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May 20, 2015 - No Comments!

★ Blommers & Schumm (NL) | One-of-a-kind Fashion Photography

Dutch photographers Anuschka Blommers and Niels Schumm are the two talented master-minds behind Blommers Schumm, a creative duo that remarkably balances art, fashion and photography to produce the most striking photoshoots. Based in Amsterdam, they have revolutionized the portrayal of multiple ideas by producing images that not only catch the eye of the viewer, but which also challenge the ordinary notions of photography. Since 1997, they have exhibited their work in diverse museums and galleries around the world and appeared in publications like Fantastic Man, Gentlewoman, Another Magazine, Purple, Dazed & Confused and NY Times Magazine, and many more.

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April 1, 2015 - No Comments!

★ Susi Kenna & Mei Kawajiri (USA) | Nail Art At Your Fingertips

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in New York City since 2012, artist Miho “Mei” Kawajiri and social media assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna have challenged the craft of making nail-art. Passionate to express themselves through beautiful and artistic nails, Mei and Kenna have collaborated to create a flawless nail-style inspired by the works of world-renowned artists like Pablo Picasso, Andy Warhol and Vincent Van Gogh, among others.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

With more than 15 years of experience in the nail industry and an extraordinary eye for detail and precision, Japanese artist Miho “Mei” Kawajiri has positioned herself as one of the most transcendental manicurists in the fashion world. She grew up in Kyoto and studied in Osaka, and since her arrival to New York City three years ago, she has been the skilled creator of artistic hand-painted nails characterized by a modern style and impeccable quality.

In 2012, a collaboration inspired in the work of different painters and illustrators was worn. Mei and assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna began to use the work of artists like Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden and Trudy Benson, to name just a few, and adapted it to the tiny surface of 10 fingernails.

As a nail-lover, Kenna creates beautiful digital designs backed up by a meticulous image research and a creative process using software like Photoshop. The final design is later taken to the surface of the nails by Mei’s surprising steady hand. Her craftsmanship is of a complicated and laborious nature and is achieved without using any kind of stencils, stickers or other special tools.

Today, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continue to transform the nails of countless of women into authentic miniature canvases.

More information on Miho “Mei” Kawajiri here.

More information on Susi Kenna here.

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With more than 15 years of experience in the nail industry and an extraordinary eye for detail and precision, Japanese artist Miho “Mei” Kawajiri has positioned herself as one of the most transcendental manicurists in the fashion world. She grew up in Kyoto and studied in Osaka, and since her arrival to New York City three years ago, she has been the skilled creator of artistic hand-painted nails characterized by a modern style and impeccable quality.

In 2012, a collaboration inspired in the work of different painters and illustrators was worn. Mei and assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna began to use the work of artists like Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden and Trudy Benson, to name just a few, and adapted it to the tiny surface of 10 fingernails.

As a nail-lover, Kenna creates beautiful digital designs backed up by a meticulous image research and a creative process using software like Photoshop. The final design is later taken to the surface of the nails by Mei’s surprising steady hand. Her craftsmanship is of a complicated and laborious nature and is achieved without using any kind of stencils, stickers or other special tools.

Today, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continue to transform the nails of countless of women into authentic miniature canvases.

More information on Miho “Mei” Kawajiri here.

More information on Susi Kenna here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Con residencia en Nueva York desde el 2012, la artista Miho “Mei” Kawajiri y la encargada de redes sociales en la firma de relaciones públicas Fitz and Co. Susi Kenna, han revolucionado por completo la naturaleza del manicure. Apasionadas del arte de crear y vestir uñas artísticas, Mei y Kenna han colaborado en la creación de un estilo moderno de uñas inspiradas en el trabajo de artistas de renombre internacional, como Pablo Picasso, Andy Warhol y Vincent Van Gogh, entre otros.

Con más de 15 años de experiencia en la industria del manicure y con una extraordinaria habilidad para el detalle y la precisión, la artista japonesa Miho “Mei” Kawajiri se ha posicionado como una de las más transcendentales manicuristas en el mundo de la moda. Después de haber crecido en Kioto y estudiado en Osaka, llegó a la ciudad de Nueva York hace tres años, y desde entonces se ha convertido en la autora de magníficos diseños de uñas pintadas a mano caracterizados por un estilo vanguardista y una calidad impecable.

Fue en el 2012 cuando surgió la colaboración entre Mei y Susi Kenna. Su estilo se encuentra inspirado en el trabajo de artistas e ilustradores como Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden y Trudy Benson, por nombrar sólo algunos, y es adaptado a la diminuta superficie de las uñas.

Como amante del arte en uñas, Kenna se dedica a crear los diseños digitales después de una extenuante búsqueda de imágenes y modificaciones llevadas a cabo con programas como Photoshop. Posteriormente, el diseño final es aplicado a las uñas gracias al sorprendente pulso de Mei. Su trabajo es complicado y altamente laborioso y lo logra sin utilizar algún tipo de platillas o calcomanías.

Hoy en día, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continúan transformado las uñas de infinidad de mujeres en extraordinarios lienzos en miniatura.

Más información sobre Miho “Mei” Kawajiri aquí.

Más información sobre Susi Kenna aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Con residencia en Nueva York desde el 2012, la artista Miho “Mei” Kawajiri y la encargada de redes sociales en la firma de relaciones públicas Fitz and Co. Susi Kenna, han revolucionado por completo la naturaleza del manicure. Apasionadas del arte de crear y vestir uñas artísticas, Mei y Kenna han colaborado en la creación de un estilo moderno de uñas inspiradas en el trabajo de artistas de renombre internacional, como Pablo Picasso, Andy Warhol y Vincent Van Gogh, entre otros.

Con más de 15 años de experiencia en la industria del manicure y con una extraordinaria habilidad para el detalle y la precisión, la artista japonesa Miho “Mei” Kawajiri se ha posicionado como una de las más transcendentales manicuristas en el mundo de la moda. Después de haber crecido en Kioto y estudiado en Osaka, llegó a la ciudad de Nueva York hace tres años, y desde entonces se ha convertido en la autora de magníficos diseños de uñas pintadas a mano caracterizados por un estilo vanguardista y una calidad impecable.

Fue en el 2012 cuando surgió la colaboración entre Mei y Susi Kenna. Su estilo se encuentra inspirado en el trabajo de artistas e ilustradores como Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden y Trudy Benson, por nombrar sólo algunos, y es adaptado a la diminuta superficie de las uñas.

Como amante del arte en uñas, Kenna se dedica a crear los diseños digitales después de una extenuante búsqueda de imágenes y modificaciones llevadas a cabo con programas como Photoshop. Posteriormente, el diseño final es aplicado a las uñas gracias al sorprendente pulso de Mei. Su trabajo es complicado y altamente laborioso y lo logra sin utilizar algún tipo de platillas o calcomanías.

Hoy en día, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continúan transformado las uñas de infinidad de mujeres en extraordinarios lienzos en miniatura.

Más información sobre Miho “Mei” Kawajiri aquí.

Más información sobre Susi Kenna aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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February 25, 2015 - No Comments!

★ JUCO (USA) | The Creative Balance Of Two Minds

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Julia Galdo from Miami, FL, and Cody Cloud from Phoenix, AZ, are JUCO, a photography duo with more than 5 years of experience creating outstanding shoots that fuse advertising, fashion and portrait. Based in Los Angeles, CA, they have collaborated with commercial and editorial brands like Apple, Microsoft, Nike, Sony Music, Target, The New Yorker, and Warner Brother Records, just to name a few, and have produced pictures characterized by vibrant colors and clever pattern designs.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

In 2002, Julia Galdo and Cody Cloud’s passion and extraordinary eye for taking pictures brought them together at the San Francisco Art Institute; she was studying her bachelor in Photography and he was on his way to receive his MFA degree in the same field. In 2009 they formed JUCO, a collaborative photography duo that mixes Julia’s attention for details and Cody’s love for imperfections. In time, their unique vision to think of stunning compositions out of the box has helped them position themselves in the market as one of the best fast-growing creative partnerships of the moment.

Even though Julia and Cody’s style is continuously evolving and adapting to the individual nature of each project, they have established the core of their own witty style. What makes JUCO’s work exceptional is its ability to blend in one powerful outcome, elements like the character’s attire, graphic patterns, intense colors and original backgrounds.

Among their most recognized projects are: “Women on the Verge”, a fashion photoshoot for Paper Magazine, where JUCO played with geometric forms and colorful sets to reveal glamorous collections of brands like Ralph Lauren, Stella McCartney and Miu Miu, among others; “Painted Backdrops”, a personal project where Julia and Cody camouflaged the clothing of the models with the hand-painted backgrounds in order to produce a unique effect of association; and the “Laffy Taffy” photoshoot, where JUCO’s inspiration was based on 90’s style and pop art colors.

In addition, Julia and Cody have learned from experience that the best way to stop their work getting stale is having a balance between control and uncertainty. Only by not taking care of every single detail, they are able to discover truly wonderful effects.

“If you’re always dialing everything in, if you’re always planning it, then there’s little room left for magic. You have to let go of your expectations to be able to see the unexpected.” JUCO told The Photographic Journal 

Based in Los Angeles, CA, Julia and Cody expect to be able to open their own studio someday. With a portfolio full of remarkable projects, this talented couple is endeavored to produce more compelling work that will cause a positive long-term impression on the viewer.

More information on JUCO here.

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In 2002, Julia Galdo and Cody Cloud’s passion and extraordinary eye for taking pictures brought them together at the San Francisco Art Institute; she was studying her bachelor in Photography and he was on his way to receive his MFA degree in the same field. In 2009 they formed JUCO, a collaborative photography duo that mixes Julia’s attention for details and Cody’s love for imperfections. In time, their unique vision to think of stunning compositions out of the box has helped them position themselves in the market as one of the best fast-growing creative partnerships of the moment.

Even though Julia and Cody’s style is continuously evolving and adapting to the individual nature of each project, they have established the core of their own witty style. What makes JUCO’s work exceptional is its ability to blend in one powerful outcome, elements like the character’s attire, graphic patterns, intense colors and original backgrounds.

Among their most recognized projects are: “Women on the Verge”, a fashion photoshoot for Paper Magazine, where JUCO played with geometric forms and colorful sets to reveal glamorous collections of brands like Ralph Lauren, Stella McCartney and Miu Miu, among others; “Painted Backdrops”, a personal project where Julia and Cody camouflaged the clothing of the models with the hand-painted backgrounds in order to produce a unique effect of association; and the “Laffy Taffy” photoshoot, where JUCO’s inspiration was based on 90’s style and pop art colors.

In addition, Julia and Cody have learned from experience that the best way to stop their work getting stale is having a balance between control and uncertainty. Only by not taking care of every single detail, they are able to discover truly wonderful effects.

“If you’re always dialing everything in, if you’re always planning it, then there’s little room left for magic. You have to let go of your expectations to be able to see the unexpected.” JUCO told The Photographic Journal 

Based in Los Angeles, CA, Julia and Cody expect to be able to open their own studio someday. With a portfolio full of remarkable projects, this talented couple is endeavored to produce more compelling work that will cause a positive long-term impression on the viewer.

More information on JUCO here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

JUCO es un dúo fotográfico conformado por dos grandes artistas, Julia Galdo originaria de Miami, Florida, y Cody Cloud proveniente de Fénix, Arizona. Juntos, cuentan con más de 5 años de experiencia creando fotografías únicas que combinan elementos relacionados a la publicidad, la moda y el retrato. Desde sus inicios, han trabajado con grandes marcas comerciales y editoriales, tales como Apple, Microsoft, Nike, Sony Music, Target, The New Yorker, y Warner Brother Records, entre otras. Su trabajo se caracteriza por colores ampliamente llamativos e ingeniosos diseños de patrones.

Julia y Cody se conocieron en el 2002 en el San Francisco Art Institute gracias al talento y la pasión de ambos por tomar fotografías. Ella se encontraba estudiando la carrera en Fotografía y él estaba por graduarse de la maestría en la misma área. En el 2009 formaron JUCO, un equipo que combina la atención de Julia por los detalles y el amor de Cody por las imperfecciones. Con el tiempo, su extraordinaria visión para capturar composiciones innovadoras los ha ayudado a posicionarse en el mercado como una de las mejores entidades creativas en vías de crecimiento.

El estilo artístico de JUCO se encuentra en un progresivo proceso de evolución y adaptación constante debido principalmente a los diferentes proyectos en los que participan. Lo que hace que su trabajo sea tan excepcional es su gran habilidad para unir en un concepto perfecto diversos elementos, como moda, patrones gráficos, colores fuertes y fondos altamente originales.

Entre sus proyectos más sobresalientes se encuentran: “Women on the Verge”, una sesión de fotografías para Paper Magazine en la que JUCO utilizó diversos patrones geométricos y coloridos sets para exhibir las glamorosas prendas de vestir de marcas como Ralph Lauren, Stella McCartney y Miu Miu; “Painted Backdrops”, un proyecto personal de la pareja en el que camuflajearon la ropa de los modelos con los fondos pintados a mano, produciendo así un efecto único de asociación; y “Laffy Taffy”, un proyecto cuya inspiración nació del estilo de los 90’s y los colores del arte pop.

A su vez, la experiencia les ha enseñado que la mejor manera de evitar que su trabajo se vuelva obsoleto y aburrido es encontrar el balance ideal entre el control y la incertidumbre. Es decir, al no cerciorarse que absolutamente todos los aspectos del proceso creativo son adecuados, ellos son capaces de descubrir resultados asombrosos.

“Si siempre te encuentras señalando todo, si siempre estás planeando, entonces dejas muy poca oportunidad para que la magia ocurra. Uno debe dejar ir las expectativas para sólo así poder ver lo inesperado. ” – JUCO comentó en The Photographic Journal.

Actualmente ubicados en Los Ángeles, California, Julia y Cody tienen la esperanza de abrir su propio estudio algún día. Con un portafolio lleno de un sin fin de extraordinarios proyectos, esta talentosa pareja está empeñada en continuar produciendo un trabajo que cautive al observador y que cause en él una impresión que dure por largo tiempo.

Más información sobre JUCO aquí.

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JUCO es un dúo fotográfico conformado por dos grandes artistas, Julia Galdo originaria de Miami, Florida, y Cody Cloud proveniente de Fénix, Arizona. Juntos, cuentan con más de 5 años de experiencia creando fotografías únicas que combinan elementos relacionados a la publicidad, la moda y el retrato. Desde sus inicios, han trabajado con grandes marcas comerciales y editoriales, tales como Apple, Microsoft, Nike, Sony Music, Target, The New Yorker, y Warner Brother Records, entre otras. Su trabajo se caracteriza por colores ampliamente llamativos e ingeniosos diseños de patrones.

Julia y Cody se conocieron en el 2002 en el San Francisco Art Institute gracias al talento y la pasión de ambos por tomar fotografías. Ella se encontraba estudiando la carrera en Fotografía y él estaba por graduarse de la maestría en la misma área. En el 2009 formaron JUCO, un equipo que combina la atención de Julia por los detalles y el amor de Cody por las imperfecciones. Con el tiempo, su extraordinaria visión para capturar composiciones innovadoras los ha ayudado a posicionarse en el mercado como una de las mejores entidades creativas en vías de crecimiento.

El estilo artístico de JUCO se encuentra en un progresivo proceso de evolución y adaptación constante debido principalmente a los diferentes proyectos en los que participan. Lo que hace que su trabajo sea tan excepcional es su gran habilidad para unir en un concepto perfecto diversos elementos, como moda, patrones gráficos, colores fuertes y fondos altamente originales.

Entre sus proyectos más sobresalientes se encuentran: “Women on the Verge”, una sesión de fotografías para Paper Magazine en la que JUCO utilizó diversos patrones geométricos y coloridos sets para exhibir las glamorosas prendas de vestir de marcas como Ralph Lauren, Stella McCartney y Miu Miu; “Painted Backdrops”, un proyecto personal de la pareja en el que camuflajearon la ropa de los modelos con los fondos pintados a mano, produciendo así un efecto único de asociación; y “Laffy Taffy”, un proyecto cuya inspiración nació del estilo de los 90’s y los colores del arte pop.

A su vez, la experiencia les ha enseñado que la mejor manera de evitar que su trabajo se vuelva obsoleto y aburrido es encontrar el balance ideal entre el control y la incertidumbre. Es decir, al no cerciorarse que absolutamente todos los aspectos del proceso creativo son adecuados, ellos son capaces de descubrir resultados asombrosos.

“Si siempre te encuentras señalando todo, si siempre estás planeando, entonces dejas muy poca oportunidad para que la magia ocurra. Uno debe dejar ir las expectativas para sólo así poder ver lo inesperado. ” – JUCO comentó en The Photographic Journal.

Actualmente ubicados en Los Ángeles, California, Julia y Cody tienen la esperanza de abrir su propio estudio algún día. Con un portafolio lleno de un sin fin de extraordinarios proyectos, esta talentosa pareja está empeñada en continuar produciendo un trabajo que cautive al observador y que cause en él una impresión que dure por largo tiempo.

Más información sobre JUCO aquí.

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December 17, 2014 - No Comments!

★ Marie Rime (SW) | The New Portrayal Of Tribal Art

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Tribal art is the fundamental constituent in some of Marie Rime’s most recognized works. Recently graduated from the bachelor in Photography at ECAL, this talented 24-year-old Swiss artist has created remarkable masques that bear a resemblance to those used in antique ceremonial rituals. Her unique ability to transform multiple objects into her fantastic costumes have helped defined her eccentric and colorful style.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Native from Charmey, Switzerland and currently based in Lausanne, Marie Rime has taken the essence of the art of indigenous cultures and adapted it to her own artistic and quirky masks, headpieces and collars. Using tribal art as her main source of inspiration, Rime works with different every-day materials to analyze her impressions regarding a broad extension of subjects. What started as pieces glued to Rime’s own head, eventually resulted in flamboyant artworks of an extraordinary conception, detail and craftsmanship.

Among her most distinguished collections are “Masques”, a project about the meaning of games and the role of players in which Rime crafted masks gluing cards and board game pieces together; “Armures”, an exploration of the relationship between ornament, power and war; and “Symétrie de pouvoir”, a series of images that analyze the concept of symmetry taking as a starting point the butterfly.

“I like that you can see that it's handmade and where the paper background ends at the bottom. It sets the person in the image, like a statue". – Marie Rime told The Guardian

Of an imposing, geometric and elaborate nature, Marie Rime’s female portraits have been exhibited in countries like France, Italy, China and Switzerland.

More information on Marie Rime here.

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Native from Charmey, Switzerland and currently based in Lausanne, Marie Rime has taken the essence of the art of indigenous cultures and adapted it to her own artistic and quirky masks, headpieces and collars. Using tribal art as her main source of inspiration, Rime works with different every-day materials to analyze her impressions regarding a broad extension of subjects. What started as pieces glued to Rime’s own head, eventually resulted in flamboyant artworks of an extraordinary conception, detail and craftsmanship.

Among her most distinguished collections are “Masques”, a project about the meaning of games and the role of players in which Rime crafted masks gluing cards and board game pieces together; “Armures”, an exploration of the relationship between ornament, power and war; and “Symétrie de pouvoir”, a series of images that analyze the concept of symmetry taking as a starting point the butterfly.

“I like that you can see that it's handmade and where the paper background ends at the bottom. It sets the person in the image, like a statue". – Marie Rime told The Guardian

Of an imposing, geometric and elaborate nature, Marie Rime’s female portraits have been exhibited in countries like France, Italy, China and Switzerland.

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Recién graduada de la carrera de Fotografía en el ECAL, la talentosa artista de 24 años Marie Rime ha creado extraordinarias máscaras que llevan al observador a recordar aquellos disfraces utilizados en antiguas ceremonias y rituales. Su gran habilidad por transformar múltiples objetos en fantásticos vestuarios la han ayudado a definir su excéntrico y colorido estilo.

Proveniente de la región de Charmey en Suiza y actualmente ubicada en Lausanne, Marie Rime ha adaptado la esencia del arte de las culturas indígenas en sus extravagantes máscaras, collares y tocados. Tomando el arte tribal como principal fuente de inspiración, Rime utiliza diferentes objetos de la vida diaria para analizar su opinión y postura acerca de diversos temas. Lo que comenzó como un proceso de adherir los objetos a la propia cabeza de la artista, terminó convirtiéndose en un conjunto de obras de arte de una calidad, concepto y detalle sorprendentes.

Entre sus colecciones más famosas se encuentran “Masques”, un proyecto que habla del significado de los juegos y el papel que fungen los jugadores en el que Rime creó máscaras a partir de diversas piezas de juegos de mesa y cartas; “Armures”, una serie de imágenes que exploran la relación entre decoración, poder y guerra; y “Symétrie de pouvoir”, un proyecto sobre el análisis de lo simétrico que toma como base a la mariposa.

“Me gusta que el observador puede distinguir que es hecho a mano así como dónde termina el papel del fondo. Pienso que ubica a la persona en la imagen, algo así como una estatua”. – Marie Rime compartió con The Guardian

De una naturaleza imponente, geométrica y altamente compleja, los retratos femeninos de Marie Rime han sido exhibidos en países como Francia, China, Italia y Suiza.

Más información sobre Marie Rime aquí.

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Recién graduada de la carrera de Fotografía en el ECAL, la talentosa artista de 24 años Marie Rime ha creado extraordinarias máscaras que llevan al observador a recordar aquellos disfraces utilizados en antiguas ceremonias y rituales. Su gran habilidad por transformar múltiples objetos en fantásticos vestuarios la han ayudado a definir su excéntrico y colorido estilo.

Proveniente de la región de Charmey en Suiza y actualmente ubicada en Lausanne, Marie Rime ha adaptado la esencia del arte de las culturas indígenas en sus extravagantes máscaras, collares y tocados. Tomando el arte tribal como principal fuente de inspiración, Rime utiliza diferentes objetos de la vida diaria para analizar su opinión y postura acerca de diversos temas. Lo que comenzó como un proceso de adherir los objetos a la propia cabeza de la artista, terminó convirtiéndose en un conjunto de obras de arte de una calidad, concepto y detalle sorprendentes.

Entre sus colecciones más famosas se encuentran “Masques”, un proyecto que habla del significado de los juegos y el papel que fungen los jugadores en el que Rime creó máscaras a partir de diversas piezas de juegos de mesa y cartas; “Armures”, una serie de imágenes que exploran la relación entre decoración, poder y guerra; y “Symétrie de pouvoir”, un proyecto sobre el análisis de lo simétrico que toma como base a la mariposa.

“Me gusta que el observador puede distinguir que es hecho a mano así como dónde termina el papel del fondo. Pienso que ubica a la persona en la imagen, algo así como una estatua”. – Marie Rime compartió con The Guardian

De una naturaleza imponente, geométrica y altamente compleja, los retratos femeninos de Marie Rime han sido exhibidos en países como Francia, China, Italia y Suiza.

Más información sobre Marie Rime aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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December 3, 2014 - No Comments!

★ Iris Van Herpen (NE) | A Future Of Sculptural Fashion

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Always surrounded by multi-disciplinary artists and scientists, Dutch fashion designer Iris Van Herpen creates enigmatic garments made out of brand-new materials, innovative technologies and eclectic manufacture techniques. Her bizarre inspiration, futuristic style and unusual fabrication process have made her designs attractive to eccentric celebrities like Björk, Lady Gaga and Beyoncé.


[Ver artículo en español abajo]

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Native from the town of Wamel in The Netherlands, 30-year-old Iris Van Herpen has rapidly positioned herself as one of the most transcendental fashion designers in the international couture industry. With a background in Fashion Design at the Artez Institute of the Arts in Arnhem and internships at Alexander McQueen in London and Claudy Jongstra in Amsterdam, Van Herpen’s futuristic style has become her most fascinating trademark.

Since the conception of her label in 2007, Van Herpen’s collections have been characterized by their fictional style, which is only achieved through the hard work of a multi-disciplinary team. A professional group of artists, architects, photographers, dancers, musicians, and scientists, to mention just a few, work together to manufacture entirely new materials, forms and structures that can jointly become a medium of a woman’s self-expression.

“For me fashion is an expression of art that is very close related to me and to my body. I see it as my expression of identity combined with desire, moods and cultural setting. In all my work I try to make clear that fashion is an artistic expression, showing and wearing art, and not just a functional and devoid of content or commercial tool.” – Shared Iris Van Herpen on her website.

With no specific design laid out, Iris Van Herpen starts the creative process of each garment with only a vision in her mind that she explains to her co-workers. Such idea develops into unexpected features as the fabrication procedure progresses. The final piece is a masterful combination of a diligent craftsmanship and exclusive production techniques – particularly 3D printing, injection molding, and laser cutting- which give the clothing a sculpture-like appearance that remarkably adapts to the body’s movement.

Among her most remarkable collections are her Autumn/Winter 2014 exhibition "Biopiracy", in which her models were suspended in a fetus-like position within a vacuumed plastic installation wearing gleaming dresses; “Crystallization”, a digitally printed collection of garments based on the transformation of liquids into crystals; “Mummification”, a couture collection based on the Egyptian mummies and their wrapping practices; and her Spring/Summer 2015 exhibition titled "Magnetic Motion", which depicts magnetic clothing inspiried by the fusion of technology and nature.

With a strong passion for dancing and other creative disciplines, like painting and sculpting, Iris Van Herpen continues to create beautiful and elusive garments. She never lets that ordinary fabrics limit her creativity and point out how far she can go with her designs. For her, anything is possible within the realm of fashion.

More information on Iris Van Herpen here.

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Native from the town of Wamel in The Netherlands, 30-year-old Iris Van Herpen has rapidly positioned herself as one of the most transcendental fashion designers in the international couture industry. With a background in Fashion Design at the Artez Institute of the Arts in Arnhem and internships at Alexander McQueen in London and Claudy Jongstra in Amsterdam, Van Herpen’s futuristic style has become her most fascinating trademark.

Since the conception of her label in 2007, Van Herpen’s collections have been characterized by their fictional style, which is only achieved through the hard work of a multi-disciplinary team. A professional group of artists, architects, photographers, dancers, musicians, and scientists, to mention just a few, work together to manufacture entirely new materials, forms and structures that can jointly become a medium of a woman’s self-expression.

“For me fashion is an expression of art that is very close related to me and to my body. I see it as my expression of identity combined with desire, moods and cultural setting. In all my work I try to make clear that fashion is an artistic expression, showing and wearing art, and not just a functional and devoid of content or commercial tool.” – Shared Iris Van Herpen on her website.

With no specific design laid out, Iris Van Herpen starts the creative process of each garment with only a vision in her mind that she explains to her co-workers. Such idea develops into unexpected features as the fabrication procedure progresses. The final piece is a masterful combination of a diligent craftsmanship and exclusive production techniques – particularly 3D printing, injection molding, and laser cutting- which give the clothing a sculpture-like appearance that remarkably adapts to the body’s movement.

Among her most remarkable collections are her Autumn/Winter 2014 exhibition "Biopiracy", in which her models were suspended in a fetus-like position within a vacuumed plastic installation wearing gleaming dresses; “Crystallization”, a digitally printed collection of garments based on the transformation of liquids into crystals; “Mummification”, a couture collection based on the Egyptian mummies and their wrapping practices; and her Spring/Summer 2015 exhibition titled "Magnetic Motion", which depicts magnetic clothing inspiried by the fusion of technology and nature.

With a strong passion for dancing and other creative disciplines, like painting and sculpting, Iris Van Herpen continues to create beautiful and elusive garments. She never lets that ordinary fabrics limit her creativity and point out how far she can go with her designs. For her, anything is possible within the realm of fashion.

More information on Iris Van Herpen here.

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Rodeada continuamente por científicos y artistas provenientes de distintas disciplinas, la diseñadora de modas holandesa Iris Van Herpen se dedica a crear enigmáticas prendas de vestir a partir de innovadores materiales y tecnologías y eclécticas técnicas de producción. Sus vanguardistas diseños son el resultado de una extraña fuente inspiración, un estilo futurista y un inusual proceso creativo que han atraído a excéntricas celebridades como Björk, Lady Gaga y Beyoncé.

Proveniente de la ciudad de Wamel, Holanda y con tan solo 30 años de edad, Iris Van Herpen se ha posicionado rápidamente como una de las más trascendentales diseñadoras de moda en la industria internacional de alta costura. Estudió Diseño de Modas en el Artez Institute of the Arts en Arnhem y adquirió experiencia en las casas de moda Alexander McQueen en Londres y Claudy Jongstra en Ámsterdam. Su innovador estilo la ha diferenciado del resto desde la concepción de su marca en el año 2007.

Desde sus inicios, las colecciones de Van Herpen se han distinguido por su magnífico estilo de naturaleza ficticia el cual es logrado gracias a un arduo trabajo de equipo. Artistas, arquitectos, fotógrafos, bailarines, músicos y científicos profesionales –entre otros- trabajan en conjunto para crear materiales, formas y estructuras completamente nuevas que al unirse sean capaces de formar un medio de expresión para la mujer que los viste.

“Para mí, la moda es una expresión del arte que se relaciona directamente conmigo y con mi cuerpo. La veo como una expresión de identidad combinada con deseo, carácter y ambiente cultural. En todos mis diseños trato de dejar en claro que la moda –el mostrarla y el vestirla- es una forma de expresión artística y no una herramienta comercial sin significado.” – Iris Van Herpen comenta en su página de Internet.

El proceso creativo de la diseñadora holandesa es una experiencia totalmente diferente. Comienza la fabricación de cada prenda únicamente con una idea/imagen en su mente, la cual comparte con su equipo de trabajo y toma formas inesperadas conforme el proceso se desarrolla. La pieza final se convierte en una magnífica combinación de trabajo artesanal y técnicas de producción exclusivas -como impresión en 3D, moldeado por inyección y cortes con láser- las cuales dan al vestido una apariencia escultórica que de manera notable se adapta al movimiento del cuerpo.

Entre sus colecciones más sobresalientes se encuentran su exhibición de Otoño/Invierno 2014 "Biopiracy", en la cual sus modelos vistieron brillantes vestidos y fueron suspendidas en posición fetal en una instalación plástica a la que se le extrajo el aire; “Cristalización”, prendas impresas en 3D inspirada en la transformación de líquidos en cristales; “Mummification”, una colección basada en las momias egipcias y sus prácticas de envoltura; y su exhibición Primavera/Verano 2015 titulada "Magnetic Motion", la cual presenta vestidos fabricados con imanes y está inspirada en la fusión de la tecnoloía y la naturaleza.

Apasionada por el baile y otras disciplinas creativas, como la pintura y la escultura, Iris van Herpen continua creando sorprendentes prendas de alta costura. Jamás permite que lo ordinario de un material textil la limite y le indique hasta dónde puede llegar como diseñadora. Para ella, todo es posible dentro del mundo de la moda.

Más información sobre Iris Van Herpen aquí.

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Rodeada continuamente por científicos y artistas provenientes de distintas disciplinas, la diseñadora de modas holandesa Iris Van Herpen se dedica a crear enigmáticas prendas de vestir a partir de innovadores materiales y tecnologías y eclécticas técnicas de producción. Sus vanguardistas diseños son el resultado de una extraña fuente inspiración, un estilo futurista y un inusual proceso creativo que han atraído a excéntricas celebridades como Björk, Lady Gaga y Beyoncé.

Proveniente de la ciudad de Wamel, Holanda y con tan solo 30 años de edad, Iris Van Herpen se ha posicionado rápidamente como una de las más trascendentales diseñadoras de moda en la industria internacional de alta costura. Estudió Diseño de Modas en el Artez Institute of the Arts en Arnhem y adquirió experiencia en las casas de moda Alexander McQueen en Londres y Claudy Jongstra en Ámsterdam. Su innovador estilo la ha diferenciado del resto desde la concepción de su marca en el año 2007.

Desde sus inicios, las colecciones de Van Herpen se han distinguido por su magnífico estilo de naturaleza ficticia el cual es logrado gracias a un arduo trabajo de equipo. Artistas, arquitectos, fotógrafos, bailarines, músicos y científicos profesionales –entre otros- trabajan en conjunto para crear materiales, formas y estructuras completamente nuevas que al unirse sean capaces de formar un medio de expresión para la mujer que los viste.

“Para mí, la moda es una expresión del arte que se relaciona directamente conmigo y con mi cuerpo. La veo como una expresión de identidad combinada con deseo, carácter y ambiente cultural. En todos mis diseños trato de dejar en claro que la moda –el mostrarla y el vestirla- es una forma de expresión artística y no una herramienta comercial sin significado.” – Iris Van Herpen comenta en su página de Internet.

El proceso creativo de la diseñadora holandesa es una experiencia totalmente diferente. Comienza la fabricación de cada prenda únicamente con una idea/imagen en su mente, la cual comparte con su equipo de trabajo y toma formas inesperadas conforme el proceso se desarrolla. La pieza final se convierte en una magnífica combinación de trabajo artesanal y técnicas de producción exclusivas -como impresión en 3D, moldeado por inyección y cortes con láser- las cuales dan al vestido una apariencia escultórica que de manera notable se adapta al movimiento del cuerpo.

Entre sus colecciones más sobresalientes se encuentran su exhibición de Otoño/Invierno 2014 "Biopiracy", en la cual sus modelos vistieron brillantes vestidos y fueron suspendidas en posición fetal en una instalación plástica a la que se le extrajo el aire; “Cristalización”, prendas impresas en 3D inspirada en la transformación de líquidos en cristales; “Mummification”, una colección basada en las momias egipcias y sus prácticas de envoltura; y su exhibición Primavera/Verano 2015 titulada "Magnetic Motion", la cual presenta vestidos fabricados con imanes y está inspirada en la fusión de la tecnoloía y la naturaleza.

Apasionada por el baile y otras disciplinas creativas, como la pintura y la escultura, Iris van Herpen continua creando sorprendentes prendas de alta costura. Jamás permite que lo ordinario de un material textil la limite y le indique hasta dónde puede llegar como diseñadora. Para ella, todo es posible dentro del mundo de la moda.

Más información sobre Iris Van Herpen aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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November 5, 2014 - No Comments!

★ Lord Whitney (UK) | The New Face Of Northern Talent

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in a newly redesigned studio just outside the city center of Leeds, England, and having adopted a new flashy branding look, creative duo Amy Lord and Rebekah Whitney –Lord Whitney- keep up their excellent work producing high-quality projects with their characteristic inventiveness used since their partnership in 2009.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Known as an eccentric and cutting-edge creative duo specialized in set design, art direction and prop making, Lord Whitney chose to remodel its studio –a former leather mill- and turn it into a friendly, warm and spacious environment that all people can enjoy. Amy and Rebekah greet customers, visitors and friends in an idyllic workplace that now includes a new kitchen, a workshop, a meeting area and a Treehouse studio space.

Their purpose is to make of the renewed location a place that can help stimulate, motivate and support emerging artists – especially from Leeds- to meet and exhibit their work. Lord Whitney also wants the studio to become a graduate center where volunteer and internship programs are offered to people in general and where talks, events and workshops can be hosted.

“We do often work in London, but to us that isn't a problem, we have a lovely big studio where we can make everything and we can be in London in 2 hours if we need to be! We are passionate about retaining talent in the North, and not a lot would happen here if everybody decided to leave”. – Lord Whitney told Awesome Merch

In this time of change, Lord Whitney’s brand also suffered a makeover. Passport is the design studio behind their new branding look and Prints of Thieves is the print service responsible for their original bussiness cards.

However, not only has the studio’s image continued evolving. Their flamboyant ideas also keep turning into remarkable different ventures. Among their latest ones is their fashion film for Cartier's new jewellery collection “Juste un Clou”, in which Lord Whitney designed the concept, created the sets and was in charge of the art directing process. The studio also organized the project “Playing Faces” at the V&A Museum in London, where people could visit and create their own portraits on the spot using Lord Whitney’s photo booth.

The Wood Beneath the World” is their next collaboration with Leeds Town Hall coming in winter 2014. Stay tuned!

More information on Lord Whitney here.

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Known as an eccentric and cutting-edge creative duo specialized in set design, art direction and prop making, Lord Whitney chose to remodel its studio –a former leather mill- and turn it into a friendly, warm and spacious environment that all people can enjoy. Amy and Rebekah greet customers, visitors and friends in an idyllic workplace that now includes a new kitchen, a workshop, a meeting area and a Treehouse studio space.

Their purpose is to make of the renewed location a place that can help stimulate, motivate and support emerging artists – especially from Leeds- to meet and exhibit their work. Lord Whitney also wants the studio to become a graduate center where volunteer and internship programs are offered to people in general and where talks, events and workshops can be hosted.

“We do often work in London, but to us that isn't a problem, we have a lovely big studio where we can make everything and we can be in London in 2 hours if we need to be! We are passionate about retaining talent in the North, and not a lot would happen here if everybody decided to leave”. – Lord Whitney told Awesome Merch

In this time of change, Lord Whitney’s brand also suffered a makeover. Passport is the design studio behind their new branding look and Prints of Thieves is the print service responsible for their original bussiness cards.

However, not only has the studio’s image continued evolving. Their flamboyant ideas also keep turning into remarkable different ventures. Among their latest ones is their fashion film for Cartier's new jewellery collection “Juste un Clou”, in which Lord Whitney designed the concept, created the sets and was in charge of the art directing process. The studio also organized the project “Playing Faces” at the V&A Museum in London, where people could visit and create their own portraits on the spot using Lord Whitney’s photo booth.

The Wood Beneath the World” is their next collaboration with Leeds Town Hall coming in winter 2014. Stay tuned!

More information on Lord Whitney here.

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Estrenando un nuevo look de marca y un estudio recientemente remodelado a las afueras del centro de la ciudad de Leeds en Inglaterra, Amy Lord y Rebekah Whitney –Lord Whitney- continúan su arduo trabajo produciendo proyectos de la más alta calidad con el toque de originalidad que las caracteriza desde su colaboración en 2009.

Conocido como un excéntrico dúo de vanguardia el cual se especializa en el diseño y elaboración de sets y dirección de arte, Lord Whitney decidió remodelar su estudio –antiguamente un molino de piel/cuero- y convertirlo en un espacio amplio, amigable y cálido que esté al alcance del público. Amy y Rebekah dan la bienvenida a clientes, visitantes y amigos en un magnífico ambiente de trabajo que ahora cuenta con una cocina nueva, un taller, un área de recibimiento y una casa de árbol que funge como estudio.

Su objetivo es hacer del nuevo ambiente un lugar capaz de estimular, motivar y apoyar a artistas emergentes –principalmente aquellos provenientes de Leeds- a que se reúnan y exhiban su trabajo sin limitaciones. A su vez, Lord Whitney desea que el estudio se convierta en un centro donde se ofrezcan programas de internship y voluntariado al público en general, y donde la gente pueda organizar pláticas, talleres y diversos eventos.

“Frecuentemente trabajamos en Londres, pero eso no es un problema, contamos con un agradable estudio donde podemos crear lo que queramos y ¡podemos estar en Londres en dos horas si es necesario! Nos apasiona el poder retener el talento que existe en el norte, ya que aquí no sucedería nada si todo el mundo decidiera irse”. - Lord Whitney compartió con Awesome Merch

Aprovechando la etapa de grandes cambios, Lord Whitney decidió también modificar su imagen. Passport es el estudio creativo que se encargó de crear su nueva identidad y el servicio de impresión Prints of Thieves fue el encargado de producir sus originales tarjetas personales.

Sin embargo, la imagen de dicho estudio creativo no es lo único que ha evolucionado. Las ideas de ambas artistas continúan convirtiéndose en los más extravagantes y extraños proyectos. Entre los más recientes se encuentran: el video para la colección “Juste un Clou” de la marca Cartier, donde Lord Whitney diseñó el concepto, creó los sets y estuvo a cargo de la dirección de arte; y su proyecto titulado “Playing Faces” el cual se llevó a cabo en el museo de Victoria y Alberto en Londres y donde la gente pudo acudir a la cabina fotográfica de Lord Whitney y crear su propio retrato.

The Wood Beneath the World” es su siguiente colaboración con el municipio de Leeds, un proyecto próximo a presentarse en el invierno del 2014. ¡No te lo pierdas!

Más información sobre Lord Whitney aquí.

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Estrenando un nuevo look de marca y un estudio recientemente remodelado a las afueras del centro de la ciudad de Leeds en Inglaterra, Amy Lord y Rebekah Whitney –Lord Whitney- continúan su arduo trabajo produciendo proyectos de la más alta calidad con el toque de originalidad que las caracteriza desde su colaboración en 2009.

Conocido como un excéntrico dúo de vanguardia el cual se especializa en el diseño y elaboración de sets y dirección de arte, Lord Whitney decidió remodelar su estudio –antiguamente un molino de piel/cuero- y convertirlo en un espacio amplio, amigable y cálido que esté al alcance del público. Amy y Rebekah dan la bienvenida a clientes, visitantes y amigos en un magnífico ambiente de trabajo que ahora cuenta con una cocina nueva, un taller, un área de recibimiento y una casa de árbol que funge como estudio.

Su objetivo es hacer del nuevo ambiente un lugar capaz de estimular, motivar y apoyar a artistas emergentes –principalmente aquellos provenientes de Leeds- a que se reúnan y exhiban su trabajo sin limitaciones. A su vez, Lord Whitney desea que el estudio se convierta en un centro donde se ofrezcan programas de internship y voluntariado al público en general, y donde la gente pueda organizar pláticas, talleres y diversos eventos.

“Frecuentemente trabajamos en Londres, pero eso no es un problema, contamos con un agradable estudio donde podemos crear lo que queramos y ¡podemos estar en Londres en dos horas si es necesario! Nos apasiona el poder retener el talento que existe en el norte, ya que aquí no sucedería nada si todo el mundo decidiera irse”. - Lord Whitney compartió con Awesome Merch

Aprovechando la etapa de grandes cambios, Lord Whitney decidió también modificar su imagen. Passport es el estudio creativo que se encargó de crear su nueva identidad y el servicio de impresión Prints of Thieves fue el encargado de producir sus originales tarjetas personales.

Sin embargo, la imagen de dicho estudio creativo no es lo único que ha evolucionado. Las ideas de ambas artistas continúan convirtiéndose en los más extravagantes y extraños proyectos. Entre los más recientes se encuentran: el video para la colección “Juste un Clou” de la marca Cartier, donde Lord Whitney diseñó el concepto, creó los sets y estuvo a cargo de la dirección de arte; y su proyecto titulado “Playing Faces” el cual se llevó a cabo en el museo de Victoria y Alberto en Londres y donde la gente pudo acudir a la cabina fotográfica de Lord Whitney y crear su propio retrato.

The Wood Beneath the World” es su siguiente colaboración con el municipio de Leeds, un proyecto próximo a presentarse en el invierno del 2014. ¡No te lo pierdas!

Más información sobre Lord Whitney aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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October 29, 2014 - No Comments!

★ V ARE (AU) | Presenting The Unknown

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V ARE ["we are"], a creative duo based in Vienna, Austria formed by Adia Trischler and Andreas Waldschuetz, specializes in the combination of music, light, visual elements and space in order to generate their own whimsical interpretations of life. BREATHE”, their last collaborative undertaking, is another one of their captivating projects that has left multiple visitors immersed in a deep mayhem of complex sensations and abstract thoughts.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Adia Trischler is a film director and creative consultant from New York with an extensive background in fashion, style and theater. Andreas Waldschuetz is a fashion photographer and video artist originally from Vienna, Austria. During the last years, these two talented artists have pursued the ambition of discovering unexplored surroundings and new creative minds with the sole purpose of producing a brand-new hub for upcoming artists.

Supported by different types of documentation like film, press and vinyl, Trischler and Waldschuetz expose unseen forms of art with the aim of generating an eclectic network of talent and revolutionary ideas.

Their more recent collective project “BREATHE” was an art film successfully presented at an abandoned building in Altes Zollamt, Austria. From October 17 to October 26, the spectator became part of the fictional story by being guided through different settings around the mysterious and somber exhibition. An extraordinary use of light, shadows and theatrical production made of the project a unique experience in which feelings and memories were strongly stimulated.

The event also included the performance of dancer Mickey Mahar and musician Manu Mayr, as well as the presentation of fashion designer Andrea Cammarosano and Vienna-based jewelry label Henwoodcraft.

More information on V ARE here.

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Adia Trischler is a film director and creative consultant from New York with an extensive background in fashion, style and theater. Andreas Waldschuetz is a fashion photographer and video artist originally from Vienna, Austria. During the last years, these two talented artists have pursued the ambition of discovering unexplored surroundings and new creative minds with the sole purpose of producing a brand-new hub for upcoming artists.

Supported by different types of documentation like film, press and vinyl, Trischler and Waldschuetz expose unseen forms of art with the aim of generating an eclectic network of talent and revolutionary ideas.

Their more recent collective project “BREATHE” was an art film successfully presented at an abandoned building in Altes Zollamt, Austria. From October 17 to October 26, the spectator became part of the fictional story by being guided through different settings around the mysterious and somber exhibition. An extraordinary use of light, shadows and theatrical production made of the project a unique experience in which feelings and memories were strongly stimulated.

The event also included the performance of dancer Mickey Mahar and musician Manu Mayr, as well as the presentation of fashion designer Andrea Cammarosano and Vienna-based jewelry label Henwoodcraft.

More information on V ARE here.

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Ubicado en la ciudad de Viena, Austria, V ARE ["we are" / “nosotros somos”] es un dúo creativo conformado por los artistas Adia Trischler y Andreas Waldschuetz quienes se especializan en la combinación de música, luz, elementos visuales y espacios para la generación de sus propias interpretaciones de la realidad. “BREATHE” [“respirar”] constituye su último proyecto artístico, el cual dejó inmersos a los múltiples espectadores en un profundo estado abstracto de desconcierto.

Proveniente de Nueva York, Adia Trischler es una directora de cine y consultora creativa con amplia experiencia en los rubros de la moda, el estilo y el teatro. Por su parte, Andreas Waldschuetz es un fotógrafo de moda y un hábil creador de videos originario de Viena, Austria. Durante los últimos años, ambos personajes han puesto en práctica el descubrimiento y exhibición de nuevas y extrañas locaciones así como nuevas mentes creativas, con el fin de generar una plataforma única para los artistas emergentes.

Utilizando diversos elementos para documentar su trabajo, como videos, la prensa y discos de vinilo, Trischler y Waldschuetz se dedican a exponer desconocidas formas de arte con el propósito de crear una red de contactos e ideas totalmente ecléctica.

Su más reciente trabajo colectivo “BREATHE” consistió en la creación y exitosa exhibición de su trabajo cinematográfico en un edificio abandonado en Altes Zollamt, Austria. Desde el 17 de Octubre hasta el 26 del mismo mes, el espectador se volvió parte de la historia creativa al ser dirigido por diversas habitaciones dentro de un ambiente sombrío y lleno de misterio. El extraordinario uso de luz y sombras, así como una excelente producción teatral, hizo del proyecto una experiencia única que estimuló todo tipo de sentimientos y recuerdos en la mente del visitante.

El evento también incluyó el desempeño del bailarín Mickey Mahar y el músico Manu Mayr, así como la presentación de la diseñadora de modas Andrea Cammarosano y la marca de joyas localizada en Viana, Henwoodcraft.

Más información sobre V ARE aquí.

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Ubicado en la ciudad de Viena, Austria, V ARE ["we are" / “nosotros somos”] es un dúo creativo conformado por los artistas Adia Trischler y Andreas Waldschuetz quienes se especializan en la combinación de música, luz, elementos visuales y espacios para la generación de sus propias interpretaciones de la realidad. “BREATHE” [“respirar”] constituye su último proyecto artístico, el cual dejó inmersos a los múltiples espectadores en un profundo estado abstracto de desconcierto.

Proveniente de Nueva York, Adia Trischler es una directora de cine y consultora creativa con amplia experiencia en los rubros de la moda, el estilo y el teatro. Por su parte, Andreas Waldschuetz es un fotógrafo de moda y un hábil creador de videos originario de Viena, Austria. Durante los últimos años, ambos personajes han puesto en práctica el descubrimiento y exhibición de nuevas y extrañas locaciones así como nuevas mentes creativas, con el fin de generar una plataforma única para los artistas emergentes.

Utilizando diversos elementos para documentar su trabajo, como videos, la prensa y discos de vinilo, Trischler y Waldschuetz se dedican a exponer desconocidas formas de arte con el propósito de crear una red de contactos e ideas totalmente ecléctica.

Su más reciente trabajo colectivo “BREATHE” consistió en la creación y exitosa exhibición de su trabajo cinematográfico en un edificio abandonado en Altes Zollamt, Austria. Desde el 17 de Octubre hasta el 26 del mismo mes, el espectador se volvió parte de la historia creativa al ser dirigido por diversas habitaciones dentro de un ambiente sombrío y lleno de misterio. El extraordinario uso de luz y sombras, así como una excelente producción teatral, hizo del proyecto una experiencia única que estimuló todo tipo de sentimientos y recuerdos en la mente del visitante.

El evento también incluyó el desempeño del bailarín Mickey Mahar y el músico Manu Mayr, así como la presentación de la diseñadora de modas Andrea Cammarosano y la marca de joyas localizada en Viana, Henwoodcraft.

Más información sobre V ARE aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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October 1, 2014 - No Comments!

★ Lorenzo Petrantoni (IT) | Fashionable Silk Collages

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Italian illustrator Lorenzo Petrantoni demonstrates once again his extraordinary combination of creativity and unusual style in his new collection of silk scarves.


[Ver artículo en español abajo]

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Lorenzo Petrantoni is a Milan-based graphic designer with a broad experience in the advertising industry. Throughout his career he has collaborated with numerous international magazines, brands and communication agencies, such as Nike, Coca Cola, Swatch and The New York Times.

He is recognized for creating exquisite collages of images using pictures from the period of the 1800’s that he extracts mainly from historic dictionaries and books.

With the support of the latest printing techniques, Petrantoni has recently created a unique collection of dazzling scarves characterized by an ingenious combination of illustrations from the XIX century, different typographies and a particular array of colors.

Each scarf is made out of the finest Italian silk and it contains a complex and absorbing composition of elements that transform it into an authentic artistic garment.

More information on Lorenzo Petrantoni here.

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Lorenzo Petrantoni is a Milan-based graphic designer with a broad experience in the advertising industry. Throughout his career he has collaborated with numerous international magazines, brands and communication agencies, such as Nike, Coca Cola, Swatch and The New York Times.

He is recognized for creating exquisite collages of images using pictures from the period of the 1800’s that he extracts mainly from historic dictionaries and books.

With the support of the latest printing techniques, Petrantoni has recently created a unique collection of dazzling scarves characterized by an ingenious combination of illustrations from the XIX century, different typographies and a particular array of colors.

Each scarf is made out of the finest Italian silk and it contains a complex and absorbing composition of elements that transform it into an authentic artistic garment.

More information on Lorenzo Petrantoni here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

El ilustrador italiano Lorenzo Petrantoni demuestra una vez más su extraordinaria combinación de creatividad e inusual estilo artístico en su nueva colección de mascadas de seda.

Ubicado en Milán, Italia, Petrantoni es un diseñador gráfico con una amplia experiencia en el mundo de la publicidad. A lo largo de su carrera ha colaborado con numerosas revistas, marcas y agencias publicitarias internacionales como Nike, Coca Cola, Swatch y The New York Times.

Este talentoso artista es ampliamente reconocido por su creación de magníficos collages en los que utiliza ilustraciones pertenecientes al período de 1800, las cuales extrae principalmente de diccionarios y libros antiguos.

Utilizando las más efectivas técnicas de impresión, Petrantoni ha creado recientemente una colección única de mascadas caracterizadas por ingeniosas combinaciones de ilustraciones del siglo XIX, diversas tipografías y una gama de colores única.

Cada mascada está fabricada con fina seda italiana y contiene una compleja y cautivante composición de elementos que la transforman en una llamativa y auténtica prenda de vestir.

Más información sobre Lorenzo Petrantoni aquí.

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El ilustrador italiano Lorenzo Petrantoni demuestra una vez más su extraordinaria combinación de creatividad e inusual estilo artístico en su nueva colección de mascadas de seda.

Ubicado en Milán, Italia, Petrantoni es un diseñador gráfico con una amplia experiencia en el mundo de la publicidad. A lo largo de su carrera ha colaborado con numerosas revistas, marcas y agencias publicitarias internacionales como Nike, Coca Cola, Swatch y The New York Times.

Este talentoso artista es ampliamente reconocido por su creación de magníficos collages en los que utiliza ilustraciones pertenecientes al período de 1800, las cuales extrae principalmente de diccionarios y libros antiguos.

Utilizando las más efectivas técnicas de impresión, Petrantoni ha creado recientemente una colección única de mascadas caracterizadas por ingeniosas combinaciones de ilustraciones del siglo XIX, diversas tipografías y una gama de colores única.

Cada mascada está fabricada con fina seda italiana y contiene una compleja y cautivante composición de elementos que la transforman en una llamativa y auténtica prenda de vestir.

Más información sobre Lorenzo Petrantoni aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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June 26, 2014 - No Comments!

★ Dina Goldstein (CA) | Real Fairy Tale Endings

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A visual artist resolved to portray -through fairy tale characters and fictitious personages- the crudeness of real life.


[Ver artículo en español abajo]

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[vimeo 43211063 w=100 h=338]

About Dina Goldstein from Dina Goldstein on Vimeo.

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Born in Tel Aviv, Israel, Dina Goldstein is a professional photographer currently based in Vancouver, Canada. Her pop surreal style is characterized for placing her subjects in unusual scenarios in order to comprehend the human condition. Dina studied photography and graduated from the Langara College in 1993.

Dina’s work is not intended to be traditionally beautiful, but to evoke feelings of shame, anger, shock and empathy on the viewer. Through spontaneity and lack of control, Goldstein inspires herself and is able to depict metaphors of life in an exceptional ironic and satirical ways.

One of Goldstein’s most recognized projects is "Fallen Princesses", a set of images launched online in 2010 in which she placed iconic fairy tale characters –from the Brothers Grimm to Walt Disney- in ordinary and modern settings. Snow White, Cinderella, and Pocahontas are among the Princesses living tragic everyday situations, like failed dreams, war, obesity, cancer, unhappy marriages, alcoholism, and pollution, among others.

For “Fallen Princesses", Dina’s inspiration arose when two important events occurred in her life: her three-year old daughter became interested in princess, and her mother was diagnosed with breast cancer.

“The two events collided and made me wonder what a Princess would look like if she had to battle a disease, struggle financially or deal with aging. I began to imagine what could happen to the Princesses later in life and after the happily ever after. Naturally they would have to deal with challenges that all modern woman face.” - Dina Goldstein

For this project, Dina found her models in different locations, such as weddings, restaurants, lingerie stores, etc. The make-up, hair and general style was achieved by artist Vicky Lee Chan.

In the Dollhouse” is another famous project of the Canadian photographer in which the lives of internationally known figures Barbie and Ken were depicted during their “unfortunate” marriage.

More information on Dina Goldstein here.

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Born in Tel Aviv, Israel, Dina Goldstein is a professional photographer currently based in Vancouver, Canada. Her pop surreal style is characterized for placing her subjects in unusual scenarios in order to comprehend the human condition. Dina studied photography and graduated from the Langara College in 1993.

Dina’s work is not intended to be traditionally beautiful, but to evoke feelings of shame, anger, shock and empathy on the viewer. Through spontaneity and lack of control, Goldstein inspires herself and is able to depict metaphors of life in an exceptional ironic and satirical ways.

One of Goldstein’s most recognized projects is "Fallen Princesses", a set of images launched online in 2010 in which she placed iconic fairy tale characters –from the Brothers Grimm to Walt Disney- in ordinary and modern settings. Snow White, Cinderella, and Pocahontas are among the Princesses living tragic everyday situations, like failed dreams, war, obesity, cancer, unhappy marriages, alcoholism, and pollution, among others.

For “Fallen Princesses", Dina’s inspiration arose when two important events occurred in her life: her three-year old daughter became interested in princess, and her mother was diagnosed with breast cancer.

“The two events collided and made me wonder what a Princess would look like if she had to battle a disease, struggle financially or deal with aging. I began to imagine what could happen to the Princesses later in life and after the happily ever after. Naturally they would have to deal with challenges that all modern woman face.” - Dina Goldstein

For this project, Dina found her models in different locations, such as weddings, restaurants, lingerie stores, etc. The make-up, hair and general style was achieved by artist Vicky Lee Chan.

In the Dollhouse” is another famous project of the Canadian photographer in which the lives of internationally known figures Barbie and Ken were depicted during their “unfortunate” marriage.

More information on Dina Goldstein here.

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Nacida en Tel Aviv, Israel, Dina Goldstein es una fotógrafa profesional decidida a retratar –a través de personajes ficticios y de cuentos de hadas- la crudeza de la vida real. Con residencia actual en la ciudad de Vancouver, Canadá, Dina ha desarrollado un estilo pop surreal en el que ubica a sus modelos en escenarios inusuales con el fin de comprender mejor la condición humana. Goldstein estudió fotografía y se graduó del Colegio Langara en 1993.

El objetivo de la artista no es crear imágenes tradicionalmente bellas, sino provocar sentimientos de vergüenza, enojo, conmoción y empatía en los observadores. Por medio de espontaneidad y falta de control, Dina logra inspirarse y es capaz de representar metáforas de la vida de una manera excepcionalmente irónica y satírica.

Uno de los proyectos más reconocidos de Goldstein es “Fallen Princesses” (Princesas Caídas), una serie de imágenes publicadas en Internet en el 2010 en las que ubicó a personajes de cuentos de hadas (desde los Hermanos Grimm hasta Walt Disney) en locaciones ordinarias y modernas. Blanca Nieves, Cenicienta y Pocahontas  son de las princesas retratadas en situaciones trágicas de la vida diaria, como sueños fallidos, guerra, obesidad, cáncer, matrimonios infelices, alcoholismo, contaminación, entre otros.

Para “Fallen Princesses”, la inspiración de Dina surgió debido a dos eventos importantes de su vida: su hija de tres años comenzó a interesarse en las princesas, y su madre fue diagnosticada con cáncer de mama.

“Los dos eventos coincidieron y me hicieron preguntarme cómo luciría una princesa si tuviera que luchar contra una enfermedad, batallar económicamente o lidiar con el envejecimiento. Comencé a imaginarme qué podría pasarle a las princesas ya entrados los años y más allá de su “vivieron felices para siempre”. Naturalmente ellas tendrían que lidiar con los retos que toda mujer enfrenta hoy en día.” – Dina Goldstein

Para este proyecto, Dina encontró sus modelos en diversos lugares: bodas, restaurantes, tiendas de lencería, entre muchas otras. El maquillaje, los peinados y el estilo general de las modelos fueron realizados por la artista Vicky Lee Chan.

In the Dollhouse” (En la casa de muñecas) es otro de los proyectos de la fotógrafa Canadiense en el cual ubicó a las conocidas figuras Barbie y Ken en diversos momentos durante su matrimonio.

Más información sobre Dina Goldstein aquí.

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Nacida en Tel Aviv, Israel, Dina Goldstein es una fotógrafa profesional decidida a retratar –a través de personajes ficticios y de cuentos de hadas- la crudeza de la vida real. Con residencia actual en la ciudad de Vancouver, Canadá, Dina ha desarrollado un estilo pop surreal en el que ubica a sus modelos en escenarios inusuales con el fin de comprender mejor la condición humana. Goldstein estudió fotografía y se graduó del Colegio Langara en 1993.

El objetivo de la artista no es crear imágenes tradicionalmente bellas, sino provocar sentimientos de vergüenza, enojo, conmoción y empatía en los observadores. Por medio de espontaneidad y falta de control, Dina logra inspirarse y es capaz de representar metáforas de la vida de una manera excepcionalmente irónica y satírica.

Uno de los proyectos más reconocidos de Goldstein es “Fallen Princesses” (Princesas Caídas), una serie de imágenes publicadas en Internet en el 2010 en las que ubicó a personajes de cuentos de hadas (desde los Hermanos Grimm hasta Walt Disney) en locaciones ordinarias y modernas. Blanca Nieves, Cenicienta y Pocahontas  son de las princesas retratadas en situaciones trágicas de la vida diaria, como sueños fallidos, guerra, obesidad, cáncer, matrimonios infelices, alcoholismo, contaminación, entre otros.

Para “Fallen Princesses”, la inspiración de Dina surgió debido a dos eventos importantes de su vida: su hija de tres años comenzó a interesarse en las princesas, y su madre fue diagnosticada con cáncer de mama.

“Los dos eventos coincidieron y me hicieron preguntarme cómo luciría una princesa si tuviera que luchar contra una enfermedad, batallar económicamente o lidiar con el envejecimiento. Comencé a imaginarme qué podría pasarle a las princesas ya entrados los años y más allá de su “vivieron felices para siempre”. Naturalmente ellas tendrían que lidiar con los retos que toda mujer enfrenta hoy en día.” – Dina Goldstein

Para este proyecto, Dina encontró sus modelos en diversos lugares: bodas, restaurantes, tiendas de lencería, entre muchas otras. El maquillaje, los peinados y el estilo general de las modelos fueron realizados por la artista Vicky Lee Chan.

In the Dollhouse” (En la casa de muñecas) es otro de los proyectos de la fotógrafa Canadiense en el cual ubicó a las conocidas figuras Barbie y Ken en diversos momentos durante su matrimonio.

Más información sobre Dina Goldstein aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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June 25, 2014 - No Comments!

★ Dorhout Mees (NE) | Musical & Elegant Designs

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Conversion” is Dorhout Mees second collection presented at Amsterdam Fashion Week. In her new work, she describes how oxidation, is a metaphor for observing the beauty of impermanence and how “the material transformation is similar to a spiritual one”.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

“Using film and music to tell my story is something I’ve always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do”. (Dorhout Mees)

What is inspiration for you?

I feel inspiration is in everything. Literally, it just depends on which way you’re looking. So it can be a feeling you notice in yourself and your surroundings, like the search of origin in my summer collection “Become”, or something more concrete like architecture. But if I would have to narrow it down, I would say Nature and Architecture are always great sources of beauty and contrasts.

Is there a memory, a moment you remember you thought about doing fashion?

To begin with a project I was always drawing. My very first memories are of me drawing everything and all the time. I wanted to make my own clothes when I was around eight years old. They were very simple tops and skirts made with the help of my grandmother. Later on, I started making prints on them by drawing and painting it on. So the love for prints was already there as well!

When did you start using music and video in your work?

Using film and music to tell my story is something I have always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do. Take them on that journey I went on; involve them as much as I can.

What about other material use?

I start from different types of silk, soft chiffon and stiff organza, wool, cashmere that I often work with. Then if inspiration takes me somewhere I choose a material, like in this collection I did with copper and copper oxidation process. I used this material for shoes, belts, necklaces, bracelets and even knitted it from copper thread from a machine.

What is it like to be part of the Fashion Week? How would you describe it?

First of all is a big honor. It’s such a great platform to show your work. It’s very hectic the last week leading up to it, actually, it is so until the last model walks onto the catwalk. But it is a beautiful feeling, magical even, everything that you’ve worked for falls into place at that very moment.

In your last show presented at the Fashion Week you used a music loop from the Pixies. Why did you choose that song? Could you list the top five of your favorite songs at the moment?

Great question! I feel that music is life, and it is very important to me. The reason I chose for parts of the song “Where is my mind” by Pixies, is first of all I felt the title was fitting me. It’s about transformation, spiritual transformation, in which you have to start a journey inwards trying to leave that hardworking mind behind and simply go on feeling and intuition.

Then, I just love the song, but I wanted to reflect the contrast of the difference in oxidation. The organic one, organic shapes and colors, and the microscopic one where everything is geometric and grey and white. So I looked for a classical interpretation of the song, even mixed a piano version vs a string quartet version. I like contrasts. Then I used the original during the final moment on the catwalk only.

My loves at the moment ;-):

Damien Rice, everything he has written, “Little Bird” by Lisa Hannigan, “Josephine” by Teitur, “Hollo Talk” by Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” by Bat for Lashes, and just one more, “C’mon Talk” by Bernhoft.

What do you like to share with your work in fashion?

With my collections I like to tell stories, but I also want to give power to women. I love the power of women who go after whatever it is they want to get out of life. I admire women like that and I would like to add something to that passion for life. I constantly search for the delicate balance between telling a story and the fact that it has to look great on a woman’s body. For me those aspects are equally important.

More information on Dorhout Mees here.

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“Using film and music to tell my story is something I’ve always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do”. (Dorhout Mees)

What is inspiration for you?

I feel inspiration is in everything. Literally, it just depends on which way you’re looking. So it can be a feeling you notice in yourself and your surroundings, like the search of origin in my summer collection “Become”, or something more concrete like architecture. But if I would have to narrow it down, I would say Nature and Architecture are always great sources of beauty and contrasts.

Is there a memory, a moment you remember you thought about doing fashion?

To begin with a project I was always drawing. My very first memories are of me drawing everything and all the time. I wanted to make my own clothes when I was around eight years old. They were very simple tops and skirts made with the help of my grandmother. Later on, I started making prints on them by drawing and painting it on. So the love for prints was already there as well!

When did you start using music and video in your work?

Using film and music to tell my story is something I have always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do. Take them on that journey I went on; involve them as much as I can.

What about other material use?

I start from different types of silk, soft chiffon and stiff organza, wool, cashmere that I often work with. Then if inspiration takes me somewhere I choose a material, like in this collection I did with copper and copper oxidation process. I used this material for shoes, belts, necklaces, bracelets and even knitted it from copper thread from a machine.

What is it like to be part of the Fashion Week? How would you describe it?

First of all is a big honor. It’s such a great platform to show your work. It’s very hectic the last week leading up to it, actually, it is so until the last model walks onto the catwalk. But it is a beautiful feeling, magical even, everything that you’ve worked for falls into place at that very moment.

In your last show presented at the Fashion Week you used a music loop from the Pixies. Why did you choose that song? Could you list the top five of your favorite songs at the moment?

Great question! I feel that music is life, and it is very important to me. The reason I chose for parts of the song “Where is my mind” by Pixies, is first of all I felt the title was fitting me. It’s about transformation, spiritual transformation, in which you have to start a journey inwards trying to leave that hardworking mind behind and simply go on feeling and intuition.

Then, I just love the song, but I wanted to reflect the contrast of the difference in oxidation. The organic one, organic shapes and colors, and the microscopic one where everything is geometric and grey and white. So I looked for a classical interpretation of the song, even mixed a piano version vs a string quartet version. I like contrasts. Then I used the original during the final moment on the catwalk only.

My loves at the moment ;-):

Damien Rice, everything he has written, “Little Bird” by Lisa Hannigan, “Josephine” by Teitur, “Hollo Talk” by Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” by Bat for Lashes, and just one more, “C’mon Talk” by Bernhoft.

What do you like to share with your work in fashion?

With my collections I like to tell stories, but I also want to give power to women. I love the power of women who go after whatever it is they want to get out of life. I admire women like that and I would like to add something to that passion for life. I constantly search for the delicate balance between telling a story and the fact that it has to look great on a woman’s body. For me those aspects are equally important.

More information on Dorhout Mees here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Conversion” es la segunda colección de Dorhout Mees que ha sido presentada en la Semana Fashion de Ámsterdam. En su nuevo trabajo, ella describe cómo la oxidación es la metáfora para observar la belleza de la impermanencia y cómo “la transformación del material es similar al del espíritu”.

“Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo”. (Dorhout Mees)

¿Dónde encuentras tu inspiración?

Prácticamente en todas partes. Literalmente sólo depende de hacia dónde mires. Puede ser un sentimiento que uno encuentre en sí mismo o en los alrededores, como la búsqueda del origen en mi colección de verano “Become”, o algo más concreto como la arquitectura. Sin embargo, si tuviera que escoger entre dos aspectos, la Naturaleza y la Arquitectura son siempre excelentes fuentes de belleza y contraste.

¿Hay algún recuerdo o momento que te llevó a dedicarte al diseño de modas?

Para empezar, siempre estaba dibujando. Mis primeros recuerdos los tengo de estar dibujando todo el tiempo. Para cuando tenía ocho años de edad ya quería hacer mi propia ropa. Eran blusas y faldas sencillas que hice con la ayuda de mi abuela.  Posteriormente, comencé a hacer mis propias impresiones pintando y dibujando sobre ellas. ¡Así que el amor por los gráficos nació en ese momento también!

¿Cuándo comenzaste a utilizar el cine y el video en su trabajo?

Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo. Me gusta llevarlos en el mismo viaje que yo e involucrarlos lo más que se pueda.

¿Qué otros materiales utilizas?

Comienzo con diferentes tipos de seda, chiffon, organza, lana y casimir, eso es con lo que más trabajo. Después, si la inspiración me lleva más lejos, escojo un material, como hice en esta colección en la que utilicé cobre y su proceso de oxidación. Utilicé dicho material para hacer zapatos, cinturones, collares, pulseras e incluso cosí hilos de cobre con ayuda de una máquina.

¿Qué significa para ti formar parte de la Semana Fashion? ¿Cómo describirías tu experiencia?

Primero que nada pienso que es un gran honor. Es una extraordinaria plataforma en la que uno logra exhibir el trabajo. Todo es muy agitado, la última semana antes del evento, hasta el último momento en el que la modelo camina por la pasarela. Pero a su vez es un sentimiento hermoso, mágico incluso, pues todo por lo que has trabajado es revelado en ese preciso momento.

En tu último show que presentaste en la Semana Fashion, utilizaste música del grupo los Pixies. ¿Por qué escogiste esa música? ¿Podrías enlistar tus cinco canciones favoritas hasta el momento?

¡Excelente pregunta! Pienso que la música es vida, por lo que es muy importante para mí. La razón por la que escogí fragmentos de la canción “Where is my mind” (Dónde está mi mente) de Los Pixies es primero que nada porque el título encajaba con mi trabajo. Habla de la transformación espiritual en la que uno debe iniciar una búsqueda interior para dejar atrás la mente trabajadora y simplemente continuar sintiendo.

Por otra parte, me encanta esa canción, y quise reflejar el contraste de la diferencia en la oxidación. Lo orgánico, los colores y las formas naturales, y lo microscópico donde todo es geométrico, gris y blanco. Así que busqué diferentes versiones de la canción, con piano y con instrumentos de cuerdas. Me gustan los contrastes. Finalmente, utilicé la versión original en la última parte del desfile de modas.

Mis canciones favoritas en este momento ;-):

Todo lo de Damien Rice, “Little Bird” por Lisa Hannigan, “Josephine” por Teitur, “Hollo Talk” por el Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” por Bat for Lashes, y una más, “C’mon Talk” por Bernhoft.

¿Qué es lo que te gusta compartir en tu trabajo como diseñadora de modas?

Con mis colecciones me gusta contar historias, pero también quiero dar poder a las mujeres. Me encanta el poder que las mujeres tienen para perseguir aquello que más quieren en la vida. Las admiro y me gustaría añadir algo a esa pasión que sienten por la vida. Contantemente busco un balance entre contar una historia y lograr que los diseños se vean lo mejor posible en el cuerpo de una mujer. Para mí, esos dos aspectos son de igual importancia.

Más información sobre Dorhout Mees aquí.

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Conversion” es la segunda colección de Dorhout Mees que ha sido presentada en la Semana Fashion de Ámsterdam. En su nuevo trabajo, ella describe cómo la oxidación es la metáfora para observar la belleza de la impermanencia y cómo “la transformación del material es similar al del espíritu”.

“Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo”. (Dorhout Mees)

¿Dónde encuentras tu inspiración?

Prácticamente en todas partes. Literalmente sólo depende de hacia dónde mires. Puede ser un sentimiento que uno encuentre en sí mismo o en los alrededores, como la búsqueda del origen en mi colección de verano “Become”, o algo más concreto como la arquitectura. Sin embargo, si tuviera que escoger entre dos aspectos, la Naturaleza y la Arquitectura son siempre excelentes fuentes de belleza y contraste.

¿Hay algún recuerdo o momento que te llevó a dedicarte al diseño de modas?

Para empezar, siempre estaba dibujando. Mis primeros recuerdos los tengo de estar dibujando todo el tiempo. Para cuando tenía ocho años de edad ya quería hacer mi propia ropa. Eran blusas y faldas sencillas que hice con la ayuda de mi abuela.  Posteriormente, comencé a hacer mis propias impresiones pintando y dibujando sobre ellas. ¡Así que el amor por los gráficos nació en ese momento también!

¿Cuándo comenzaste a utilizar el cine y el video en su trabajo?

Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo. Me gusta llevarlos en el mismo viaje que yo e involucrarlos lo más que se pueda.

¿Qué otros materiales utilizas?

Comienzo con diferentes tipos de seda, chiffon, organza, lana y casimir, eso es con lo que más trabajo. Después, si la inspiración me lleva más lejos, escojo un material, como hice en esta colección en la que utilicé cobre y su proceso de oxidación. Utilicé dicho material para hacer zapatos, cinturones, collares, pulseras e incluso cosí hilos de cobre con ayuda de una máquina.

¿Qué significa para ti formar parte de la Semana Fashion? ¿Cómo describirías tu experiencia?

Primero que nada pienso que es un gran honor. Es una extraordinaria plataforma en la que uno logra exhibir el trabajo. Todo es muy agitado, la última semana antes del evento, hasta el último momento en el que la modelo camina por la pasarela. Pero a su vez es un sentimiento hermoso, mágico incluso, pues todo por lo que has trabajado es revelado en ese preciso momento.

En tu último show que presentaste en la Semana Fashion, utilizaste música del grupo los Pixies. ¿Por qué escogiste esa música? ¿Podrías enlistar tus cinco canciones favoritas hasta el momento?

¡Excelente pregunta! Pienso que la música es vida, por lo que es muy importante para mí. La razón por la que escogí fragmentos de la canción “Where is my mind” (Dónde está mi mente) de Los Pixies es primero que nada porque el título encajaba con mi trabajo. Habla de la transformación espiritual en la que uno debe iniciar una búsqueda interior para dejar atrás la mente trabajadora y simplemente continuar sintiendo.

Por otra parte, me encanta esa canción, y quise reflejar el contraste de la diferencia en la oxidación. Lo orgánico, los colores y las formas naturales, y lo microscópico donde todo es geométrico, gris y blanco. Así que busqué diferentes versiones de la canción, con piano y con instrumentos de cuerdas. Me gustan los contrastes. Finalmente, utilicé la versión original en la última parte del desfile de modas.

Mis canciones favoritas en este momento ;-):

Todo lo de Damien Rice, “Little Bird” por Lisa Hannigan, “Josephine” por Teitur, “Hollo Talk” por el Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” por Bat for Lashes, y una más, “C’mon Talk” por Bernhoft.

¿Qué es lo que te gusta compartir en tu trabajo como diseñadora de modas?

Con mis colecciones me gusta contar historias, pero también quiero dar poder a las mujeres. Me encanta el poder que las mujeres tienen para perseguir aquello que más quieren en la vida. Las admiro y me gustaría añadir algo a esa pasión que sienten por la vida. Contantemente busco un balance entre contar una historia y lograr que los diseños se vean lo mejor posible en el cuerpo de una mujer. Para mí, esos dos aspectos son de igual importancia.

Más información sobre Dorhout Mees aquí.

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★ Original Article by HoopDoop Magazine #20. Interview by Agnese Roda. Photography by Monyart.  Spanish edition by Dalia Vasquez.

 

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HoopDoopMag243

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