SAKETEKILLA › Film

All Posts in Film

April 15, 2015 - No Comments!

★ Miguel Jiron (USA) | Creator Of Living Illustrations

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Los Angeles-based director and animator Miguel Jiron produces eccentric animations characterized by an intriguing, complex and fantastic humor. As a storyboard artist at Illumination Entertainment, Jiron brings his peculiar characters to life taking elements from his Nicaraguan heritage and passion for telling stories.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text][vimeo 72922839 w=100 h=281]

LA-GAR-TO from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 52193530 w=100 h=281]

Sensory Overload (Interacting with Autism Project) from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 26404699 w=100 h=281]

Paint Showers from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 113247929 w=100 h=281]

Los Angeles Yule Log from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 123277319 w=100 h=501]

Virtual Reality Pornstar from Miguel Jiron on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in Baton Rouge, Louisiana to Nicaraguan parents, and currently based in Los Angeles, California, Miguel Jiron is a director and animator known for the eccentric and captivating style with which he creates his animated stories and gif images. He works as a storyboard artist at Illumination Entertainment and has a background as a painting assistant for Takashi Murakami in New York City and Tokyo. His illustrations have appeared in publications like National Geographic AdventureWorld Policy JournalResource Magazine, and Inside Counsel Magazine, among others.

Jiron's style is bold and filled with vibrant colors and fascinating sounds. His work is a disclosure of his deepest ideas transformed into extraordinary worlds characterized by great movement and energy. “La-Gar-To”, a story about a boy who travels to Nicaragua with his family and encounters a strident and frightening world occupied with iguanas, is an example of his dazzling talent to describe insightful scenes using imprecise hand-drawn lines, diverse hues of colors, appealing sounds, and multiple perspectives.

Other of Miguel Jiron’s most interesting projects are “Sensory Overload”, an animation produced for video-based website Interacting With Autism, in which he splendidly offers a glimpse of the harsh reality that children diagnosed with autism experience due to their heightened sensorial circumstances; and “Paint Showers”, an animated short depicting thunderstorms made out of drops of paint and complemented with genuine storm sounds.

More information on Miguel Jiron here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Born in Baton Rouge, Louisiana to Nicaraguan parents, and currently based in Los Angeles, California, Miguel Jiron is a director and animator known for the eccentric and captivating style with which he creates his animated stories and gif images. He works as a storyboard artist at Illumination Entertainment and has a background as a painting assistant for Takashi Murakami in New York City and Tokyo. His illustrations have appeared in publications like National Geographic AdventureWorld Policy JournalResource Magazine, and Inside Counsel Magazine, among others.

Jiron's style is bold and filled with vibrant colors and fascinating sounds. His work is a disclosure of his deepest ideas transformed into extraordinary worlds characterized by great movement and energy. “La-Gar-To”, a story about a boy who travels to Nicaragua with his family and encounters a strident and frightening world occupied with iguanas, is an example of his dazzling talent to describe insightful scenes using imprecise hand-drawn lines, diverse hues of colors, appealing sounds, and multiple perspectives.

Other of Miguel Jiron’s most interesting projects are “Sensory Overload”, an animation produced for video-based website Interacting With Autism, in which he splendidly offers a glimpse of the harsh reality that children diagnosed with autism experience due to their heightened sensorial circumstances; and “Paint Showers”, an animated short depicting thunderstorms made out of drops of paint and complemented with genuine storm sounds.

More information on Miguel Jiron here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Nacido en Baton Rouge, Luisiana y con residencia actual en Los Ángeles, California, Miguel Jiron es un director y animador de ascendencia Nicaragüense que se distingue por la producción de animaciones e imágenes gif cargadas de intriga, complejidad y fantasía. Con experiencia como asistente en el taller del artista Takashi Murakami en Tokio y Nueva York, y hoy en día creador de storyboards en Illumination Entertainment, Jiron combina en su extraordinario trabajo, su herencia sudamericana, su pasión por relatar historias y su magnífico talento pora llenar de vida sus peculiares personajes.

El estilo excéntrico y cautivador de las ilustraciones animadas de Miguel Jiron le ha valido gran reconocimiento en diversas publicaciones, tales como National Geographic Adventure, World Policy Journal, Resource Magazine, e Inside Counsel Magazine, entre otras. Su atrevido uso de llamativos colores y fascinantes sonidos le ha permitido transformar sus imágenes en extraordinarios mundos llenos de movimiento y energía.

La-Gar-To”, una historia sobre un niño que viaja con su familia a Nicaragua descubriendo así un estrepitoso y aterrador mundo infestado de iguanas, es uno de sus ejemplos más palpables que muestra su gran talento para describir a detalle profundas escenas utilizando líneas imprecisas dibujadas a mano, un sin fin de tonalidades, atractivos sonidos, y múltiples perspectivas.

Entre otros de los proyectos más interesantes de Miguel se encuentran “Sensory Overload” (Sobrecarga Sensorial), una animación producida para la organización Interacting With Autism, en la que Jiron ofrece un vistazo de la dura realidad que viven los niños diagnosticados con autismo que deben lidiar con la intensificación de sus sentidos; y “Pain Showers” (Baños de Pintura), una animación que muestra tormentas fabricadas con gotas de pintura y la cual complementó con auténticos sonidos de lluvias y rayos.

Más información sobre Miguel Jiron aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Nacido en Baton Rouge, Luisiana y con residencia actual en Los Ángeles, California, Miguel Jiron es un director y animador de ascendencia Nicaragüense que se distingue por la producción de animaciones e imágenes gif cargadas de intriga, complejidad y fantasía. Con experiencia como asistente en el taller del artista Takashi Murakami en Tokio y Nueva York, y hoy en día creador de storyboards en Illumination Entertainment, Jiron combina en su extraordinario trabajo, su herencia sudamericana, su pasión por relatar historias y su magnífico talento pora llenar de vida sus peculiares personajes.

El estilo excéntrico y cautivador de las ilustraciones animadas de Miguel Jiron le ha valido gran reconocimiento en diversas publicaciones, tales como National Geographic Adventure, World Policy Journal, Resource Magazine, e Inside Counsel Magazine, entre otras. Su atrevido uso de llamativos colores y fascinantes sonidos le ha permitido transformar sus imágenes en extraordinarios mundos llenos de movimiento y energía.

La-Gar-To”, una historia sobre un niño que viaja con su familia a Nicaragua descubriendo así un estrepitoso y aterrador mundo infestado de iguanas, es uno de sus ejemplos más palpables que muestra su gran talento para describir a detalle profundas escenas utilizando líneas imprecisas dibujadas a mano, un sin fin de tonalidades, atractivos sonidos, y múltiples perspectivas.

Entre otros de los proyectos más interesantes de Miguel se encuentran “Sensory Overload” (Sobrecarga Sensorial), una animación producida para la organización Interacting With Autism, en la que Jiron ofrece un vistazo de la dura realidad que viven los niños diagnosticados con autismo que deben lidiar con la intensificación de sus sentidos; y “Pain Showers” (Baños de Pintura), una animación que muestra tormentas fabricadas con gotas de pintura y la cual complementó con auténticos sonidos de lluvias y rayos.

Más información sobre Miguel Jiron aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

★ By Dalia Vasquez

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

March 4, 2015 - No Comments!

★ INSA (UK) | Graffiti Walls Animated

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in London, UK, INSA is an anonymous urban artist and animator known for the transformation of his street designs into fantastic GIF animations. Creating what he calls GIF-ITI (GIF art + Graffiti), INSA has brought together in his work the demanding art of painting and the retro technology used to produce looping images. With a bachelor in Design at Goldsmiths, this talented street artist has made possible the elusive combination of both, his real and virtual worlds.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

insa10

insa3

insa1

Insa16

Insa14

Insa18

insa8

insa5

insa7

insa6

Insa17

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=yXtSnq-Nvro]

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=qD4jFWux93s]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Painting and photographing the same wall over and over is the essential feature of the artistic process of London-based artist INSA. Known as GIF-ITI, he paints and repaints graffitis on a street surface and then photographs every change he makes on it. He repeats this process as many times as necessary until he achieves the exact number of images he will later put together in a single, looping animation. Examples of such practice are the 72 different skulls he painted during 2 days for his ‘C’est La Vie’ colorful animation, and the 8 paintings depicting each one of them a head in different positions for the Roskilde Festival in 2014.

In late 2014, INSA and a crew of 20 people worked for 4 days in Rio de Janeiro to produce their most ambitious street-art project. Their goal was to create an artwork that could be seen from space. Covering a total of 57,515 square meters of land, INSA and his team completed one painting each day which was then photographed by a satellite situated 431 miles away on space. INSA’s final one-second animated artwork is today the largest GIF-ITI painting on the planet.

INSA’s work has been produced in places like Los Angeles, Bogota, Paris, Sydney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, and Canada, among other places. He pursues unexplored ideas with the purpose to create unique art for a contemporary society greatly influenced by technology. With a keen passion for innovation and challenge, INSA continues to search for bigger buildings where to create designs that he can later transform into fantastical motion artworks.

More information on INSA here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Painting and photographing the same wall over and over is the essential feature of the artistic process of London-based artist INSA. Known as GIF-ITI, he paints and repaints graffitis on a street surface and then photographs every change he makes on it. He repeats this process as many times as necessary until he achieves the exact number of images he will later put together in a single, looping animation. Examples of such practice are the 72 different skulls he painted during 2 days for his ‘C’est La Vie’ colorful animation, and the 8 paintings depicting each one of them a head in different positions for the Roskilde Festival in 2014.

In late 2014, INSA and a crew of 20 people worked for 4 days in Rio de Janeiro to produce their most ambitious street-art project. Their goal was to create an artwork that could be seen from space. Covering a total of 57,515 square meters of land, INSA and his team completed one painting each day which was then photographed by a satellite situated 431 miles away on space. INSA’s final one-second animated artwork is today the largest GIF-ITI painting on the planet.

INSA’s work has been produced in places like Los Angeles, Bogota, Paris, Sydney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, and Canada, among other places. He pursues unexplored ideas with the purpose to create unique art for a contemporary society greatly influenced by technology. With a keen passion for innovation and challenge, INSA continues to search for bigger buildings where to create designs that he can later transform into fantastical motion artworks.

More information on INSA here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicado en Londres, Reino Unido, INSA es un artista urbano y animador anónimo conocido por la magnífica transformación de sus diseños en fantásticas animaciones GIF. Creador de lo que él llama GIF-ITI (arte GIF + Graffiti), INSA combina el exhaustivo arte de la pintura con la tecnología utilizada para producir secuencias infinitas de imágenes animadas. Habiendo estudiado la carrera de Diseño en Goldsmiths, este talentoso artista ha hecho posible la sutil combinación de su mundo real y virtual.

Pintar y fotografiar una pared una y otra vez es la característica distintiva del proceso creativo del artista urbano INSA. Trabajando en lo que él llama GIF-ITI, se dedica a pintar y repintar las superficies urbanas de edificios para después fotografiar cada uno de los cambios que hace en sus diseños. Este proceso lo repite tantas veces sea necesario hasta que logra el número exacto de fotografías que posteriormente une en una animación GIF. Ejemplos de dicho proceso son las 72 distintas calaveras que pintó durante 2 días para su colorida animación ‘C’est La Vie’, y las 8 pinturas representando una cabeza en diferentes posiciones para el Festival Roskilde en el 2014.

A finales del 2014, INSA trabajó por 4 días en Río de Janeiro en uno de sus más ambiciosos proyectos de arte urbano. Su objetivo fue lograr una obra de arte que pudiera ser vista desde el espacio. Abarcando un total d 57,515 metros cuadrados de tierra, INSA y un equipo de 20 personas completaron una pintura por día la cual fue posteriormente fotografiada por un satélite ubicado en el espacio a una distancia de 431 millas. La animación final del artista, con una duración total de 1 segundo, es en la actualidad la pintura GIF-ITI más grande del mundo.

INSA ha trabajado en lugares como Los Ángeles, Bogotá, París, Sídney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, y Canadá, entre otros. Se dedica a explorar ideas nuevas con el propósito de crear un arte único para una sociedad actual altamente influenciada por la tecnología. Apasionado de la innovación y los retos, INSA continúa buscando más grandes edificios donde poder crear sus diseños para posteriormente convertirlos en fantásticas obras de arte animadas.

Más información sobre INSA aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Ubicado en Londres, Reino Unido, INSA es un artista urbano y animador anónimo conocido por la magnífica transformación de sus diseños en fantásticas animaciones GIF. Creador de lo que él llama GIF-ITI (arte GIF + Graffiti), INSA combina el exhaustivo arte de la pintura con la tecnología utilizada para producir secuencias infinitas de imágenes animadas. Habiendo estudiado la carrera de Diseño en Goldsmiths, este talentoso artista ha hecho posible la sutil combinación de su mundo real y virtual.

Pintar y fotografiar una pared una y otra vez es la característica distintiva del proceso creativo del artista urbano INSA. Trabajando en lo que él llama GIF-ITI, se dedica a pintar y repintar las superficies urbanas de edificios para después fotografiar cada uno de los cambios que hace en sus diseños. Este proceso lo repite tantas veces sea necesario hasta que logra el número exacto de fotografías que posteriormente une en una animación GIF. Ejemplos de dicho proceso son las 72 distintas calaveras que pintó durante 2 días para su colorida animación ‘C’est La Vie’, y las 8 pinturas representando una cabeza en diferentes posiciones para el Festival Roskilde en el 2014.

A finales del 2014, INSA trabajó por 4 días en Río de Janeiro en uno de sus más ambiciosos proyectos de arte urbano. Su objetivo fue lograr una obra de arte que pudiera ser vista desde el espacio. Abarcando un total d 57,515 metros cuadrados de tierra, INSA y un equipo de 20 personas completaron una pintura por día la cual fue posteriormente fotografiada por un satélite ubicado en el espacio a una distancia de 431 millas. La animación final del artista, con una duración total de 1 segundo, es en la actualidad la pintura GIF-ITI más grande del mundo.

INSA ha trabajado en lugares como Los Ángeles, Bogotá, París, Sídney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, y Canadá, entre otros. Se dedica a explorar ideas nuevas con el propósito de crear un arte único para una sociedad actual altamente influenciada por la tecnología. Apasionado de la innovación y los retos, INSA continúa buscando más grandes edificios donde poder crear sus diseños para posteriormente convertirlos en fantásticas obras de arte animadas.

Más información sobre INSA aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

★ By Dalia Vasquez

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

February 25, 2015 - No Comments!

★ JUCO (USA) | The Creative Balance Of Two Minds

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Julia Galdo from Miami, FL, and Cody Cloud from Phoenix, AZ, are JUCO, a photography duo with more than 5 years of experience creating outstanding shoots that fuse advertising, fashion and portrait. Based in Los Angeles, CA, they have collaborated with commercial and editorial brands like Apple, Microsoft, Nike, Sony Music, Target, The New Yorker, and Warner Brother Records, just to name a few, and have produced pictures characterized by vibrant colors and clever pattern designs.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

juco4

juco1

juco-complete3

juco17

juco-complete9

juco duo

jucoooo

juco9

juco-complete2

juco18

juco-complete1

juco7

juco-complete4

juco25

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

In 2002, Julia Galdo and Cody Cloud’s passion and extraordinary eye for taking pictures brought them together at the San Francisco Art Institute; she was studying her bachelor in Photography and he was on his way to receive his MFA degree in the same field. In 2009 they formed JUCO, a collaborative photography duo that mixes Julia’s attention for details and Cody’s love for imperfections. In time, their unique vision to think of stunning compositions out of the box has helped them position themselves in the market as one of the best fast-growing creative partnerships of the moment.

Even though Julia and Cody’s style is continuously evolving and adapting to the individual nature of each project, they have established the core of their own witty style. What makes JUCO’s work exceptional is its ability to blend in one powerful outcome, elements like the character’s attire, graphic patterns, intense colors and original backgrounds.

Among their most recognized projects are: “Women on the Verge”, a fashion photoshoot for Paper Magazine, where JUCO played with geometric forms and colorful sets to reveal glamorous collections of brands like Ralph Lauren, Stella McCartney and Miu Miu, among others; “Painted Backdrops”, a personal project where Julia and Cody camouflaged the clothing of the models with the hand-painted backgrounds in order to produce a unique effect of association; and the “Laffy Taffy” photoshoot, where JUCO’s inspiration was based on 90’s style and pop art colors.

In addition, Julia and Cody have learned from experience that the best way to stop their work getting stale is having a balance between control and uncertainty. Only by not taking care of every single detail, they are able to discover truly wonderful effects.

“If you’re always dialing everything in, if you’re always planning it, then there’s little room left for magic. You have to let go of your expectations to be able to see the unexpected.” JUCO told The Photographic Journal 

Based in Los Angeles, CA, Julia and Cody expect to be able to open their own studio someday. With a portfolio full of remarkable projects, this talented couple is endeavored to produce more compelling work that will cause a positive long-term impression on the viewer.

More information on JUCO here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

In 2002, Julia Galdo and Cody Cloud’s passion and extraordinary eye for taking pictures brought them together at the San Francisco Art Institute; she was studying her bachelor in Photography and he was on his way to receive his MFA degree in the same field. In 2009 they formed JUCO, a collaborative photography duo that mixes Julia’s attention for details and Cody’s love for imperfections. In time, their unique vision to think of stunning compositions out of the box has helped them position themselves in the market as one of the best fast-growing creative partnerships of the moment.

Even though Julia and Cody’s style is continuously evolving and adapting to the individual nature of each project, they have established the core of their own witty style. What makes JUCO’s work exceptional is its ability to blend in one powerful outcome, elements like the character’s attire, graphic patterns, intense colors and original backgrounds.

Among their most recognized projects are: “Women on the Verge”, a fashion photoshoot for Paper Magazine, where JUCO played with geometric forms and colorful sets to reveal glamorous collections of brands like Ralph Lauren, Stella McCartney and Miu Miu, among others; “Painted Backdrops”, a personal project where Julia and Cody camouflaged the clothing of the models with the hand-painted backgrounds in order to produce a unique effect of association; and the “Laffy Taffy” photoshoot, where JUCO’s inspiration was based on 90’s style and pop art colors.

In addition, Julia and Cody have learned from experience that the best way to stop their work getting stale is having a balance between control and uncertainty. Only by not taking care of every single detail, they are able to discover truly wonderful effects.

“If you’re always dialing everything in, if you’re always planning it, then there’s little room left for magic. You have to let go of your expectations to be able to see the unexpected.” JUCO told The Photographic Journal 

Based in Los Angeles, CA, Julia and Cody expect to be able to open their own studio someday. With a portfolio full of remarkable projects, this talented couple is endeavored to produce more compelling work that will cause a positive long-term impression on the viewer.

More information on JUCO here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

JUCO es un dúo fotográfico conformado por dos grandes artistas, Julia Galdo originaria de Miami, Florida, y Cody Cloud proveniente de Fénix, Arizona. Juntos, cuentan con más de 5 años de experiencia creando fotografías únicas que combinan elementos relacionados a la publicidad, la moda y el retrato. Desde sus inicios, han trabajado con grandes marcas comerciales y editoriales, tales como Apple, Microsoft, Nike, Sony Music, Target, The New Yorker, y Warner Brother Records, entre otras. Su trabajo se caracteriza por colores ampliamente llamativos e ingeniosos diseños de patrones.

Julia y Cody se conocieron en el 2002 en el San Francisco Art Institute gracias al talento y la pasión de ambos por tomar fotografías. Ella se encontraba estudiando la carrera en Fotografía y él estaba por graduarse de la maestría en la misma área. En el 2009 formaron JUCO, un equipo que combina la atención de Julia por los detalles y el amor de Cody por las imperfecciones. Con el tiempo, su extraordinaria visión para capturar composiciones innovadoras los ha ayudado a posicionarse en el mercado como una de las mejores entidades creativas en vías de crecimiento.

El estilo artístico de JUCO se encuentra en un progresivo proceso de evolución y adaptación constante debido principalmente a los diferentes proyectos en los que participan. Lo que hace que su trabajo sea tan excepcional es su gran habilidad para unir en un concepto perfecto diversos elementos, como moda, patrones gráficos, colores fuertes y fondos altamente originales.

Entre sus proyectos más sobresalientes se encuentran: “Women on the Verge”, una sesión de fotografías para Paper Magazine en la que JUCO utilizó diversos patrones geométricos y coloridos sets para exhibir las glamorosas prendas de vestir de marcas como Ralph Lauren, Stella McCartney y Miu Miu; “Painted Backdrops”, un proyecto personal de la pareja en el que camuflajearon la ropa de los modelos con los fondos pintados a mano, produciendo así un efecto único de asociación; y “Laffy Taffy”, un proyecto cuya inspiración nació del estilo de los 90’s y los colores del arte pop.

A su vez, la experiencia les ha enseñado que la mejor manera de evitar que su trabajo se vuelva obsoleto y aburrido es encontrar el balance ideal entre el control y la incertidumbre. Es decir, al no cerciorarse que absolutamente todos los aspectos del proceso creativo son adecuados, ellos son capaces de descubrir resultados asombrosos.

“Si siempre te encuentras señalando todo, si siempre estás planeando, entonces dejas muy poca oportunidad para que la magia ocurra. Uno debe dejar ir las expectativas para sólo así poder ver lo inesperado. ” – JUCO comentó en The Photographic Journal.

Actualmente ubicados en Los Ángeles, California, Julia y Cody tienen la esperanza de abrir su propio estudio algún día. Con un portafolio lleno de un sin fin de extraordinarios proyectos, esta talentosa pareja está empeñada en continuar produciendo un trabajo que cautive al observador y que cause en él una impresión que dure por largo tiempo.

Más información sobre JUCO aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

JUCO es un dúo fotográfico conformado por dos grandes artistas, Julia Galdo originaria de Miami, Florida, y Cody Cloud proveniente de Fénix, Arizona. Juntos, cuentan con más de 5 años de experiencia creando fotografías únicas que combinan elementos relacionados a la publicidad, la moda y el retrato. Desde sus inicios, han trabajado con grandes marcas comerciales y editoriales, tales como Apple, Microsoft, Nike, Sony Music, Target, The New Yorker, y Warner Brother Records, entre otras. Su trabajo se caracteriza por colores ampliamente llamativos e ingeniosos diseños de patrones.

Julia y Cody se conocieron en el 2002 en el San Francisco Art Institute gracias al talento y la pasión de ambos por tomar fotografías. Ella se encontraba estudiando la carrera en Fotografía y él estaba por graduarse de la maestría en la misma área. En el 2009 formaron JUCO, un equipo que combina la atención de Julia por los detalles y el amor de Cody por las imperfecciones. Con el tiempo, su extraordinaria visión para capturar composiciones innovadoras los ha ayudado a posicionarse en el mercado como una de las mejores entidades creativas en vías de crecimiento.

El estilo artístico de JUCO se encuentra en un progresivo proceso de evolución y adaptación constante debido principalmente a los diferentes proyectos en los que participan. Lo que hace que su trabajo sea tan excepcional es su gran habilidad para unir en un concepto perfecto diversos elementos, como moda, patrones gráficos, colores fuertes y fondos altamente originales.

Entre sus proyectos más sobresalientes se encuentran: “Women on the Verge”, una sesión de fotografías para Paper Magazine en la que JUCO utilizó diversos patrones geométricos y coloridos sets para exhibir las glamorosas prendas de vestir de marcas como Ralph Lauren, Stella McCartney y Miu Miu; “Painted Backdrops”, un proyecto personal de la pareja en el que camuflajearon la ropa de los modelos con los fondos pintados a mano, produciendo así un efecto único de asociación; y “Laffy Taffy”, un proyecto cuya inspiración nació del estilo de los 90’s y los colores del arte pop.

A su vez, la experiencia les ha enseñado que la mejor manera de evitar que su trabajo se vuelva obsoleto y aburrido es encontrar el balance ideal entre el control y la incertidumbre. Es decir, al no cerciorarse que absolutamente todos los aspectos del proceso creativo son adecuados, ellos son capaces de descubrir resultados asombrosos.

“Si siempre te encuentras señalando todo, si siempre estás planeando, entonces dejas muy poca oportunidad para que la magia ocurra. Uno debe dejar ir las expectativas para sólo así poder ver lo inesperado. ” – JUCO comentó en The Photographic Journal.

Actualmente ubicados en Los Ángeles, California, Julia y Cody tienen la esperanza de abrir su propio estudio algún día. Con un portafolio lleno de un sin fin de extraordinarios proyectos, esta talentosa pareja está empeñada en continuar produciendo un trabajo que cautive al observador y que cause en él una impresión que dure por largo tiempo.

Más información sobre JUCO aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]   ★ By Dalia Vasquez [/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

November 5, 2014 - No Comments!

★ Lord Whitney (UK) | The New Face Of Northern Talent

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in a newly redesigned studio just outside the city center of Leeds, England, and having adopted a new flashy branding look, creative duo Amy Lord and Rebekah Whitney –Lord Whitney- keep up their excellent work producing high-quality projects with their characteristic inventiveness used since their partnership in 2009.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

lord10

lord2

lord11

lord7

lord8

lord13

lord6

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Known as an eccentric and cutting-edge creative duo specialized in set design, art direction and prop making, Lord Whitney chose to remodel its studio –a former leather mill- and turn it into a friendly, warm and spacious environment that all people can enjoy. Amy and Rebekah greet customers, visitors and friends in an idyllic workplace that now includes a new kitchen, a workshop, a meeting area and a Treehouse studio space.

Their purpose is to make of the renewed location a place that can help stimulate, motivate and support emerging artists – especially from Leeds- to meet and exhibit their work. Lord Whitney also wants the studio to become a graduate center where volunteer and internship programs are offered to people in general and where talks, events and workshops can be hosted.

“We do often work in London, but to us that isn't a problem, we have a lovely big studio where we can make everything and we can be in London in 2 hours if we need to be! We are passionate about retaining talent in the North, and not a lot would happen here if everybody decided to leave”. – Lord Whitney told Awesome Merch

In this time of change, Lord Whitney’s brand also suffered a makeover. Passport is the design studio behind their new branding look and Prints of Thieves is the print service responsible for their original bussiness cards.

However, not only has the studio’s image continued evolving. Their flamboyant ideas also keep turning into remarkable different ventures. Among their latest ones is their fashion film for Cartier's new jewellery collection “Juste un Clou”, in which Lord Whitney designed the concept, created the sets and was in charge of the art directing process. The studio also organized the project “Playing Faces” at the V&A Museum in London, where people could visit and create their own portraits on the spot using Lord Whitney’s photo booth.

The Wood Beneath the World” is their next collaboration with Leeds Town Hall coming in winter 2014. Stay tuned!

More information on Lord Whitney here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Known as an eccentric and cutting-edge creative duo specialized in set design, art direction and prop making, Lord Whitney chose to remodel its studio –a former leather mill- and turn it into a friendly, warm and spacious environment that all people can enjoy. Amy and Rebekah greet customers, visitors and friends in an idyllic workplace that now includes a new kitchen, a workshop, a meeting area and a Treehouse studio space.

Their purpose is to make of the renewed location a place that can help stimulate, motivate and support emerging artists – especially from Leeds- to meet and exhibit their work. Lord Whitney also wants the studio to become a graduate center where volunteer and internship programs are offered to people in general and where talks, events and workshops can be hosted.

“We do often work in London, but to us that isn't a problem, we have a lovely big studio where we can make everything and we can be in London in 2 hours if we need to be! We are passionate about retaining talent in the North, and not a lot would happen here if everybody decided to leave”. – Lord Whitney told Awesome Merch

In this time of change, Lord Whitney’s brand also suffered a makeover. Passport is the design studio behind their new branding look and Prints of Thieves is the print service responsible for their original bussiness cards.

However, not only has the studio’s image continued evolving. Their flamboyant ideas also keep turning into remarkable different ventures. Among their latest ones is their fashion film for Cartier's new jewellery collection “Juste un Clou”, in which Lord Whitney designed the concept, created the sets and was in charge of the art directing process. The studio also organized the project “Playing Faces” at the V&A Museum in London, where people could visit and create their own portraits on the spot using Lord Whitney’s photo booth.

The Wood Beneath the World” is their next collaboration with Leeds Town Hall coming in winter 2014. Stay tuned!

More information on Lord Whitney here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Estrenando un nuevo look de marca y un estudio recientemente remodelado a las afueras del centro de la ciudad de Leeds en Inglaterra, Amy Lord y Rebekah Whitney –Lord Whitney- continúan su arduo trabajo produciendo proyectos de la más alta calidad con el toque de originalidad que las caracteriza desde su colaboración en 2009.

Conocido como un excéntrico dúo de vanguardia el cual se especializa en el diseño y elaboración de sets y dirección de arte, Lord Whitney decidió remodelar su estudio –antiguamente un molino de piel/cuero- y convertirlo en un espacio amplio, amigable y cálido que esté al alcance del público. Amy y Rebekah dan la bienvenida a clientes, visitantes y amigos en un magnífico ambiente de trabajo que ahora cuenta con una cocina nueva, un taller, un área de recibimiento y una casa de árbol que funge como estudio.

Su objetivo es hacer del nuevo ambiente un lugar capaz de estimular, motivar y apoyar a artistas emergentes –principalmente aquellos provenientes de Leeds- a que se reúnan y exhiban su trabajo sin limitaciones. A su vez, Lord Whitney desea que el estudio se convierta en un centro donde se ofrezcan programas de internship y voluntariado al público en general, y donde la gente pueda organizar pláticas, talleres y diversos eventos.

“Frecuentemente trabajamos en Londres, pero eso no es un problema, contamos con un agradable estudio donde podemos crear lo que queramos y ¡podemos estar en Londres en dos horas si es necesario! Nos apasiona el poder retener el talento que existe en el norte, ya que aquí no sucedería nada si todo el mundo decidiera irse”. - Lord Whitney compartió con Awesome Merch

Aprovechando la etapa de grandes cambios, Lord Whitney decidió también modificar su imagen. Passport es el estudio creativo que se encargó de crear su nueva identidad y el servicio de impresión Prints of Thieves fue el encargado de producir sus originales tarjetas personales.

Sin embargo, la imagen de dicho estudio creativo no es lo único que ha evolucionado. Las ideas de ambas artistas continúan convirtiéndose en los más extravagantes y extraños proyectos. Entre los más recientes se encuentran: el video para la colección “Juste un Clou” de la marca Cartier, donde Lord Whitney diseñó el concepto, creó los sets y estuvo a cargo de la dirección de arte; y su proyecto titulado “Playing Faces” el cual se llevó a cabo en el museo de Victoria y Alberto en Londres y donde la gente pudo acudir a la cabina fotográfica de Lord Whitney y crear su propio retrato.

The Wood Beneath the World” es su siguiente colaboración con el municipio de Leeds, un proyecto próximo a presentarse en el invierno del 2014. ¡No te lo pierdas!

Más información sobre Lord Whitney aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Estrenando un nuevo look de marca y un estudio recientemente remodelado a las afueras del centro de la ciudad de Leeds en Inglaterra, Amy Lord y Rebekah Whitney –Lord Whitney- continúan su arduo trabajo produciendo proyectos de la más alta calidad con el toque de originalidad que las caracteriza desde su colaboración en 2009.

Conocido como un excéntrico dúo de vanguardia el cual se especializa en el diseño y elaboración de sets y dirección de arte, Lord Whitney decidió remodelar su estudio –antiguamente un molino de piel/cuero- y convertirlo en un espacio amplio, amigable y cálido que esté al alcance del público. Amy y Rebekah dan la bienvenida a clientes, visitantes y amigos en un magnífico ambiente de trabajo que ahora cuenta con una cocina nueva, un taller, un área de recibimiento y una casa de árbol que funge como estudio.

Su objetivo es hacer del nuevo ambiente un lugar capaz de estimular, motivar y apoyar a artistas emergentes –principalmente aquellos provenientes de Leeds- a que se reúnan y exhiban su trabajo sin limitaciones. A su vez, Lord Whitney desea que el estudio se convierta en un centro donde se ofrezcan programas de internship y voluntariado al público en general, y donde la gente pueda organizar pláticas, talleres y diversos eventos.

“Frecuentemente trabajamos en Londres, pero eso no es un problema, contamos con un agradable estudio donde podemos crear lo que queramos y ¡podemos estar en Londres en dos horas si es necesario! Nos apasiona el poder retener el talento que existe en el norte, ya que aquí no sucedería nada si todo el mundo decidiera irse”. - Lord Whitney compartió con Awesome Merch

Aprovechando la etapa de grandes cambios, Lord Whitney decidió también modificar su imagen. Passport es el estudio creativo que se encargó de crear su nueva identidad y el servicio de impresión Prints of Thieves fue el encargado de producir sus originales tarjetas personales.

Sin embargo, la imagen de dicho estudio creativo no es lo único que ha evolucionado. Las ideas de ambas artistas continúan convirtiéndose en los más extravagantes y extraños proyectos. Entre los más recientes se encuentran: el video para la colección “Juste un Clou” de la marca Cartier, donde Lord Whitney diseñó el concepto, creó los sets y estuvo a cargo de la dirección de arte; y su proyecto titulado “Playing Faces” el cual se llevó a cabo en el museo de Victoria y Alberto en Londres y donde la gente pudo acudir a la cabina fotográfica de Lord Whitney y crear su propio retrato.

The Wood Beneath the World” es su siguiente colaboración con el municipio de Leeds, un proyecto próximo a presentarse en el invierno del 2014. ¡No te lo pierdas!

Más información sobre Lord Whitney aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

 

★ By Dalia Vasquez

 

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

October 29, 2014 - No Comments!

★ V ARE (AU) | Presenting The Unknown

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

V ARE ["we are"], a creative duo based in Vienna, Austria formed by Adia Trischler and Andreas Waldschuetz, specializes in the combination of music, light, visual elements and space in order to generate their own whimsical interpretations of life. BREATHE”, their last collaborative undertaking, is another one of their captivating projects that has left multiple visitors immersed in a deep mayhem of complex sensations and abstract thoughts.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

vare-complete1

vare11

vare10

vare13

vare12

vare9

vare8

vare7

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Adia Trischler is a film director and creative consultant from New York with an extensive background in fashion, style and theater. Andreas Waldschuetz is a fashion photographer and video artist originally from Vienna, Austria. During the last years, these two talented artists have pursued the ambition of discovering unexplored surroundings and new creative minds with the sole purpose of producing a brand-new hub for upcoming artists.

Supported by different types of documentation like film, press and vinyl, Trischler and Waldschuetz expose unseen forms of art with the aim of generating an eclectic network of talent and revolutionary ideas.

Their more recent collective project “BREATHE” was an art film successfully presented at an abandoned building in Altes Zollamt, Austria. From October 17 to October 26, the spectator became part of the fictional story by being guided through different settings around the mysterious and somber exhibition. An extraordinary use of light, shadows and theatrical production made of the project a unique experience in which feelings and memories were strongly stimulated.

The event also included the performance of dancer Mickey Mahar and musician Manu Mayr, as well as the presentation of fashion designer Andrea Cammarosano and Vienna-based jewelry label Henwoodcraft.

More information on V ARE here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Adia Trischler is a film director and creative consultant from New York with an extensive background in fashion, style and theater. Andreas Waldschuetz is a fashion photographer and video artist originally from Vienna, Austria. During the last years, these two talented artists have pursued the ambition of discovering unexplored surroundings and new creative minds with the sole purpose of producing a brand-new hub for upcoming artists.

Supported by different types of documentation like film, press and vinyl, Trischler and Waldschuetz expose unseen forms of art with the aim of generating an eclectic network of talent and revolutionary ideas.

Their more recent collective project “BREATHE” was an art film successfully presented at an abandoned building in Altes Zollamt, Austria. From October 17 to October 26, the spectator became part of the fictional story by being guided through different settings around the mysterious and somber exhibition. An extraordinary use of light, shadows and theatrical production made of the project a unique experience in which feelings and memories were strongly stimulated.

The event also included the performance of dancer Mickey Mahar and musician Manu Mayr, as well as the presentation of fashion designer Andrea Cammarosano and Vienna-based jewelry label Henwoodcraft.

More information on V ARE here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicado en la ciudad de Viena, Austria, V ARE ["we are" / “nosotros somos”] es un dúo creativo conformado por los artistas Adia Trischler y Andreas Waldschuetz quienes se especializan en la combinación de música, luz, elementos visuales y espacios para la generación de sus propias interpretaciones de la realidad. “BREATHE” [“respirar”] constituye su último proyecto artístico, el cual dejó inmersos a los múltiples espectadores en un profundo estado abstracto de desconcierto.

Proveniente de Nueva York, Adia Trischler es una directora de cine y consultora creativa con amplia experiencia en los rubros de la moda, el estilo y el teatro. Por su parte, Andreas Waldschuetz es un fotógrafo de moda y un hábil creador de videos originario de Viena, Austria. Durante los últimos años, ambos personajes han puesto en práctica el descubrimiento y exhibición de nuevas y extrañas locaciones así como nuevas mentes creativas, con el fin de generar una plataforma única para los artistas emergentes.

Utilizando diversos elementos para documentar su trabajo, como videos, la prensa y discos de vinilo, Trischler y Waldschuetz se dedican a exponer desconocidas formas de arte con el propósito de crear una red de contactos e ideas totalmente ecléctica.

Su más reciente trabajo colectivo “BREATHE” consistió en la creación y exitosa exhibición de su trabajo cinematográfico en un edificio abandonado en Altes Zollamt, Austria. Desde el 17 de Octubre hasta el 26 del mismo mes, el espectador se volvió parte de la historia creativa al ser dirigido por diversas habitaciones dentro de un ambiente sombrío y lleno de misterio. El extraordinario uso de luz y sombras, así como una excelente producción teatral, hizo del proyecto una experiencia única que estimuló todo tipo de sentimientos y recuerdos en la mente del visitante.

El evento también incluyó el desempeño del bailarín Mickey Mahar y el músico Manu Mayr, así como la presentación de la diseñadora de modas Andrea Cammarosano y la marca de joyas localizada en Viana, Henwoodcraft.

Más información sobre V ARE aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Ubicado en la ciudad de Viena, Austria, V ARE ["we are" / “nosotros somos”] es un dúo creativo conformado por los artistas Adia Trischler y Andreas Waldschuetz quienes se especializan en la combinación de música, luz, elementos visuales y espacios para la generación de sus propias interpretaciones de la realidad. “BREATHE” [“respirar”] constituye su último proyecto artístico, el cual dejó inmersos a los múltiples espectadores en un profundo estado abstracto de desconcierto.

Proveniente de Nueva York, Adia Trischler es una directora de cine y consultora creativa con amplia experiencia en los rubros de la moda, el estilo y el teatro. Por su parte, Andreas Waldschuetz es un fotógrafo de moda y un hábil creador de videos originario de Viena, Austria. Durante los últimos años, ambos personajes han puesto en práctica el descubrimiento y exhibición de nuevas y extrañas locaciones así como nuevas mentes creativas, con el fin de generar una plataforma única para los artistas emergentes.

Utilizando diversos elementos para documentar su trabajo, como videos, la prensa y discos de vinilo, Trischler y Waldschuetz se dedican a exponer desconocidas formas de arte con el propósito de crear una red de contactos e ideas totalmente ecléctica.

Su más reciente trabajo colectivo “BREATHE” consistió en la creación y exitosa exhibición de su trabajo cinematográfico en un edificio abandonado en Altes Zollamt, Austria. Desde el 17 de Octubre hasta el 26 del mismo mes, el espectador se volvió parte de la historia creativa al ser dirigido por diversas habitaciones dentro de un ambiente sombrío y lleno de misterio. El extraordinario uso de luz y sombras, así como una excelente producción teatral, hizo del proyecto una experiencia única que estimuló todo tipo de sentimientos y recuerdos en la mente del visitante.

El evento también incluyó el desempeño del bailarín Mickey Mahar y el músico Manu Mayr, así como la presentación de la diseñadora de modas Andrea Cammarosano y la marca de joyas localizada en Viana, Henwoodcraft.

Más información sobre V ARE aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

 

★ By Dalia Vasquez

 

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

September 24, 2014 - No Comments!

★ Little Shao (FR) | A Flawless Portrayal Of Rhythm

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in Paris, France, Little Shao is a photographer, film maker and art director of Vietnamese background whose pictures of dancers, models, actors and singers have called the public attention thanks to their astonishing composition, quality, and emotion. After transitioning from finance to photography many years ago, he discovered the way to capture the most outstanding moments within the dancing world, especially the ones related to the Hip-Hop culture.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

shao4

shao9

shao23

shao7

shao26

shao19

shao15

shao14

shao10

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

With a deep passion for traveling and pictures, and as a dedicated Bboy (break-dancer), Little Shao has positioned himself as an exceptional photographer of the contemporary dancing and artistic community. He has worked with the best dancers and choreographers of celebrities like Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé, and Justin Timberlake.

As a young photographer in a highly-competitive world and with a large number of photographic tools available in the market, Shao considers the task of achieving the ideal shoot harder every day. He obtains his inspiration from different sources, like movies, music and the everyday life, and believes that a balance between talent, creativity and the right equipment is the perfect combination for a successful and valuable portfolio.

Little Shao’s style is spotless and delicate. Either in motion or static, the arrangement of his models inside the frame transforms a specific dancing moment into a sensational experience truly worth seen. He is not only portraying an image, he is creating a memory by asking people to take dancers –even the ones in early stages- seriously, and making them understand the meaning that life has to the people that practice such art.

“My goal is to innovate and push the Hip-Hop community to understand that “Communication & Marketing” should be much more important than their dance skills. That if they want to survive being a dancer, they should also take care of their image and how they are spreading it. Life as a dancer is not only about dance, it’s also about strategy, communication and networking”.

More information on Little Shao here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

With a deep passion for traveling and pictures, and as a dedicated Bboy (break-dancer), Little Shao has positioned himself as an exceptional photographer of the contemporary dancing and artistic community. He has worked with the best dancers and choreographers of celebrities like Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé, and Justin Timberlake.

As a young photographer in a highly-competitive world and with a large number of photographic tools available in the market, Shao considers the task of achieving the ideal shoot harder every day. He obtains his inspiration from different sources, like movies, music and the everyday life, and believes that a balance between talent, creativity and the right equipment is the perfect combination for a successful and valuable portfolio.

Little Shao’s style is spotless and delicate. Either in motion or static, the arrangement of his models inside the frame transforms a specific dancing moment into a sensational experience truly worth seen. He is not only portraying an image, he is creating a memory by asking people to take dancers –even the ones in early stages- seriously, and making them understand the meaning that life has to the people that practice such art.

“My goal is to innovate and push the Hip-Hop community to understand that “Communication & Marketing” should be much more important than their dance skills. That if they want to survive being a dancer, they should also take care of their image and how they are spreading it. Life as a dancer is not only about dance, it’s also about strategy, communication and networking”.

More information on Little Shao here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Little Shao es un fotógrafo, director de cine y de arte con antecedentes vietnamitas y con actual residencia en París, Francia. Sus fotografías de bailarines, modelos, actores y cantantes han llamado fuertemente la atención del público gracias a su extraordinaria composición, calidad y emotividad que las caracteriza. Su carrera sufrió una gran transición cuando dejó el mundo de las finanzas y decidió dedicarse de lleno a la fotografía. Con los años, Shao ha descubierto la manera de capturar momentos únicos dentro del mundo del baile, en particular, aquellos pertenecientes a la cultura del hip-hop.

Shao es un apasionado fotógrafo, viajero y practicante del break dance. Desde el inicio de su carrera como artista, se ha posicionado como un fotógrafo excepcional dentro de su actual comunidad de baile. Ha trabajado con los mejores bailarines y coreógrafos de celebridades como Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé y Justin Timberlake.

Como un talentoso y joven artista que se desarrolla en mundo altamente competitivo, y con un sin fin de herramientas tecnológicas a la mano, Shao considera que el lograr una fotografía innovadora es una tarea cada día más difícil. Él obtiene su inspiración de diversas fuentes, como películas, música y la vida diaria, y cree que un balance entre el talento, la creatividad y el material de trabajo es la combinación perfecta para crear un portafolio atractivo y de alto valor.

Su estilo es delicado e impecable. Ya sea que sus modelos se encuentren en movimiento o estáticos dentro de su composición, el arreglo que da a los elementos en la toma transforma un momento dentro del mundo del baile en toda una experiencia totalmente nueva. No sólo se dedica a plasmar imágenes, sino que crea recuerdos en los que pide al espectador tomar la carrera de un bailarín en serio, y los invita a comprender el significado que tiene la vida para las personas que practican dicho arte.

“Mi objetivo es innovar y sacar adelante a la comunidad del hip-hop haciéndolos entender que la comunicación y la mercadotecnia deben ser mucho más importantes que sus habilidades como bailarines. Que si desean sobrevivir haciendo lo que les gusta, deben tomar en cuenta su imagen y la manera en que ésta es difundida. La vida de un bailarín no solo consiste en bailar, sino también en pensar en la estrategia a utilizar, la comunicación y su red de contactos.”

Más información sobre Little Shao aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Little Shao es un fotógrafo, director de cine y de arte con antecedentes vietnamitas y con actual residencia en París, Francia. Sus fotografías de bailarines, modelos, actores y cantantes han llamado fuertemente la atención del público gracias a su extraordinaria composición, calidad y emotividad que las caracteriza. Su carrera sufrió una gran transición cuando dejó el mundo de las finanzas y decidió dedicarse de lleno a la fotografía. Con los años, Shao ha descubierto la manera de capturar momentos únicos dentro del mundo del baile, en particular, aquellos pertenecientes a la cultura del hip-hop.

Shao es un apasionado fotógrafo, viajero y practicante del break dance. Desde el inicio de su carrera como artista, se ha posicionado como un fotógrafo excepcional dentro de su actual comunidad de baile. Ha trabajado con los mejores bailarines y coreógrafos de celebridades como Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé y Justin Timberlake.

Como un talentoso y joven artista que se desarrolla en mundo altamente competitivo, y con un sin fin de herramientas tecnológicas a la mano, Shao considera que el lograr una fotografía innovadora es una tarea cada día más difícil. Él obtiene su inspiración de diversas fuentes, como películas, música y la vida diaria, y cree que un balance entre el talento, la creatividad y el material de trabajo es la combinación perfecta para crear un portafolio atractivo y de alto valor.

Su estilo es delicado e impecable. Ya sea que sus modelos se encuentren en movimiento o estáticos dentro de su composición, el arreglo que da a los elementos en la toma transforma un momento dentro del mundo del baile en toda una experiencia totalmente nueva. No sólo se dedica a plasmar imágenes, sino que crea recuerdos en los que pide al espectador tomar la carrera de un bailarín en serio, y los invita a comprender el significado que tiene la vida para las personas que practican dicho arte.

“Mi objetivo es innovar y sacar adelante a la comunidad del hip-hop haciéndolos entender que la comunicación y la mercadotecnia deben ser mucho más importantes que sus habilidades como bailarines. Que si desean sobrevivir haciendo lo que les gusta, deben tomar en cuenta su imagen y la manera en que ésta es difundida. La vida de un bailarín no solo consiste en bailar, sino también en pensar en la estrategia a utilizar, la comunicación y su red de contactos.”

Más información sobre Little Shao aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

 

★ By Dalia Vasquez

 

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

September 10, 2014 - No Comments!

★ Rick Silva (BR) | Inspiring Digital Landscapes

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A Brazilian artist and animator who transforms his visions of nature into a set of extraordinary virtual GIF images. Highly influenced by landscapes, wildlife, parallel universes and the fusion of technology and the natural world, Rick Silva spends most of his time working outdoors in order to acquire natural details and new sources of inspiration.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

silva5

En_plein_air_4_4_2012

silva2

En_plein_air_1_30_2013

silva13

En_plein_air_12_2_2012

silva16

silva15

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

With a BFA in Film and a MFA in Art obtained at the University of Colorado, in the USA, Rick Silva has participated in numerous exhibitions around the world. Among his most famous works is “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future” which features 18 videos of surreal, geometric and abstract flying birds that drift in a futuristic atmosphere.

Silva’s work is characterized by psychedelic colors and shimmering surfaces. In each one of his creations he transmits his ultimate fascination with perception, light and time, as well as his need to give an organic sense to his virtual compositions. As the Impressionist and Post-Impressionist artists accustomed in their time, Silva finds the outside space the ideal place to create multiple digital interpretations of his surroundings. The best example of this practice can be found in his continuing project “En Plein Air”, a series of GIF images depicting diverse virtual landscapes that can be differentiated between one another thanks to Silva’s careful documentation of place, date, time, and temperature. The result is a fantastic gathering of moving and pointy images in which the spectator can always perceive the artist’s main impression: a sunny day, mountains reflected on a lake or a cloudy weather, among others.

Constantly working with different computers, cameras and software like Cinema 4D, Silva transforms the outside world into malleable digital compositions. His work is the latest example of how the natural world can coexist with technology inside a creative mind.

More information on Rick Silva here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

With a BFA in Film and a MFA in Art obtained at the University of Colorado, in the USA, Rick Silva has participated in numerous exhibitions around the world. Among his most famous works is “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future” which features 18 videos of surreal, geometric and abstract flying birds that drift in a futuristic atmosphere.

Silva’s work is characterized by psychedelic colors and shimmering surfaces. In each one of his creations he transmits his ultimate fascination with perception, light and time, as well as his need to give an organic sense to his virtual compositions. As the Impressionist and Post-Impressionist artists accustomed in their time, Silva finds the outside space the ideal place to create multiple digital interpretations of his surroundings. The best example of this practice can be found in his continuing project “En Plein Air”, a series of GIF images depicting diverse virtual landscapes that can be differentiated between one another thanks to Silva’s careful documentation of place, date, time, and temperature. The result is a fantastic gathering of moving and pointy images in which the spectator can always perceive the artist’s main impression: a sunny day, mountains reflected on a lake or a cloudy weather, among others.

Constantly working with different computers, cameras and software like Cinema 4D, Silva transforms the outside world into malleable digital compositions. His work is the latest example of how the natural world can coexist with technology inside a creative mind.

More information on Rick Silva here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Rick Silva es un artista y animador brasileño que se dedica a transformar su percepción de la naturaleza en extraordinarias imágenes animadas GIF. A lo largo de su carrera, se ha visto ampliamente influenciado por paisajes naturales, la flora y la fauna, universos paralelos y la fusión de la tecnología con el mundo natural. Actualmente pasa gran parte de su tiempo trabajando al aire libre con el objetivo de ampliar sus horizontes y encontrar nuevas fuentes de inspiración.

Graduado de la Maestría de Arte en la Universidad de Colorado en Estados Unidos, Rick Silva ha participado en numerosas exhibiciones alrededor del mundo. Entre sus trabajos más reconocidos se encuentra el “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future”, una serie de 18 videos ilustrando aves de carácter surreal, geométrico y abstracto que dan la impresión de volar sin rumbo en una atmósfera futurista.

El trabajo de Silva se caracteriza por colores psicodélicos y una apariencia brillante. En cada una de sus creaciones se puede apreciar su fuerte fascinación por la percepción, la luz y el tiempo, así como su necesidad de dar un toque orgánico a sus composiciones. Así como los artistas Impresionistas y Post-Impresionistas hicieron en su tiempo, Silva encuentra en el espacio exterior el ambiente perfecto para trabajar y realizar múltiples interpretaciones digitales del mundo que lo rodea. El proyecto que mejor refleja esta práctica es su actual serie de imágenes GIF titulado “En Plein Air”. Éste consiste en la producción virtual de paisajes que pueden ser diferenciados entre sí gracias a la documentación del lugar, la fecha, la hora y la temperatura que representan. El resultado es un fantástico conjunto de imágenes en movimiento en las que el espectador es capaz de diferenciar la idea principal del artista: un día soleado, montañas que se reflejan en un lago o un clima nublado, entre otros.

Trabajando constantemente con diferentes computadoras, cámaras y programas digitales como Cinema 4D, Silva transforma el mundo exterior en maleables composiciones digitales. Su trabajo es uno de los últimos ejemplos de cómo el mundo natural puede coexistir con la tecnología a través de una mente creativa.

Más información sobre Rick Silva aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Rick Silva es un artista y animador brasileño que se dedica a transformar su percepción de la naturaleza en extraordinarias imágenes animadas GIF. A lo largo de su carrera, se ha visto ampliamente influenciado por paisajes naturales, la flora y la fauna, universos paralelos y la fusión de la tecnología con el mundo natural. Actualmente pasa gran parte de su tiempo trabajando al aire libre con el objetivo de ampliar sus horizontes y encontrar nuevas fuentes de inspiración.

Graduado de la Maestría de Arte en la Universidad de Colorado en Estados Unidos, Rick Silva ha participado en numerosas exhibiciones alrededor del mundo. Entre sus trabajos más reconocidos se encuentra el “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future”, una serie de 18 videos ilustrando aves de carácter surreal, geométrico y abstracto que dan la impresión de volar sin rumbo en una atmósfera futurista.

El trabajo de Silva se caracteriza por colores psicodélicos y una apariencia brillante. En cada una de sus creaciones se puede apreciar su fuerte fascinación por la percepción, la luz y el tiempo, así como su necesidad de dar un toque orgánico a sus composiciones. Así como los artistas Impresionistas y Post-Impresionistas hicieron en su tiempo, Silva encuentra en el espacio exterior el ambiente perfecto para trabajar y realizar múltiples interpretaciones digitales del mundo que lo rodea. El proyecto que mejor refleja esta práctica es su actual serie de imágenes GIF titulado “En Plein Air”. Éste consiste en la producción virtual de paisajes que pueden ser diferenciados entre sí gracias a la documentación del lugar, la fecha, la hora y la temperatura que representan. El resultado es un fantástico conjunto de imágenes en movimiento en las que el espectador es capaz de diferenciar la idea principal del artista: un día soleado, montañas que se reflejan en un lago o un clima nublado, entre otros.

Trabajando constantemente con diferentes computadoras, cámaras y programas digitales como Cinema 4D, Silva transforma el mundo exterior en maleables composiciones digitales. Su trabajo es uno de los últimos ejemplos de cómo el mundo natural puede coexistir con la tecnología a través de una mente creativa.

Más información sobre Rick Silva aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

★ By Dalia Vasquez

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

June 25, 2014 - No Comments!

★ Dorhout Mees (NE) | Musical & Elegant Designs

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Conversion” is Dorhout Mees second collection presented at Amsterdam Fashion Week. In her new work, she describes how oxidation, is a metaphor for observing the beauty of impermanence and how “the material transformation is similar to a spiritual one”.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

dorhout00

dorhout1

dorhout3

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

“Using film and music to tell my story is something I’ve always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do”. (Dorhout Mees)

What is inspiration for you?

I feel inspiration is in everything. Literally, it just depends on which way you’re looking. So it can be a feeling you notice in yourself and your surroundings, like the search of origin in my summer collection “Become”, or something more concrete like architecture. But if I would have to narrow it down, I would say Nature and Architecture are always great sources of beauty and contrasts.

Is there a memory, a moment you remember you thought about doing fashion?

To begin with a project I was always drawing. My very first memories are of me drawing everything and all the time. I wanted to make my own clothes when I was around eight years old. They were very simple tops and skirts made with the help of my grandmother. Later on, I started making prints on them by drawing and painting it on. So the love for prints was already there as well!

When did you start using music and video in your work?

Using film and music to tell my story is something I have always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do. Take them on that journey I went on; involve them as much as I can.

What about other material use?

I start from different types of silk, soft chiffon and stiff organza, wool, cashmere that I often work with. Then if inspiration takes me somewhere I choose a material, like in this collection I did with copper and copper oxidation process. I used this material for shoes, belts, necklaces, bracelets and even knitted it from copper thread from a machine.

What is it like to be part of the Fashion Week? How would you describe it?

First of all is a big honor. It’s such a great platform to show your work. It’s very hectic the last week leading up to it, actually, it is so until the last model walks onto the catwalk. But it is a beautiful feeling, magical even, everything that you’ve worked for falls into place at that very moment.

In your last show presented at the Fashion Week you used a music loop from the Pixies. Why did you choose that song? Could you list the top five of your favorite songs at the moment?

Great question! I feel that music is life, and it is very important to me. The reason I chose for parts of the song “Where is my mind” by Pixies, is first of all I felt the title was fitting me. It’s about transformation, spiritual transformation, in which you have to start a journey inwards trying to leave that hardworking mind behind and simply go on feeling and intuition.

Then, I just love the song, but I wanted to reflect the contrast of the difference in oxidation. The organic one, organic shapes and colors, and the microscopic one where everything is geometric and grey and white. So I looked for a classical interpretation of the song, even mixed a piano version vs a string quartet version. I like contrasts. Then I used the original during the final moment on the catwalk only.

My loves at the moment ;-):

Damien Rice, everything he has written, “Little Bird” by Lisa Hannigan, “Josephine” by Teitur, “Hollo Talk” by Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” by Bat for Lashes, and just one more, “C’mon Talk” by Bernhoft.

What do you like to share with your work in fashion?

With my collections I like to tell stories, but I also want to give power to women. I love the power of women who go after whatever it is they want to get out of life. I admire women like that and I would like to add something to that passion for life. I constantly search for the delicate balance between telling a story and the fact that it has to look great on a woman’s body. For me those aspects are equally important.

More information on Dorhout Mees here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

“Using film and music to tell my story is something I’ve always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do”. (Dorhout Mees)

What is inspiration for you?

I feel inspiration is in everything. Literally, it just depends on which way you’re looking. So it can be a feeling you notice in yourself and your surroundings, like the search of origin in my summer collection “Become”, or something more concrete like architecture. But if I would have to narrow it down, I would say Nature and Architecture are always great sources of beauty and contrasts.

Is there a memory, a moment you remember you thought about doing fashion?

To begin with a project I was always drawing. My very first memories are of me drawing everything and all the time. I wanted to make my own clothes when I was around eight years old. They were very simple tops and skirts made with the help of my grandmother. Later on, I started making prints on them by drawing and painting it on. So the love for prints was already there as well!

When did you start using music and video in your work?

Using film and music to tell my story is something I have always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do. Take them on that journey I went on; involve them as much as I can.

What about other material use?

I start from different types of silk, soft chiffon and stiff organza, wool, cashmere that I often work with. Then if inspiration takes me somewhere I choose a material, like in this collection I did with copper and copper oxidation process. I used this material for shoes, belts, necklaces, bracelets and even knitted it from copper thread from a machine.

What is it like to be part of the Fashion Week? How would you describe it?

First of all is a big honor. It’s such a great platform to show your work. It’s very hectic the last week leading up to it, actually, it is so until the last model walks onto the catwalk. But it is a beautiful feeling, magical even, everything that you’ve worked for falls into place at that very moment.

In your last show presented at the Fashion Week you used a music loop from the Pixies. Why did you choose that song? Could you list the top five of your favorite songs at the moment?

Great question! I feel that music is life, and it is very important to me. The reason I chose for parts of the song “Where is my mind” by Pixies, is first of all I felt the title was fitting me. It’s about transformation, spiritual transformation, in which you have to start a journey inwards trying to leave that hardworking mind behind and simply go on feeling and intuition.

Then, I just love the song, but I wanted to reflect the contrast of the difference in oxidation. The organic one, organic shapes and colors, and the microscopic one where everything is geometric and grey and white. So I looked for a classical interpretation of the song, even mixed a piano version vs a string quartet version. I like contrasts. Then I used the original during the final moment on the catwalk only.

My loves at the moment ;-):

Damien Rice, everything he has written, “Little Bird” by Lisa Hannigan, “Josephine” by Teitur, “Hollo Talk” by Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” by Bat for Lashes, and just one more, “C’mon Talk” by Bernhoft.

What do you like to share with your work in fashion?

With my collections I like to tell stories, but I also want to give power to women. I love the power of women who go after whatever it is they want to get out of life. I admire women like that and I would like to add something to that passion for life. I constantly search for the delicate balance between telling a story and the fact that it has to look great on a woman’s body. For me those aspects are equally important.

More information on Dorhout Mees here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Conversion” es la segunda colección de Dorhout Mees que ha sido presentada en la Semana Fashion de Ámsterdam. En su nuevo trabajo, ella describe cómo la oxidación es la metáfora para observar la belleza de la impermanencia y cómo “la transformación del material es similar al del espíritu”.

“Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo”. (Dorhout Mees)

¿Dónde encuentras tu inspiración?

Prácticamente en todas partes. Literalmente sólo depende de hacia dónde mires. Puede ser un sentimiento que uno encuentre en sí mismo o en los alrededores, como la búsqueda del origen en mi colección de verano “Become”, o algo más concreto como la arquitectura. Sin embargo, si tuviera que escoger entre dos aspectos, la Naturaleza y la Arquitectura son siempre excelentes fuentes de belleza y contraste.

¿Hay algún recuerdo o momento que te llevó a dedicarte al diseño de modas?

Para empezar, siempre estaba dibujando. Mis primeros recuerdos los tengo de estar dibujando todo el tiempo. Para cuando tenía ocho años de edad ya quería hacer mi propia ropa. Eran blusas y faldas sencillas que hice con la ayuda de mi abuela.  Posteriormente, comencé a hacer mis propias impresiones pintando y dibujando sobre ellas. ¡Así que el amor por los gráficos nació en ese momento también!

¿Cuándo comenzaste a utilizar el cine y el video en su trabajo?

Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo. Me gusta llevarlos en el mismo viaje que yo e involucrarlos lo más que se pueda.

¿Qué otros materiales utilizas?

Comienzo con diferentes tipos de seda, chiffon, organza, lana y casimir, eso es con lo que más trabajo. Después, si la inspiración me lleva más lejos, escojo un material, como hice en esta colección en la que utilicé cobre y su proceso de oxidación. Utilicé dicho material para hacer zapatos, cinturones, collares, pulseras e incluso cosí hilos de cobre con ayuda de una máquina.

¿Qué significa para ti formar parte de la Semana Fashion? ¿Cómo describirías tu experiencia?

Primero que nada pienso que es un gran honor. Es una extraordinaria plataforma en la que uno logra exhibir el trabajo. Todo es muy agitado, la última semana antes del evento, hasta el último momento en el que la modelo camina por la pasarela. Pero a su vez es un sentimiento hermoso, mágico incluso, pues todo por lo que has trabajado es revelado en ese preciso momento.

En tu último show que presentaste en la Semana Fashion, utilizaste música del grupo los Pixies. ¿Por qué escogiste esa música? ¿Podrías enlistar tus cinco canciones favoritas hasta el momento?

¡Excelente pregunta! Pienso que la música es vida, por lo que es muy importante para mí. La razón por la que escogí fragmentos de la canción “Where is my mind” (Dónde está mi mente) de Los Pixies es primero que nada porque el título encajaba con mi trabajo. Habla de la transformación espiritual en la que uno debe iniciar una búsqueda interior para dejar atrás la mente trabajadora y simplemente continuar sintiendo.

Por otra parte, me encanta esa canción, y quise reflejar el contraste de la diferencia en la oxidación. Lo orgánico, los colores y las formas naturales, y lo microscópico donde todo es geométrico, gris y blanco. Así que busqué diferentes versiones de la canción, con piano y con instrumentos de cuerdas. Me gustan los contrastes. Finalmente, utilicé la versión original en la última parte del desfile de modas.

Mis canciones favoritas en este momento ;-):

Todo lo de Damien Rice, “Little Bird” por Lisa Hannigan, “Josephine” por Teitur, “Hollo Talk” por el Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” por Bat for Lashes, y una más, “C’mon Talk” por Bernhoft.

¿Qué es lo que te gusta compartir en tu trabajo como diseñadora de modas?

Con mis colecciones me gusta contar historias, pero también quiero dar poder a las mujeres. Me encanta el poder que las mujeres tienen para perseguir aquello que más quieren en la vida. Las admiro y me gustaría añadir algo a esa pasión que sienten por la vida. Contantemente busco un balance entre contar una historia y lograr que los diseños se vean lo mejor posible en el cuerpo de una mujer. Para mí, esos dos aspectos son de igual importancia.

Más información sobre Dorhout Mees aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Conversion” es la segunda colección de Dorhout Mees que ha sido presentada en la Semana Fashion de Ámsterdam. En su nuevo trabajo, ella describe cómo la oxidación es la metáfora para observar la belleza de la impermanencia y cómo “la transformación del material es similar al del espíritu”.

“Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo”. (Dorhout Mees)

¿Dónde encuentras tu inspiración?

Prácticamente en todas partes. Literalmente sólo depende de hacia dónde mires. Puede ser un sentimiento que uno encuentre en sí mismo o en los alrededores, como la búsqueda del origen en mi colección de verano “Become”, o algo más concreto como la arquitectura. Sin embargo, si tuviera que escoger entre dos aspectos, la Naturaleza y la Arquitectura son siempre excelentes fuentes de belleza y contraste.

¿Hay algún recuerdo o momento que te llevó a dedicarte al diseño de modas?

Para empezar, siempre estaba dibujando. Mis primeros recuerdos los tengo de estar dibujando todo el tiempo. Para cuando tenía ocho años de edad ya quería hacer mi propia ropa. Eran blusas y faldas sencillas que hice con la ayuda de mi abuela.  Posteriormente, comencé a hacer mis propias impresiones pintando y dibujando sobre ellas. ¡Así que el amor por los gráficos nació en ese momento también!

¿Cuándo comenzaste a utilizar el cine y el video en su trabajo?

Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo. Me gusta llevarlos en el mismo viaje que yo e involucrarlos lo más que se pueda.

¿Qué otros materiales utilizas?

Comienzo con diferentes tipos de seda, chiffon, organza, lana y casimir, eso es con lo que más trabajo. Después, si la inspiración me lleva más lejos, escojo un material, como hice en esta colección en la que utilicé cobre y su proceso de oxidación. Utilicé dicho material para hacer zapatos, cinturones, collares, pulseras e incluso cosí hilos de cobre con ayuda de una máquina.

¿Qué significa para ti formar parte de la Semana Fashion? ¿Cómo describirías tu experiencia?

Primero que nada pienso que es un gran honor. Es una extraordinaria plataforma en la que uno logra exhibir el trabajo. Todo es muy agitado, la última semana antes del evento, hasta el último momento en el que la modelo camina por la pasarela. Pero a su vez es un sentimiento hermoso, mágico incluso, pues todo por lo que has trabajado es revelado en ese preciso momento.

En tu último show que presentaste en la Semana Fashion, utilizaste música del grupo los Pixies. ¿Por qué escogiste esa música? ¿Podrías enlistar tus cinco canciones favoritas hasta el momento?

¡Excelente pregunta! Pienso que la música es vida, por lo que es muy importante para mí. La razón por la que escogí fragmentos de la canción “Where is my mind” (Dónde está mi mente) de Los Pixies es primero que nada porque el título encajaba con mi trabajo. Habla de la transformación espiritual en la que uno debe iniciar una búsqueda interior para dejar atrás la mente trabajadora y simplemente continuar sintiendo.

Por otra parte, me encanta esa canción, y quise reflejar el contraste de la diferencia en la oxidación. Lo orgánico, los colores y las formas naturales, y lo microscópico donde todo es geométrico, gris y blanco. Así que busqué diferentes versiones de la canción, con piano y con instrumentos de cuerdas. Me gustan los contrastes. Finalmente, utilicé la versión original en la última parte del desfile de modas.

Mis canciones favoritas en este momento ;-):

Todo lo de Damien Rice, “Little Bird” por Lisa Hannigan, “Josephine” por Teitur, “Hollo Talk” por el Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” por Bat for Lashes, y una más, “C’mon Talk” por Bernhoft.

¿Qué es lo que te gusta compartir en tu trabajo como diseñadora de modas?

Con mis colecciones me gusta contar historias, pero también quiero dar poder a las mujeres. Me encanta el poder que las mujeres tienen para perseguir aquello que más quieren en la vida. Las admiro y me gustaría añadir algo a esa pasión que sienten por la vida. Contantemente busco un balance entre contar una historia y lograr que los diseños se vean lo mejor posible en el cuerpo de una mujer. Para mí, esos dos aspectos son de igual importancia.

Más información sobre Dorhout Mees aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

★ Original Article by HoopDoop Magazine #20. Interview by Agnese Roda. Photography by Monyart.  Spanish edition by Dalia Vasquez.

 

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

HoopDoopMag243

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

June 12, 2014 - No Comments!

★ Tomas Saraceno (AR) | Ideal Cities For The Future

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

An Argentinian artist who explores the possibility of future sustainable aerial ways of life through his geometrical experiments, models and proposals.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Tomás Saraceno, Air-Port-City / Cloud Cities at Tanya Bonakdar

Tomás Saraceno, Air-Port-City / Cloud Cities at Tanya Bonakdar

"Cloud City"

cloud

cloud2

cloud city-b

"In Orbit"

In orbit (1)

In orbit (13)

In orbit (12)

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=JKEP6DheJ3g]

[vimeo 70104409 w=100 h=338]

in orbit by tomás saraceno from andreas fechner on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Native from San Miguel de Tucumán, Argentina and currently living in Germany, Tomas Saraceno is an artist and an architect known for his airborne habitat-like sculptures and installations that combine art, architecture, science and engineering. His work usually involves geometrical elements based on the formations of spider webs, neural networks, cloud patterns, foam and soap bubbles.

Saraceno’s artworks are influenced by the idea of new ways of inhabiting our environment -especially above ground-, by the analysis of space and light materials, and by the study of the adaptability and mobility of different structures. He demonstrates the limitless reconfiguration of a material by varying the shapes and sizes of his creations, and invites spectators to question the natural world and to comprehend that there are still multiple ways in which we can interact with each other.

Among Saraceno’s most recognized works of art is “Cloud City”, a bubble-inspired reflective structure located on the roof of the Metropolitan Museum of Art in New York City, which allows visitors to walk inside its mirrored and transparent floors and to obtain spectacular views from their surroundings.

In Orbit” is another famous project of the Argentinian artist, in which a series of inflated spheres suspended more than 25 meters from the floor over a network welcome visitors so that they can experience relationships and communication from another level.

Throughout his career, Tomas has collaborated with arachnologists and other scientists in order to study the methods spiders use to construct their webs. Inspired by overpopulation and the emergent lack of habitability of the earth, Saraceno’s projects represent alternatives of floating cities that can be developed someday.

More information on Tomas Saraceno here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Native from San Miguel de Tucumán, Argentina and currently living in Germany, Tomas Saraceno is an artist and an architect known for his airborne habitat-like sculptures and installations that combine art, architecture, science and engineering. His work usually involves geometrical elements based on the formations of spider webs, neural networks, cloud patterns, foam and soap bubbles.

Saraceno’s artworks are influenced by the idea of new ways of inhabiting our environment -especially above ground-, by the analysis of space and light materials, and by the study of the adaptability and mobility of different structures. He demonstrates the limitless reconfiguration of a material by varying the shapes and sizes of his creations, and invites spectators to question the natural world and to comprehend that there are still multiple ways in which we can interact with each other.

Among Saraceno’s most recognized works of art is “Cloud City”, a bubble-inspired reflective structure located on the roof of the Metropolitan Museum of Art in New York City, which allows visitors to walk inside its mirrored and transparent floors and to obtain spectacular views from their surroundings.

In Orbit” is another famous project of the Argentinian artist, in which a series of inflated spheres suspended more than 25 meters from the floor over a network welcome visitors so that they can experience relationships and communication from another level.

Throughout his career, Tomas has collaborated with arachnologists and other scientists in order to study the methods spiders use to construct their webs. Inspired by overpopulation and the emergent lack of habitability of the earth, Saraceno’s projects represent alternatives of floating cities that can be developed someday.

More information on Tomas Saraceno here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Originario de la ciudad de San Miguel de Tucumán en Argentina y con residencia actual en Alemania, Tomás Saraceno es un artista y arquitecto que se dedica a explorar diversas posibilidades flotantes y sustentables para vivir. Es conocido por sus esculturas e instalaciones “habitables” las cuales combinan arte, arquitectura, ciencia e ingeniería. Su trabajo generalmente incluye elementos geométricos basados en las formaciones de telarañas, redes, patrones de nubes, espuma y burbujas de jabón.

Las obras de Saraceno se ven influenciadas por la idea de encontrar nuevas maneras de coexistir en el medio ambiente, en especial, aquellas que incluyen un hábitat suspendido en el aire; por el análisis del espacio y materiales ligeros, y por el estudio de la adaptabilidad y movilidad de diversas estructuras. Tomás demuestra las infinitas reconfiguraciones que puede tener un material al variar la forma y escala de sus obras. A su vez, invita al espectador a cuestionarse el mundo natural en el que vivimos y a comprender que aún hay muchas maneras en las que podemos interactuar con otras personas.

Entre sus obras más reconocidas se encuentran “Cloud City” (Ciudad de Nubes), una estructura reflejante inspirada en burbujas y ubicada en el techo del Museo de Arte Metropolitano en la ciudad de Nueva York. Dicha escultura permite que los visitantes caminen entre sus pisos transparentes y con espejos y que puedan obtener espectaculares vistas de la ciudad y sus alrededores.

In Orbit” (En Órbita) es otro famoso proyecto del artista argentino, el cual incluye una serie de esferas suspendidas a más de 25 metros de altura sobre una red que hacen posible que los espectadores experimenten cómo relacionarse y comunicarse a otro nivel.

A lo largo de su carrera, Saraceno ha colaborado con aracnólogos y otros científicos para estudiar los métodos que tienen las arañas para construir sus redes. Inspirado por el crecimiento demográfico y la creciente falta de habitabilidad del planeta, cada uno de sus proyectos es una alternativa de una ciudad flotante que puede desarrollarse algún día.

Más información sobre Tomás Saraceno aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Originario de la ciudad de San Miguel de Tucumán en Argentina y con residencia actual en Alemania, Tomás Saraceno es un artista y arquitecto que se dedica a explorar diversas posibilidades flotantes y sustentables para vivir. Es conocido por sus esculturas e instalaciones “habitables” las cuales combinan arte, arquitectura, ciencia e ingeniería. Su trabajo generalmente incluye elementos geométricos basados en las formaciones de telarañas, redes, patrones de nubes, espuma y burbujas de jabón.

Las obras de Saraceno se ven influenciadas por la idea de encontrar nuevas maneras de coexistir en el medio ambiente, en especial, aquellas que incluyen un hábitat suspendido en el aire; por el análisis del espacio y materiales ligeros, y por el estudio de la adaptabilidad y movilidad de diversas estructuras. Tomás demuestra las infinitas reconfiguraciones que puede tener un material al variar la forma y escala de sus obras. A su vez, invita al espectador a cuestionarse el mundo natural en el que vivimos y a comprender que aún hay muchas maneras en las que podemos interactuar con otras personas.

Entre sus obras más reconocidas se encuentran “Cloud City” (Ciudad de Nubes), una estructura reflejante inspirada en burbujas y ubicada en el techo del Museo de Arte Metropolitano en la ciudad de Nueva York. Dicha escultura permite que los visitantes caminen entre sus pisos transparentes y con espejos y que puedan obtener espectaculares vistas de la ciudad y sus alrededores.

In Orbit” (En Órbita) es otro famoso proyecto del artista argentino, el cual incluye una serie de esferas suspendidas a más de 25 metros de altura sobre una red que hacen posible que los espectadores experimenten cómo relacionarse y comunicarse a otro nivel.

A lo largo de su carrera, Saraceno ha colaborado con aracnólogos y otros científicos para estudiar los métodos que tienen las arañas para construir sus redes. Inspirado por el crecimiento demográfico y la creciente falta de habitabilidad del planeta, cada uno de sus proyectos es una alternativa de una ciudad flotante que puede desarrollarse algún día.

Más información sobre Tomás Saraceno aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

 

★ By Dalia Vasquez

 

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone

June 11, 2014 - No Comments!

★Mark Ryden (USA) | Welcome To His Fantastic World

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Mark Ryden is one of the most eclectic and influential American artists of the latest years. He is widely recognized as the father of pop surrealism and of lowbrow art (the art without intellectual pretentions). He has been the first one captivating the attention of various galleries and collectors around the globe, including star system celebrities like Robert de Niro, Stephen King, Leonardo Di Caprio and Marilyn Mason, among others.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

mark1

ArtScans CMYK

ArtScans CMYK

mark4

mark5

mark6

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=vaBeAS_J5Rg]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Compared many times to Dali, Ryden’s work is mostly inspired on children’s stories iconography and popular culture. In his art, alchemy, religion, toys, numerology, blood and flesh are part of a disturbing universe in which angelical beings and odd creatures coexist.

There is no doubt that pop surrealism has found his definite legacy. The artworks of Mark Ryden transmit a strong message and an inimitable visual impact scope. His style is Machiavellian, where children’s innocence and the darkest mysteries of men meet and mesmerize the spectator within an intriguing and chilling journey to Wonderland.

Interview about his exhibition “The Gay 90s” at Kohn Gallery.

As a meat lover, I would like to start this interview discussing the concept of meat in your work. In many of your artworks, meat occupies an essential place within a well-defined context. Why is it important for you to create stories and circumstances around it?

For one and only reason… We are spirits and meat is the only thing that allows us to exist physically in this world. We eat meat as nourishment without ever thinking of the animal from which it was obtained. I have always felt curious about the fact that, before eating it, we give thanks to God and not to the animal that was sacrificed so that it could be turned into our food. I believe there is a substantial disconnection between meat as nourishment and meat as life. I guess it is this contradiction what makes me paint it in several occasions. I tend to surprise many people when I tell them I am not a vegetarian…

Do you think that eating meat is morally wrong?

Not at all! What I try to do is to be conscious about what I am eating and where it comes from. I only buy meat where the natural surroundings are respected and preserved, with the hope that the animal I am eating has had a happy life. Just to be clear, I am not preaching about any moral attitude in my work. I just think that if we were more conscious about our interconnection with the natural world around us, we would all be much happier.

In your paintings, one of the most repeated characters is Abraham Lincoln, why is his presence important in your work?

Because there is something indefinable and fascinating about Abraham Lincoln’s legend. If you had been born in the United States, you would have been exposed to the image of Lincoln since an early age. And there is something truly especial about it. For example, when you compare Lincoln’s image to that of George Washington, our first president and father of our country, you would notice that the later does not evoke any feelings in you. I think this happens because Lincoln was the first celebrity to be photographed an in all his photos, you can sense something unique and astonishing in his face.

To many people, Lincoln is so much more than just the president of the United States. He became a canonized figure and a lot of us grew up praising his portraits. Lincoln was a martyr of our slavery sin and that turned him into a saint of our time.

Generally, kids are thrilled when they discover your work, how do you react to such situation?

Even when my work is not envisioned for children, I am gratified to see that a child is mesmerized by any of my paintings. I think that when an artwork makes a connection with a child’s soul, something very especial and divine emerges.

One of my favorite quotes of Pablo Picasso is: “All children are born artists. The problem lays in how to keep on being artists when growing up”. I find that quote very true, because when it comes to creating things, kids are much more imaginative than adults. They are not repressed by their imagination and they do not question what they are creating. Children do not have to define or justify their “art”. They connect directly to creativity; however, adults are always frightened by mental disarray. Regrettably, our capacity for astonishment in today’s society has diminished and it has been limited to our childhood. We are not aware that unlike adults, children react to art in an instinctive way, with no intellectual thoughts. It is true that generally kids respond very well to my art, and when that happens, I fill like a fulfilled artist, because I know my work will succeed.

Throughout your career you have collaborated designing the album covers of artists like Ringo Star, Red Hot Chili Peppers and 4 Non Blondes. One of the most famous was the album cover for "Dangerous" of Michael Jackson. How did that collaboration happen? Did you have complete freedom or were you subdued to M. Jackson requests? I heard he was present during the creative process… 

Oh, you have no idea of the stories I could tell you of my collaboration with Michael. Unfortunately, I am not officially authorized to give details and to reveal anecdotes that occurred before and after the creation of the album cover of Dangerous. The only thing that can say is that I feel very lucky to have known and worked with one of the most relevant people of our time. Lamentably, stupid people remember him as a pervert. I think Michael was just a victim of the opportunistic parasites of the show bussiness.

Melancholy and fantasy have been two of the most looked down elements in the modern art world. Why do you think it is that sentimentalism and that cult to aesthetic beauty are intolerable aspects in some sectors of art?

That is an excellent question, and maybe it is the big question. Of course I do not have an answer but in any case, that is what I try to recover in my paintings. I try to break the barriers and absurd ideologies that make sentimentalism and kitsch gender unworthy of diverse artistic divisions.

What are you working on right now?

In something completely different to what I have done before. I am adding to my artworks dioramas with mechanical movement. That will be part of a series of works called “The Gay 90s West”. I have been working a year on them and I will present them in an exposition at the Kohn Gallery.

Another project I have been working on and that will also be part of the exhibition is the vinyl album that will collect the best songs of 1890. I have friends who are musicians like Tyler the Creator, Nick Cave, Everlast, Mark Mothersbaugh from group Devo, Kirk Hammett from Metallica and Weird Al Yankovic, who will be part of this project and will perform their own versions of the old songs recorded in 1890.

More information on Mark Ryden here.

Article stracted from El Fanzine.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Compared many times to Dali, Ryden’s work is mostly inspired on children’s stories iconography and popular culture. In his art, alchemy, religion, toys, numerology, blood and flesh are part of a disturbing universe in which angelical beings and odd creatures coexist.

There is no doubt that pop surrealism has found his definite legacy. The artworks of Mark Ryden transmit a strong message and an inimitable visual impact scope. His style is Machiavellian, where children’s innocence and the darkest mysteries of men meet and mesmerize the spectator within an intriguing and chilling journey to Wonderland.

Interview about his exhibition “The Gay 90s” at Kohn Gallery.

As a meat lover, I would like to start this interview discussing the concept of meat in your work. In many of your artworks, meat occupies an essential place within a well-defined context. Why is it important for you to create stories and circumstances around it?

For one and only reason… We are spirits and meat is the only thing that allows us to exist physically in this world. We eat meat as nourishment without ever thinking of the animal from which it was obtained. I have always felt curious about the fact that, before eating it, we give thanks to God and not to the animal that was sacrificed so that it could be turned into our food. I believe there is a substantial disconnection between meat as nourishment and meat as life. I guess it is this contradiction what makes me paint it in several occasions. I tend to surprise many people when I tell them I am not a vegetarian…

Do you think that eating meat is morally wrong?

Not at all! What I try to do is to be conscious about what I am eating and where it comes from. I only buy meat where the natural surroundings are respected and preserved, with the hope that the animal I am eating has had a happy life. Just to be clear, I am not preaching about any moral attitude in my work. I just think that if we were more conscious about our interconnection with the natural world around us, we would all be much happier.

In your paintings, one of the most repeated characters is Abraham Lincoln, why is his presence important in your work?

Because there is something indefinable and fascinating about Abraham Lincoln’s legend. If you had been born in the United States, you would have been exposed to the image of Lincoln since an early age. And there is something truly especial about it. For example, when you compare Lincoln’s image to that of George Washington, our first president and father of our country, you would notice that the later does not evoke any feelings in you. I think this happens because Lincoln was the first celebrity to be photographed an in all his photos, you can sense something unique and astonishing in his face.

To many people, Lincoln is so much more than just the president of the United States. He became a canonized figure and a lot of us grew up praising his portraits. Lincoln was a martyr of our slavery sin and that turned him into a saint of our time.

Generally, kids are thrilled when they discover your work, how do you react to such situation?

Even when my work is not envisioned for children, I am gratified to see that a child is mesmerized by any of my paintings. I think that when an artwork makes a connection with a child’s soul, something very especial and divine emerges.

One of my favorite quotes of Pablo Picasso is: “All children are born artists. The problem lays in how to keep on being artists when growing up”. I find that quote very true, because when it comes to creating things, kids are much more imaginative than adults. They are not repressed by their imagination and they do not question what they are creating. Children do not have to define or justify their “art”. They connect directly to creativity; however, adults are always frightened by mental disarray. Regrettably, our capacity for astonishment in today’s society has diminished and it has been limited to our childhood. We are not aware that unlike adults, children react to art in an instinctive way, with no intellectual thoughts. It is true that generally kids respond very well to my art, and when that happens, I fill like a fulfilled artist, because I know my work will succeed.

Throughout your career you have collaborated designing the album covers of artists like Ringo Star, Red Hot Chili Peppers and 4 Non Blondes. One of the most famous was the album cover for "Dangerous" of Michael Jackson. How did that collaboration happen? Did you have complete freedom or were you subdued to M. Jackson requests? I heard he was present during the creative process… 

Oh, you have no idea of the stories I could tell you of my collaboration with Michael. Unfortunately, I am not officially authorized to give details and to reveal anecdotes that occurred before and after the creation of the album cover of Dangerous. The only thing that can say is that I feel very lucky to have known and worked with one of the most relevant people of our time. Lamentably, stupid people remember him as a pervert. I think Michael was just a victim of the opportunistic parasites of the show bussiness.

Melancholy and fantasy have been two of the most looked down elements in the modern art world. Why do you think it is that sentimentalism and that cult to aesthetic beauty are intolerable aspects in some sectors of art?

That is an excellent question, and maybe it is the big question. Of course I do not have an answer but in any case, that is what I try to recover in my paintings. I try to break the barriers and absurd ideologies that make sentimentalism and kitsch gender unworthy of diverse artistic divisions.

What are you working on right now?

In something completely different to what I have done before. I am adding to my artworks dioramas with mechanical movement. That will be part of a series of works called “The Gay 90s West”. I have been working a year on them and I will present them in an exposition at the Kohn Gallery.

Another project I have been working on and that will also be part of the exhibition is the vinyl album that will collect the best songs of 1890. I have friends who are musicians like Tyler the Creator, Nick Cave, Everlast, Mark Mothersbaugh from group Devo, Kirk Hammett from Metallica and Weird Al Yankovic, who will be part of this project and will perform their own versions of the old songs recorded in 1890.

More information on Mark Ryden here.

Article stracted from El Fanzine.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Mark Ryden es uno de los artistas estadounidenses más eclécticos e influyentes de los últimos tiempos. Reconocido como el padre del surrealismo pop y del lowbrow art (arte sin pretensiones intelectuales), el artista ha sido uno de los primeros del género en haber cautivado la atención de numerosas galerías y coleccionistas en todo el mundo; incluyendo personalidades del star system como Robert de Niro, Stephen King, Leonardo Di Caprio y Marilyn Manson, entre otros.

Comparado muchas veces con Dalí, el trabajo de Ryden se inspira básicamente en la iconografía de los cuentos infantiles y de la cultura popular. Y en su obra, la alquimia, la religión, los juguetes, la numerología, la sangre y la carne forman parte de un inquietante universo cohabitado por angelicales presencias y extrañas criaturas.

Sin duda, el surrealismo pop ha encontrado su legado definitivo. Las pinturas de Mark Ryden llevan consigo un fuerte mensaje y una inimitable capacidad de impacto visual. Un maquiavélico estilo donde la inocencia infantil y los misterios más oscuros del hombre se dan cita para seducir y atrapar al espectador dentro de un intrigante y escalofriante viaje al país de las maravillas.

Entrevista acerca de su exposición "The Gay 90s" en Kohn Gallery.

Como buen amante de la carne que soy, me gustaría comenzar esta entrevista hablando de ella. En muchos de tus cuadros la carne ocupa un lugar imprescindible, y siempre bajo contextos bien puntuales y precisos. ¿Por qué te interesa tanto crear situaciones e historias en torno a la carne?

Por una sola y simple razón… Somos espíritus y la “carne” es lo único  que nos permite existir físicamente en este mundo. Consumimos carne como alimento, sin pensar jamás en el animal del que ésta procede. Siempre me ha parecido curioso el hecho de que, antes de comerla, damos las gracias a Dios y no al animal que dio su vida para transformarse en nuestro alimento. Creo que hay una desconexión total entre la carne como alimento y la carne como vida. Y supongo que es esta misma contradicción la que me lleva a pintarla reiteradas veces. Suelo sorprender a muchas personas cuando digo que no soy vegetariano…

¿Te parece moralmente malo comer carne?

¡En absoluto! Lo que hago es tratar de mantenerme al tanto de lo que estoy comiendo y de su procedencia. Sólo compro carne allí donde se respeta la conservación del medio y del entorno natural, con la sola esperanza de que el animal que me estoy comiendo haya tenido una vida feliz. Que quede claro que no trato de predicar ninguna postura moral en mi trabajo. Sólo creo que si fuéramos más conscientes de nuestra interconexión con el mundo natural que nos rodea, todos seríamos mucho más felices.

Uno de los personajes que se repite reiteradas veces en tus pinturas es Abraham Lincoln. ¿Por qué es tan importante su presencia en tu obra?

Porque hay algo indefinible y fascinante en la leyenda de Abraham Lincoln. Si hubieras nacido y crecido en los Estados Unidos, habrías estado expuesto a la imagen de Lincoln desde muy temprano. Y hay algo muy especial en ellas. Por ejemplo, cuando comparas la imagen de Lincoln con la de George Washington, nuestro primer presidente y padre de nuestro país, te darías cuenta de que ésta no genera ningún sentimiento. Creo que esto sucede porque Lincoln fue la primera celebridad en ser fotografiada. Y en aquellas fotos se puede percibir algo único y asombroso en su rostro.

Para muchos, Lincoln es algo mucho más importante que un presidente de los Estados Unidos. Llegó a convertirse en una figura canonizada por el pueblo, y muchos crecimos rindiendo culto a sus retratos. Lincoln fue un mártir de nuestro pecado de esclavitud, y esto lo transformó en un santo de nuestros tiempos.

Generalmente los niños quedan asombrados o maravillados cuando descubren tu trabajo. ¿Cómo reaccionas ante tal situación?

Si bien mi trabajo no se dirige a los niños, encuentro muy gratificante el hecho de que un niño quede maravillado por uno de mis cuadros. Pienso que cuando una obra de arte se conecta con el alma de un niño, se genera algo muy especial, algo divino.

Una de mis citas favoritas de Pablo Picasso es: “Todos los niños nacen artistas. El problema es cómo seguir siendo artistas al crecer.” Me parece que esto es muy cierto, porque los niños son mucho más imaginativos que los adultos a la hora de crear. No están inhibidos por su imaginación y tampoco cuestionan lo que están creando. Los niños no tienen que definir o justificar su “arte”. Poseen una conexión directa con la creatividad; sin embargo, los adultos estamos siempre filtrados y empantanados por la suciedad mental. Lamentablemente, la capacidad de asombro en la sociedad actual, se ha reducido y limitado al mundo de la infancia. Sin tener en cuenta que, a diferencia de los adultos, los niños reaccionan ante al arte de forma instintiva, sin intelectualizar. Es cierto que generalmente los niños responden muy bien a mi arte, y cuando esto sucede, me siento un artista realizado, porque sé que mi trabajo tendrá éxito.

A lo largo de tu carrera has colaborado también ilustrando las portadas de álbumes para artistas como Ringo Starr, Red Hot Chili Peppers y 4 Non Blondes. Pero una de las más célebres es la portada que creaste para el álbum Dangerous de Michael Jackson. ¿Como nació esta colaboración? ¿Trabajaste con libertad absoluta o bajo sugerencias estrictas por parte de M. Jackson? Tengo entendido que estuvo muy presente durante todo el proceso de creación…

Oh, no te imaginas las historias que podría contarte sobre mi colaboración con Michael. Por desgracia no estoy “oficialmente” autorizado para entrar en detalles y revelar todas las anécdotas que surgieron durante y después de la creación de la portada de Dangerous. Lo único que te puedo decir es que me siento muy afortunado de haber conocido y trabajado con una de las personas con más relevancia de nuestros tiempos. Lamentablemente, la gente idiota y estrecha de mente lo recuerda como a un pervertido. Creo que Michael fue sólo una víctima más de los parásitos oportunistas del show bussiness.

La nostalgia y la fantasía siempre fueron dos temáticas bastantes menospreciadas en el mundo del arte moderno. ¿Por qué crees que tanto el sentimentalismo como el culto a la belleza estética son factores intolerables en ciertos sectores del arte?

Ésta es una excelente pregunta, y tal vez sea la gran pregunta. Desde luego no tengo una respuesta, pero en todo caso, es lo que trato de reivindicar en mis pinturas. Con ello sólo intento romper barreras e ideologías absurdas que hacen del sentimentalismo o del kitsch géneros indignos en diversas ramas artísticas.

¿En qué proyectos nuevos estás trabajando?

En algo completamente diferente a todo lo que he hecho anteriormente. Estoy incorporando a mis obras dioramas con movimiento mecánico. Y esto formará parte de una nueva serie a la que he llamado "The Gay 90’s West." Llevo un año trabajando en ello y lo presentaré en una exposición unipersonal en la Kohn Gallery.

Otro proyecto en el que estoy trabajando y que también formará parte de mi exposición, es en la producción de un álbum en formato vinilo que recopilará las mejores canciones de los años 1890. Tengo amigos músicos como Tyler the Creator, Nick Cave, Everlast, Mark Mothersbaugh del grupo Devo, Kirk Hammett de Metallica y Weird Al Yankovic que formarán parte de este proyecto e interpretarán sus propias versiones de aquellas viejas canciones grabadas originalmente en 1890.

Más información sobre Mark Ryden aquí.

Artículo extraido de El Fanzine.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Mark Ryden es uno de los artistas estadounidenses más eclécticos e influyentes de los últimos tiempos. Reconocido como el padre del surrealismo pop y del lowbrow art (arte sin pretensiones intelectuales), el artista ha sido uno de los primeros del género en haber cautivado la atención de numerosas galerías y coleccionistas en todo el mundo; incluyendo personalidades del star system como Robert de Niro, Stephen King, Leonardo Di Caprio y Marilyn Manson, entre otros.

Comparado muchas veces con Dalí, el trabajo de Ryden se inspira básicamente en la iconografía de los cuentos infantiles y de la cultura popular. Y en su obra, la alquimia, la religión, los juguetes, la numerología, la sangre y la carne forman parte de un inquietante universo cohabitado por angelicales presencias y extrañas criaturas.

Sin duda, el surrealismo pop ha encontrado su legado definitivo. Las pinturas de Mark Ryden llevan consigo un fuerte mensaje y una inimitable capacidad de impacto visual. Un maquiavélico estilo donde la inocencia infantil y los misterios más oscuros del hombre se dan cita para seducir y atrapar al espectador dentro de un intrigante y escalofriante viaje al país de las maravillas.

Entrevista acerca de su exposición "The Gay 90s" en Kohn Gallery.

Como buen amante de la carne que soy, me gustaría comenzar esta entrevista hablando de ella. En muchos de tus cuadros la carne ocupa un lugar imprescindible, y siempre bajo contextos bien puntuales y precisos. ¿Por qué te interesa tanto crear situaciones e historias en torno a la carne?

Por una sola y simple razón… Somos espíritus y la “carne” es lo único  que nos permite existir físicamente en este mundo. Consumimos carne como alimento, sin pensar jamás en el animal del que ésta procede. Siempre me ha parecido curioso el hecho de que, antes de comerla, damos las gracias a Dios y no al animal que dio su vida para transformarse en nuestro alimento. Creo que hay una desconexión total entre la carne como alimento y la carne como vida. Y supongo que es esta misma contradicción la que me lleva a pintarla reiteradas veces. Suelo sorprender a muchas personas cuando digo que no soy vegetariano…

¿Te parece moralmente malo comer carne?

¡En absoluto! Lo que hago es tratar de mantenerme al tanto de lo que estoy comiendo y de su procedencia. Sólo compro carne allí donde se respeta la conservación del medio y del entorno natural, con la sola esperanza de que el animal que me estoy comiendo haya tenido una vida feliz. Que quede claro que no trato de predicar ninguna postura moral en mi trabajo. Sólo creo que si fuéramos más conscientes de nuestra interconexión con el mundo natural que nos rodea, todos seríamos mucho más felices.

Uno de los personajes que se repite reiteradas veces en tus pinturas es Abraham Lincoln. ¿Por qué es tan importante su presencia en tu obra?

Porque hay algo indefinible y fascinante en la leyenda de Abraham Lincoln. Si hubieras nacido y crecido en los Estados Unidos, habrías estado expuesto a la imagen de Lincoln desde muy temprano. Y hay algo muy especial en ellas. Por ejemplo, cuando comparas la imagen de Lincoln con la de George Washington, nuestro primer presidente y padre de nuestro país, te darías cuenta de que ésta no genera ningún sentimiento. Creo que esto sucede porque Lincoln fue la primera celebridad en ser fotografiada. Y en aquellas fotos se puede percibir algo único y asombroso en su rostro.

Para muchos, Lincoln es algo mucho más importante que un presidente de los Estados Unidos. Llegó a convertirse en una figura canonizada por el pueblo, y muchos crecimos rindiendo culto a sus retratos. Lincoln fue un mártir de nuestro pecado de esclavitud, y esto lo transformó en un santo de nuestros tiempos.

Generalmente los niños quedan asombrados o maravillados cuando descubren tu trabajo. ¿Cómo reaccionas ante tal situación?

Si bien mi trabajo no se dirige a los niños, encuentro muy gratificante el hecho de que un niño quede maravillado por uno de mis cuadros. Pienso que cuando una obra de arte se conecta con el alma de un niño, se genera algo muy especial, algo divino.

Una de mis citas favoritas de Pablo Picasso es: “Todos los niños nacen artistas. El problema es cómo seguir siendo artistas al crecer.” Me parece que esto es muy cierto, porque los niños son mucho más imaginativos que los adultos a la hora de crear. No están inhibidos por su imaginación y tampoco cuestionan lo que están creando. Los niños no tienen que definir o justificar su “arte”. Poseen una conexión directa con la creatividad; sin embargo, los adultos estamos siempre filtrados y empantanados por la suciedad mental. Lamentablemente, la capacidad de asombro en la sociedad actual, se ha reducido y limitado al mundo de la infancia. Sin tener en cuenta que, a diferencia de los adultos, los niños reaccionan ante al arte de forma instintiva, sin intelectualizar. Es cierto que generalmente los niños responden muy bien a mi arte, y cuando esto sucede, me siento un artista realizado, porque sé que mi trabajo tendrá éxito.

A lo largo de tu carrera has colaborado también ilustrando las portadas de álbumes para artistas como Ringo Starr, Red Hot Chili Peppers y 4 Non Blondes. Pero una de las más célebres es la portada que creaste para el álbum Dangerous de Michael Jackson. ¿Como nació esta colaboración? ¿Trabajaste con libertad absoluta o bajo sugerencias estrictas por parte de M. Jackson? Tengo entendido que estuvo muy presente durante todo el proceso de creación…

Oh, no te imaginas las historias que podría contarte sobre mi colaboración con Michael. Por desgracia no estoy “oficialmente” autorizado para entrar en detalles y revelar todas las anécdotas que surgieron durante y después de la creación de la portada de Dangerous. Lo único que te puedo decir es que me siento muy afortunado de haber conocido y trabajado con una de las personas con más relevancia de nuestros tiempos. Lamentablemente, la gente idiota y estrecha de mente lo recuerda como a un pervertido. Creo que Michael fue sólo una víctima más de los parásitos oportunistas del show bussiness.

La nostalgia y la fantasía siempre fueron dos temáticas bastantes menospreciadas en el mundo del arte moderno. ¿Por qué crees que tanto el sentimentalismo como el culto a la belleza estética son factores intolerables en ciertos sectores del arte?

Ésta es una excelente pregunta, y tal vez sea la gran pregunta. Desde luego no tengo una respuesta, pero en todo caso, es lo que trato de reivindicar en mis pinturas. Con ello sólo intento romper barreras e ideologías absurdas que hacen del sentimentalismo o del kitsch géneros indignos en diversas ramas artísticas.

¿En qué proyectos nuevos estás trabajando?

En algo completamente diferente a todo lo que he hecho anteriormente. Estoy incorporando a mis obras dioramas con movimiento mecánico. Y esto formará parte de una nueva serie a la que he llamado "The Gay 90’s West." Llevo un año trabajando en ello y lo presentaré en una exposición unipersonal en la Kohn Gallery.

Otro proyecto en el que estoy trabajando y que también formará parte de mi exposición, es en la producción de un álbum en formato vinilo que recopilará las mejores canciones de los años 1890. Tengo amigos músicos como Tyler the Creator, Nick Cave, Everlast, Mark Mothersbaugh del grupo Devo, Kirk Hammett de Metallica y Weird Al Yankovic que formarán parte de este proyecto e interpretarán sus propias versiones de aquellas viejas canciones grabadas originalmente en 1890.

Más información sobre Mark Ryden aquí.

Artículo extraido de El Fanzine.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

★ Written by Juan Darío Gómez. English edition by Dalia Vasquez.

 

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

elFANZINE

 

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

Share Share on FacebookTweet about this on Twittershare on TumblrPin on PinterestShare on LinkedInEmail to someone
Top