa es el atributo principal del trabajo de Christoph. Gracias a su ilimitada creatividad, Niemann es capaz de obtener fantásticas ideas de las más inesperadas experiencias personales. Por ejemplo, sus ilustraciones a mano que expresan su travesía durante un viaje en avión de Nueva York a Berlín, su relación de amor-odio con el café – un proyecto realizado en servilletas utilizando como tinta un líquido compuesto de 40% de café – y sus creaciones en Lego, las cuales realizó estando encerrado en casa durante días de un clima tempestuoso.

“Desafortunadamente, no hay un secreto que demuestre la manera en que trabajo. Me siento en frente de una pila de hojas tamaño carta, y pienso hasta que me duele la cabeza. No realizo bocetos que contengan el menor valor artístico”. – Christoph Niemann dijo a Duarte

Desde julio del 2008, “Abstract City” – renombrado en el 2011 “Abstract Sunday”- se convirtió en el blog de Niemann para The New York Times. Los lectores pueden encontrar en él parte de su más reciente trabajo. Entre otros proyectos, Christoph es el autor de dos libros infantiles y el creador de “Petting Zoo”, una aplicación que combina sus creativas ilustraciones y la tecnología, permitiendo al usuario interactuar con 21 animales y observar su reacción ante el contacto de la pantalla.

Más información sobre Christoph Niemann aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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April 15, 2015 - No Comments!

★ Miguel Jiron (USA) | Creator Of Living Illustrations

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Los Angeles-based director and animator Miguel Jiron produces eccentric animations characterized by an intriguing, complex and fantastic humor. As a storyboard artist at Illumination Entertainment, Jiron brings his peculiar characters to life taking elements from his Nicaraguan heritage and passion for telling stories.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text][vimeo 72922839 w=100 h=281]

LA-GAR-TO from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 52193530 w=100 h=281]

Sensory Overload (Interacting with Autism Project) from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 26404699 w=100 h=281]

Paint Showers from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 113247929 w=100 h=281]

Los Angeles Yule Log from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 123277319 w=100 h=501]

Virtual Reality Pornstar from Miguel Jiron on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in Baton Rouge, Louisiana to Nicaraguan parents, and currently based in Los Angeles, California, Miguel Jiron is a director and animator known for the eccentric and captivating style with which he creates his animated stories and gif images. He works as a storyboard artist at Illumination Entertainment and has a background as a painting assistant for Takashi Murakami in New York City and Tokyo. His illustrations have appeared in publications like National Geographic AdventureWorld Policy JournalResource Magazine, and Inside Counsel Magazine, among others.

Jiron's style is bold and filled with vibrant colors and fascinating sounds. His work is a disclosure of his deepest ideas transformed into extraordinary worlds characterized by great movement and energy. “La-Gar-To”, a story about a boy who travels to Nicaragua with his family and encounters a strident and frightening world occupied with iguanas, is an example of his dazzling talent to describe insightful scenes using imprecise hand-drawn lines, diverse hues of colors, appealing sounds, and multiple perspectives.

Other of Miguel Jiron’s most interesting projects are “Sensory Overload”, an animation produced for video-based website Interacting With Autism, in which he splendidly offers a glimpse of the harsh reality that children diagnosed with autism experience due to their heightened sensorial circumstances; and “Paint Showers”, an animated short depicting thunderstorms made out of drops of paint and complemented with genuine storm sounds.

More information on Miguel Jiron here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Born in Baton Rouge, Louisiana to Nicaraguan parents, and currently based in Los Angeles, California, Miguel Jiron is a director and animator known for the eccentric and captivating style with which he creates his animated stories and gif images. He works as a storyboard artist at Illumination Entertainment and has a background as a painting assistant for Takashi Murakami in New York City and Tokyo. His illustrations have appeared in publications like National Geographic AdventureWorld Policy JournalResource Magazine, and Inside Counsel Magazine, among others.

Jiron's style is bold and filled with vibrant colors and fascinating sounds. His work is a disclosure of his deepest ideas transformed into extraordinary worlds characterized by great movement and energy. “La-Gar-To”, a story about a boy who travels to Nicaragua with his family and encounters a strident and frightening world occupied with iguanas, is an example of his dazzling talent to describe insightful scenes using imprecise hand-drawn lines, diverse hues of colors, appealing sounds, and multiple perspectives.

Other of Miguel Jiron’s most interesting projects are “Sensory Overload”, an animation produced for video-based website Interacting With Autism, in which he splendidly offers a glimpse of the harsh reality that children diagnosed with autism experience due to their heightened sensorial circumstances; and “Paint Showers”, an animated short depicting thunderstorms made out of drops of paint and complemented with genuine storm sounds.

More information on Miguel Jiron here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Nacido en Baton Rouge, Luisiana y con residencia actual en Los Ángeles, California, Miguel Jiron es un director y animador de ascendencia Nicaragüense que se distingue por la producción de animaciones e imágenes gif cargadas de intriga, complejidad y fantasía. Con experiencia como asistente en el taller del artista Takashi Murakami en Tokio y Nueva York, y hoy en día creador de storyboards en Illumination Entertainment, Jiron combina en su extraordinario trabajo, su herencia sudamericana, su pasión por relatar historias y su magnífico talento pora llenar de vida sus peculiares personajes.

El estilo excéntrico y cautivador de las ilustraciones animadas de Miguel Jiron le ha valido gran reconocimiento en diversas publicaciones, tales como National Geographic Adventure, World Policy Journal, Resource Magazine, e Inside Counsel Magazine, entre otras. Su atrevido uso de llamativos colores y fascinantes sonidos le ha permitido transformar sus imágenes en extraordinarios mundos llenos de movimiento y energía.

La-Gar-To”, una historia sobre un niño que viaja con su familia a Nicaragua descubriendo así un estrepitoso y aterrador mundo infestado de iguanas, es uno de sus ejemplos más palpables que muestra su gran talento para describir a detalle profundas escenas utilizando líneas imprecisas dibujadas a mano, un sin fin de tonalidades, atractivos sonidos, y múltiples perspectivas.

Entre otros de los proyectos más interesantes de Miguel se encuentran “Sensory Overload” (Sobrecarga Sensorial), una animación producida para la organización Interacting With Autism, en la que Jiron ofrece un vistazo de la dura realidad que viven los niños diagnosticados con autismo que deben lidiar con la intensificación de sus sentidos; y “Pain Showers” (Baños de Pintura), una animación que muestra tormentas fabricadas con gotas de pintura y la cual complementó con auténticos sonidos de lluvias y rayos.

Más información sobre Miguel Jiron aquí.

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Nacido en Baton Rouge, Luisiana y con residencia actual en Los Ángeles, California, Miguel Jiron es un director y animador de ascendencia Nicaragüense que se distingue por la producción de animaciones e imágenes gif cargadas de intriga, complejidad y fantasía. Con experiencia como asistente en el taller del artista Takashi Murakami en Tokio y Nueva York, y hoy en día creador de storyboards en Illumination Entertainment, Jiron combina en su extraordinario trabajo, su herencia sudamericana, su pasión por relatar historias y su magnífico talento pora llenar de vida sus peculiares personajes.

El estilo excéntrico y cautivador de las ilustraciones animadas de Miguel Jiron le ha valido gran reconocimiento en diversas publicaciones, tales como National Geographic Adventure, World Policy Journal, Resource Magazine, e Inside Counsel Magazine, entre otras. Su atrevido uso de llamativos colores y fascinantes sonidos le ha permitido transformar sus imágenes en extraordinarios mundos llenos de movimiento y energía.

La-Gar-To”, una historia sobre un niño que viaja con su familia a Nicaragua descubriendo así un estrepitoso y aterrador mundo infestado de iguanas, es uno de sus ejemplos más palpables que muestra su gran talento para describir a detalle profundas escenas utilizando líneas imprecisas dibujadas a mano, un sin fin de tonalidades, atractivos sonidos, y múltiples perspectivas.

Entre otros de los proyectos más interesantes de Miguel se encuentran “Sensory Overload” (Sobrecarga Sensorial), una animación producida para la organización Interacting With Autism, en la que Jiron ofrece un vistazo de la dura realidad que viven los niños diagnosticados con autismo que deben lidiar con la intensificación de sus sentidos; y “Pain Showers” (Baños de Pintura), una animación que muestra tormentas fabricadas con gotas de pintura y la cual complementó con auténticos sonidos de lluvias y rayos.

Más información sobre Miguel Jiron aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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February 18, 2015 - No Comments!

★ Karan Singh (IN) | Vector Wisdom

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Native from Sydney, Australia, and having spent his younger years in Oman, Karan Singh is a freelance illustrator and a skilled vector artist. His vibrant and minimalist artworks have attracted both, local and international brands such as IBM, Heineken, and Adobe, allowing him to enrich his keen passion for patterns and repetitions. Always at the vanguard of design, Singh continues to produce graphic interpretations full of color and light.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Currently living in New York City, Karan Singh is a fervent artist whose first encounter with Macromedia Flash made definite his inclination towards illustration and art. It was during his bachelor in Design Computing at The University of Sydney, that he took into action his aesthetic predisposition and decided to self-learn Illustrator and Photoshop. Finally, by the end of his career, he was convinced that his future was in the illustration world.

Nowadays, with a rising reputation among local boutiques and international brands, Singh is an Adobe Illustrator proficient who has produced useful program tutorials for diverse magazines as well as numerous graphic designs characterized by his minimalist and three-dimensional style.

His illustrations are the extraordinary outcome of constantly overcoming his “over-exposed mind to design magazines and inspiration blogs”, as he mentioned in Vectortuts+. As many designers out there, he struggles with a lack of inspiration. Still, focusing in simple and basic aspects of his work has been an excellent way of dealing with a blank canvas. According to him, sketching the initial ideas and concepts in paper is a must activity, for when these are taken to the computer it is much easier to follow a plan and also to develop them.

Karan Singh’s willingness to develop a more versatile and unique style has been acquired in part thanks to the friendly competition he lives with his fellow artists in different communities, like Pig Bimpin and Depthcore. However, he is an artist with an instinctive drive to experiment and evolve, an aspect that has also taken him to tryout different artistic mediums such as photography and writing.

More information on Karan Singh here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Currently living in New York City, Karan Singh is a fervent artist whose first encounter with Macromedia Flash made definite his inclination towards illustration and art. It was during his bachelor in Design Computing at The University of Sydney, that he took into action his aesthetic predisposition and decided to self-learn Illustrator and Photoshop. Finally, by the end of his career, he was convinced that his future was in the illustration world.

Nowadays, with a rising reputation among local boutiques and international brands, Singh is an Adobe Illustrator proficient who has produced useful program tutorials for diverse magazines as well as numerous graphic designs characterized by his minimalist and three-dimensional style.

His illustrations are the extraordinary outcome of constantly overcoming his “over-exposed mind to design magazines and inspiration blogs”, as he mentioned in Vectortuts+. As many designers out there, he struggles with a lack of inspiration. Still, focusing in simple and basic aspects of his work has been an excellent way of dealing with a blank canvas. According to him, sketching the initial ideas and concepts in paper is a must activity, for when these are taken to the computer it is much easier to follow a plan and also to develop them.

Karan Singh’s willingness to develop a more versatile and unique style has been acquired in part thanks to the friendly competition he lives with his fellow artists in different communities, like Pig Bimpin and Depthcore. However, he is an artist with an instinctive drive to experiment and evolve, an aspect that has also taken him to tryout different artistic mediums such as photography and writing.

More information on Karan Singh here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Proveniente de Sidney, Australia, habiendo crecido en lugares como Omán y con residencia actual en Nueva York, Karan Singh es un ilustrador y un talentoso artista que trabaja principalmente con imágenes en vectores. Sus gráficos son llamativas y minimalistas ilustraciones que han atraído tanto a pequeñas como internacionales marcas, entre las que se encuentran IBM, Heineken y Adobe. Estando siempre a la vanguardia del diseño, Singh ha fortalecido su ferviente pasión por los patrones y las repeticiones a través de sus interpretaciones llenas de brillo y de color.

Desde su primer encuentro con un paquete de Macromedia Flash, Karan Singh terminó por confirmar su inclinación hacia los aspectos estéticos del arte y la ilustración. Fue durante su carrera en Diseño Computacional en la Universidad de Sídney que tomó la decisión de aprender de manera autodidacta los programas de diseño Ilustrador y Photoshop. Finalmente, al culminar sus estudios universitarios, Singh estaba convencido de que su futuro tenía que ser en el mundo del diseño gráfico.

Hoy en día, Singh es un artista de renombre cuya reputación está creciendo rápidamente en el mundo comercial. Como experto en el programa de Adobo Ilustrador, Singh ha creado diversos tutoriales para revistas así como un sin fin de diseños gráficos caracterizados por su inigualable estilo dinámico y tridimensional.

De acuerdo a una entrevista con Vectortus+, el trabajo de Singh es el resultado de la constante superación personal que enfrenta ante la sobresaturación mental de información proveniente de revistas y blogs de diseño. La falta de inspiración es una situación que todo artista enfrenta y él ha descubierto que enfocarse en aspectos simples y básicos de su trabajo lo ayudan a salir adelante. Hacer bocetos iniciales de ideas y conceptos es muy importante, menciona Singh, pues una vez que el artista los lleva a la computadora es más fácil seguir un plan y posteriormente desarrollar dichas ideas.

Su entusiasmo por desarrollar un estilo más versátil y único ha sido incitado en parte por la competencia amistosa que vive con la mayoría de sus compañeros artistas en las diversas comunidades a las que pertenece, como Pig Bimpin and Depthcore. Por otra parte, Karan Singh es un artista con una necesidad innata de experimentar y evolucionar, un aspecto que también lo ha llevado a trabajar con otros medios artísticos como la fotografía y la escritura.

Más información sobre Karan Singh aquí.

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Proveniente de Sidney, Australia, habiendo crecido en lugares como Omán y con residencia actual en Nueva York, Karan Singh es un ilustrador y un talentoso artista que trabaja principalmente con imágenes en vectores. Sus gráficos son llamativas y minimalistas ilustraciones que han atraído tanto a pequeñas como internacionales marcas, entre las que se encuentran IBM, Heineken y Adobe. Estando siempre a la vanguardia del diseño, Singh ha fortalecido su ferviente pasión por los patrones y las repeticiones a través de sus interpretaciones llenas de brillo y de color.

Desde su primer encuentro con un paquete de Macromedia Flash, Karan Singh terminó por confirmar su inclinación hacia los aspectos estéticos del arte y la ilustración. Fue durante su carrera en Diseño Computacional en la Universidad de Sídney que tomó la decisión de aprender de manera autodidacta los programas de diseño Ilustrador y Photoshop. Finalmente, al culminar sus estudios universitarios, Singh estaba convencido de que su futuro tenía que ser en el mundo del diseño gráfico.

Hoy en día, Singh es un artista de renombre cuya reputación está creciendo rápidamente en el mundo comercial. Como experto en el programa de Adobo Ilustrador, Singh ha creado diversos tutoriales para revistas así como un sin fin de diseños gráficos caracterizados por su inigualable estilo dinámico y tridimensional.

De acuerdo a una entrevista con Vectortus+, el trabajo de Singh es el resultado de la constante superación personal que enfrenta ante la sobresaturación mental de información proveniente de revistas y blogs de diseño. La falta de inspiración es una situación que todo artista enfrenta y él ha descubierto que enfocarse en aspectos simples y básicos de su trabajo lo ayudan a salir adelante. Hacer bocetos iniciales de ideas y conceptos es muy importante, menciona Singh, pues una vez que el artista los lleva a la computadora es más fácil seguir un plan y posteriormente desarrollar dichas ideas.

Su entusiasmo por desarrollar un estilo más versátil y único ha sido incitado en parte por la competencia amistosa que vive con la mayoría de sus compañeros artistas en las diversas comunidades a las que pertenece, como Pig Bimpin and Depthcore. Por otra parte, Karan Singh es un artista con una necesidad innata de experimentar y evolucionar, un aspecto que también lo ha llevado a trabajar con otros medios artísticos como la fotografía y la escritura.

Más información sobre Karan Singh aquí.

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February 4, 2015 - No Comments!

★ Leta Sobierajski (USA) | Artistic Randomness

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Based in Brooklyn, New York City, Leta Sobierajski is a multidisciplinary designer and art director who produces outstanding visual projects of an audacious and offbeat nature. Her versatile work incorporates surreal and conventional features involving mainly graphic design, photography, art, and digital elements. In 2013, her career as a freelancer began and she quickly positioned herself as a rising young designer captivating the world with her bizarre creations.


[Ver artículo en español abajo]

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leta22

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[vimeo 34393858 w=100 h=338]

Applications from Leta Sobierajski on Vimeo.

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With a bachelor in Graphic Design at Purchase College and recognition by Print Magazine as one of the 20 best designers under age of 30, New York City-based artist Leta Sobierajski is the owner of a quirky portfolio characterized by a daring and surreal style.

In her work, she demonstrates her exceptional talent for combining striking color palettes, witty ideas, unexpected elements and diverse artistic techniques -such as graphic design, photography, art, and film- in unique compositions. It is through her playful arrangement of features that she manages to come up with the most unconventional and attractive designs.

Among her best recognized projects are her collaboration with Refinery29 –a company that offers fashionable and trendy inspiration for women- in which Sobierajski created five pictures of lifeless objects depicting the strangest ideas of beauty; and the series of fantastic promos created for the polka dot collection of Odd Pears, a sock company specialized in selling three-sock packs.

On a more personal level, Leta Sobierajski shares her artistic passion, outstanding sense of humor and life with her partner Wade Jeffree, an art director and designer as well. Together, they have created “Complements”, an ongoing project about love and the stages of their relationship, expressed in a series of versatile, expressive and humorous self-portraits.

More information on Leta Sobierajski here.

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With a bachelor in Graphic Design at Purchase College and recognition by Print Magazine as one of the 20 best designers under age of 30, New York City-based artist Leta Sobierajski is the owner of a quirky portfolio characterized by a daring and surreal style.

In her work, she demonstrates her exceptional talent for combining striking color palettes, witty ideas, unexpected elements and diverse artistic techniques -such as graphic design, photography, art, and film- in unique compositions. It is through her playful arrangement of features that she manages to come up with the most unconventional and attractive designs.

Among her best recognized projects are her collaboration with Refinery29 –a company that offers fashionable and trendy inspiration for women- in which Sobierajski created five pictures of lifeless objects depicting the strangest ideas of beauty; and the series of fantastic promos created for the polka dot collection of Odd Pears, a sock company specialized in selling three-sock packs.

On a more personal level, Leta Sobierajski shares her artistic passion, outstanding sense of humor and life with her partner Wade Jeffree, an art director and designer as well. Together, they have created “Complements”, an ongoing project about love and the stages of their relationship, expressed in a series of versatile, expressive and humorous self-portraits.

More information on Leta Sobierajski here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicada en Brooklyn, Nueva York, Leta Sobierajski es una diseñadora multidisciplinaria y directora de arte que se dedica a crear increíbles proyectos visuales de una naturaleza poco convencional y atrevida. Su versátil trabajo incorpora conceptos tanto convencionales como surreales, y usualmente es el producto de una combinación de diversos medios, como diseño gráfico, fotografía, arte y el mundo digital. Sobierajski comenzó a trabajar de manera autónoma en el 2013 y rápidamente se posicionó como una exitosa joven diseñadora cautivando al mundo con sus extrañas creaciones.

Habiendo estudiado Diseño Gráfico en el Purchase College y siendo reconocida por Print Magazine como una de las 20 mejores diseñadoras menores de 30 años de edad, Leta Sobierajski es la autora de un extravagante portafolio creativo caracterizado por un atrevido estilo surrealista. En su trabajo, ella demuestra su gran habilidad y talento para combinar llamativas gamas de colores, ocurrentes ideas, inesperados elementos y diversas técnicas creativas en una sola composición. Es gracias a su excelente disposición de elementos que la artista logra desarrollar los más atractivos e insólitos diseños.

Entre sus proyectos más reconocidos se encuentran su colaboración con Refinery29, una compañía que ofrece consejos de moda a las mujeres, y para la que Sobierajski creó 5 imágenes de objetos inanimados representando las más extrañas nociones de belleza; y la serie de fantásticas imágenes promocionales para la colección de polka dots de la empresa Odd Pears, una compañía especializada en la venta de calcetines.

A un nivel más personal, Leta Sobierajski comparte su pasión por el diseño, su extraordinario sentido del humor y su vida con su pareja, Wade Jeffre, también un diseñador y director de arte. Juntos han creado “Complements” (Complementos), un proyecto en curso que trata sobre el amor y las diversas etapas de su relación, expresados en una serie de versátiles, expresivos y divertidos autorretratos en pareja.

Más información sobre Leta Sobierajski aquí.

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Ubicada en Brooklyn, Nueva York, Leta Sobierajski es una diseñadora multidisciplinaria y directora de arte que se dedica a crear increíbles proyectos visuales de una naturaleza poco convencional y atrevida. Su versátil trabajo incorpora conceptos tanto convencionales como surreales, y usualmente es el producto de una combinación de diversos medios, como diseño gráfico, fotografía, arte y el mundo digital. Sobierajski comenzó a trabajar de manera autónoma en el 2013 y rápidamente se posicionó como una exitosa joven diseñadora cautivando al mundo con sus extrañas creaciones.

Habiendo estudiado Diseño Gráfico en el Purchase College y siendo reconocida por Print Magazine como una de las 20 mejores diseñadoras menores de 30 años de edad, Leta Sobierajski es la autora de un extravagante portafolio creativo caracterizado por un atrevido estilo surrealista. En su trabajo, ella demuestra su gran habilidad y talento para combinar llamativas gamas de colores, ocurrentes ideas, inesperados elementos y diversas técnicas creativas en una sola composición. Es gracias a su excelente disposición de elementos que la artista logra desarrollar los más atractivos e insólitos diseños.

Entre sus proyectos más reconocidos se encuentran su colaboración con Refinery29, una compañía que ofrece consejos de moda a las mujeres, y para la que Sobierajski creó 5 imágenes de objetos inanimados representando las más extrañas nociones de belleza; y la serie de fantásticas imágenes promocionales para la colección de polka dots de la empresa Odd Pears, una compañía especializada en la venta de calcetines.

A un nivel más personal, Leta Sobierajski comparte su pasión por el diseño, su extraordinario sentido del humor y su vida con su pareja, Wade Jeffre, también un diseñador y director de arte. Juntos han creado “Complements” (Complementos), un proyecto en curso que trata sobre el amor y las diversas etapas de su relación, expresados en una serie de versátiles, expresivos y divertidos autorretratos en pareja.

Más información sobre Leta Sobierajski aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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November 26, 2014 - No Comments!

★ Liz Climo (USA) | An Unforgettable Sense Of Humor

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Talking dinosaurs, bunnies, bears, lizards and koalas are only some of the sparky and humorous characters developed by American cartoon artist Liz Climo. Placed having the most cleverly absurd conversations, her animal illustrations are characterized by simple and endearing forms enveloped in unpredictable witty situations.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

With a 10-year-long trajectory as a storyboard revisionist on the sitcom The Simpsons, Elizabeth Climo has learned the true art of selling jokes and making comedy. Her famous Tumblr world has become the meeting spot of diverse animal characters experiencing typical life's quirks – just like humans do- in amusing and charming manners. She uses her spare time and gifted talent to create simple and friendly illustrations of rhinos, giraffes and snakes going through the excitement of holidays like Halloween and Christmas, the practice of using modern devices, or the natural demonstrations of affection.

Climo's cartoons have thriven not only due to her witty situation-portrayal, but also due to her distinctive style. "I love the way children draw, because they draw exactly what they see" – Climo shared with Girls Drawing Girls. During her early stages as an artist, she stopped trying to draw according to “acceptable patterns” and decided to follow her own quaint style. Her efforts have taken her to publish “The Little World of Liz Climo”, a children’s book containing more than 100 extraordinary comic images.

However, as simple as they may look, each character representation is a creative combination of animal and human attributes that Climo does not always find easy to come up with. As many other artists out there, she also faces those inevitable lack-of-inspiration moments which life and time have thought her to endure with a tenacious and optimistic attitude. If nothing comes to mind, she simply draws something that makes her and/or her fans happy. Not always she considers a particular illustration her best work, but nevertheless she posts the outcome online, receiving sometimes surprisingly positive responses. Her own world is also an ultimate source of inspiration; some aspects of her animals’ personalities, like sarcasm, clumsiness and kindness, are real traits of friends and family.

“If I hear something or see a situation that is easily relatable and simple, it'll usually spark something in my mind like, ‘Hey, this might be sort of funny if an animal were dealing with this'” - Climo told the Daily Dot.

As a determined and prolific artist, Liz Climo is constantly looking for new scenarios where to place her comic designs and cute animal ideas. There is no doubt that the reader will continue to find everyday-social-interaction references in her on growing fan base.

More information on Liz Climo here.

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With a 10-year-long trajectory as a storyboard revisionist on the sitcom The Simpsons, Elizabeth Climo has learned the true art of selling jokes and making comedy. Her famous Tumblr world has become the meeting spot of diverse animal characters experiencing typical life's quirks – just like humans do- in amusing and charming manners. She uses her spare time and gifted talent to create simple and friendly illustrations of rhinos, giraffes and snakes going through the excitement of holidays like Halloween and Christmas, the practice of using modern devices, or the natural demonstrations of affection.

Climo's cartoons have thriven not only due to her witty situation-portrayal, but also due to her distinctive style. "I love the way children draw, because they draw exactly what they see" – Climo shared with Girls Drawing Girls. During her early stages as an artist, she stopped trying to draw according to “acceptable patterns” and decided to follow her own quaint style. Her efforts have taken her to publish “The Little World of Liz Climo”, a children’s book containing more than 100 extraordinary comic images.

However, as simple as they may look, each character representation is a creative combination of animal and human attributes that Climo does not always find easy to come up with. As many other artists out there, she also faces those inevitable lack-of-inspiration moments which life and time have thought her to endure with a tenacious and optimistic attitude. If nothing comes to mind, she simply draws something that makes her and/or her fans happy. Not always she considers a particular illustration her best work, but nevertheless she posts the outcome online, receiving sometimes surprisingly positive responses. Her own world is also an ultimate source of inspiration; some aspects of her animals’ personalities, like sarcasm, clumsiness and kindness, are real traits of friends and family.

“If I hear something or see a situation that is easily relatable and simple, it'll usually spark something in my mind like, ‘Hey, this might be sort of funny if an animal were dealing with this'” - Climo told the Daily Dot.

As a determined and prolific artist, Liz Climo is constantly looking for new scenarios where to place her comic designs and cute animal ideas. There is no doubt that the reader will continue to find everyday-social-interaction references in her on growing fan base.

More information on Liz Climo here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

El mundo de la caricaturista estadounidense Liz Climo está lleno de ocurrentes y cómicos animales como dinosaurios, conejos, osos, lagartos y koalas. Éstos se caracterizan por su forma simple y humorística y usualmente se encuentran teniendo las más absurdas e irónicas conversaciones.

Durante sus más de 10 años como parte del equipo de animación de la serie televisiva Los Simpson, Elizabeth Climo ha aprendido el verdadero arte de hacer comedia y vender chistes. Su famoso mundo en Tumblr se ha convertido en un reconocido lugar de encuentro de un sin fin de animales que juntos experimentan las típicas peculiaridades de la vida diaria –tal y como les sucede a los humanos- de una manera agradable y divertida. Climo utiliza su tiempo libre y talento para crear amigables personajes como rinocerontes, jirafas y tiburones, todos estos atravesando cotidianos momentos como Halloween y Navidad, el uso de dispositivos modernos y la necesidad de dar y recibir demostraciones de afecto.

Las caricaturas de Liz Climo han resultado sumamente exitosas no sólo por su excelente representación sino también por su magnífico estilo. “Me encanta la manera en que dibujan los niños, porque ellos dibujan exactamente lo que ven” – Climo compartió con Girls Drawing Girls. Durante sus primeros años como artista, Liz decidió dejar de tratar de dibujar bajo ciertos parámetros establecidos y se dispuso a seguir su propio singular estilo. Sus esfuerzos la han llevado a pubicar “The Little World of Liz Climo” (El Pequeño Mundo de Liz Climo), un libro para niños el cual contiene más de 100 extraordinarias imágenes cómic.

Sin embargo, por tan simples como parezcan, cada una de sus ilustraciones son una combinación de atributos humanos y animales que Climo muchas veces no encuentra fácil de producir. Como muchos otros artistas en el mundo, Liz también atraviesa por esos momentos en que la inspiración sufre un momento de bloqueo, pero que el tiempo y la experiencia la han ayudado a enfrentar con una actitud tenaz y positiva. Si nada le viene a la mente, la artista simplemente dibuja algo que la haga feliz a ella o a sus fans. Es cierto que no siempre considera determinada creación su mejor trabajo, pero sin importar el resultado ella lo publica en línea y ésta obtiene en ocasiones impresionantes respuestas positivas de los lectores. Su propio mundo también es una fuente primordial de inspiración. Algunos aspectos de sus personajes, como el sarcasmo, la torpeza o la bondad, son rasgos reales de amigos y familiares.

“Si escucho algo u observo alguna situación que es fácilmente delatable y simple, una lucecita se enciende en mi mente como diciendo ‘Hey, eso a lo mejor resulta divertido si el personaje principal es un animal’” – Climo le dijo a Daily Dot.

Como la artista persistente y prolífica que es, Liz Climo se encuentra en una búsqueda constante de nuevos escenarios donde desarrollar sus ideas y cómics. No hay duda de que el lector continuará encontrando nuevas referencias de la vida diaria en su creciente y famoso blog.

Más información sobre Liz Climo aquí.

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El mundo de la caricaturista estadounidense Liz Climo está lleno de ocurrentes y cómicos animales como dinosaurios, conejos, osos, lagartos y koalas. Éstos se caracterizan por su forma simple y humorística y usualmente se encuentran teniendo las más absurdas e irónicas conversaciones.

Durante sus más de 10 años como parte del equipo de animación de la serie televisiva Los Simpson, Elizabeth Climo ha aprendido el verdadero arte de hacer comedia y vender chistes. Su famoso mundo en Tumblr se ha convertido en un reconocido lugar de encuentro de un sin fin de animales que juntos experimentan las típicas peculiaridades de la vida diaria –tal y como les sucede a los humanos- de una manera agradable y divertida. Climo utiliza su tiempo libre y talento para crear amigables personajes como rinocerontes, jirafas y tiburones, todos estos atravesando cotidianos momentos como Halloween y Navidad, el uso de dispositivos modernos y la necesidad de dar y recibir demostraciones de afecto.

Las caricaturas de Liz Climo han resultado sumamente exitosas no sólo por su excelente representación sino también por su magnífico estilo. “Me encanta la manera en que dibujan los niños, porque ellos dibujan exactamente lo que ven” – Climo compartió con Girls Drawing Girls. Durante sus primeros años como artista, Liz decidió dejar de tratar de dibujar bajo ciertos parámetros establecidos y se dispuso a seguir su propio singular estilo. Sus esfuerzos la han llevado a pubicar “The Little World of Liz Climo” (El Pequeño Mundo de Liz Climo), un libro para niños el cual contiene más de 100 extraordinarias imágenes cómic.

Sin embargo, por tan simples como parezcan, cada una de sus ilustraciones son una combinación de atributos humanos y animales que Climo muchas veces no encuentra fácil de producir. Como muchos otros artistas en el mundo, Liz también atraviesa por esos momentos en que la inspiración sufre un momento de bloqueo, pero que el tiempo y la experiencia la han ayudado a enfrentar con una actitud tenaz y positiva. Si nada le viene a la mente, la artista simplemente dibuja algo que la haga feliz a ella o a sus fans. Es cierto que no siempre considera determinada creación su mejor trabajo, pero sin importar el resultado ella lo publica en línea y ésta obtiene en ocasiones impresionantes respuestas positivas de los lectores. Su propio mundo también es una fuente primordial de inspiración. Algunos aspectos de sus personajes, como el sarcasmo, la torpeza o la bondad, son rasgos reales de amigos y familiares.

“Si escucho algo u observo alguna situación que es fácilmente delatable y simple, una lucecita se enciende en mi mente como diciendo ‘Hey, eso a lo mejor resulta divertido si el personaje principal es un animal’” – Climo le dijo a Daily Dot.

Como la artista persistente y prolífica que es, Liz Climo se encuentra en una búsqueda constante de nuevos escenarios donde desarrollar sus ideas y cómics. No hay duda de que el lector continuará encontrando nuevas referencias de la vida diaria en su creciente y famoso blog.

Más información sobre Liz Climo aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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October 15, 2014 - No Comments!

★ Jesse Reno (USA) | Following The Patterns Of A Human Mind

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

As a self-thought mixed media painter based in Portland, Oregon, Jesse Reno’s abstract artworks can be described as striking portrayals of magical, detailed, and primitive worlds. His collection of more than 3000 paintings created in the last 12 years is the result of animals and humans merging to produce eerie anthropomorphic creatures.


[Ver artículo en español abajo]

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radiate-like-butterflies

all-lines-are-imaginary

WithGrowthComesChange_l

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complete3

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complete4

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=9bae11yYx9Q]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in New Jersey, US in 1974, Jesse Reno is a contemporary artist, muralist and musician who started drawing at age 5. Throughout his career he has developed a unique style for representing primitive beings as part of universes dominated by organic and geometric figures as well as numerous symbolic features. Since 2000, Reno has exhibited his paintings mainly in galleries around the US, Canada, France and Mexico.

“Contemporary-primitivism” is the term the artist uses to identify his work. Deeply inspired by indigenous cultures, elements and traditions from non-Western lands, Jesse Reno creates extraordinary stories based on abstract images that vibrantly represent the outcomes of his own self-examination.

“I am always exerting my feelings and energy into my work weather I know what I’m painting or not. A lot of the times I don’t know what I'm doing, I am more following colors and lines than an idea of the finished piece. By approaching the work in this way, I find it to be more honest, a purer creation.” - Jesse Reno

Reno uses symbolism as a way of understanding human nature and the purpose of our own existence. In his paintings, animals, objects and varied forms speak of good and evil, life choices, human temptations and the vast possibilities individuals have to achieve peace and self-actualization.

When working, Jesse Reno immerses on 5 or 10 different artworks all together for small intervals of time. This practice allows him to improvise and acquire a renewed glance of his work each time. Painting at a fast speed also prevents him from analyzing his thoughts, leading him to freely portray the images in his head just as they blurt out continuously into the surface.

Unbound from standardized techniques and critic’s opinion, Jesse Reno’s works of art are a combination of different artistic tools like acrylic painting, oil pastel, pencils, colored pencils, and collages. His creative process is an impulsive bodily performance that ends when elements like feeling, composition, meaning and color reach absolute balance.

More information on Jesse Reno here.

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Born in New Jersey, US in 1974, Jesse Reno is a contemporary artist, muralist and musician who started drawing at age 5. Throughout his career he has developed a unique style for representing primitive beings as part of universes dominated by organic and geometric figures as well as numerous symbolic features. Since 2000, Reno has exhibited his paintings mainly in galleries around the US, Canada, France and Mexico.

“Contemporary-primitivism” is the term the artist uses to identify his work. Deeply inspired by indigenous cultures, elements and traditions from non-Western lands, Jesse Reno creates extraordinary stories based on abstract images that vibrantly represent the outcomes of his own self-examination.

“I am always exerting my feelings and energy into my work weather I know what I’m painting or not. A lot of the times I don’t know what I'm doing, I am more following colors and lines than an idea of the finished piece. By approaching the work in this way, I find it to be more honest, a purer creation.” - Jesse Reno

Reno uses symbolism as a way of understanding human nature and the purpose of our own existence. In his paintings, animals, objects and varied forms speak of good and evil, life choices, human temptations and the vast possibilities individuals have to achieve peace and self-actualization.

When working, Jesse Reno immerses on 5 or 10 different artworks all together for small intervals of time. This practice allows him to improvise and acquire a renewed glance of his work each time. Painting at a fast speed also prevents him from analyzing his thoughts, leading him to freely portray the images in his head just as they blurt out continuously into the surface.

Unbound from standardized techniques and critic’s opinion, Jesse Reno’s works of art are a combination of different artistic tools like acrylic painting, oil pastel, pencils, colored pencils, and collages. His creative process is an impulsive bodily performance that ends when elements like feeling, composition, meaning and color reach absolute balance.

More information on Jesse Reno here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Jesse Reno es un artista autodidacta, muralista y músico contemporáneo nacido en Nueva Jersey en 1974 y con residencia actual en Portland, Oregon. Comenzó a dibujar a los 5 años de edad. A lo largo de su carrera ha desarrollado un estilo abstracto único en el que seres primitivos se desenvuelven en mundos mágicos y llenos de detalle. Hoy en día sus más de 3000 obras producidas en los últimos 12 años pueden ser identificadas por la creación de seres antropomórficos nacidos de la combinación de humanos y animales.

“Primitivismo Contemporáneo” es el término con el cual el pintor identifica su trabajo artístico. Fuertemente inspirado por culturas indígenas, elementos y tradiciones provenientes de mundos ajenos al Occidente, Reno crea extraordinarias historias basadas en imágenes abstractas las cuales representan con brillantes colores el resultado de su propia introspección. Su estilo se caracteriza por seres primitivos que habitan universos dominados por figuras orgánicas y geométricas, así como un gran número de elementos simbólicos.

“Constantemente ejerzo mis sentimientos y energía al máximo cuando estoy trabajando, ya sea que esté consciente de lo que estoy pintando o no. Muchas veces no sé lo que hago, más que nada sigo colores y líneas a deferencia de una idea de en particular. De esta manera, logro una creación más honesta y pura.” – Jesse Reno

Reno utiliza el simbolismo como una forma de entender la naturaleza humana y el propósito de nuestra existencia en la tierra. En sus pinturas, animales y diversos elementos nos hablan de lo bueno y lo malo, las múltiples decisiones de la vida, las tentaciones humanas y el gran número de posibilidades que tiene un individuo para alcanzar la paz y la máxima realización de sus habilidades y capacidades.

Al momento de trabajar, Jesse Reno se enfoca en 5 o 10 pinturas a la vez por breves lapsos de tiempo. Esta práctica le permite improvisar y adquirir una nueva visión de la obra en cada momento. Pintar con velocidad también lo previene de analizar de más sus pensamientos y lo lleva a expresar libremente las imágenes de su mente tal cual las logra vislumbrar.

Sin tomar en cuenta estándares de técnicas artísticas o la opinión pública, Reno crea sus obras mezclando diversas herramientas, como pinturas de aceite, acrílicos, lápices de colores, collages y mucho más. Su proceso creativo se ha convertido también en una representación física de su cuerpo, la cual llega a su fin cuando elementos como el sentimiento, la composición, el significado y el color alcanzan una total armonía.

Desde el año 2000, Jesse Reno ha expuesto sus obras en galerías en Estados Unidos, Canadá, Francia y México.

Más información sobre Jesse Reno aquí.

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Jesse Reno es un artista autodidacta, muralista y músico contemporáneo nacido en Nueva Jersey en 1974 y con residencia actual en Portland, Oregon. Comenzó a dibujar a los 5 años de edad. A lo largo de su carrera ha desarrollado un estilo abstracto único en el que seres primitivos se desenvuelven en mundos mágicos y llenos de detalle. Hoy en día sus más de 3000 obras producidas en los últimos 12 años pueden ser identificadas por la creación de seres antropomórficos nacidos de la combinación de humanos y animales.

“Primitivismo Contemporáneo” es el término con el cual el pintor identifica su trabajo artístico. Fuertemente inspirado por culturas indígenas, elementos y tradiciones provenientes de mundos ajenos al Occidente, Reno crea extraordinarias historias basadas en imágenes abstractas las cuales representan con brillantes colores el resultado de su propia introspección. Su estilo se caracteriza por seres primitivos que habitan universos dominados por figuras orgánicas y geométricas, así como un gran número de elementos simbólicos.

“Constantemente ejerzo mis sentimientos y energía al máximo cuando estoy trabajando, ya sea que esté consciente de lo que estoy pintando o no. Muchas veces no sé lo que hago, más que nada sigo colores y líneas a deferencia de una idea de en particular. De esta manera, logro una creación más honesta y pura.” – Jesse Reno

Reno utiliza el simbolismo como una forma de entender la naturaleza humana y el propósito de nuestra existencia en la tierra. En sus pinturas, animales y diversos elementos nos hablan de lo bueno y lo malo, las múltiples decisiones de la vida, las tentaciones humanas y el gran número de posibilidades que tiene un individuo para alcanzar la paz y la máxima realización de sus habilidades y capacidades.

Al momento de trabajar, Jesse Reno se enfoca en 5 o 10 pinturas a la vez por breves lapsos de tiempo. Esta práctica le permite improvisar y adquirir una nueva visión de la obra en cada momento. Pintar con velocidad también lo previene de analizar de más sus pensamientos y lo lleva a expresar libremente las imágenes de su mente tal cual las logra vislumbrar.

Sin tomar en cuenta estándares de técnicas artísticas o la opinión pública, Reno crea sus obras mezclando diversas herramientas, como pinturas de aceite, acrílicos, lápices de colores, collages y mucho más. Su proceso creativo se ha convertido también en una representación física de su cuerpo, la cual llega a su fin cuando elementos como el sentimiento, la composición, el significado y el color alcanzan una total armonía.

Desde el año 2000, Jesse Reno ha expuesto sus obras en galerías en Estados Unidos, Canadá, Francia y México.

Más información sobre Jesse Reno aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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October 1, 2014 - No Comments!

★ Lorenzo Petrantoni (IT) | Fashionable Silk Collages

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Italian illustrator Lorenzo Petrantoni demonstrates once again his extraordinary combination of creativity and unusual style in his new collection of silk scarves.


[Ver artículo en español abajo]

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Lorenzo Petrantoni is a Milan-based graphic designer with a broad experience in the advertising industry. Throughout his career he has collaborated with numerous international magazines, brands and communication agencies, such as Nike, Coca Cola, Swatch and The New York Times.

He is recognized for creating exquisite collages of images using pictures from the period of the 1800’s that he extracts mainly from historic dictionaries and books.

With the support of the latest printing techniques, Petrantoni has recently created a unique collection of dazzling scarves characterized by an ingenious combination of illustrations from the XIX century, different typographies and a particular array of colors.

Each scarf is made out of the finest Italian silk and it contains a complex and absorbing composition of elements that transform it into an authentic artistic garment.

More information on Lorenzo Petrantoni here.

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Lorenzo Petrantoni is a Milan-based graphic designer with a broad experience in the advertising industry. Throughout his career he has collaborated with numerous international magazines, brands and communication agencies, such as Nike, Coca Cola, Swatch and The New York Times.

He is recognized for creating exquisite collages of images using pictures from the period of the 1800’s that he extracts mainly from historic dictionaries and books.

With the support of the latest printing techniques, Petrantoni has recently created a unique collection of dazzling scarves characterized by an ingenious combination of illustrations from the XIX century, different typographies and a particular array of colors.

Each scarf is made out of the finest Italian silk and it contains a complex and absorbing composition of elements that transform it into an authentic artistic garment.

More information on Lorenzo Petrantoni here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

El ilustrador italiano Lorenzo Petrantoni demuestra una vez más su extraordinaria combinación de creatividad e inusual estilo artístico en su nueva colección de mascadas de seda.

Ubicado en Milán, Italia, Petrantoni es un diseñador gráfico con una amplia experiencia en el mundo de la publicidad. A lo largo de su carrera ha colaborado con numerosas revistas, marcas y agencias publicitarias internacionales como Nike, Coca Cola, Swatch y The New York Times.

Este talentoso artista es ampliamente reconocido por su creación de magníficos collages en los que utiliza ilustraciones pertenecientes al período de 1800, las cuales extrae principalmente de diccionarios y libros antiguos.

Utilizando las más efectivas técnicas de impresión, Petrantoni ha creado recientemente una colección única de mascadas caracterizadas por ingeniosas combinaciones de ilustraciones del siglo XIX, diversas tipografías y una gama de colores única.

Cada mascada está fabricada con fina seda italiana y contiene una compleja y cautivante composición de elementos que la transforman en una llamativa y auténtica prenda de vestir.

Más información sobre Lorenzo Petrantoni aquí.

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El ilustrador italiano Lorenzo Petrantoni demuestra una vez más su extraordinaria combinación de creatividad e inusual estilo artístico en su nueva colección de mascadas de seda.

Ubicado en Milán, Italia, Petrantoni es un diseñador gráfico con una amplia experiencia en el mundo de la publicidad. A lo largo de su carrera ha colaborado con numerosas revistas, marcas y agencias publicitarias internacionales como Nike, Coca Cola, Swatch y The New York Times.

Este talentoso artista es ampliamente reconocido por su creación de magníficos collages en los que utiliza ilustraciones pertenecientes al período de 1800, las cuales extrae principalmente de diccionarios y libros antiguos.

Utilizando las más efectivas técnicas de impresión, Petrantoni ha creado recientemente una colección única de mascadas caracterizadas por ingeniosas combinaciones de ilustraciones del siglo XIX, diversas tipografías y una gama de colores única.

Cada mascada está fabricada con fina seda italiana y contiene una compleja y cautivante composición de elementos que la transforman en una llamativa y auténtica prenda de vestir.

Más información sobre Lorenzo Petrantoni aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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September 17, 2014 - No Comments!

★ Jana & JS (AU) | The Perfect Combination Of Talent And Technique

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A Franco-Austrian creative duo based in Salzburg, Austria, who specialize in the stencil technique and who have found in their alluring street-art murals the best instrument to portray their formidable passion for photography and architecture.


[Ver artículo en español abajo]

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Jana, from Austria, and Jean-Sébastien, from France, met in Madrid in 2004. It was around that time that by looking at street artists in the city they discovered the simplicity and uniqueness of the stencil technique -which is the art of creating an image out of a cut-out layer- and its viable compatibility with painting and photography.

Since they started to work together in 2006, they have developed their own style characterized by a splendid human scale and a perfect assemblage of artistic mediums. They acquire their main inspiration from portraits, cityscapes, the urban architecture and its endless transformation.

Using their own photographic work of friends and family, and with the aid of their own innovative stencils, spray painting and acrylics, Jana & JS create specific murals for each place they choose to decorate. They merge the artwork with its surroundings taking into account the history of the wall, the architecture, the people who live near it and the feelings it inspires in them. The artists typically depict people in melancholic and thoughtful situations, people with cameras and couples in the midst of an intimate embrace.

The duo’s artworks are usually found in European cities and urban centers, but from time to time they enjoy exploring the adaptation of their work in different environments, like the paintings they created directly in the surfaces of tree trunks in a German countryside.

About this new experience they stated: “For us painting outside doesn’t mean finding the most visible spot but it is more about finding the perfect placement for a particular image. Usually our paintings are inspired by the city and integrated in urban environments. It was very exciting exploring this new support and seeing our work in a completely new ambience.” 

More information on Jana & JS here.

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Jana, from Austria, and Jean-Sébastien, from France, met in Madrid in 2004. It was around that time that by looking at street artists in the city they discovered the simplicity and uniqueness of the stencil technique -which is the art of creating an image out of a cut-out layer- and its viable compatibility with painting and photography.

Since they started to work together in 2006, they have developed their own style characterized by a splendid human scale and a perfect assemblage of artistic mediums. They acquire their main inspiration from portraits, cityscapes, the urban architecture and its endless transformation.

Using their own photographic work of friends and family, and with the aid of their own innovative stencils, spray painting and acrylics, Jana & JS create specific murals for each place they choose to decorate. They merge the artwork with its surroundings taking into account the history of the wall, the architecture, the people who live near it and the feelings it inspires in them. The artists typically depict people in melancholic and thoughtful situations, people with cameras and couples in the midst of an intimate embrace.

The duo’s artworks are usually found in European cities and urban centers, but from time to time they enjoy exploring the adaptation of their work in different environments, like the paintings they created directly in the surfaces of tree trunks in a German countryside.

About this new experience they stated: “For us painting outside doesn’t mean finding the most visible spot but it is more about finding the perfect placement for a particular image. Usually our paintings are inspired by the city and integrated in urban environments. It was very exciting exploring this new support and seeing our work in a completely new ambience.” 

More information on Jana & JS here.

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Jana & JS es un dúo creativo ubicado en Salzburgo, Austria, el cual se especializa en el arte urbano creado a través de plantillas. Jana, proveniente de Austria, y Jean-Sébastien, de origen Francés, han encontrado en sus atrayentes murales urbanos la herramienta ideal para representar su indudable pasión por la fotografía y la arquitectura.

Ambos artistas se conocieron en Madrid en el 2004. Fue entonces que observando a otros artistas urbanos en la ciudad descubrieron lo simple y ventajoso que es trabajar con platillas (stencils) y su gran compatibilidad con la pintura y la fotografía.

En el 2006 comenzaron a trabajar juntos y desde entonces han desarrollado sus propias plantillas y estilo caracterizados por el uso de una extraordinaria escala humana y una unión perfecta de diversos medios artísticos. Obtienen su inspiración principalmente de retratos, paisajes urbanos, la arquitectura y su continua alteración.

Utilizando sus propias fotografías de amigos y familia, y con la ayuda de sus propias innovadoras plantillas, sprays y acrílicos, Jana & JS crean murales individuales para cada lugar que deciden decorar. Incorporan la obra a su alrededor, tomando en cuenta la historia de la pared, la arquitectura, la gente que vive cerca y los sentimientos que infunde en las personas. Los artistas comúnmente representan personas en un estado pensativo o melancólico, personas con cámaras en mano o parejas en medio de un abrazo íntimo.

Las obras de esta pareja usualmente se pueden ver en ciudades y centros urbanos de Europa; sin embargo, de vez en cuando disfrutan adaptar su trabajo a otros ambientes completamente distintos, como las pinturas que realizaron directamente sobre la superficie de los árboles en un campo en Alemania.

Sobre esta nueva experiencia comentaron: “Para nosotros, pintar al aire libre no significa encontrar el lugar más visible [para sus obras] sino encontrar la ubicación perfecta para una imagen en particular. Usualmente nuestras pinturas están inspiradas en la ciudad y su integración en el ambiente urbano. Fue una experiencia muy emocionante el explorar esta nueva idea y ver nuestro trabajo en un ambiente completamente nuevo." 

Más información sobre Jana & JS aquí.

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Jana & JS es un dúo creativo ubicado en Salzburgo, Austria, el cual se especializa en el arte urbano creado a través de plantillas. Jana, proveniente de Austria, y Jean-Sébastien, de origen Francés, han encontrado en sus atrayentes murales urbanos la herramienta ideal para representar su indudable pasión por la fotografía y la arquitectura.

Ambos artistas se conocieron en Madrid en el 2004. Fue entonces que observando a otros artistas urbanos en la ciudad descubrieron lo simple y ventajoso que es trabajar con platillas (stencils) y su gran compatibilidad con la pintura y la fotografía.

En el 2006 comenzaron a trabajar juntos y desde entonces han desarrollado sus propias plantillas y estilo caracterizados por el uso de una extraordinaria escala humana y una unión perfecta de diversos medios artísticos. Obtienen su inspiración principalmente de retratos, paisajes urbanos, la arquitectura y su continua alteración.

Utilizando sus propias fotografías de amigos y familia, y con la ayuda de sus propias innovadoras plantillas, sprays y acrílicos, Jana & JS crean murales individuales para cada lugar que deciden decorar. Incorporan la obra a su alrededor, tomando en cuenta la historia de la pared, la arquitectura, la gente que vive cerca y los sentimientos que infunde en las personas. Los artistas comúnmente representan personas en un estado pensativo o melancólico, personas con cámaras en mano o parejas en medio de un abrazo íntimo.

Las obras de esta pareja usualmente se pueden ver en ciudades y centros urbanos de Europa; sin embargo, de vez en cuando disfrutan adaptar su trabajo a otros ambientes completamente distintos, como las pinturas que realizaron directamente sobre la superficie de los árboles en un campo en Alemania.

Sobre esta nueva experiencia comentaron: “Para nosotros, pintar al aire libre no significa encontrar el lugar más visible [para sus obras] sino encontrar la ubicación perfecta para una imagen en particular. Usualmente nuestras pinturas están inspiradas en la ciudad y su integración en el ambiente urbano. Fue una experiencia muy emocionante el explorar esta nueva idea y ver nuestro trabajo en un ambiente completamente nuevo." 

Más información sobre Jana & JS aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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September 3, 2014 - No Comments!

★ Diana Beltrán Herrera (CO) | Rediscovering Magical Wildlife

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Based in Bristol, England, Diana Beltrán is a Colombian sculptor and designer who recreates exotic elements of nature- birds in particular- in order to make a statement about the gradual separation that humans are suffering from the environment in today’s society. With a strong background in crafts, colors, patterns and volumes, and a profound passion for birds, Diana intents to influence the world in a positive way and give people the opportunity to rediscover their natural surroundings before it is too late.


[Ver artículo en español abajo]

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Graduated from the bachelor of Industrial Design at the Jorge Tadeo Lozano University in Bogota, Colombia in 2010 and currently studying a MA of Fine Arts at the University of the West of England, Diana Beltrán has reproduced more than 100 species of tropical birds. She observes photographs, researches the animal’s habitat and way of living, and talks to members of the ornithology world in order to reconstruct the birds as accurately as possible.

Diana’s handmade paper sculptures aim to represent an ideal universe in which the relationship between humans and nature is restored and not so often disregarded by people. Her delicate and detailed birds are characterized by economic materials and an enduring process in which repetition is the key aspect of accomplishment.

“The world is a 24-hour day full of inspiration”, Diana shares when asked about her motivation. A photograph and a drawing in Illustrator is all that this talented artist needs in order to bring to life the real-size sculptures of such fantastic flying creatures. Generally, the manufacture period of each bird is from 5 days to 2 weeks, depending on the complexity and size of the animal.

More information on Diana Beltrán Herrera here.

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Graduated from the bachelor of Industrial Design at the Jorge Tadeo Lozano University in Bogota, Colombia in 2010 and currently studying a MA of Fine Arts at the University of the West of England, Diana Beltrán has reproduced more than 100 species of tropical birds. She observes photographs, researches the animal’s habitat and way of living, and talks to members of the ornithology world in order to reconstruct the birds as accurately as possible.

Diana’s handmade paper sculptures aim to represent an ideal universe in which the relationship between humans and nature is restored and not so often disregarded by people. Her delicate and detailed birds are characterized by economic materials and an enduring process in which repetition is the key aspect of accomplishment.

“The world is a 24-hour day full of inspiration”, Diana shares when asked about her motivation. A photograph and a drawing in Illustrator is all that this talented artist needs in order to bring to life the real-size sculptures of such fantastic flying creatures. Generally, the manufacture period of each bird is from 5 days to 2 weeks, depending on the complexity and size of the animal.

More information on Diana Beltrán Herrera here.

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Con residencia actual en Bristol, Inglaterra, Diana Beltrán es una diseñadora y escultura Colombiana que se dedica a recrear exóticos miembros de la naturaleza –principalmente aves- con el objetivo de declarar su postura con respecto a la fuerte separación que se está llevando a cabo entre el ser humano de nuestra sociedad contemporánea y el medio ambiente. Con antecedentes en artes plásticas, el estudio de color, patrones y volúmenes, y con una intensa pasión por las aves, Beltrán intenta influenciar al mundo de manera positiva y brindar a las personas la oportunidad de redescubrir el mundo natural antes de que sea demasiado tarde.

Graduada de la licenciatura en Diseño Industrial en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá, Colombia en el 2010 y actualmente estudiando una maestría en artes en la Universidad de West of England, Diana Beltrán ha reproducido más de 100 especies de aves tropicales. Gracias al estudio del hábitat y forma de vida de dichas especies, su observación de fotografías y sus reuniones con ornitólogos, Diana reconstruye sus aves lo más exactas y cercanas a la realidad posible.

Sus esculturas de papel fabricadas a mano representan un universo ficticio en el que la relación entre los humanos y la naturaleza se ve restaurada. Sus detalladas y delicadas aves se caracterizan por materiales económicos y un paciente proceso creativo en el que la repetición es un factor clave para llevarlas a cabo.

“El mundo es un lugar lleno de inspiración las 24 horas al día”, es lo que Diana piensa respecto a su motivación para seguir trabajando. Una fotografía y un dibujo en el programa Ilustrador son las principales herramientas que esta talentosa artista necesita para crear sus fantásticas esculturas de tamaño real. Generalmente, la manufactura de cada una de ellas le lleva de 5 días a 2 semanas, dependiendo del grado de complejidad y el tamaño del ave en cuestión.

Más información sobre Diana Beltrán aquí.

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Con residencia actual en Bristol, Inglaterra, Diana Beltrán es una diseñadora y escultura Colombiana que se dedica a recrear exóticos miembros de la naturaleza –principalmente aves- con el objetivo de declarar su postura con respecto a la fuerte separación que se está llevando a cabo entre el ser humano de nuestra sociedad contemporánea y el medio ambiente. Con antecedentes en artes plásticas, el estudio de color, patrones y volúmenes, y con una intensa pasión por las aves, Beltrán intenta influenciar al mundo de manera positiva y brindar a las personas la oportunidad de redescubrir el mundo natural antes de que sea demasiado tarde.

Graduada de la licenciatura en Diseño Industrial en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá, Colombia en el 2010 y actualmente estudiando una maestría en artes en la Universidad de West of England, Diana Beltrán ha reproducido más de 100 especies de aves tropicales. Gracias al estudio del hábitat y forma de vida de dichas especies, su observación de fotografías y sus reuniones con ornitólogos, Diana reconstruye sus aves lo más exactas y cercanas a la realidad posible.

Sus esculturas de papel fabricadas a mano representan un universo ficticio en el que la relación entre los humanos y la naturaleza se ve restaurada. Sus detalladas y delicadas aves se caracterizan por materiales económicos y un paciente proceso creativo en el que la repetición es un factor clave para llevarlas a cabo.

“El mundo es un lugar lleno de inspiración las 24 horas al día”, es lo que Diana piensa respecto a su motivación para seguir trabajando. Una fotografía y un dibujo en el programa Ilustrador son las principales herramientas que esta talentosa artista necesita para crear sus fantásticas esculturas de tamaño real. Generalmente, la manufactura de cada una de ellas le lleva de 5 días a 2 semanas, dependiendo del grado de complejidad y el tamaño del ave en cuestión.

Más información sobre Diana Beltrán aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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