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April 15, 2015 - No Comments!

★ Miguel Jiron (USA) | Creator Of Living Illustrations

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Los Angeles-based director and animator Miguel Jiron produces eccentric animations characterized by an intriguing, complex and fantastic humor. As a storyboard artist at Illumination Entertainment, Jiron brings his peculiar characters to life taking elements from his Nicaraguan heritage and passion for telling stories.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text][vimeo 72922839 w=100 h=281]

LA-GAR-TO from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 52193530 w=100 h=281]

Sensory Overload (Interacting with Autism Project) from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 26404699 w=100 h=281]

Paint Showers from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 113247929 w=100 h=281]

Los Angeles Yule Log from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 123277319 w=100 h=501]

Virtual Reality Pornstar from Miguel Jiron on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in Baton Rouge, Louisiana to Nicaraguan parents, and currently based in Los Angeles, California, Miguel Jiron is a director and animator known for the eccentric and captivating style with which he creates his animated stories and gif images. He works as a storyboard artist at Illumination Entertainment and has a background as a painting assistant for Takashi Murakami in New York City and Tokyo. His illustrations have appeared in publications like National Geographic AdventureWorld Policy JournalResource Magazine, and Inside Counsel Magazine, among others.

Jiron's style is bold and filled with vibrant colors and fascinating sounds. His work is a disclosure of his deepest ideas transformed into extraordinary worlds characterized by great movement and energy. “La-Gar-To”, a story about a boy who travels to Nicaragua with his family and encounters a strident and frightening world occupied with iguanas, is an example of his dazzling talent to describe insightful scenes using imprecise hand-drawn lines, diverse hues of colors, appealing sounds, and multiple perspectives.

Other of Miguel Jiron’s most interesting projects are “Sensory Overload”, an animation produced for video-based website Interacting With Autism, in which he splendidly offers a glimpse of the harsh reality that children diagnosed with autism experience due to their heightened sensorial circumstances; and “Paint Showers”, an animated short depicting thunderstorms made out of drops of paint and complemented with genuine storm sounds.

More information on Miguel Jiron here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Born in Baton Rouge, Louisiana to Nicaraguan parents, and currently based in Los Angeles, California, Miguel Jiron is a director and animator known for the eccentric and captivating style with which he creates his animated stories and gif images. He works as a storyboard artist at Illumination Entertainment and has a background as a painting assistant for Takashi Murakami in New York City and Tokyo. His illustrations have appeared in publications like National Geographic AdventureWorld Policy JournalResource Magazine, and Inside Counsel Magazine, among others.

Jiron's style is bold and filled with vibrant colors and fascinating sounds. His work is a disclosure of his deepest ideas transformed into extraordinary worlds characterized by great movement and energy. “La-Gar-To”, a story about a boy who travels to Nicaragua with his family and encounters a strident and frightening world occupied with iguanas, is an example of his dazzling talent to describe insightful scenes using imprecise hand-drawn lines, diverse hues of colors, appealing sounds, and multiple perspectives.

Other of Miguel Jiron’s most interesting projects are “Sensory Overload”, an animation produced for video-based website Interacting With Autism, in which he splendidly offers a glimpse of the harsh reality that children diagnosed with autism experience due to their heightened sensorial circumstances; and “Paint Showers”, an animated short depicting thunderstorms made out of drops of paint and complemented with genuine storm sounds.

More information on Miguel Jiron here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Nacido en Baton Rouge, Luisiana y con residencia actual en Los Ángeles, California, Miguel Jiron es un director y animador de ascendencia Nicaragüense que se distingue por la producción de animaciones e imágenes gif cargadas de intriga, complejidad y fantasía. Con experiencia como asistente en el taller del artista Takashi Murakami en Tokio y Nueva York, y hoy en día creador de storyboards en Illumination Entertainment, Jiron combina en su extraordinario trabajo, su herencia sudamericana, su pasión por relatar historias y su magnífico talento pora llenar de vida sus peculiares personajes.

El estilo excéntrico y cautivador de las ilustraciones animadas de Miguel Jiron le ha valido gran reconocimiento en diversas publicaciones, tales como National Geographic Adventure, World Policy Journal, Resource Magazine, e Inside Counsel Magazine, entre otras. Su atrevido uso de llamativos colores y fascinantes sonidos le ha permitido transformar sus imágenes en extraordinarios mundos llenos de movimiento y energía.

La-Gar-To”, una historia sobre un niño que viaja con su familia a Nicaragua descubriendo así un estrepitoso y aterrador mundo infestado de iguanas, es uno de sus ejemplos más palpables que muestra su gran talento para describir a detalle profundas escenas utilizando líneas imprecisas dibujadas a mano, un sin fin de tonalidades, atractivos sonidos, y múltiples perspectivas.

Entre otros de los proyectos más interesantes de Miguel se encuentran “Sensory Overload” (Sobrecarga Sensorial), una animación producida para la organización Interacting With Autism, en la que Jiron ofrece un vistazo de la dura realidad que viven los niños diagnosticados con autismo que deben lidiar con la intensificación de sus sentidos; y “Pain Showers” (Baños de Pintura), una animación que muestra tormentas fabricadas con gotas de pintura y la cual complementó con auténticos sonidos de lluvias y rayos.

Más información sobre Miguel Jiron aquí.

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Nacido en Baton Rouge, Luisiana y con residencia actual en Los Ángeles, California, Miguel Jiron es un director y animador de ascendencia Nicaragüense que se distingue por la producción de animaciones e imágenes gif cargadas de intriga, complejidad y fantasía. Con experiencia como asistente en el taller del artista Takashi Murakami en Tokio y Nueva York, y hoy en día creador de storyboards en Illumination Entertainment, Jiron combina en su extraordinario trabajo, su herencia sudamericana, su pasión por relatar historias y su magnífico talento pora llenar de vida sus peculiares personajes.

El estilo excéntrico y cautivador de las ilustraciones animadas de Miguel Jiron le ha valido gran reconocimiento en diversas publicaciones, tales como National Geographic Adventure, World Policy Journal, Resource Magazine, e Inside Counsel Magazine, entre otras. Su atrevido uso de llamativos colores y fascinantes sonidos le ha permitido transformar sus imágenes en extraordinarios mundos llenos de movimiento y energía.

La-Gar-To”, una historia sobre un niño que viaja con su familia a Nicaragua descubriendo así un estrepitoso y aterrador mundo infestado de iguanas, es uno de sus ejemplos más palpables que muestra su gran talento para describir a detalle profundas escenas utilizando líneas imprecisas dibujadas a mano, un sin fin de tonalidades, atractivos sonidos, y múltiples perspectivas.

Entre otros de los proyectos más interesantes de Miguel se encuentran “Sensory Overload” (Sobrecarga Sensorial), una animación producida para la organización Interacting With Autism, en la que Jiron ofrece un vistazo de la dura realidad que viven los niños diagnosticados con autismo que deben lidiar con la intensificación de sus sentidos; y “Pain Showers” (Baños de Pintura), una animación que muestra tormentas fabricadas con gotas de pintura y la cual complementó con auténticos sonidos de lluvias y rayos.

Más información sobre Miguel Jiron aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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March 4, 2015 - No Comments!

★ INSA (UK) | Graffiti Walls Animated

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in London, UK, INSA is an anonymous urban artist and animator known for the transformation of his street designs into fantastic GIF animations. Creating what he calls GIF-ITI (GIF art + Graffiti), INSA has brought together in his work the demanding art of painting and the retro technology used to produce looping images. With a bachelor in Design at Goldsmiths, this talented street artist has made possible the elusive combination of both, his real and virtual worlds.


[Ver artículo en español abajo]

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[youtube http://www.youtube.com/watch?v=yXtSnq-Nvro]

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=qD4jFWux93s]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Painting and photographing the same wall over and over is the essential feature of the artistic process of London-based artist INSA. Known as GIF-ITI, he paints and repaints graffitis on a street surface and then photographs every change he makes on it. He repeats this process as many times as necessary until he achieves the exact number of images he will later put together in a single, looping animation. Examples of such practice are the 72 different skulls he painted during 2 days for his ‘C’est La Vie’ colorful animation, and the 8 paintings depicting each one of them a head in different positions for the Roskilde Festival in 2014.

In late 2014, INSA and a crew of 20 people worked for 4 days in Rio de Janeiro to produce their most ambitious street-art project. Their goal was to create an artwork that could be seen from space. Covering a total of 57,515 square meters of land, INSA and his team completed one painting each day which was then photographed by a satellite situated 431 miles away on space. INSA’s final one-second animated artwork is today the largest GIF-ITI painting on the planet.

INSA’s work has been produced in places like Los Angeles, Bogota, Paris, Sydney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, and Canada, among other places. He pursues unexplored ideas with the purpose to create unique art for a contemporary society greatly influenced by technology. With a keen passion for innovation and challenge, INSA continues to search for bigger buildings where to create designs that he can later transform into fantastical motion artworks.

More information on INSA here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Painting and photographing the same wall over and over is the essential feature of the artistic process of London-based artist INSA. Known as GIF-ITI, he paints and repaints graffitis on a street surface and then photographs every change he makes on it. He repeats this process as many times as necessary until he achieves the exact number of images he will later put together in a single, looping animation. Examples of such practice are the 72 different skulls he painted during 2 days for his ‘C’est La Vie’ colorful animation, and the 8 paintings depicting each one of them a head in different positions for the Roskilde Festival in 2014.

In late 2014, INSA and a crew of 20 people worked for 4 days in Rio de Janeiro to produce their most ambitious street-art project. Their goal was to create an artwork that could be seen from space. Covering a total of 57,515 square meters of land, INSA and his team completed one painting each day which was then photographed by a satellite situated 431 miles away on space. INSA’s final one-second animated artwork is today the largest GIF-ITI painting on the planet.

INSA’s work has been produced in places like Los Angeles, Bogota, Paris, Sydney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, and Canada, among other places. He pursues unexplored ideas with the purpose to create unique art for a contemporary society greatly influenced by technology. With a keen passion for innovation and challenge, INSA continues to search for bigger buildings where to create designs that he can later transform into fantastical motion artworks.

More information on INSA here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicado en Londres, Reino Unido, INSA es un artista urbano y animador anónimo conocido por la magnífica transformación de sus diseños en fantásticas animaciones GIF. Creador de lo que él llama GIF-ITI (arte GIF + Graffiti), INSA combina el exhaustivo arte de la pintura con la tecnología utilizada para producir secuencias infinitas de imágenes animadas. Habiendo estudiado la carrera de Diseño en Goldsmiths, este talentoso artista ha hecho posible la sutil combinación de su mundo real y virtual.

Pintar y fotografiar una pared una y otra vez es la característica distintiva del proceso creativo del artista urbano INSA. Trabajando en lo que él llama GIF-ITI, se dedica a pintar y repintar las superficies urbanas de edificios para después fotografiar cada uno de los cambios que hace en sus diseños. Este proceso lo repite tantas veces sea necesario hasta que logra el número exacto de fotografías que posteriormente une en una animación GIF. Ejemplos de dicho proceso son las 72 distintas calaveras que pintó durante 2 días para su colorida animación ‘C’est La Vie’, y las 8 pinturas representando una cabeza en diferentes posiciones para el Festival Roskilde en el 2014.

A finales del 2014, INSA trabajó por 4 días en Río de Janeiro en uno de sus más ambiciosos proyectos de arte urbano. Su objetivo fue lograr una obra de arte que pudiera ser vista desde el espacio. Abarcando un total d 57,515 metros cuadrados de tierra, INSA y un equipo de 20 personas completaron una pintura por día la cual fue posteriormente fotografiada por un satélite ubicado en el espacio a una distancia de 431 millas. La animación final del artista, con una duración total de 1 segundo, es en la actualidad la pintura GIF-ITI más grande del mundo.

INSA ha trabajado en lugares como Los Ángeles, Bogotá, París, Sídney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, y Canadá, entre otros. Se dedica a explorar ideas nuevas con el propósito de crear un arte único para una sociedad actual altamente influenciada por la tecnología. Apasionado de la innovación y los retos, INSA continúa buscando más grandes edificios donde poder crear sus diseños para posteriormente convertirlos en fantásticas obras de arte animadas.

Más información sobre INSA aquí.

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Ubicado en Londres, Reino Unido, INSA es un artista urbano y animador anónimo conocido por la magnífica transformación de sus diseños en fantásticas animaciones GIF. Creador de lo que él llama GIF-ITI (arte GIF + Graffiti), INSA combina el exhaustivo arte de la pintura con la tecnología utilizada para producir secuencias infinitas de imágenes animadas. Habiendo estudiado la carrera de Diseño en Goldsmiths, este talentoso artista ha hecho posible la sutil combinación de su mundo real y virtual.

Pintar y fotografiar una pared una y otra vez es la característica distintiva del proceso creativo del artista urbano INSA. Trabajando en lo que él llama GIF-ITI, se dedica a pintar y repintar las superficies urbanas de edificios para después fotografiar cada uno de los cambios que hace en sus diseños. Este proceso lo repite tantas veces sea necesario hasta que logra el número exacto de fotografías que posteriormente une en una animación GIF. Ejemplos de dicho proceso son las 72 distintas calaveras que pintó durante 2 días para su colorida animación ‘C’est La Vie’, y las 8 pinturas representando una cabeza en diferentes posiciones para el Festival Roskilde en el 2014.

A finales del 2014, INSA trabajó por 4 días en Río de Janeiro en uno de sus más ambiciosos proyectos de arte urbano. Su objetivo fue lograr una obra de arte que pudiera ser vista desde el espacio. Abarcando un total d 57,515 metros cuadrados de tierra, INSA y un equipo de 20 personas completaron una pintura por día la cual fue posteriormente fotografiada por un satélite ubicado en el espacio a una distancia de 431 millas. La animación final del artista, con una duración total de 1 segundo, es en la actualidad la pintura GIF-ITI más grande del mundo.

INSA ha trabajado en lugares como Los Ángeles, Bogotá, París, Sídney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, y Canadá, entre otros. Se dedica a explorar ideas nuevas con el propósito de crear un arte único para una sociedad actual altamente influenciada por la tecnología. Apasionado de la innovación y los retos, INSA continúa buscando más grandes edificios donde poder crear sus diseños para posteriormente convertirlos en fantásticas obras de arte animadas.

Más información sobre INSA aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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January 28, 2015 - No Comments!

★ Archery | Mathematical Loops

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Known as a Tumblr GIF artist, Archery has achieved broadly recognition in the GIF world thanks to his absorbing and enigmatic GIF animations. With a strong passion for infinite looping elements and mathematics, this talented artist of unknown identity has found in the computer software Mathematica the essential tool to transform complex codes into fantastic animated pictures.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text] archery7 archery3 archery22 archery8 archery11 archery24 archery18 archery2 archery17 archery14 [/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

In the realm of GIF art, looping is known as the ability of an animated image to rotate in a ceaseless sequence. Creating the optimum looping experience is no easy task; an artist needs to monitor diverse aspects -such as design, duration (time of the loop), speed, rhythm, and continuity- to completely captivate the viewer’s attention.

Tumblr GIF artist Archery has managed to do so in his hypnotic and typically black-and-white GIF images. To Archery, the loop is one of the most important aspects of the GIF. It is what gives life to a static image, and when created in the perfect interval of time, it is what provides the strongest impact and eternal nature that truly attracts the spectator.

“If the gif takes too long to loop then it may not reinforce its content with as dramatic of an effect”. - Shares the artist on his Tumblr site.

Usually of a symmetrical, ambiguous, and illusive nature, Archery’s mesmerizing animations are created using Mathematica, a software program used prominently in scientific, engineering and mathematical fields. By changing the code’s parameters of the image, the graphics are altered, which provides broader alternatives of forms and movements. The codes of each GIF are shared on his Tumblr website for reference.

More information on Archery here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

In the realm of GIF art, looping is known as the ability of an animated image to rotate in a ceaseless sequence. Creating the optimum looping experience is no easy task; an artist needs to monitor diverse aspects -such as design, duration (time of the loop), speed, rhythm, and continuity- to completely captivate the viewer’s attention.

Tumblr GIF artist Archery has managed to do so in his hypnotic and typically black-and-white GIF images. To Archery, the loop is one of the most important aspects of the GIF. It is what gives life to a static image, and when created in the perfect interval of time, it is what provides the strongest impact and eternal nature that truly attracts the spectator.

“If the gif takes too long to loop then it may not reinforce its content with as dramatic of an effect”. - Shares the artist on his Tumblr site.

Usually of a symmetrical, ambiguous, and illusive nature, Archery’s mesmerizing animations are created using Mathematica, a software program used prominently in scientific, engineering and mathematical fields. By changing the code’s parameters of the image, the graphics are altered, which provides broader alternatives of forms and movements. The codes of each GIF are shared on his Tumblr website for reference.

More information on Archery here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Conocido como un artista GIF de Tumblr, Archery ha alcanzado gran notoriedad en el mundo del arte de las imágenes GIF gracias a sus absorbentes y enigmáticas animaciones. Apasionado de los elementos que recorren una trayectoria circular infinita, así como de las matemáticas, este talentoso artista de identidad desconocida, ha encontrado en el programa computacional Mathematica la herramienta ideal para transformar complejos códigos en fantásticas imágenes en movimiento.

En el ámbito del arte GIF, looping (con trayectoria circular / que completa un circuito) se refiere a la habilidad que tiene una imagen de rotar en círculos de manera infinita. Crear el “loop” perfecto no es una tarea fácil. Los artistas dedicados a esta rama creativa deben monitorear diversos aspectos -tales como el diseño, la duración (del “loop”), la velocidad, el ritmo, y la continuidad- para capturar de manera segura y definitiva la atención del observador.

El artista GIF de Tumblr Archery ha logrado cautivar a los espectadores con sus fascinantes e hipnóticas imágenes GIF comúnmente en blanco y negro. Para él, el “loop” es una de las partes más importante del GIF. Es lo que le da vida a una imagen estática, y cuando éste es creado en el intervalo de tiempo perfecto, es lo que impacta y lo que da la naturaleza eterna al movimiento que fascina al observador.

“Si el GIF toma mucho tiempo en completar un “loop”, entones posiblemente el contenido de la imagen no tenga un efecto tan drásticamente reafirmante” – comentó el artista en su sitio de Tumblr.

De una naturaleza usualmente simétrica, ambigua e ilusoria, las extraordinarias animaciones de Archery son creadas utilizando el programa computacional Mathematica, el cual es usado más que nada en áreas de carácter científico, ingenieril y matemático. Al cambiar los códigos de lo parámetros de la imagen, los gráficos se alteran, lo que incrementa las alternativas de formas y movimientos. Los códigos de cada imagen GIF son compartidos en el sitio Tumblr del artista para futura referencia.

Más información sobre Archery aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Conocido como un artista GIF de Tumblr, Archery ha alcanzado gran notoriedad en el mundo del arte de las imágenes GIF gracias a sus absorbentes y enigmáticas animaciones. Apasionado de los elementos que recorren una trayectoria circular infinita, así como de las matemáticas, este talentoso artista de identidad desconocida, ha encontrado en el programa computacional Mathematica la herramienta ideal para transformar complejos códigos en fantásticas imágenes en movimiento.

En el ámbito del arte GIF, looping (con trayectoria circular / que completa un circuito) se refiere a la habilidad que tiene una imagen de rotar en círculos de manera infinita. Crear el “loop” perfecto no es una tarea fácil. Los artistas dedicados a esta rama creativa deben monitorear diversos aspectos -tales como el diseño, la duración (del “loop”), la velocidad, el ritmo, y la continuidad- para capturar de manera segura y definitiva la atención del observador.

El artista GIF de Tumblr Archery ha logrado cautivar a los espectadores con sus fascinantes e hipnóticas imágenes GIF comúnmente en blanco y negro. Para él, el “loop” es una de las partes más importante del GIF. Es lo que le da vida a una imagen estática, y cuando éste es creado en el intervalo de tiempo perfecto, es lo que impacta y lo que da la naturaleza eterna al movimiento que fascina al observador.

“Si el GIF toma mucho tiempo en completar un “loop”, entones posiblemente el contenido de la imagen no tenga un efecto tan drásticamente reafirmante” – comentó el artista en su sitio de Tumblr.

De una naturaleza usualmente simétrica, ambigua e ilusoria, las extraordinarias animaciones de Archery son creadas utilizando el programa computacional Mathematica, el cual es usado más que nada en áreas de carácter científico, ingenieril y matemático. Al cambiar los códigos de lo parámetros de la imagen, los gráficos se alteran, lo que incrementa las alternativas de formas y movimientos. Los códigos de cada imagen GIF son compartidos en el sitio Tumblr del artista para futura referencia.

Más información sobre Archery aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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September 10, 2014 - No Comments!

★ Rick Silva (BR) | Inspiring Digital Landscapes

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A Brazilian artist and animator who transforms his visions of nature into a set of extraordinary virtual GIF images. Highly influenced by landscapes, wildlife, parallel universes and the fusion of technology and the natural world, Rick Silva spends most of his time working outdoors in order to acquire natural details and new sources of inspiration.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

With a BFA in Film and a MFA in Art obtained at the University of Colorado, in the USA, Rick Silva has participated in numerous exhibitions around the world. Among his most famous works is “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future” which features 18 videos of surreal, geometric and abstract flying birds that drift in a futuristic atmosphere.

Silva’s work is characterized by psychedelic colors and shimmering surfaces. In each one of his creations he transmits his ultimate fascination with perception, light and time, as well as his need to give an organic sense to his virtual compositions. As the Impressionist and Post-Impressionist artists accustomed in their time, Silva finds the outside space the ideal place to create multiple digital interpretations of his surroundings. The best example of this practice can be found in his continuing project “En Plein Air”, a series of GIF images depicting diverse virtual landscapes that can be differentiated between one another thanks to Silva’s careful documentation of place, date, time, and temperature. The result is a fantastic gathering of moving and pointy images in which the spectator can always perceive the artist’s main impression: a sunny day, mountains reflected on a lake or a cloudy weather, among others.

Constantly working with different computers, cameras and software like Cinema 4D, Silva transforms the outside world into malleable digital compositions. His work is the latest example of how the natural world can coexist with technology inside a creative mind.

More information on Rick Silva here.

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With a BFA in Film and a MFA in Art obtained at the University of Colorado, in the USA, Rick Silva has participated in numerous exhibitions around the world. Among his most famous works is “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future” which features 18 videos of surreal, geometric and abstract flying birds that drift in a futuristic atmosphere.

Silva’s work is characterized by psychedelic colors and shimmering surfaces. In each one of his creations he transmits his ultimate fascination with perception, light and time, as well as his need to give an organic sense to his virtual compositions. As the Impressionist and Post-Impressionist artists accustomed in their time, Silva finds the outside space the ideal place to create multiple digital interpretations of his surroundings. The best example of this practice can be found in his continuing project “En Plein Air”, a series of GIF images depicting diverse virtual landscapes that can be differentiated between one another thanks to Silva’s careful documentation of place, date, time, and temperature. The result is a fantastic gathering of moving and pointy images in which the spectator can always perceive the artist’s main impression: a sunny day, mountains reflected on a lake or a cloudy weather, among others.

Constantly working with different computers, cameras and software like Cinema 4D, Silva transforms the outside world into malleable digital compositions. His work is the latest example of how the natural world can coexist with technology inside a creative mind.

More information on Rick Silva here.

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Rick Silva es un artista y animador brasileño que se dedica a transformar su percepción de la naturaleza en extraordinarias imágenes animadas GIF. A lo largo de su carrera, se ha visto ampliamente influenciado por paisajes naturales, la flora y la fauna, universos paralelos y la fusión de la tecnología con el mundo natural. Actualmente pasa gran parte de su tiempo trabajando al aire libre con el objetivo de ampliar sus horizontes y encontrar nuevas fuentes de inspiración.

Graduado de la Maestría de Arte en la Universidad de Colorado en Estados Unidos, Rick Silva ha participado en numerosas exhibiciones alrededor del mundo. Entre sus trabajos más reconocidos se encuentra el “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future”, una serie de 18 videos ilustrando aves de carácter surreal, geométrico y abstracto que dan la impresión de volar sin rumbo en una atmósfera futurista.

El trabajo de Silva se caracteriza por colores psicodélicos y una apariencia brillante. En cada una de sus creaciones se puede apreciar su fuerte fascinación por la percepción, la luz y el tiempo, así como su necesidad de dar un toque orgánico a sus composiciones. Así como los artistas Impresionistas y Post-Impresionistas hicieron en su tiempo, Silva encuentra en el espacio exterior el ambiente perfecto para trabajar y realizar múltiples interpretaciones digitales del mundo que lo rodea. El proyecto que mejor refleja esta práctica es su actual serie de imágenes GIF titulado “En Plein Air”. Éste consiste en la producción virtual de paisajes que pueden ser diferenciados entre sí gracias a la documentación del lugar, la fecha, la hora y la temperatura que representan. El resultado es un fantástico conjunto de imágenes en movimiento en las que el espectador es capaz de diferenciar la idea principal del artista: un día soleado, montañas que se reflejan en un lago o un clima nublado, entre otros.

Trabajando constantemente con diferentes computadoras, cámaras y programas digitales como Cinema 4D, Silva transforma el mundo exterior en maleables composiciones digitales. Su trabajo es uno de los últimos ejemplos de cómo el mundo natural puede coexistir con la tecnología a través de una mente creativa.

Más información sobre Rick Silva aquí.

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Rick Silva es un artista y animador brasileño que se dedica a transformar su percepción de la naturaleza en extraordinarias imágenes animadas GIF. A lo largo de su carrera, se ha visto ampliamente influenciado por paisajes naturales, la flora y la fauna, universos paralelos y la fusión de la tecnología con el mundo natural. Actualmente pasa gran parte de su tiempo trabajando al aire libre con el objetivo de ampliar sus horizontes y encontrar nuevas fuentes de inspiración.

Graduado de la Maestría de Arte en la Universidad de Colorado en Estados Unidos, Rick Silva ha participado en numerosas exhibiciones alrededor del mundo. Entre sus trabajos más reconocidos se encuentra el “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future”, una serie de 18 videos ilustrando aves de carácter surreal, geométrico y abstracto que dan la impresión de volar sin rumbo en una atmósfera futurista.

El trabajo de Silva se caracteriza por colores psicodélicos y una apariencia brillante. En cada una de sus creaciones se puede apreciar su fuerte fascinación por la percepción, la luz y el tiempo, así como su necesidad de dar un toque orgánico a sus composiciones. Así como los artistas Impresionistas y Post-Impresionistas hicieron en su tiempo, Silva encuentra en el espacio exterior el ambiente perfecto para trabajar y realizar múltiples interpretaciones digitales del mundo que lo rodea. El proyecto que mejor refleja esta práctica es su actual serie de imágenes GIF titulado “En Plein Air”. Éste consiste en la producción virtual de paisajes que pueden ser diferenciados entre sí gracias a la documentación del lugar, la fecha, la hora y la temperatura que representan. El resultado es un fantástico conjunto de imágenes en movimiento en las que el espectador es capaz de diferenciar la idea principal del artista: un día soleado, montañas que se reflejan en un lago o un clima nublado, entre otros.

Trabajando constantemente con diferentes computadoras, cámaras y programas digitales como Cinema 4D, Silva transforma el mundo exterior en maleables composiciones digitales. Su trabajo es uno de los últimos ejemplos de cómo el mundo natural puede coexistir con la tecnología a través de una mente creativa.

Más información sobre Rick Silva aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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July 2, 2014 - No Comments!

★ Matthias Brown (USA) | Bringing Back Old-School Techniques

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A graphic designer who embraces antique methods of image manipulation in order to discover the countless possibilities of a design and its creation process.


[Ver artículo en español abajo]

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Matthias Brown is a versatile artist interested in the areas of animation, printmaking, book art and digital art. He graduated from the bachelor in Graphic Design at the SCAD Atlanta.

His work is based on the concept of making it memorable to the viewer. Matthias’ gif animations explore the simplicity and the fragility of an image by finding a balance between the elimination and repetition of its elements. He finds inspiration in museum exhibitions, hip-hop music, food and people.

“Initially, I was trying to capture an interesting moment, which I still am, but after I started removing elements to focus on a particular portion of the clip, it became more of an effort to simplify the clip to only the necessary elements within the time of a second or two.” – Matthias Brown

Matthias Brown enjoys experimenting with different old animation techniques and tools, like the zoetrope and the phenakistoscope. Among his most recognized works are his rotoscope moving images, in which he altered the reality of his own drawings. Rotoscoping is an almost extinct animation process patented in 1917 by Max Fleischer who used it in his series “Out of the Inkwell”. It consisted on giving a more natural look and sequence to the image by replacing each frame of a live-action film with a drawing. The frames would be projected onto a transparent easel and an animator would re-draw on top of them.

Thanks to this process, Matthias is one of the few artists who give that nostalgic old-days minimal appearance to some of his stunning hand-drawn looped gif animations.

More information on Matthias Brown here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Matthias Brown is a versatile artist interested in the areas of animation, printmaking, book art and digital art. He graduated from the bachelor in Graphic Design at the SCAD Atlanta.

His work is based on the concept of making it memorable to the viewer. Matthias’ gif animations explore the simplicity and the fragility of an image by finding a balance between the elimination and repetition of its elements. He finds inspiration in museum exhibitions, hip-hop music, food and people.

“Initially, I was trying to capture an interesting moment, which I still am, but after I started removing elements to focus on a particular portion of the clip, it became more of an effort to simplify the clip to only the necessary elements within the time of a second or two.” – Matthias Brown

Matthias Brown enjoys experimenting with different old animation techniques and tools, like the zoetrope and the phenakistoscope. Among his most recognized works are his rotoscope moving images, in which he altered the reality of his own drawings. Rotoscoping is an almost extinct animation process patented in 1917 by Max Fleischer who used it in his series “Out of the Inkwell”. It consisted on giving a more natural look and sequence to the image by replacing each frame of a live-action film with a drawing. The frames would be projected onto a transparent easel and an animator would re-draw on top of them.

Thanks to this process, Matthias is one of the few artists who give that nostalgic old-days minimal appearance to some of his stunning hand-drawn looped gif animations.

More information on Matthias Brown here.

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Matthias Brown es un diseñador gráfico ampliamente versátil interesado en las áreas de animación, impresión, arte de libros y arte digital. Es un artista que disfruta experimentar con métodos antiguos de manipulación de imágenes con el objetivo de descubrir el sin fin de posibilidades de un diseño y su proceso creativo. Estudió la licenciatura en Diseño Gráfico en la SCAD Atlanta.

Matthias busca hacer de su trabajo un arte memorable para el observador. Las animaciones que crea exploran la simplicidad y la fragilidad de una imagen por medio de un balance único en la eliminación y repetición de sus elementos. Algunas de sus fuentes de inspiración son las exhibiciones en museos, la música hip-hop, la comida y la gente.

“Inicialmente, traté de capturar un momento interesante, cosa que todavía hago, sin embargo, después de comenzar a remover elementos para enfocarme en un fragmento particular del clip, se convirtió en toda una proeza el tratar de simplificarlo únicamente con los elementos necesarios en un lapso de 1 ó 2 segundos.” – Matthias Brown

Este talentoso diseñador disfruta experimentar con diferentes técnicas y herramientas de animación antiguas, como el zoótropo y el phenakistoscopio. Entre sus creaciones más llamativas se encuentran las realizadas con el proceso de rotoscopia, en las cuales Matthias alteró la realidad de sus propios dibujos. La rotoscopia es un método de animación casi completamente abandonado el cual fue patentado en 1917 por Max Fleischer quien lo utilizó en su serie “Out of the Inkwell”. Consistía en dar una apariencia y secuencia más natural a una imagen reemplazando cada fotograma de un video con un dibujo. Cada sección era proyectada en un panel transparente sobre el que un animador dibujaría a mano.

Gracias a este proceso, Matthias es uno de los pocos diseñadores que logran dar ese aspecto antiguo y nostálgico a sus increíbles animaciones dibujadas a mano.

Más información sobre Matthias Brown aquí.

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Matthias Brown es un diseñador gráfico ampliamente versátil interesado en las áreas de animación, impresión, arte de libros y arte digital. Es un artista que disfruta experimentar con métodos antiguos de manipulación de imágenes con el objetivo de descubrir el sin fin de posibilidades de un diseño y su proceso creativo. Estudió la licenciatura en Diseño Gráfico en la SCAD Atlanta.

Matthias busca hacer de su trabajo un arte memorable para el observador. Las animaciones que crea exploran la simplicidad y la fragilidad de una imagen por medio de un balance único en la eliminación y repetición de sus elementos. Algunas de sus fuentes de inspiración son las exhibiciones en museos, la música hip-hop, la comida y la gente.

“Inicialmente, traté de capturar un momento interesante, cosa que todavía hago, sin embargo, después de comenzar a remover elementos para enfocarme en un fragmento particular del clip, se convirtió en toda una proeza el tratar de simplificarlo únicamente con los elementos necesarios en un lapso de 1 ó 2 segundos.” – Matthias Brown

Este talentoso diseñador disfruta experimentar con diferentes técnicas y herramientas de animación antiguas, como el zoótropo y el phenakistoscopio. Entre sus creaciones más llamativas se encuentran las realizadas con el proceso de rotoscopia, en las cuales Matthias alteró la realidad de sus propios dibujos. La rotoscopia es un método de animación casi completamente abandonado el cual fue patentado en 1917 por Max Fleischer quien lo utilizó en su serie “Out of the Inkwell”. Consistía en dar una apariencia y secuencia más natural a una imagen reemplazando cada fotograma de un video con un dibujo. Cada sección era proyectada en un panel transparente sobre el que un animador dibujaría a mano.

Gracias a este proceso, Matthias es uno de los pocos diseñadores que logran dar ese aspecto antiguo y nostálgico a sus increíbles animaciones dibujadas a mano.

Más información sobre Matthias Brown aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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June 4, 2014 - No Comments!

★ Jaime Martinez (MX) | New Fashion Design Collection

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Mexican photographer and GIF animator Jaime Martinez presents a new collection of surreal and reflective sweatshirts and t-shirts.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Meet Jaime Martinez and the story behind his new clothing collection in this exclusive interview for Saketekilla*.

How did you come up with the idea of your new sweatshirt and t-shirt collection?

I have always been an enthusiast about wearing t-shirts that have images printed on them. I wanted to try the same thing with my own images and also to make them available to my friends and other people I know. First, I began the project thinking it would be focused on the people closest to me, but then, I started selling my work online and now people from all around the world is interested in it. Knowing that my clothes are being worn in some place far away from here really motivates me.

What is the main concept of your collection?

To have another mean in which to present my work. Truth be told, these days I am more excited about exhibiting my photos and collages in clothes than in galleries. On the other hand, I am always trying new things and I found in these sweatshirt and t-shirt collection a new way to communicate my ideas and to share them with the people who appreciate them and are willing to wear them.

Many of your designs have repeated images like hands, nails, eyes, stars, nature and the universe. What was tour main source of inspiration for each design? What did you want to express by fusing elements like a pair of hands with the sea, or a pair of eyes with the space?

I have been working in collages in which the main elements are eyes and hands; lately, I have been having an obsession with these two elements. I think that these parts of the human body are the “windows” that make possible for two people interested in each other to meet and to start a story between them.

Regarding nature and space, I believe these are two equally common and magical places for any type of people. I wanted to create abstract images that were appealing to people. Actually, I think that all these elements are things that we would like to hold and keep close to us, and what could be better than wear a t-shirt printed with an image like that?; with a bit of luck, someone my want to give you a hug.

Is there a particular reason for which you decided to create most of your clothes in black and white?

They are basic colors and people can wear them with almost everything. In addition to this, I like to think that I am creating simple and basic garments and that I am using them as canvases to display my images. Maybe later I will try to add new elements to them, but for now, I want to keep it simple.

Why did you decide to include the reflective spaces and lines? Did you imagine since the beginning that your collection would be ideal for cyclists and people doing outdoor activities? Or is it a concept that developed eventually?

Actually, ever since I started creating GIFs, I have wanted to print them in clothing; surely someday it will be possible to wear clothes with animated images on them. This interest took me to imagine new possibilities. The reflective element is basically something “interactive” given that it is activated when light is directed to it. The idea of making them for cyclists was a concept developed throughout the making process. I ride a bike almost every day and I realized the project’s potential. Personally, they fit perfectly in my world because almost daily I wear black clothing and my bicycle is black, so, thanks to the reflective lights I am more detectible to cars.

What was your creative process? What technique did you use to create your collection?

The printing process is made directly on the cloth. The garment is located in a printer that injects black ink on the shirt; this improves the water resistance of the image unlike other processes like sublimation or transfer. The printing process is carried out here in Mexico City and a Mexican brand provides the clothing. Everything is made in Mexico.

What do you think about the future of your collection?

Maybe I would like to produce the clothing myself and include unique designs and different styles. In order to do that, I would like to collaborate with a fashion designer with great knowledge and experience, given that that is not my area of expertise. I don’t know what is going to happen with the collection and how big this project can be; so far, it is a parallel project as I continue to be focused on my animated photos, which is my main work. However, I like that so many people are interested in my new collection.

We thank Jaime Martinez for this great interview. More information on his new collection here.

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Meet Jaime Martinez and the story behind his new clothing collection in this exclusive interview for Saketekilla*.

How did you come up with the idea of your new sweatshirt and t-shirt collection?

I have always been an enthusiast about wearing t-shirts that have images printed on them. I wanted to try the same thing with my own images and also to make them available to my friends and other people I know. First, I began the project thinking it would be focused on the people closest to me, but then, I started selling my work online and now people from all around the world is interested in it. Knowing that my clothes are being worn in some place far away from here really motivates me.

What is the main concept of your collection?

To have another mean in which to present my work. Truth be told, these days I am more excited about exhibiting my photos and collages in clothes than in galleries. On the other hand, I am always trying new things and I found in these sweatshirt and t-shirt collection a new way to communicate my ideas and to share them with the people who appreciate them and are willing to wear them.

Many of your designs have repeated images like hands, nails, eyes, stars, nature and the universe. What was tour main source of inspiration for each design? What did you want to express by fusing elements like a pair of hands with the sea, or a pair of eyes with the space?

I have been working in collages in which the main elements are eyes and hands; lately, I have been having an obsession with these two elements. I think that these parts of the human body are the “windows” that make possible for two people interested in each other to meet and to start a story between them.

Regarding nature and space, I believe these are two equally common and magical places for any type of people. I wanted to create abstract images that were appealing to people. Actually, I think that all these elements are things that we would like to hold and keep close to us, and what could be better than wear a t-shirt printed with an image like that?; with a bit of luck, someone my want to give you a hug.

Is there a particular reason for which you decided to create most of your clothes in black and white?

They are basic colors and people can wear them with almost everything. In addition to this, I like to think that I am creating simple and basic garments and that I am using them as canvases to display my images. Maybe later I will try to add new elements to them, but for now, I want to keep it simple.

Why did you decide to include the reflective spaces and lines? Did you imagine since the beginning that your collection would be ideal for cyclists and people doing outdoor activities? Or is it a concept that developed eventually?

Actually, ever since I started creating GIFs, I have wanted to print them in clothing; surely someday it will be possible to wear clothes with animated images on them. This interest took me to imagine new possibilities. The reflective element is basically something “interactive” given that it is activated when light is directed to it. The idea of making them for cyclists was a concept developed throughout the making process. I ride a bike almost every day and I realized the project’s potential. Personally, they fit perfectly in my world because almost daily I wear black clothing and my bicycle is black, so, thanks to the reflective lights I am more detectible to cars.

What was your creative process? What technique did you use to create your collection?

The printing process is made directly on the cloth. The garment is located in a printer that injects black ink on the shirt; this improves the water resistance of the image unlike other processes like sublimation or transfer. The printing process is carried out here in Mexico City and a Mexican brand provides the clothing. Everything is made in Mexico.

What do you think about the future of your collection?

Maybe I would like to produce the clothing myself and include unique designs and different styles. In order to do that, I would like to collaborate with a fashion designer with great knowledge and experience, given that that is not my area of expertise. I don’t know what is going to happen with the collection and how big this project can be; so far, it is a parallel project as I continue to be focused on my animated photos, which is my main work. However, I like that so many people are interested in my new collection.

We thank Jaime Martinez for this great interview. More information on his new collection here.

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Conoce a Jaime Martínez y la historia detrás de la creación de su nueva colección de sudaderas y playeras en esta entrevista exclusiva para Saketekilla*.

¿Cómo surgió la idea de tu nueva colección de sudaderas y playeras?

Desde hace mucho tiempo he sido fan de llevar imágenes en las camisetas que uso. Quise probarlo con imágenes mías e idear otra manera de hacer accesible mi trabajo a mis amigos y conocidos. Primero hice el proyecto con la idea de que sería para la gente cercana a mí, pero después las empecé a vender por internet y ahora me compran desde varios países. Me motiva la idea de que hay personas en lugares lejanos vistiendo alguna de estas piezas.

¿Cuál es el concepto principal de tu colección?

Tener otro medio en el cuál presentar la obra. La verdad, actualmente me emociona más "exponer" mis fotos y collages en estas prendas que en galerías. Por otra parte, siempre estoy muy inquieto de intentar cosas diferentes, y encontré en las prendas un nuevo espacio para comunicar mis ideas y compartirlas con la gente que les guste y estén de acuerdo en vestirlas.

En varios de tus diseños vemos imágenes que se repiten: manos, uñas, ojos, estrellas, la naturaleza y el espacio. ¿Cuál fue tu fuente de inspiración para cada diseño? ¿Qué deseas expresar al unir elementos como un par de manos con el mar o un par de ojos con el espacio?

He estado trabajando con collages cuyos elementos principales son las manos y los ojos; tengo una obsesión últimamente con estos dos elementos. Pienso que estas partes del cuerpo humano son las principales "ventanas" o contactos que hacen que comience una historia entre dos personas que se interesan mutuamente.

En cuanto a la naturaleza y el espacio, éstos son lugares comunes y mágicos por igual para cualquier persona en cualquier parte del mundo. Quise crear imágenes un poco abstractas que fueran amenas para muchas personas. En realidad, pienso que todos estos elementos son cosas que nos gustaría abrazar y estar cerca de ellas, y qué mejor lugar para llevar una imagen así que en una prenda que llevas puesta; con suerte, a alguien se le puede antojar darte un abrazo.

La mayoría de las prendas son en blanco y negro, ¿alguna razón en particular por la que decidiste crearlas así?

Son los colores más básicos y más fáciles de combinar con lo que sea. Por otra parte, me gusta pensar que estoy haciendo piezas básicas en prendas sencillas, los cuales estoy utilizando como lienzos para presentar mis imágenes. Tal vez después intentaré añadir nuevos elementos pero de momento quiero mantenerlo simple.

¿A qué se debe la inclusión de tiras y espacios que reflejen la luz? ¿Desde un principio tuviste la idea de crear algo ideal para ciclistas y personas que hacen actividades en el  exterior, o ese concepto se desarrolló en el proceso?

La verdad es que desde que hago GIFs tengo la fantasía de poder imprimirlos en camisetas; seguramente algún día será posible llevar imágenes animadas en la ropa. Esta inquietud me llevó a imaginarme posibilidades. El elemento reflejante es en esencia algo interactivo, pues se "activa" cuando una luz es dirigida directamente hacia la prenda. La idea de promocionarlas como un accesorio para ciclistas se fue desarrollando en el proceso. Yo ando en bicicleta casi todos los días pues lo uso de medio de transporte, y me di cuenta del potencial. Personalmente, me viene muy bien porque casi siempre visto de negro y mi bicicleta es negra, ahora con el reflejante me ven más los coches.

¿Cuál fue tu proceso creativo? ¿Qué técnica utilizaste para la creación de las prendas? 

El proceso de impresión es directamente sobre la prenda. Se mete a una impresora que imprime inyección de tinta encima de la ropa, esto mejora la resistencia de la imagen al lavado a diferencia de otros procesos como sublimado o transfer. La impresión la hago en un taller aquí en la Cd. de México, las prendas de momento yo no las confecciono, son de una marca mexicana de básicos. Es todo hecho en México.

¿Cómo vislumbras el futuro de tu colección?

Tal vez me gustaría confeccionar yo mismo las piezas con diseños exclusivos e intentar nuevos cortes. Para eso me gustaría asociarme con algún diseñador que tenga los conocimientos y la experiencia, ya que realmente esa no es mi profesión. No sé qué vaya a pasar y qué tanto pueda crecer este proyecto. De momento es un proyecto paralelo y yo sigo estando enfocado en mis fotos que es realmente lo mío, pero me da gusto que haya levantado la curiosidad de algunas personas.

Agradecemos a Jaime Martínez por esta gran entrevista. Más información sobre su colección de ropa aquí.

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Conoce a Jaime Martínez y la historia detrás de la creación de su nueva colección de sudaderas y playeras en esta entrevista exclusiva para Saketekilla*.

¿Cómo surgió la idea de tu nueva colección de sudaderas y playeras?

Desde hace mucho tiempo he sido fan de llevar imágenes en las camisetas que uso. Quise probarlo con imágenes mías e idear otra manera de hacer accesible mi trabajo a mis amigos y conocidos. Primero hice el proyecto con la idea de que sería para la gente cercana a mí, pero después las empecé a vender por internet y ahora me compran desde varios países. Me motiva la idea de que hay personas en lugares lejanos vistiendo alguna de estas piezas.

¿Cuál es el concepto principal de tu colección?

Tener otro medio en el cuál presentar la obra. La verdad, actualmente me emociona más "exponer" mis fotos y collages en estas prendas que en galerías. Por otra parte, siempre estoy muy inquieto de intentar cosas diferentes, y encontré en las prendas un nuevo espacio para comunicar mis ideas y compartirlas con la gente que les guste y estén de acuerdo en vestirlas.

En varios de tus diseños vemos imágenes que se repiten: manos, uñas, ojos, estrellas, la naturaleza y el espacio. ¿Cuál fue tu fuente de inspiración para cada diseño? ¿Qué deseas expresar al unir elementos como un par de manos con el mar o un par de ojos con el espacio?

He estado trabajando con collages cuyos elementos principales son las manos y los ojos; tengo una obsesión últimamente con estos dos elementos. Pienso que estas partes del cuerpo humano son las principales "ventanas" o contactos que hacen que comience una historia entre dos personas que se interesan mutuamente.

En cuanto a la naturaleza y el espacio, éstos son lugares comunes y mágicos por igual para cualquier persona en cualquier parte del mundo. Quise crear imágenes un poco abstractas que fueran amenas para muchas personas. En realidad, pienso que todos estos elementos son cosas que nos gustaría abrazar y estar cerca de ellas, y qué mejor lugar para llevar una imagen así que en una prenda que llevas puesta; con suerte, a alguien se le puede antojar darte un abrazo.

La mayoría de las prendas son en blanco y negro, ¿alguna razón en particular por la que decidiste crearlas así?

Son los colores más básicos y más fáciles de combinar con lo que sea. Por otra parte, me gusta pensar que estoy haciendo piezas básicas en prendas sencillas, los cuales estoy utilizando como lienzos para presentar mis imágenes. Tal vez después intentaré añadir nuevos elementos pero de momento quiero mantenerlo simple.

¿A qué se debe la inclusión de tiras y espacios que reflejen la luz? ¿Desde un principio tuviste la idea de crear algo ideal para ciclistas y personas que hacen actividades en el  exterior, o ese concepto se desarrolló en el proceso?

La verdad es que desde que hago GIFs tengo la fantasía de poder imprimirlos en camisetas; seguramente algún día será posible llevar imágenes animadas en la ropa. Esta inquietud me llevó a imaginarme posibilidades. El elemento reflejante es en esencia algo interactivo, pues se "activa" cuando una luz es dirigida directamente hacia la prenda. La idea de promocionarlas como un accesorio para ciclistas se fue desarrollando en el proceso. Yo ando en bicicleta casi todos los días pues lo uso de medio de transporte, y me di cuenta del potencial. Personalmente, me viene muy bien porque casi siempre visto de negro y mi bicicleta es negra, ahora con el reflejante me ven más los coches.

¿Cuál fue tu proceso creativo? ¿Qué técnica utilizaste para la creación de las prendas? 

El proceso de impresión es directamente sobre la prenda. Se mete a una impresora que imprime inyección de tinta encima de la ropa, esto mejora la resistencia de la imagen al lavado a diferencia de otros procesos como sublimado o transfer. La impresión la hago en un taller aquí en la Cd. de México, las prendas de momento yo no las confecciono, son de una marca mexicana de básicos. Es todo hecho en México.

¿Cómo vislumbras el futuro de tu colección?

Tal vez me gustaría confeccionar yo mismo las piezas con diseños exclusivos e intentar nuevos cortes. Para eso me gustaría asociarme con algún diseñador que tenga los conocimientos y la experiencia, ya que realmente esa no es mi profesión. No sé qué vaya a pasar y qué tanto pueda crecer este proyecto. De momento es un proyecto paralelo y yo sigo estando enfocado en mis fotos que es realmente lo mío, pero me da gusto que haya levantado la curiosidad de algunas personas.

Agradecemos a Jaime Martínez por esta gran entrevista. Más información sobre su colección de ropa aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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May 21, 2014 - No Comments!

★ Andres Medina (MX) | El Fanzine, A Rewarding Life Experience

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A writer, cultural journalist, art enthusiast and current editorial director of Mexican creative magazine El Fanzine.


[Ver artículo en español abajo]

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Meet Andres Medina in this exclusive interview for Saketekilla*.

Could you please tell us a bit about yourself and your background? What took you to be the editorial director of El Fanzine?

I was born in Mexico City and all my life I lived in Colonia Del Valle. Since I was a little boy I attended private schools, however, the bohemian life was what really attracted me. It was there where I found my true influence. My parents love music, dancing and parties, so, at a very young age I was used of having contact with the artistic world. My mother was a librarian for thirty years; as a result, reading was a common habit in our home. I studied Communication at Universidad Iberoamericana and specialized in cinema. Later on, my path crossed with the editorial world.

I met El Fanzine when I was in the final stage of college. The first edition I was truly involved was number 6. Since then, alongside all the people who have been part of the project, we have created amazing things with absolute dedication.

Who/what has been a key factor in the creation of El Fanzine? How did it transform into something tangible and especial, into something that people would like? Since the beginning did you imagine to have the success you have experienced so far?

This question could be better answered by its creators; however, I will tell you what I know. Mariano Rocha had the ambitious idea of creating a magazine called SODA. Along the way, he did an exhibition about two friends of him: Julio Pineda (photographer) and Daniel Coca (designer), with the collaboration of Landy Bustamente, who commercialized the event. They realized that they could work together very well, so they decided to launch El Fanzine, which has been functioning for five years now. How did it transform into something tangible and especial? Well, the answer is easy: they did it. Since the beginning it was a successful project because of its honesty, eccentricity and passion; besides, it is one of the first free proposals in Mexico City with an attractive look and large format that informs about art, music, design, fashion and photography. In my opinion, the successful proposals are built stronger when they are the result of the willingness of the authors to create; when passion drives them, and not success.

In Mexico, no other magazine approaches the reader to Mexican and international culture, artist expressions and talents as El Fanzine does. What is the philosophy behind all that? What do you expect to achieve in the future? What are your biggest dreams?

The main objective of El Fanzine is to share, to make people think and to open dialogues between them to be able to enjoy culture and art. I believe that what distinguish El Fanzine from other editorials is how it approaches art, without pretensions and with the solely desire to reciprocate and to grow. The editorial line has a constructive profile; it does not inflict a certain point of view on readers, but it shares, reaching people with the same likes.

We do not like to talk about the future; we prefer to think about the present. But when we do, we always see ourselves deeper involved in society. We want to make a difference in our colony, our delegation, our state, our country and our planet.

My biggest dreams have always been related to creation; to be able to write a book, to make a painting, to write a song; but honestly, I think we are already living our own dreams.

What has been the biggest challenge El Fazine has faced throughout its trajectory?

Day after day we face new challenges, and that is what keeps us alive and what makes of this great experience something dynamic and real, far from perfection. But, talking about a challenge in particular, such adversity has been to maintain us different and unpredictable without transforming El Fanzine into a tedious editorial. We make sure that we grow personally so we can be in movement. Being united has also been a challenge we have learned to accept and which we all have faced positively. 

How did you come up with this amazing creative Mexican retro style of El Fanzine?

We have such style thanks to the good taste and sensitivity of Art Director Daniel Coca. The visual power and the effect that it has in the reader is characterized by Coca’s magical design. He lives a life full of creativity, and I dare to say that he achieves such style because he has very well established what he loves.

Regarding the editorial content, how do you choose the artists to discuss? What is your selection process? How do you make magic happen?

The process is absolutely personal and experience related, which I think is what makes El Fanzine so especial. The themes we choose are related to what we live every day. Even people who participate are individuals who cross our paths. Some collaborators are so deeply involved in the project and they understand so well our philosophy that we work together very often. The magic happens thanks to the energy and love of the almost 40 people that participate each month.

What are the most noticed artists right now, national and internationally?

As in everything else, it is all a matter of taste; actually it is there where the job of a curator or editor is most valuable, they get to share with the audience what they consider truly worthy. Personally, I like the work of Neck Face, Saner, JR, Ai Weiwei, Parra, Mark Ryden, Mario Testino, Pharrell Williams, Barry McGee, David Cook, and many others.

What are your main sources of inspiration?

I like to visit the official sites of Juxtapoz and Interview magazines, Mass Appeal, Ego Tripland, Dazed & Confused. However, I am starting to notice much more Instagram and what friends of mine share with me.

Lately, we have seen a great wave of Mexican artistic culture with incredible talent, what do you think of the current artistic scenario in Mexico and what do you think is going to happen in the years to come?

It is true that Mexico is living an amazing creative moment, and I think we should make the most of it by revealing ourselves to the world; the quality of our products and ideas is very high. I believe is important to notice bussiness strategies and project consolidations. As you say, there are a lot of proposals, but not a lot of action to carry them out. I think that if you want to do it, you should do it. This is the time, it is now or never. In my opinion, the artistic scenario in Mexico is earning international recognition; artists from all over the world want to come to Mexico and show themselves to society, which is eager for artistic culture. How do I see the future? I think it all depends on what we do now; I imagine that all those fakers will soon fall.

There are incredible artists related to different disciplines: urban and digital artists, illustrators, industrial designers, fashion designers and many more. Which artistic area do you consider stronger and with more potential in Mexico?

I think each area has its strength, they are all growing and I believe they all have great potential; each one will define how far they want to go. I would rather talk about the current failures. It seems to me that until Mexico starts to use its own products, the industries will consolidate. For example, I do not think a fashion industry exists. When I say “industry” I mean with its correspondent revenues, even for Mexico. Right now, it sees that there is only an industry which plays to be an industry. 

Years ago this was impossible because the market was not educated to use the fashion trends or extravagant proposals, and I mean it in all artistic disciplines. Today, even in architecture, the perceptions and necessities of the consumers are evolving. So, all of them have great potential.

London is fashion, Japan is technology, Mexico is…

Passionate surrealism.

How do the local brands, the media and organizations support the artistic scenario in Mexico?

I think we find ourselves in continuous growth; some have leaded the way since years ago, others have improved it, and others have evolved it. To some of us is our turn to think it over again because of the arrival of the social networks and technology, which offer broader paths. Brands have managed to adapt to such artist movement, not all of them have succeeded of course, but there are some who really support the content and do not seek personal credit.

How could they support such scenario?

I believe hiring sensitive people who really understand artists’ ideas; people who are not afraid of risking themselves. Artists know how to get to people, how to make them feel, if they gave them more creative power we would have fun, intellectual and conceptual advertising companies. I am sick of looking at meaningless and stupid TV spots all the time.

What are your future expectations collaborating with Saketekilla? Are there other future projects you would like to help develop or launch internationally?

It is always good to collaborate with someone new, the results are different and the energy built is never the same with everybody. A friend of mine always told me this: “it is better to gain a ally than an enemy” (laughs).

We thank Andres Medina for this great interview. More information on El Fanzine here.

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Meet Andres Medina in this exclusive interview for Saketekilla*.

Could you please tell us a bit about yourself and your background? What took you to be the editorial director of El Fanzine?

I was born in Mexico City and all my life I lived in Colonia Del Valle. Since I was a little boy I attended private schools, however, the bohemian life was what really attracted me. It was there where I found my true influence. My parents love music, dancing and parties, so, at a very young age I was used of having contact with the artistic world. My mother was a librarian for thirty years; as a result, reading was a common habit in our home. I studied Communication at Universidad Iberoamericana and specialized in cinema. Later on, my path crossed with the editorial world.

I met El Fanzine when I was in the final stage of college. The first edition I was truly involved was number 6. Since then, alongside all the people who have been part of the project, we have created amazing things with absolute dedication.

Who/what has been a key factor in the creation of El Fanzine? How did it transform into something tangible and especial, into something that people would like? Since the beginning did you imagine to have the success you have experienced so far?

This question could be better answered by its creators; however, I will tell you what I know. Mariano Rocha had the ambitious idea of creating a magazine called SODA. Along the way, he did an exhibition about two friends of him: Julio Pineda (photographer) and Daniel Coca (designer), with the collaboration of Landy Bustamente, who commercialized the event. They realized that they could work together very well, so they decided to launch El Fanzine, which has been functioning for five years now. How did it transform into something tangible and especial? Well, the answer is easy: they did it. Since the beginning it was a successful project because of its honesty, eccentricity and passion; besides, it is one of the first free proposals in Mexico City with an attractive look and large format that informs about art, music, design, fashion and photography. In my opinion, the successful proposals are built stronger when they are the result of the willingness of the authors to create; when passion drives them, and not success.

In Mexico, no other magazine approaches the reader to Mexican and international culture, artist expressions and talents as El Fanzine does. What is the philosophy behind all that? What do you expect to achieve in the future? What are your biggest dreams?

The main objective of El Fanzine is to share, to make people think and to open dialogues between them to be able to enjoy culture and art. I believe that what distinguish El Fanzine from other editorials is how it approaches art, without pretensions and with the solely desire to reciprocate and to grow. The editorial line has a constructive profile; it does not inflict a certain point of view on readers, but it shares, reaching people with the same likes.

We do not like to talk about the future; we prefer to think about the present. But when we do, we always see ourselves deeper involved in society. We want to make a difference in our colony, our delegation, our state, our country and our planet.

My biggest dreams have always been related to creation; to be able to write a book, to make a painting, to write a song; but honestly, I think we are already living our own dreams.

What has been the biggest challenge El Fazine has faced throughout its trajectory?

Day after day we face new challenges, and that is what keeps us alive and what makes of this great experience something dynamic and real, far from perfection. But, talking about a challenge in particular, such adversity has been to maintain us different and unpredictable without transforming El Fanzine into a tedious editorial. We make sure that we grow personally so we can be in movement. Being united has also been a challenge we have learned to accept and which we all have faced positively. 

How did you come up with this amazing creative Mexican retro style of El Fanzine?

We have such style thanks to the good taste and sensitivity of Art Director Daniel Coca. The visual power and the effect that it has in the reader is characterized by Coca’s magical design. He lives a life full of creativity, and I dare to say that he achieves such style because he has very well established what he loves.

Regarding the editorial content, how do you choose the artists to discuss? What is your selection process? How do you make magic happen?

The process is absolutely personal and experience related, which I think is what makes El Fanzine so especial. The themes we choose are related to what we live every day. Even people who participate are individuals who cross our paths. Some collaborators are so deeply involved in the project and they understand so well our philosophy that we work together very often. The magic happens thanks to the energy and love of the almost 40 people that participate each month.

What are the most noticed artists right now, national and internationally?

As in everything else, it is all a matter of taste; actually it is there where the job of a curator or editor is most valuable, they get to share with the audience what they consider truly worthy. Personally, I like the work of Neck Face, Saner, JR, Ai Weiwei, Parra, Mark Ryden, Mario Testino, Pharrell Williams, Barry McGee, David Cook, and many others.

What are your main sources of inspiration?

I like to visit the official sites of Juxtapoz and Interview magazines, Mass Appeal, Ego Tripland, Dazed & Confused. However, I am starting to notice much more Instagram and what friends of mine share with me.

Lately, we have seen a great wave of Mexican artistic culture with incredible talent, what do you think of the current artistic scenario in Mexico and what do you think is going to happen in the years to come?

It is true that Mexico is living an amazing creative moment, and I think we should make the most of it by revealing ourselves to the world; the quality of our products and ideas is very high. I believe is important to notice bussiness strategies and project consolidations. As you say, there are a lot of proposals, but not a lot of action to carry them out. I think that if you want to do it, you should do it. This is the time, it is now or never. In my opinion, the artistic scenario in Mexico is earning international recognition; artists from all over the world want to come to Mexico and show themselves to society, which is eager for artistic culture. How do I see the future? I think it all depends on what we do now; I imagine that all those fakers will soon fall.

There are incredible artists related to different disciplines: urban and digital artists, illustrators, industrial designers, fashion designers and many more. Which artistic area do you consider stronger and with more potential in Mexico?

I think each area has its strength, they are all growing and I believe they all have great potential; each one will define how far they want to go. I would rather talk about the current failures. It seems to me that until Mexico starts to use its own products, the industries will consolidate. For example, I do not think a fashion industry exists. When I say “industry” I mean with its correspondent revenues, even for Mexico. Right now, it sees that there is only an industry which plays to be an industry. 

Years ago this was impossible because the market was not educated to use the fashion trends or extravagant proposals, and I mean it in all artistic disciplines. Today, even in architecture, the perceptions and necessities of the consumers are evolving. So, all of them have great potential.

London is fashion, Japan is technology, Mexico is…

Passionate surrealism.

How do the local brands, the media and organizations support the artistic scenario in Mexico?

I think we find ourselves in continuous growth; some have leaded the way since years ago, others have improved it, and others have evolved it. To some of us is our turn to think it over again because of the arrival of the social networks and technology, which offer broader paths. Brands have managed to adapt to such artist movement, not all of them have succeeded of course, but there are some who really support the content and do not seek personal credit.

How could they support such scenario?

I believe hiring sensitive people who really understand artists’ ideas; people who are not afraid of risking themselves. Artists know how to get to people, how to make them feel, if they gave them more creative power we would have fun, intellectual and conceptual advertising companies. I am sick of looking at meaningless and stupid TV spots all the time.

What are your future expectations collaborating with Saketekilla? Are there other future projects you would like to help develop or launch internationally?

It is always good to collaborate with someone new, the results are different and the energy built is never the same with everybody. A friend of mine always told me this: “it is better to gain a ally than an enemy” (laughs).

We thank Andres Medina for this great interview. More information on El Fanzine here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Andrés Medina, escritor, periodista cultural y amante del cine; actualmente director en jefe de la revista creativa Mexicana El Fanzine.

Conócelo en esta entrevista exclusiva para Saketekilla*.

Primero que nada, nos gustaría saber más de ti. ¿De dónde vienes? ¿Qué estudiaste? De igual forma, ¿Qué fue lo que te llevó a la creación de El Fanzine?

Nací en la ciudad de México y toda mi vida viví en la colonia Del Valle. Fui a escuelas privadas desde niño pero mi ambiente siempre fue bohemio, de ahí viene mi mayor influencia. Mis padres son amantes de la música, bailarines natos y fiesteros, así que desde chico estuve en contacto con el arte. Mi mamá fue bibliotecaria por treinta años, por lo que siempre se inculcó la lectura en mi casa. Estudié Ciencias de la Comunicación en la Universidad Iberoamericana, me especialicé en cine y por asares del destino terminé en el mundo editorial.

Me crucé con El Fanzine antes de terminar la carrera, justo ya en la especialidad. Recuerdo que el primer número en el cual estuve involucrado fue el #6. Desde entonces, junto con todas las personas que han formado parte de la comunidad que da vida al proyecto, hemos creado cosas increíbles, con corazón.

¿Qué o quiénes fueron las piezas claves en la realización de El Fanzine? ¿Cómo pasó de ser una idea a algo tangible, y en especial, a algo que fuera gustar a la gente? ¿Desde un inicio imaginaron tener el éxito que han logrado hasta el momento?

Esta pregunta la podrían responder mejor sus creadores, pero les cuento lo que sé. Mariano Rocha tenía la inquietud de hacer una revista que llamaría SODA; era un proyecto ambicioso. En el camino a lograrlo hizo una exposición de dos amigos suyos: Julio Pineda (fotógrafo) y Daniel Coca (diseñador), con ayuda de Landy Bustamante quien comercializó el evento. Al ver que los cuatro trabajaban bien en equipo, decidieron armar el proyecto y pues hasta ahora lleva cinco años de vida. Sobre como pasó de ser una idea a algo tangible creo que la respuesta es sencilla, lo hicieron. El proyecto desde un inicio tuvo éxito por su sinceridad, rareza y por estar hecho con pasión, además de ser una de las primeras propuestas de la ciudad de México gratuitas, con un formato grande y atractivo, que habla de arte, música, diseño, moda y fotografía. En mi opinión, las propuestas exitosas o que se mantienen fuertes son las que se hacen por la necesidad de los autores por crear; llevan pasión y no se hacen pensando en alcanzar el éxito. 

No se ha visto otra revista en México como El Fanzine, la cual acerca al lector tanto a la cultura mexicana, a sus expresiones y talentos, como a tendencias mundiales. ¿Cuál es la filosofía detrás de todo eso? ¿Qué esperan alcanzar en un futuro? ¿Cuáles son tus mayores sueños?

El principal objetivo de El Fanzine es compartir, incitar a pensar y generar un diálogo para así disfrutar de la cultura y el arte. Creo que lo que distingue a El Fanzine de las demás publicaciones es la forma en la que se acerca al arte, sin pretensiones y con el deseo de intercambiar y crecer. La línea editorial tiene un perfil constructivo; no impone su punto de vista, sino que comparte y al compartir, agrada a quienes gustan de compartir.

No nos gusta pensar en el futuro; procuramos pensar mejor en el presente, pero cuando lo hacemos, siempre nos vemos involucrados con mayor profundidad y fuerza con la sociedad. Queremos tener un efecto en nuestra colonia, delegación, estado, país y planeta.

Mis mayores sueños siempre han girado en torno a la creación, poder escribir un libro, pintar un cuadro, hacer una canción; pero sinceramente creo que ya estamos viviendo nuestros sueños.

¿Cuál ha sido el mayor reto que El Fanzine ha enfrentado a lo largo de su trayectoria?

Día a día nos enfrentamos a nuevos retos, y eso es lo que nos mantiene vivos y lo que hace que no se vuelva aburrido y perfecto. Pero hablando sobre un reto en específico, que creo éste ha sido la base de todo: mantenernos interesantes, propositivos y no aburrirle al lector siendo predecible. Procuramos crecer personalmente para así estar en movimiento. Estar unidos también ha sido un reto que hemos aceptado y que hasta ahora hemos cumplido perfectamente.

¿Cómo llegaron a ese impactante y creativo estilo visual retro-mexicano que tiene El Fanzine?

Esto es consecuencia del gran gusto y la enorme sensibilidad de nuestro Director de Arte, Daniel Coca. El poder visual y el efecto que tiene en el lector es la magia que caracteriza el diseño de Coca, quien vive de una manera creativa la vida. Me arriesgo a decir que creo que gran parte de su estilo es gracias a que es un gran observador y a que tiene muy claro lo que ama.

En relación a tu equipo de trabajo, ¿cómo encuentran a los artistas y temas que desean cubrir? ¿Cuál es el proceso de selección? ¿Cómo logras que suceda la magia?

Este proceso es totalmente vivencial y personal, creo que es justamente lo que hace tan especial a El Fanzine. Los temas que elegimos nacen de las experiencias y situaciones que estamos viviendo en el momento, incluso las personas que participan son las personas que la vida pone en nuestro camino. Algunos de los colaboradores se involucran a un nivel tan profundo con nosotros que logran entender perfectamente la intención y la línea editorial de nuestro proyecto, por esta razón colaboramos con ellos muy seguido. La magia sucede gracias a la energía y amor de todos los involucrados, cada mes participan cerca de 40 personas.

¿Cuáles son los principales artistas del momento? Local e internacionalmente.

Pues creo que como en todo es cuestión de gustos, justo ahí es donde entra el trabajo de un curador o un editor, compartir con su audiencia lo que él considera valioso. En lo personal me gusta mucho el trabajo de Neck Face, Saner, JR, Ai Weiwei, Parra, Mark Ryden, Mario Testino, Pharrell Williams, Barry McGee, David Cook… existen muchísimos.

¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración en línea?

Me gusta consultar el sitio de Juxtapoz, Interview, Mass Appeal, Ego Tripland, Dazed & Confused, pero creo que mi consumo visual se está enfocando mucho ya en Instagram y en lo que mis amigos comparten conmigo.

Hemos visto una gran ola emergente de cultura artística en México con un increíble talento (¡aunque hay que indagar mucho para encontrarla!). Como mexicano, ¿cómo ves el actual escenario artístico en México y qué piensas que sucederá en los siguientes años?

Es verdad que México se encuentra en un momento creativo increíble, lo debemos aprovechar y es justo ahora cuando debemos exponernos al resto del mundo; la calidad de nuestros productos y nuestras ideas está en un punto muy alto. Creo que es momento de poner atención también a las estrategias de negocios y a la consolidación de los proyectos. Como dices, hay mucha propuesta, pero hay pocas que tienen la suficiente fuerza para realmente hacer las cosas. Pero definitivamente si lo quieres hacer, es ahora o nunca. Creo que la escena de arte en México está cobrando renombre internacional, todos los artistas de otras partes del mundo quieren venir y mostrarse a la sociedad, la cual está sedienta de arte. ¿Cómo veo el futuro?, pues creo que depende de cómo rifemos ahorita, pero imagino caerán los que eran pose y no tenían contenido.

Existen increíbles artistas, desde los dedicados al arte urbano, hasta los artistas digitales, los ilustradores y los diseñadores industriales y de moda. ¿Cuál área artística o de diseño consideras es la más fuerte y tiene mayor potencial en México?

Creo que cada área tiene su fuerza, todas están creciendo y creo que todas tienen un potencial grande, cada una definirá hasta donde llegar. Pero más bien podría hablarte un poco de las fallas que hay todavía. Me parece que hasta que el mismo México no consuma sus propios productos no se consolidarán las industrias; por ejemplo no creo que exista una industria de la moda. Con industria me refiero a que exista una ganancia y que incluso signifique una ganancia para el país. Ahora me parece que se mantiene en un sector que juega a tener una industria.

Hace unos años era imposible porque el mercado no estaba educado para consumir tendencias o propuestas extravagantes, y me refiero a todas las áreas artísticas que mencionas; incluso en la arquitectura, las necesidades y gustos del consumidor han evolucionado. Así que pues todas están en potencia.

Londres es moda de último momento, Japón es diseño de tecnología, México es…

Surrealismo pasional

¿Cómo apoyan las marcas locales, los medios y las organizaciones el medio artístico en México? 

Creo que nos encontramos en crecimiento; algunos llevan trazando el camino desde hace años, otros lo mejoraron y lo evolucionaron, a otros nos tocó pensarlo de nuevo, ya que llegaron las redes sociales y la tecnología ofrece muchos más caminos. Las marcas han sabido relacionarse con el movimiento, con esta explosión artística de la cual hablamos, no todas han sabido hacerlo ni han acertado, pero hay unos cuantos que realmente apoyan el contenido y no buscan el crédito como objetivo principal.

¿Cómo podrían éstos apoyar dicho escenario?

Creo que contratando personas sensibles, que realmente comprendan las ideas de los artistas; personas que no tengan miedo de arriesgar. Los artistas saben cómo llegar a las personas, cómo hacerlas sentir, si les dieran más poder creativo tendríamos campañas publicitarias divertidas, conceptuales e intelectuales. Estoy harto de seguir viendo anuncios vacíos, patéticos y tontos en la tele y por todos lados.

¿Cuáles son tus expectativas en tu colaboración con Saketekilla? ¿Existen otros proyectos a futuro que pienses te gustaría ayudar a desarrollar o lanzar internacionalmente?

Siempre es bueno hacer un link con alguien nuevo, los resultados son diferentes, la energía que se construye con alguien nunca es la misma que construiste con otro. Siempre me lo dijo un amigo, “más vale ganar un amigo que un enemigo” (risas).

Agradecemos a Andrés Medina por esta gran entrevista. Más información sobre El Fanzine aquí.

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Andrés Medina, escritor, periodista cultural y amante del cine; actualmente director en jefe de la revista creativa Mexicana El Fanzine.

Conócelo en esta entrevista exclusiva para Saketekilla*.

Primero que nada, nos gustaría saber más de ti. ¿De dónde vienes? ¿Qué estudiaste? De igual forma, ¿Qué fue lo que te llevó a la creación de El Fanzine?

Nací en la ciudad de México y toda mi vida viví en la colonia Del Valle. Fui a escuelas privadas desde niño pero mi ambiente siempre fue bohemio, de ahí viene mi mayor influencia. Mis padres son amantes de la música, bailarines natos y fiesteros, así que desde chico estuve en contacto con el arte. Mi mamá fue bibliotecaria por treinta años, por lo que siempre se inculcó la lectura en mi casa. Estudié Ciencias de la Comunicación en la Universidad Iberoamericana, me especialicé en cine y por asares del destino terminé en el mundo editorial.

Me crucé con El Fanzine antes de terminar la carrera, justo ya en la especialidad. Recuerdo que el primer número en el cual estuve involucrado fue el #6. Desde entonces, junto con todas las personas que han formado parte de la comunidad que da vida al proyecto, hemos creado cosas increíbles, con corazón.

¿Qué o quiénes fueron las piezas claves en la realización de El Fanzine? ¿Cómo pasó de ser una idea a algo tangible, y en especial, a algo que fuera gustar a la gente? ¿Desde un inicio imaginaron tener el éxito que han logrado hasta el momento?

Esta pregunta la podrían responder mejor sus creadores, pero les cuento lo que sé. Mariano Rocha tenía la inquietud de hacer una revista que llamaría SODA; era un proyecto ambicioso. En el camino a lograrlo hizo una exposición de dos amigos suyos: Julio Pineda (fotógrafo) y Daniel Coca (diseñador), con ayuda de Landy Bustamante quien comercializó el evento. Al ver que los cuatro trabajaban bien en equipo, decidieron armar el proyecto y pues hasta ahora lleva cinco años de vida. Sobre como pasó de ser una idea a algo tangible creo que la respuesta es sencilla, lo hicieron. El proyecto desde un inicio tuvo éxito por su sinceridad, rareza y por estar hecho con pasión, además de ser una de las primeras propuestas de la ciudad de México gratuitas, con un formato grande y atractivo, que habla de arte, música, diseño, moda y fotografía. En mi opinión, las propuestas exitosas o que se mantienen fuertes son las que se hacen por la necesidad de los autores por crear; llevan pasión y no se hacen pensando en alcanzar el éxito. 

No se ha visto otra revista en México como El Fanzine, la cual acerca al lector tanto a la cultura mexicana, a sus expresiones y talentos, como a tendencias mundiales. ¿Cuál es la filosofía detrás de todo eso? ¿Qué esperan alcanzar en un futuro? ¿Cuáles son tus mayores sueños?

El principal objetivo de El Fanzine es compartir, incitar a pensar y generar un diálogo para así disfrutar de la cultura y el arte. Creo que lo que distingue a El Fanzine de las demás publicaciones es la forma en la que se acerca al arte, sin pretensiones y con el deseo de intercambiar y crecer. La línea editorial tiene un perfil constructivo; no impone su punto de vista, sino que comparte y al compartir, agrada a quienes gustan de compartir.

No nos gusta pensar en el futuro; procuramos pensar mejor en el presente, pero cuando lo hacemos, siempre nos vemos involucrados con mayor profundidad y fuerza con la sociedad. Queremos tener un efecto en nuestra colonia, delegación, estado, país y planeta.

Mis mayores sueños siempre han girado en torno a la creación, poder escribir un libro, pintar un cuadro, hacer una canción; pero sinceramente creo que ya estamos viviendo nuestros sueños.

¿Cuál ha sido el mayor reto que El Fanzine ha enfrentado a lo largo de su trayectoria?

Día a día nos enfrentamos a nuevos retos, y eso es lo que nos mantiene vivos y lo que hace que no se vuelva aburrido y perfecto. Pero hablando sobre un reto en específico, que creo éste ha sido la base de todo: mantenernos interesantes, propositivos y no aburrirle al lector siendo predecible. Procuramos crecer personalmente para así estar en movimiento. Estar unidos también ha sido un reto que hemos aceptado y que hasta ahora hemos cumplido perfectamente.

¿Cómo llegaron a ese impactante y creativo estilo visual retro-mexicano que tiene El Fanzine?

Esto es consecuencia del gran gusto y la enorme sensibilidad de nuestro Director de Arte, Daniel Coca. El poder visual y el efecto que tiene en el lector es la magia que caracteriza el diseño de Coca, quien vive de una manera creativa la vida. Me arriesgo a decir que creo que gran parte de su estilo es gracias a que es un gran observador y a que tiene muy claro lo que ama.

En relación a tu equipo de trabajo, ¿cómo encuentran a los artistas y temas que desean cubrir? ¿Cuál es el proceso de selección? ¿Cómo logras que suceda la magia?

Este proceso es totalmente vivencial y personal, creo que es justamente lo que hace tan especial a El Fanzine. Los temas que elegimos nacen de las experiencias y situaciones que estamos viviendo en el momento, incluso las personas que participan son las personas que la vida pone en nuestro camino. Algunos de los colaboradores se involucran a un nivel tan profundo con nosotros que logran entender perfectamente la intención y la línea editorial de nuestro proyecto, por esta razón colaboramos con ellos muy seguido. La magia sucede gracias a la energía y amor de todos los involucrados, cada mes participan cerca de 40 personas.

¿Cuáles son los principales artistas del momento? Local e internacionalmente.

Pues creo que como en todo es cuestión de gustos, justo ahí es donde entra el trabajo de un curador o un editor, compartir con su audiencia lo que él considera valioso. En lo personal me gusta mucho el trabajo de Neck Face, Saner, JR, Ai Weiwei, Parra, Mark Ryden, Mario Testino, Pharrell Williams, Barry McGee, David Cook… existen muchísimos.

¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración en línea?

Me gusta consultar el sitio de Juxtapoz, Interview, Mass Appeal, Ego Tripland, Dazed & Confused, pero creo que mi consumo visual se está enfocando mucho ya en Instagram y en lo que mis amigos comparten conmigo.

Hemos visto una gran ola emergente de cultura artística en México con un increíble talento (¡aunque hay que indagar mucho para encontrarla!). Como mexicano, ¿cómo ves el actual escenario artístico en México y qué piensas que sucederá en los siguientes años?

Es verdad que México se encuentra en un momento creativo increíble, lo debemos aprovechar y es justo ahora cuando debemos exponernos al resto del mundo; la calidad de nuestros productos y nuestras ideas está en un punto muy alto. Creo que es momento de poner atención también a las estrategias de negocios y a la consolidación de los proyectos. Como dices, hay mucha propuesta, pero hay pocas que tienen la suficiente fuerza para realmente hacer las cosas. Pero definitivamente si lo quieres hacer, es ahora o nunca. Creo que la escena de arte en México está cobrando renombre internacional, todos los artistas de otras partes del mundo quieren venir y mostrarse a la sociedad, la cual está sedienta de arte. ¿Cómo veo el futuro?, pues creo que depende de cómo rifemos ahorita, pero imagino caerán los que eran pose y no tenían contenido.

Existen increíbles artistas, desde los dedicados al arte urbano, hasta los artistas digitales, los ilustradores y los diseñadores industriales y de moda. ¿Cuál área artística o de diseño consideras es la más fuerte y tiene mayor potencial en México?

Creo que cada área tiene su fuerza, todas están creciendo y creo que todas tienen un potencial grande, cada una definirá hasta donde llegar. Pero más bien podría hablarte un poco de las fallas que hay todavía. Me parece que hasta que el mismo México no consuma sus propios productos no se consolidarán las industrias; por ejemplo no creo que exista una industria de la moda. Con industria me refiero a que exista una ganancia y que incluso signifique una ganancia para el país. Ahora me parece que se mantiene en un sector que juega a tener una industria.

Hace unos años era imposible porque el mercado no estaba educado para consumir tendencias o propuestas extravagantes, y me refiero a todas las áreas artísticas que mencionas; incluso en la arquitectura, las necesidades y gustos del consumidor han evolucionado. Así que pues todas están en potencia.

Londres es moda de último momento, Japón es diseño de tecnología, México es…

Surrealismo pasional

¿Cómo apoyan las marcas locales, los medios y las organizaciones el medio artístico en México? 

Creo que nos encontramos en crecimiento; algunos llevan trazando el camino desde hace años, otros lo mejoraron y lo evolucionaron, a otros nos tocó pensarlo de nuevo, ya que llegaron las redes sociales y la tecnología ofrece muchos más caminos. Las marcas han sabido relacionarse con el movimiento, con esta explosión artística de la cual hablamos, no todas han sabido hacerlo ni han acertado, pero hay unos cuantos que realmente apoyan el contenido y no buscan el crédito como objetivo principal.

¿Cómo podrían éstos apoyar dicho escenario?

Creo que contratando personas sensibles, que realmente comprendan las ideas de los artistas; personas que no tengan miedo de arriesgar. Los artistas saben cómo llegar a las personas, cómo hacerlas sentir, si les dieran más poder creativo tendríamos campañas publicitarias divertidas, conceptuales e intelectuales. Estoy harto de seguir viendo anuncios vacíos, patéticos y tontos en la tele y por todos lados.

¿Cuáles son tus expectativas en tu colaboración con Saketekilla? ¿Existen otros proyectos a futuro que pienses te gustaría ayudar a desarrollar o lanzar internacionalmente?

Siempre es bueno hacer un link con alguien nuevo, los resultados son diferentes, la energía que se construye con alguien nunca es la misma que construiste con otro. Siempre me lo dijo un amigo, “más vale ganar un amigo que un enemigo” (risas).

Agradecemos a Andrés Medina por esta gran entrevista. Más información sobre El Fanzine aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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May 13, 2014 - No Comments!

★ Chris Shier X MGMT | Luminescent Aesthetic Animations

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Creative and fluorescent animations that immerses the user’s mind in a three-dimensional world of kaleidoscopic dizziness.


[Ver artículo en español abajo]

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shier

shier4

shier5

shier3

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=xDTPO3wOcVU]

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=S6CdtwtkPlY]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Currently based on Vancouver, Canada, Chris Shier is an animator and digital designer specialized in psychedelic animations and videos. His creations are characterized by high number of patterns, infinite sequences of movement, and bright colors that blend in mesmerizing visual coherences of forms.

His interest for animated gifs started when he became a member of the dump.fm community, a chat room that works using pictures to create conversations between users.

Throughout his career, Shier has participated in several collaborations, including the secret room for fashion designer KENZO and the video with musician ingMob. In 2013, Chris collaborated with American rock band MGMT, to design an interactive website. He created a smoke template and a visualizer in which he converted the simple movement of the mouse into an exciting and different experience.

MGMT’s website functions as a digital canvas in which every user has the opportunity to create a painting in real time. Such collaboration was the result of the launch of the third album of the group, in which “Optimizer”, a 44 minute visual video, was also produced combining the artworks of Andrew Benson, Chris Timms, Geoffrey Lillemon and Emilio Gomariz.

More information on Chris Shier here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Currently based on Vancouver, Canada, Chris Shier is an animator and digital designer specialized in psychedelic animations and videos. His creations are characterized by high number of patterns, infinite sequences of movement, and bright colors that blend in mesmerizing visual coherences of forms.

His interest for animated gifs started when he became a member of the dump.fm community, a chat room that works using pictures to create conversations between users.

Throughout his career, Shier has participated in several collaborations, including the secret room for fashion designer KENZO and the video with musician ingMob. In 2013, Chris collaborated with American rock band MGMT, to design an interactive website. He created a smoke template and a visualizer in which he converted the simple movement of the mouse into an exciting and different experience.

MGMT’s website functions as a digital canvas in which every user has the opportunity to create a painting in real time. Such collaboration was the result of the launch of the third album of the group, in which “Optimizer”, a 44 minute visual video, was also produced combining the artworks of Andrew Benson, Chris Timms, Geoffrey Lillemon and Emilio Gomariz.

More information on Chris Shier here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Basado en la ciudad de Vancouver, Canadá, Chris Shier es un animador y diseñador digital especializado en la creación de animaciones y videos psicodélicos. Se dedica al diseño de animaciones tridimensionales comúnmente fluorescentes, las cuales sumergen la mente del usuario en un mundo lleno de patrones de formas, secuencias de movimiento infinitas y colores brillantes.

Su interés por las animaciones gif comenzó cuando se convirtió en miembro de la comunidad dump.fm, un cuarto que crea conversaciones entre usuarios a través del intercambio de imágenes.

A lo largo de su carrera, Chris Shier ha participado en diversas colaboraciones, entre las que se encuentran un cuarto secreto para el diseñador de modas KENZO y el video musical con ingMob. En el 2013, Chris colaboró con la banda de rock estadounidense MGMT, para quien diseñó una página de internet interactiva. Creó un visualizador y una platilla de humo, en las que logró convertir un simple movimiento del mouse en una experiencia diferente y emocionante.

La página oficial del grupo MGMT funciona como un lienzo digital en el que cada usuario tiene la oportunidad de pintar en el preciso momento que accede a ella. Dicha colaboración fue el resultado del lanzamiento del tercer álbum de la banda, el cual también incluyó “Optimizer” un video animado de 44 minutos, producido por la combinación de los talentos de Andrew Benson, Chris Timms, Geoffrey Lillemon y Emilio Gomariz.

Más información sobre Chris Shier aquí.

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Basado en la ciudad de Vancouver, Canadá, Chris Shier es un animador y diseñador digital especializado en la creación de animaciones y videos psicodélicos. Se dedica al diseño de animaciones tridimensionales comúnmente fluorescentes, las cuales sumergen la mente del usuario en un mundo lleno de patrones de formas, secuencias de movimiento infinitas y colores brillantes.

Su interés por las animaciones gif comenzó cuando se convirtió en miembro de la comunidad dump.fm, un cuarto que crea conversaciones entre usuarios a través del intercambio de imágenes.

A lo largo de su carrera, Chris Shier ha participado en diversas colaboraciones, entre las que se encuentran un cuarto secreto para el diseñador de modas KENZO y el video musical con ingMob. En el 2013, Chris colaboró con la banda de rock estadounidense MGMT, para quien diseñó una página de internet interactiva. Creó un visualizador y una platilla de humo, en las que logró convertir un simple movimiento del mouse en una experiencia diferente y emocionante.

La página oficial del grupo MGMT funciona como un lienzo digital en el que cada usuario tiene la oportunidad de pintar en el preciso momento que accede a ella. Dicha colaboración fue el resultado del lanzamiento del tercer álbum de la banda, el cual también incluyó “Optimizer” un video animado de 44 minutos, producido por la combinación de los talentos de Andrew Benson, Chris Timms, Geoffrey Lillemon y Emilio Gomariz.

Más información sobre Chris Shier aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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May 5, 2014 - No Comments!

★ Gustavo Torres (AR) | Hypnotic Worlds In Motion

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

An Argentinian artist who uses his unbounded imagination to create unusual animated graphics.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Gustavo Torres, also known as Kidmograph, is a video artist and illustrator currently based in Buenos Aires, Argentina. Since 2001, he has combined his passion, wide knowledge and great interest for motion graphics to create original and dreamlike GIF animations.

Born in 1977 in La Plata, Buenos Aires, he studied at Bachillerato de Bellas Artes and graduated as Teacher in Plastic Arts. After attending the Universidad Nacional De La Plata (UNLP), where he studied Graphic Design and Painting, he started his career in the music video industry as a designer, illustrator and animator.

His retro style combines human bodies and faces with geometric and psychedelic worlds. His eclectic motion illustrations are usually characterized by a high-sped mixture of old elements –like vintage game programs, neon lights, shaking pixels and colorful TV static- with new digital technologies and computer applications.

Gustavo has expressed his delight of working with animations because of the flexibility of the digital technique and the broad possibilities to transform an idea into an absorbing and infinite loop GIF.

Among his favorite artists are Traceloops, Mrdiv, Weird5cience and Cari Vander Yacht.

More information on Gustavo Torres (Kidmograph) here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Gustavo Torres, also known as Kidmograph, is a video artist and illustrator currently based in Buenos Aires, Argentina. Since 2001, he has combined his passion, wide knowledge and great interest for motion graphics to create original and dreamlike GIF animations.

Born in 1977 in La Plata, Buenos Aires, he studied at Bachillerato de Bellas Artes and graduated as Teacher in Plastic Arts. After attending the Universidad Nacional De La Plata (UNLP), where he studied Graphic Design and Painting, he started his career in the music video industry as a designer, illustrator and animator.

His retro style combines human bodies and faces with geometric and psychedelic worlds. His eclectic motion illustrations are usually characterized by a high-sped mixture of old elements –like vintage game programs, neon lights, shaking pixels and colorful TV static- with new digital technologies and computer applications.

Gustavo has expressed his delight of working with animations because of the flexibility of the digital technique and the broad possibilities to transform an idea into an absorbing and infinite loop GIF.

Among his favorite artists are Traceloops, Mrdiv, Weird5cience and Cari Vander Yacht.

More information on Gustavo Torres (Kidmograph) here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Gustavo Torres, también conocido como Kidmograph, es un animador digital e ilustrador con residencia actual en Buenos Aires, Argentina. Desde el año 2001, ha combinado su pasión, imaginación, conocimientos y gran interés por los gráficos en movimiento para crear originales animaciones GIF.

Nacido en 1977 en La Plata, Buenos Aires, Gustavo estudió en el Bachillerato de Bellas Artes y se graduó como Profesor en Artes Plásticas. Posteriormente, acudió a la Universidad Nacional De La Plata (UNLP) donde estudió dos carreras: Diseño Gráfico y Pintura. Años después, inició su carrera en la industria de los videos musicales como diseñador, ilustrador y animador digital.

Su estilo retro es una mezcla de formas humanas con elementos geométricos y mundos psicodélicos. Sus eclécticas ilustraciones animadas usualmente se caracterizan por la rápida fusión de elementos antiguos –como viejos juegos de computadora, imágenes pixeleadas, luces neón y estática televisiva- y nuevas tecnologías digitales y aplicaciones de computadora.

Gustavo continuamente expresa su satisfacción por trabajar creando GIFs debido a la amplia flexibilidad con la que puede transformar una idea en una imagen digital animada.

Entre sus artistas favoritos se encuentran Traceloops, Mrdiv, Weird5cience y Cari Vander Yacht.

Más información sobre Gustavo Torres (Kidmograph) aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Gustavo Torres, también conocido como Kidmograph, es un animador digital e ilustrador con residencia actual en Buenos Aires, Argentina. Desde el año 2001, ha combinado su pasión, imaginación, conocimientos y gran interés por los gráficos en movimiento para crear originales animaciones GIF.

Nacido en 1977 en La Plata, Buenos Aires, Gustavo estudió en el Bachillerato de Bellas Artes y se graduó como Profesor en Artes Plásticas. Posteriormente, acudió a la Universidad Nacional De La Plata (UNLP) donde estudió dos carreras: Diseño Gráfico y Pintura. Años después, inició su carrera en la industria de los videos musicales como diseñador, ilustrador y animador digital.

Su estilo retro es una mezcla de formas humanas con elementos geométricos y mundos psicodélicos. Sus eclécticas ilustraciones animadas usualmente se caracterizan por la rápida fusión de elementos antiguos –como viejos juegos de computadora, imágenes pixeleadas, luces neón y estática televisiva- y nuevas tecnologías digitales y aplicaciones de computadora.

Gustavo continuamente expresa su satisfacción por trabajar creando GIFs debido a la amplia flexibilidad con la que puede transformar una idea en una imagen digital animada.

Entre sus artistas favoritos se encuentran Traceloops, Mrdiv, Weird5cience y Cari Vander Yacht.

Más información sobre Gustavo Torres (Kidmograph) aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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June 21, 2013 - No Comments!

★ Emanuel Boldo (MX) | The Hippest Gif Art

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Emanuel Boldo a graphic designer and photographer from Mexico City tells us about his passion for collages, gifs, glitch and his zine Novato.


[Ver artículo en español abajo]

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Emanuel Boldo - SKTK
Emanuel Boldo - SKTK Emanuel Boldo - SKTK Emanuel Boldo - SKTKtumblr_mn6pv2kzHK1r5lhi1o1_400tumblr_mo221u1MO11r5lhi1o1_400Emanuel Boldo - SKTK
Emanuel Boldo - SKTK

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

 

Emanuel Boldo

Graphic designer and photographer from Mexico City.

 

Emanuel recreates a unique point of view about the world that surrounds him with his analog camera and through a complete new twist, achieving highly creative (and also psychedelic) gifs.

We wanted to know more about his impressive visual appreciation and his creative process, therefore we interviewed Emanuel exclusively for Saketekilla*.

 

Tell us about the first memory that you have about practicing photography, how did this passion arise on you?

Actually when I was a kid I wanted to be a writer, the connection with photography arose when I was in high school. Since then I consider my photos reminders of things that happen around me.

 

Beside the photography, do you create any other kind of art?

I’m inspired by different forms of art, like creating collages to develop the editorial design of my projects and digital techniques like GIF. Lately I’m obsessed with “glitch” (screen image mistakes), which is produced when you change a .jpg to .txt and modify the structure of the image.

 

What kind of resources do you use to create your images, how long does it take you to get to a final result?

I use analog cameras of 35 mm and 120 mm, so the creative process is slower; but I like that. Sometimes I forget what I’ve shot! When I digitalize the images it’s when I begging to think what to do with them. Many of them remain on the screen; I haven’t figured out how to transfer a gif to paper… yet.

I transform the images that I take with my digital camera until they look totally low-re, sometimes this are the projects on which I concentrate the most.

 

As we know you live in Mexico City, what is your point of view about this city as a creative platform? What is happening in the local scene, what do you think about the emergent artists?

In the Mexican scene there are always gaps to generate new ideas outside the conventional blogs that are so called "fashionable" these days, simply because not everyone agrees with the concepts that they present as “emergent” or “different” or “independent”. Actually having a lot of sponsorships and institutions behind your projects doesn’t make you any “independent”. I think that Mexico City needs to get away of all that kind of media which standardizes the “alternative” concept, and  start to find new projects instead.

 

What inspires you?

Most of the time is a random though: People inspire me. What they are doing at that certain moment... and then I connect the dots until everything makes sense. Occasionally when I shot a scene I already think how it will look printed.

 

What are you doing lately? What projects do you have in mind?

I am a social media manager because I need to pay my bills (laugh), I write city recommendations for JOIN, a citizen news agency. I dedicate a lot of time to edit my zine “Novato”, I take a lot of photos and I write my thesis about the metamorphosis of editorial design and DIY.

 

In your tumblr you share a DIY “zine”, with the note: “I’m not going to wait until they publish me”. How did you come with that creative concept and how do you promote it?

Hey it is 2013, now we have Internet! “I’m not going to wait until they publish me” is because we don’t need to publish anything anymore! You need to value your own ideas. They are thousands of ways to print, commercialize and make your ideas go pretty far.

It is actually a zine that I named “Novato”, is a DIY project that consists of an auto edition exercise of a lot of my ideas, with a lot of photos that an editor would never accept. I presented the project at Garage Art, an event showcasing “emerging artists”.

I promote Novato in tumblr and I made an edition of 30 printed copies. About the prize, free ideas spread faster, so I decided to give it away to anyone who asks for it.

 

Your portfolio contains a lot of images from Mexico City, which place would you recommend to anyone who visit this world capital?

I would recommend the José Vasconcelos library (Morelos district), I think is a great place to spend your afternoon. The neighborhood San Rafael is also one of my favorites because is one of the first ones in town.

 

Which are your actual obsessions, meaning, songs you can’t stop listening to, the book you can’t stop reading or the movie that you can’t stop watching?

Song: “In my room” by the Beach Boys, Xtatic Truth (Spanish version) Crystal Fighters. Book: Ravens of Daniel Krauze. Movie: the last that I saw, “On the Road”.

-

We thank Emanuel for this inspiring interview. See more of his work on his SAKETEKILLA Portfolio.

 

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Emanuel Boldo

Graphic designer and photographer from Mexico City.

 

Emanuel recreates a unique point of view about the world that surrounds him with his analog camera and through a complete new twist, achieving highly creative (and also psychedelic) gifs.

We wanted to know more about his impressive visual appreciation and his creative process, therefore we interviewed Emanuel exclusively for Saketekilla*.

 

Tell us about the first memory that you have about practicing photography, how did this passion arise on you?

Actually when I was a kid I wanted to be a writer, the connection with photography arose when I was in high school. Since then I consider my photos reminders of things that happen around me.

 

Beside the photography, do you create any other kind of art?

I’m inspired by different forms of art, like creating collages to develop the editorial design of my projects and digital techniques like GIF. Lately I’m obsessed with “glitch” (screen image mistakes), which is produced when you change a .jpg to .txt and modify the structure of the image.

 

What kind of resources do you use to create your images, how long does it take you to get to a final result?

I use analog cameras of 35 mm and 120 mm, so the creative process is slower; but I like that. Sometimes I forget what I’ve shot! When I digitalize the images it’s when I begging to think what to do with them. Many of them remain on the screen; I haven’t figured out how to transfer a gif to paper… yet.

I transform the images that I take with my digital camera until they look totally low-re, sometimes this are the projects on which I concentrate the most.

 

As we know you live in Mexico City, what is your point of view about this city as a creative platform? What is happening in the local scene, what do you think about the emergent artists?

In the Mexican scene there are always gaps to generate new ideas outside the conventional blogs that are so called "fashionable" these days, simply because not everyone agrees with the concepts that they present as “emergent” or “different” or “independent”. Actually having a lot of sponsorships and institutions behind your projects doesn’t make you any “independent”. I think that Mexico City needs to get away of all that kind of media which standardizes the “alternative” concept, and  start to find new projects instead.

 

What inspires you?

Most of the time is a random though: People inspire me. What they are doing at that certain moment... and then I connect the dots until everything makes sense. Occasionally when I shot a scene I already think how it will look printed.

 

What are you doing lately? What projects do you have in mind?

I am a social media manager because I need to pay my bills (laugh), I write city recommendations for JOIN, a citizen news agency. I dedicate a lot of time to edit my zine “Novato”, I take a lot of photos and I write my thesis about the metamorphosis of editorial design and DIY.

 

In your tumblr you share a DIY “zine”, with the note: “I’m not going to wait until they publish me”. How did you come with that creative concept and how do you promote it?

Hey it is 2013, now we have Internet! “I’m not going to wait until they publish me” is because we don’t need to publish anything anymore! You need to value your own ideas. They are thousands of ways to print, commercialize and make your ideas go pretty far.

It is actually a zine that I named “Novato”, is a DIY project that consists of an auto edition exercise of a lot of my ideas, with a lot of photos that an editor would never accept. I presented the project at Garage Art, an event showcasing “emerging artists”.

I promote Novato in tumblr and I made an edition of 30 printed copies. About the prize, free ideas spread faster, so I decided to give it away to anyone who asks for it.

 

Your portfolio contains a lot of images from Mexico City, which place would you recommend to anyone who visit this world capital?

I would recommend the José Vasconcelos library (Morelos district), I think is a great place to spend your afternoon. The neighborhood San Rafael is also one of my favorites because is one of the first ones in town.

 

Which are your actual obsessions, meaning, songs you can’t stop listening to, the book you can’t stop reading or the movie that you can’t stop watching?

Song: “In my room” by the Beach Boys, Xtatic Truth (Spanish version) Crystal Fighters. Book: Ravens of Daniel Krauze. Movie: the last that I saw, “On the Road”.

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We thank Emanuel for this inspiring interview. See more of his work on his SAKETEKILLA Portfolio.

 

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

 

Emanuel Boldo

Diseñador gráfico y fotógrafo de la Ciudad de México.

 

A pesar de lo común que pueda denominarse ese espacio laboral en la actualidad, Emanuel recrea su alrededor y lo impregna con su cámara análoga, dándole un nuevo concepto a sus fotografías, transformándolas en creativos (e incluso algo psicodélicos) gifs que comparte en su Diario Fotográfico “Novato”.

Para adentrarnos un poco a su singular manera de apreciación visual y su proceso creativo, nos comparte esta entrevista exclusiva para Saketekilla*.

 

¿Cuál es el primer recuerdo que tienes respecto a practicar fotografía?, Cómo nació dicha pasión en ti?

En realidad cuando era niño quería ser escritor, la fotografía llegó hasta la preparatoria, y la conexión se da porque considero mis fotos como anotaciones de sucesos que me rodean.

 

Aparte de la fotografía ¿creas otro tipo de arte? 

Me baso en algunas corrientes artísticas como el collage para desarrollar el diseño editorial de mis proyectos, las técnicas digitales como GIF, últimamente me obsesionado con el glitch (errores de imagen en la pantalla) que se producen al cambiar una imágenes .jpg a .txt y modificar su estructura.

 

Además de la cámara, ¿Qué medios utilizas para crear tus imágenes y exponerlas ya como un proyecto final?, ¿Tardas mucho en la producción de las mismas?

Como utilizo cámaras análogas de 35 mm y 120 mm, el proceso creativo se vuelve más lento; y me agrada. Hay veces que olvidó que había tomado, digitalizo las imágenes y es ahí cuando empiezo a pensar que hacer con ellas, muchas solo se quedan en la pantalla porque aún no ideó la forma de pasar un .gif al papel.

La imágenes que llegó a tomar con la cámara digital, las transformó hasta que parezcan totalmente de baja definición a veces son en las que más me concentro.

 

Sabemos que vives en la Ciudad de México, ¿Podrías darnos tu punto de vista acerca del DF como plataforma creativa?, ¿Qué está pasando en este ámbito y qué opinas de los artistas emergentes de dicha ciudad?

Considero que a veces son las mismas personas adulándose unos a otros todo el tiempo, pero siempre hay espacio para generar ideas que están  fuera de los blogs de moda, no todos debemos de estar de acuerdo con lo que nos presentan como “emergente” o diferente, tener un chingo de patrocinio e instituciones detrás de tus proyectos no te hace independiente. Creo que en la Ciudad de México necesitamos alejarnos de todos los medios que estandarizan lo “alternativo” para encontrar nuevos proyectos.

 

¿Qué te inspira para tomar una fotografía?, ¿Qué te llama la atención para que esa escena sea recreada por ti.

Muchas veces es el azar: me inspiran las personas, lo que está haciendo en ese momento, todo interfiere  la mayoría de las veces me imagino la escena impresa.

 

¿A qué te dedicas en la actualidad, en que proyectos trabajas últimamente?

Soy social media manager, porque de algo tengo que vivir (risa) escribo recomendaciones de la ciudad para JOIN una agencia ciudadana de noticias, le dedico mucho tiempo a editar mi zine Novato, tomó muchas fotografías, escribo mi tesis sobre la metamorfosis del diseño editorial, y el “hazlo tu mismo”.

 

En tu tumblr aparece una pequeña revista hecha por ti mismo, con la nota “No voy a esperar a que me publiquen”. ¿Cómo se te ocurrió esta idea, y de qué manera la difundes?

En cuanto a “no voy a esperar a que me publiquen” es como decir,  es 2013 y no necesito que nadie valide mis ideas, existe el internet, hay miles de formas de imprimir, comercializar, y hacer llegar tus ideas muy lejos.

Es un zine (una pequeña publicación de baja circulación) que se llama Novato, es un proyecto “hazlo tu mismo”  consiste en un ejercicio de autoedición de muchas de mis ideas, muchas fotografías que ningún editor hubiera aceptado,  lo presente en Garage Art una feria dedicada a los “artistas emergentes”  lo promociono por medio de tumblr y cada edición es de 30 piezas. ¿El costo? las ideas libres se difunden más rápido, así que he decidido regalarlo a quien me lo pida.

 

En tu portafolio aparece muchos encuadres de la ciudad (DF), ¿Tienes algún lugar predilecto o un punto que recomiendes ampliamente para quienes visiten la capital?

El punto que más recomiendo es la biblioteca José Vasconcelos, en la Colonia Morelos se me hace un buen lugar para pasar el día, la colonia San Rafael también es de mis favoritas ya que es de las primeras  colonias que se trazaron en la ciudad.

 

¿Cuáles son tus obsesiones actuales? La canción que no puedas dejar de escuchar, el libro que no sueltas o la película que no salga de tu cabeza en los últimos días.

Canción: “In my room” de los Beach Boys /  Xtatic Truth (versión en español) Crystal Fighters.

Libro: Cuervos de Daniel Krauze.

Película: la última que vi “On the Road”.

-

Agrademos a Emanuel por esta entrevista inspiradora. Más de él en el portafolio de creativos de SAKETEKILLA.

 

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Emanuel Boldo

Diseñador gráfico y fotógrafo de la Ciudad de México.

 

A pesar de lo común que pueda denominarse ese espacio laboral en la actualidad, Emanuel recrea su alrededor y lo impregna con su cámara análoga, dándole un nuevo concepto a sus fotografías, transformándolas en creativos (e incluso algo psicodélicos) gifs que comparte en su Diario Fotográfico “Novato”.

Para adentrarnos un poco a su singular manera de apreciación visual y su proceso creativo, nos comparte esta entrevista exclusiva para Saketekilla*.

 

¿Cuál es el primer recuerdo que tienes respecto a practicar fotografía?, Cómo nació dicha pasión en ti?

En realidad cuando era niño quería ser escritor, la fotografía llegó hasta la preparatoria, y la conexión se da porque considero mis fotos como anotaciones de sucesos que me rodean.

 

Aparte de la fotografía ¿creas otro tipo de arte? 

Me baso en algunas corrientes artísticas como el collage para desarrollar el diseño editorial de mis proyectos, las técnicas digitales como GIF, últimamente me obsesionado con el glitch (errores de imagen en la pantalla) que se producen al cambiar una imágenes .jpg a .txt y modificar su estructura.

 

Además de la cámara, ¿Qué medios utilizas para crear tus imágenes y exponerlas ya como un proyecto final?, ¿Tardas mucho en la producción de las mismas?

Como utilizo cámaras análogas de 35 mm y 120 mm, el proceso creativo se vuelve más lento; y me agrada. Hay veces que olvidó que había tomado, digitalizo las imágenes y es ahí cuando empiezo a pensar que hacer con ellas, muchas solo se quedan en la pantalla porque aún no ideó la forma de pasar un .gif al papel.

La imágenes que llegó a tomar con la cámara digital, las transformó hasta que parezcan totalmente de baja definición a veces son en las que más me concentro.

 

Sabemos que vives en la Ciudad de México, ¿Podrías darnos tu punto de vista acerca del DF como plataforma creativa?, ¿Qué está pasando en este ámbito y qué opinas de los artistas emergentes de dicha ciudad?

Considero que a veces son las mismas personas adulándose unos a otros todo el tiempo, pero siempre hay espacio para generar ideas que están  fuera de los blogs de moda, no todos debemos de estar de acuerdo con lo que nos presentan como “emergente” o diferente, tener un chingo de patrocinio e instituciones detrás de tus proyectos no te hace independiente. Creo que en la Ciudad de México necesitamos alejarnos de todos los medios que estandarizan lo “alternativo” para encontrar nuevos proyectos.

 

¿Qué te inspira para tomar una fotografía?, ¿Qué te llama la atención para que esa escena sea recreada por ti.

Muchas veces es el azar: me inspiran las personas, lo que está haciendo en ese momento, todo interfiere  la mayoría de las veces me imagino la escena impresa.

 

¿A qué te dedicas en la actualidad, en que proyectos trabajas últimamente?

Soy social media manager, porque de algo tengo que vivir (risa) escribo recomendaciones de la ciudad para JOIN una agencia ciudadana de noticias, le dedico mucho tiempo a editar mi zine Novato, tomó muchas fotografías, escribo mi tesis sobre la metamorfosis del diseño editorial, y el “hazlo tu mismo”.

 

En tu tumblr aparece una pequeña revista hecha por ti mismo, con la nota “No voy a esperar a que me publiquen”. ¿Cómo se te ocurrió esta idea, y de qué manera la difundes?

En cuanto a “no voy a esperar a que me publiquen” es como decir,  es 2013 y no necesito que nadie valide mis ideas, existe el internet, hay miles de formas de imprimir, comercializar, y hacer llegar tus ideas muy lejos.

Es un zine (una pequeña publicación de baja circulación) que se llama Novato, es un proyecto “hazlo tu mismo”  consiste en un ejercicio de autoedición de muchas de mis ideas, muchas fotografías que ningún editor hubiera aceptado,  lo presente en Garage Art una feria dedicada a los “artistas emergentes”  lo promociono por medio de tumblr y cada edición es de 30 piezas. ¿El costo? las ideas libres se difunden más rápido, así que he decidido regalarlo a quien me lo pida.

 

En tu portafolio aparece muchos encuadres de la ciudad (DF), ¿Tienes algún lugar predilecto o un punto que recomiendes ampliamente para quienes visiten la capital?

El punto que más recomiendo es la biblioteca José Vasconcelos, en la Colonia Morelos se me hace un buen lugar para pasar el día, la colonia San Rafael también es de mis favoritas ya que es de las primeras  colonias que se trazaron en la ciudad.

 

¿Cuáles son tus obsesiones actuales? La canción que no puedas dejar de escuchar, el libro que no sueltas o la película que no salga de tu cabeza en los últimos días.

Canción: “In my room” de los Beach Boys /  Xtatic Truth (versión en español) Crystal Fighters.

Libro: Cuervos de Daniel Krauze.

Película: la última que vi “On the Road”.

-

Agrademos a Emanuel por esta entrevista inspiradora. Más de él en el portafolio de creativos de SAKETEKILLA.

 

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By Liz Dmz

 

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