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January 7, 2015 - No Comments!

★ Gabitsiki (MX) | An Oneiric Mind

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in Amsterdam, Gabriela Avalos, also known as Gabitsiki, is a Mexican visual artist, performer, and therapy facilitator that brings the best of her musical passion and personal experiences to her eclectic creations. Her arresting work is made of fragments of Huichol experiences, encounters with patients in psychiatric facilities and even her own journey to become a mother.


[Ver artículo en español abajo]

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“The universe, the stars, the wild nature, the infinite space, the opportunity to feel like an animal and not a human being… all of that are things that inspire me” - Gabitsiki

Meet Gabitsiki in this exclusive interview for Saketekilla*.

Could you please tell us a bit about yourself? Where do you come from? 

I was born in Torreon, Coahuila and after that I moved to Monterrey, Nuevo Leon. I studied Visual Arts at U.A.N.L. and I have two diplomas, one in Alternative Therapy at U.A.A.A.N. and the other in Art Therapy at UAM Xochimilco. The first trip I did to Amsterdam was with my family when I was 15 years old. That experience changed my perception of the world and since then I knew that I had to come back.

Why did you choose the name Gabitsiki? 

It is a way to make my name smaller. Gabi is a diminutive of Gabriela and Gabitsiki is even smaller. People have always thought I am younger than I really am; they sometimes see me as a little girl, so I decided to make the most of it.

In your Facebook page we can see that your creative work includes several disciplines and techniques, like photography, different kinds of painting and drawing, and even some poetry. How do you choose the technique and nature of your next artwork? Can you tell us about your creative process?

The idea simply comes to my mind. For example, writing is a reaction to the words I hear in my head. It is as if I am listening to a voice and answering it. I paint when an image is also inside my mind. Sometimes when I try to represent that image the form changes, but at the end, it is a form that is always evolving. Photography is unpredictable. There are days in which I take a lot of pictures and I feel that I need to appreciate my environment and my own perception of it. My creative process starts when I am “not creating” anything; when I am only thinking and looking, imagining and wishing. This feeling accumulates until I choose the materials and begin to work. My first encounter with them is like a fight, an explosion. It is only when my mind and body settle down that I start to define my strokes.

How would you define your style? 

Naïve Oneiric / Brut... or something like that  (laughs).

(Naïve – also known as “child-like art” because of the use of strong colors, spontaneity and lack of perspective. Oneiric – related to dreams. Brut – a term used in the mid-1940s to designate the art that was not considered “traditional”).

In your website you also mention that you are a performer and an art therapy facilitator. Could you please tell us more about that? 

Music has always been my second strongest passion; sometimes I believe it is my first one. However, it has taken me more time and effort to express myself through it. Some of the reasons are because it challenges me more; it requires a more direct communication with myself and people around me. My previous performances have been inner quests to heal my soul from pain and from fear to express myself. I have challenged myself in front of the public and I promised that I wouldn’t perform in vain, but to pursuit that inner healing. It was at that moment that I knew that performance wouldn’t be my main way of expression, but it has given me the strength to stand on a stage. I guess that is part of the reason I was invited to participate in theater. I am not an actress but now I know how to actively collaborate with others to create new experiences.

Art and madness and art and health are associations that also passionate me, and both of them have taken me to explore psychiatry. I did my social service at the Psychiatry Unit of the University Hospital at U.A.N.L. and during that time I developed strong relationships with patients and staff members. At the end, I stayed for 2 years to work offering Art Therapy to children, teenagers and adults with different psychiatric conditions like depression, schizophrenia, eating disorders and bipolarity. This has been one of the most interesting and gratifying experiences of my life, but also an extremely difficult one due to the great responsibility that it entails.

What do you intent to express with your art? As a Mexican artist, how does your cultural heritage influence your work? What are your main sources of inspiration? 

I think that the way I use colors in my work is an aspect that has been strongly influenced by the art of the Wirrárika culture (better known as Huicholes). It is a style that I truly admire due to its unique beauty and sacred nature. I was very fortunate to have the opportunity to spend nights in the desert in the north of Mexico eating peyote and also to visit a Huichol community. The way they greeted me made me feel like a member of their family. They were extremely welcoming and hospitable. I think that is my strongest connection with my ancestors and also with indigenous cultures that are struggling to survive and preserve their traditions. My experiences in the desert are memories that I continuously want to represent. For me, it is a way to revive what happened, to be there once again. The universe, the stars, the wild nature, the infinite space, the opportunity to feel like an animal and not a human being… all of that are things that inspire me.

In your photographs we see that you give striking colors to some of your artworks, is there any particular reason for that? We also notice that “maternity” is a recurrent subject of yours; can you explain more about that? 

Truth be told, the subject of motherhood is a very recent one. Basically, I am representing my sexual energy in which my pregnancy is the crucial moment. The series Concepción, Pregnancia y Alumbro (Conception, Pregnancy and Give Birth) encloses images that I created before, during and after my pregnancy. I used drawing as a way to prepare myself to give birth. It was the only way I was able to face my fears, to visualize the experience of birth and to gain some peacefulness.

I use fluorescent colors because they are striking and eye-catching. Besides, they are the colors that represent the energy inside me when I paint. Most of the times when I am painting, I am holding a chaotic energy. I work with vivid colors because through them I can express strong emotions like excitement, stress or anger; but also happiness, love, and surprise.

What has been the most gratifying project you have participated in? What are your future projects?

I think that “Teatro de los Sentidos” (Theater of Senses) has been the most satisfactory project I have ever participated in. It is a unique theater company in the world. Their plays are extensive crossroads in which the spectator becomes a traveler and main character and is called “habitante” (resident). It is a completely different way to make theater and to experience it. As an habitante, one must disappear and act with utmost subtlety. You learn to work with two basic elements: silence and darkness. My experience in the play called “El Mundo al Revés” (The World Upside Down) with other Mexican artists, was absolutely life-changing. We fell in love with this new way of making theater and we continue to experiment with the company Los Habitantes. Today, their project is actively working and it is called El Origen.

I believe the future will bring new music and live-playing experiences. Together with Jonathan Ramirez I created Neo Paganos. We have played for several years and I think it is time to record our songs and upload them to the Internet. I also want to continue painting and to increase the size of my artworks. Those are my main plans for next year.

We thank Gabitsiki for this great interview.

More information on Gabitsiki here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

“The universe, the stars, the wild nature, the infinite space, the opportunity to feel like an animal and not a human being… all of that are things that inspire me” - Gabitsiki

Meet Gabitsiki in this exclusive interview for Saketekilla*.

Could you please tell us a bit about yourself? Where do you come from? 

I was born in Torreon, Coahuila and after that I moved to Monterrey, Nuevo Leon. I studied Visual Arts at U.A.N.L. and I have two diplomas, one in Alternative Therapy at U.A.A.A.N. and the other in Art Therapy at UAM Xochimilco. The first trip I did to Amsterdam was with my family when I was 15 years old. That experience changed my perception of the world and since then I knew that I had to come back.

Why did you choose the name Gabitsiki? 

It is a way to make my name smaller. Gabi is a diminutive of Gabriela and Gabitsiki is even smaller. People have always thought I am younger than I really am; they sometimes see me as a little girl, so I decided to make the most of it.

In your Facebook page we can see that your creative work includes several disciplines and techniques, like photography, different kinds of painting and drawing, and even some poetry. How do you choose the technique and nature of your next artwork? Can you tell us about your creative process?

The idea simply comes to my mind. For example, writing is a reaction to the words I hear in my head. It is as if I am listening to a voice and answering it. I paint when an image is also inside my mind. Sometimes when I try to represent that image the form changes, but at the end, it is a form that is always evolving. Photography is unpredictable. There are days in which I take a lot of pictures and I feel that I need to appreciate my environment and my own perception of it. My creative process starts when I am “not creating” anything; when I am only thinking and looking, imagining and wishing. This feeling accumulates until I choose the materials and begin to work. My first encounter with them is like a fight, an explosion. It is only when my mind and body settle down that I start to define my strokes.

How would you define your style? 

Naïve Oneiric / Brut... or something like that  (laughs).

(Naïve – also known as “child-like art” because of the use of strong colors, spontaneity and lack of perspective. Oneiric – related to dreams. Brut – a term used in the mid-1940s to designate the art that was not considered “traditional”).

In your website you also mention that you are a performer and an art therapy facilitator. Could you please tell us more about that? 

Music has always been my second strongest passion; sometimes I believe it is my first one. However, it has taken me more time and effort to express myself through it. Some of the reasons are because it challenges me more; it requires a more direct communication with myself and people around me. My previous performances have been inner quests to heal my soul from pain and from fear to express myself. I have challenged myself in front of the public and I promised that I wouldn’t perform in vain, but to pursuit that inner healing. It was at that moment that I knew that performance wouldn’t be my main way of expression, but it has given me the strength to stand on a stage. I guess that is part of the reason I was invited to participate in theater. I am not an actress but now I know how to actively collaborate with others to create new experiences.

Art and madness and art and health are associations that also passionate me, and both of them have taken me to explore psychiatry. I did my social service at the Psychiatry Unit of the University Hospital at U.A.N.L. and during that time I developed strong relationships with patients and staff members. At the end, I stayed for 2 years to work offering Art Therapy to children, teenagers and adults with different psychiatric conditions like depression, schizophrenia, eating disorders and bipolarity. This has been one of the most interesting and gratifying experiences of my life, but also an extremely difficult one due to the great responsibility that it entails.

What do you intent to express with your art? As a Mexican artist, how does your cultural heritage influence your work? What are your main sources of inspiration? 

I think that the way I use colors in my work is an aspect that has been strongly influenced by the art of the Wirrárika culture (better known as Huicholes). It is a style that I truly admire due to its unique beauty and sacred nature. I was very fortunate to have the opportunity to spend nights in the desert in the north of Mexico eating peyote and also to visit a Huichol community. The way they greeted me made me feel like a member of their family. They were extremely welcoming and hospitable. I think that is my strongest connection with my ancestors and also with indigenous cultures that are struggling to survive and preserve their traditions. My experiences in the desert are memories that I continuously want to represent. For me, it is a way to revive what happened, to be there once again. The universe, the stars, the wild nature, the infinite space, the opportunity to feel like an animal and not a human being… all of that are things that inspire me.

In your photographs we see that you give striking colors to some of your artworks, is there any particular reason for that? We also notice that “maternity” is a recurrent subject of yours; can you explain more about that? 

Truth be told, the subject of motherhood is a very recent one. Basically, I am representing my sexual energy in which my pregnancy is the crucial moment. The series Concepción, Pregnancia y Alumbro (Conception, Pregnancy and Give Birth) encloses images that I created before, during and after my pregnancy. I used drawing as a way to prepare myself to give birth. It was the only way I was able to face my fears, to visualize the experience of birth and to gain some peacefulness.

I use fluorescent colors because they are striking and eye-catching. Besides, they are the colors that represent the energy inside me when I paint. Most of the times when I am painting, I am holding a chaotic energy. I work with vivid colors because through them I can express strong emotions like excitement, stress or anger; but also happiness, love, and surprise.

What has been the most gratifying project you have participated in? What are your future projects?

I think that “Teatro de los Sentidos” (Theater of Senses) has been the most satisfactory project I have ever participated in. It is a unique theater company in the world. Their plays are extensive crossroads in which the spectator becomes a traveler and main character and is called “habitante” (resident). It is a completely different way to make theater and to experience it. As an habitante, one must disappear and act with utmost subtlety. You learn to work with two basic elements: silence and darkness. My experience in the play called “El Mundo al Revés” (The World Upside Down) with other Mexican artists, was absolutely life-changing. We fell in love with this new way of making theater and we continue to experiment with the company Los Habitantes. Today, their project is actively working and it is called El Origen.

I believe the future will bring new music and live-playing experiences. Together with Jonathan Ramirez I created Neo Paganos. We have played for several years and I think it is time to record our songs and upload them to the Internet. I also want to continue painting and to increase the size of my artworks. Those are my main plans for next year.

We thank Gabitsiki for this great interview.

More information on Gabitsiki here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicada en Ámsterdam, Holanda, Gabriela Ávalos, también conocida como Gabitsiki, es una artista visual, intérprete y terapeuta mexicana decida a unir lo mejor de su pasión por la música y sus experiencias personales en sus eclécticas creaciones. Su llamativo trabajo está formado por fragmentos de sus experiencias con los Huicholes, sus encuentros con pacientes en una institución psiquiátrica e incluso su propio trayecto que la llevó a convertirse en madre.

“El universo, las estrellas, la naturaleza salvaje, la inmensidad, el sentirse como un animal antes que humano. Todo esto son cosas que me inspiran” - Gabitsiki

Conoce a Gabitsiki en esta entrevista exclusiva con Saketekilla*.

¿Podrías por favor hablarnos un poco de ti? ¿De dónde vienes? 

Nací en Torreón, Coahuila y después me adoptaron como regia (Monterrey, Nuevo León.) Estudié Artes Visuales en la U.A.N.L. e hice dos diplomados, uno en Terapias Alternativas en la U.A.A.A.N. y uno en Arte Terapia impartido por la UAM Xochimilco. La primera vez que vine a Ámsterdam fue con mi familia cuando tenía 15 años. Ese viaje amplió mi forma de ver el mundo y desde entonces supe que tenía que volver.

¿Por qué elegiste el nombre Gabitsiki?

Es una forma de hacer mi nombre más pequeño. Gabi es un diminutivo de Gabriela y Gabitsiki es aún más pequeño. Siempre he representado menos edad; la gente me ha percibido como una niña,  así que decidí acentuarlo.

En tu página de Facebook vemos que tu trabajo abarca distintas disciplinas y técnicas artísticas, como fotografía, diversos tipos de pintura y dibujo e incluso un poco de poesía. ¿De qué manera escoges la técnica y la naturaleza de tu siguiente trabajo? ¿Podrías hablarnos de tu proceso creativo?

La idea simplemente aparece en mi mente. Por ejemplo, cuando escribo algo es porque empiezo a escucharlo en mi mente; es como una voz que escucho y a la que voy respondiendo. Cuando pinto es porque me llega una idea en forma de imagen. Al momento de tratar de reproducirla sale algo diferente, pero es una forma que va evolucionando. La fotografía es circunstancial. Tengo periodos en que tomo muchas fotos cada día; es como una forma de apreciar mi entorno inmediato y ampliar mi percepción sobre él. Mi proceso creativo viene de un periodo de reposo en el que no estoy "creando" nada. Solo estoy pensando y observando, imaginando y deseando. Esto se va acumulando hasta que empieza el proceso en que voy tomando los materiales; el primer encuentro con ellos es un desencanto, una lucha, una explosión. Después mi cuerpo y mi mente se van calmando y empiezo a depurar mi trazo.

¿Cómo definirías tu estilo?

Naive Onírico / Bruto ... o algo así (risas).

(Naive – denominado en ocasiones “arte infantil” por el uso de fuertes colores, espontaneidad y falta de perspectiva. Onírico – relacionado a los sueños. Bruto – término utilizado durante la década de los 40s para referirse a un arte fuera de lo “tradicional”.

En tu página también mencionas que eres una artista intérprete y una facilitadora de terapia artística. ¿Podrías hablarnos más al respecto? 

La música siempre ha sido mi segundo amor, aunque a veces pienso que el primero. Pero me ha tomado más tiempo comenzar a expresarme en ese medio porque me confronta más, me pone en una comunicación más directa conmigo misma y con los demás. Las interpretaciones que he realizado han sido una búsqueda ritual para curar mi alma del sufrimiento pasado y el miedo a expresarme. Me he puesto en situaciones límite con el público y me prometí que no haría interpretaciones a la ligera, sino solamente para lograr esa búsqueda espiritual de curación. En ese momento supe que la interpretación no sería mi medio, sin embargo, me ha dado la seguridad para pisar un escenario. Supongo que por eso después me invitaron a participar en proyectos de teatro. No soy actriz, pero sé estar presente para crear activamente con los demás.

Mi fascinación por la relación entre el arte y locura y el arte y la sanación me llevan a lo psiquiátrico. Realicé mi servicio social en la Unidad de Psiquiatría del Hospital Universitario de la U.A.N.L. y durante ese tiempo me integré muy bien tanto con los pacientes como con el personal de enfermería. Finalmente me quedé trabajando por 2 años, realizando la actividad de Arte Terapia con niños, adolescentes y adultos diagnosticados con diferentes padecimientos psiquiátricos como depresión, esquizofrenia, bi-polaridad, desórdenes alimenticios, etc. Ésta ha sido una de las experiencias más interesantes y gratificantes de mi vida, pero también un trabajo sumamente difícil que conlleva mucha, mucha responsabilidad.

¿Qué es lo que buscas expresar con tus distintas formas de arte? Como artista mexicana, ¿de qué manera tu herencia cultural influencia tu trabajo? ¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración? 

Pienso que la manera en que utilizo el color está muy influenciada por el arte de la cultura Wirrárika (mejor conocidos como Huicholes). Es un trabajo que admiro bastante por ser de una belleza única y porque además es un arte sagrado. Tuve la gran fortuna de poder pasar noches en el desierto del norte de México comiendo peyote y también de poder estar en una comunidad Huichol. La forma en que me recibieron me hizo sentir como un miembro de su familia. La gente fue sumamente hospitalaria. Creo que esa es mi mayor conexión con mis antepasados y que me acerca también a las culturas indígenas que se encuentran resistiendo para preservar sus tradiciones. Mis experiencias en el desierto son algo que constantemente quiero recrear, porque al hacerlo es como estar nuevamente ahí. El universo, las estrellas, la naturaleza salvaje, la inmensidad, el sentirse como un animal antes que humano. Todo esto son cosas que me inspiran.

En tus fotografías podemos ver que en ocasiones utilizas colores llamativos para dar vida a tus creaciones, ¿hay alguna razón en particular para eso? También notamos que el tema de la maternidad es recurrente en tus obras, ¿podrías explicar más al respecto?

A decir verdad, el tema de la maternidad es un asunto reciente. Más que nada, estoy representando mi energía sexual, siendo mi embarazo un momento culminante de ésta. La serie Concepción, Pregnancia y Alumbro contiene las imágenes que produje en el periodo previo, durante y posterior a mi embarazo. Una de las formas en que me preparé mentalmente para el parto fue dibujando, así podía encontrarme con mis miedos, visualizar la experiencia del nacimiento y darme serenidad.

Utilizo colores fosforescentes porque son estridentes, saltan a la vista, y son el color que representa la energía que siento cuando pinto. Cuando me acerco a la pintura la mayoría de las veces tengo una energía caótica. Los colores llamativos me sirven para expresar emociones fuertes como excitación, estrés o enojo, pero también felicidad, amor, enamoramiento y sorpresa.

¿Cuál ha sido el proyecto más satisfactorio en el que has participado? ¿Qué te depara el futuro? 

Yo creo que en cierta forma ha sido "Teatro de los Sentidos". Es una compañía de teatro única en el mundo. Sus obras son grandes laberintos donde el espectador se convierte en un viajero protagonista de la historia y a los actores se les llama habitantes. Es una forma diferente de hacer teatro y de vivirlo; como habitante de la obra tienes que desaparecer, ser muy sutil. El silencio y la penumbra son dos elementos básicos con los que aprendes a trabajar. Tuve la oportunidad de habitar en la obra "El mundo al revés" junto con otro grupo de artistas mexicanos. La experiencia resultó transformadora. Nos enamoramos de esta forma de hacer teatro y posteriormente seguimos experimentando con la compañía Los Habitantes. Actualmente el proyecto que está activo con actores mexicanos  se llama El Origen.

Yo creo que lo que sigue es hacer música y tocar en vivo. Junto con Jonathan Ramírez somos los Neo Paganos. Hemos estado tocando ya por algunos años y creo que es hora de grabar esas canciones y subirlas a la red. También quiero seguir pintando y ampliar el formato de mis obras. Básicamente esos son mis planes para el próximo año.

Agradecemos a Gabitsiki por esta magnífica entrevista.

Más información sobre Gabitsiki aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Ubicada en Ámsterdam, Holanda, Gabriela Ávalos, también conocida como Gabitsiki, es una artista visual, intérprete y terapeuta mexicana decida a unir lo mejor de su pasión por la música y sus experiencias personales en sus eclécticas creaciones. Su llamativo trabajo está formado por fragmentos de sus experiencias con los Huicholes, sus encuentros con pacientes en una institución psiquiátrica e incluso su propio trayecto que la llevó a convertirse en madre.

“El universo, las estrellas, la naturaleza salvaje, la inmensidad, el sentirse como un animal antes que humano. Todo esto son cosas que me inspiran” - Gabitsiki

Conoce a Gabitsiki en esta entrevista exclusiva con Saketekilla*.

¿Podrías por favor hablarnos un poco de ti? ¿De dónde vienes? 

Nací en Torreón, Coahuila y después me adoptaron como regia (Monterrey, Nuevo León.) Estudié Artes Visuales en la U.A.N.L. e hice dos diplomados, uno en Terapias Alternativas en la U.A.A.A.N. y uno en Arte Terapia impartido por la UAM Xochimilco. La primera vez que vine a Ámsterdam fue con mi familia cuando tenía 15 años. Ese viaje amplió mi forma de ver el mundo y desde entonces supe que tenía que volver.

¿Por qué elegiste el nombre Gabitsiki?

Es una forma de hacer mi nombre más pequeño. Gabi es un diminutivo de Gabriela y Gabitsiki es aún más pequeño. Siempre he representado menos edad; la gente me ha percibido como una niña,  así que decidí acentuarlo.

En tu página de Facebook vemos que tu trabajo abarca distintas disciplinas y técnicas artísticas, como fotografía, diversos tipos de pintura y dibujo e incluso un poco de poesía. ¿De qué manera escoges la técnica y la naturaleza de tu siguiente trabajo? ¿Podrías hablarnos de tu proceso creativo?

La idea simplemente aparece en mi mente. Por ejemplo, cuando escribo algo es porque empiezo a escucharlo en mi mente; es como una voz que escucho y a la que voy respondiendo. Cuando pinto es porque me llega una idea en forma de imagen. Al momento de tratar de reproducirla sale algo diferente, pero es una forma que va evolucionando. La fotografía es circunstancial. Tengo periodos en que tomo muchas fotos cada día; es como una forma de apreciar mi entorno inmediato y ampliar mi percepción sobre él. Mi proceso creativo viene de un periodo de reposo en el que no estoy "creando" nada. Solo estoy pensando y observando, imaginando y deseando. Esto se va acumulando hasta que empieza el proceso en que voy tomando los materiales; el primer encuentro con ellos es un desencanto, una lucha, una explosión. Después mi cuerpo y mi mente se van calmando y empiezo a depurar mi trazo.

¿Cómo definirías tu estilo?

Naive Onírico / Bruto ... o algo así (risas).

(Naive – denominado en ocasiones “arte infantil” por el uso de fuertes colores, espontaneidad y falta de perspectiva. Onírico – relacionado a los sueños. Bruto – término utilizado durante la década de los 40s para referirse a un arte fuera de lo “tradicional”.

En tu página también mencionas que eres una artista intérprete y una facilitadora de terapia artística. ¿Podrías hablarnos más al respecto? 

La música siempre ha sido mi segundo amor, aunque a veces pienso que el primero. Pero me ha tomado más tiempo comenzar a expresarme en ese medio porque me confronta más, me pone en una comunicación más directa conmigo misma y con los demás. Las interpretaciones que he realizado han sido una búsqueda ritual para curar mi alma del sufrimiento pasado y el miedo a expresarme. Me he puesto en situaciones límite con el público y me prometí que no haría interpretaciones a la ligera, sino solamente para lograr esa búsqueda espiritual de curación. En ese momento supe que la interpretación no sería mi medio, sin embargo, me ha dado la seguridad para pisar un escenario. Supongo que por eso después me invitaron a participar en proyectos de teatro. No soy actriz, pero sé estar presente para crear activamente con los demás.

Mi fascinación por la relación entre el arte y locura y el arte y la sanación me llevan a lo psiquiátrico. Realicé mi servicio social en la Unidad de Psiquiatría del Hospital Universitario de la U.A.N.L. y durante ese tiempo me integré muy bien tanto con los pacientes como con el personal de enfermería. Finalmente me quedé trabajando por 2 años, realizando la actividad de Arte Terapia con niños, adolescentes y adultos diagnosticados con diferentes padecimientos psiquiátricos como depresión, esquizofrenia, bi-polaridad, desórdenes alimenticios, etc. Ésta ha sido una de las experiencias más interesantes y gratificantes de mi vida, pero también un trabajo sumamente difícil que conlleva mucha, mucha responsabilidad.

¿Qué es lo que buscas expresar con tus distintas formas de arte? Como artista mexicana, ¿de qué manera tu herencia cultural influencia tu trabajo? ¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración? 

Pienso que la manera en que utilizo el color está muy influenciada por el arte de la cultura Wirrárika (mejor conocidos como Huicholes). Es un trabajo que admiro bastante por ser de una belleza única y porque además es un arte sagrado. Tuve la gran fortuna de poder pasar noches en el desierto del norte de México comiendo peyote y también de poder estar en una comunidad Huichol. La forma en que me recibieron me hizo sentir como un miembro de su familia. La gente fue sumamente hospitalaria. Creo que esa es mi mayor conexión con mis antepasados y que me acerca también a las culturas indígenas que se encuentran resistiendo para preservar sus tradiciones. Mis experiencias en el desierto son algo que constantemente quiero recrear, porque al hacerlo es como estar nuevamente ahí. El universo, las estrellas, la naturaleza salvaje, la inmensidad, el sentirse como un animal antes que humano. Todo esto son cosas que me inspiran.

En tus fotografías podemos ver que en ocasiones utilizas colores llamativos para dar vida a tus creaciones, ¿hay alguna razón en particular para eso? También notamos que el tema de la maternidad es recurrente en tus obras, ¿podrías explicar más al respecto?

A decir verdad, el tema de la maternidad es un asunto reciente. Más que nada, estoy representando mi energía sexual, siendo mi embarazo un momento culminante de ésta. La serie Concepción, Pregnancia y Alumbro contiene las imágenes que produje en el periodo previo, durante y posterior a mi embarazo. Una de las formas en que me preparé mentalmente para el parto fue dibujando, así podía encontrarme con mis miedos, visualizar la experiencia del nacimiento y darme serenidad.

Utilizo colores fosforescentes porque son estridentes, saltan a la vista, y son el color que representa la energía que siento cuando pinto. Cuando me acerco a la pintura la mayoría de las veces tengo una energía caótica. Los colores llamativos me sirven para expresar emociones fuertes como excitación, estrés o enojo, pero también felicidad, amor, enamoramiento y sorpresa.

¿Cuál ha sido el proyecto más satisfactorio en el que has participado? ¿Qué te depara el futuro? 

Yo creo que en cierta forma ha sido "Teatro de los Sentidos". Es una compañía de teatro única en el mundo. Sus obras son grandes laberintos donde el espectador se convierte en un viajero protagonista de la historia y a los actores se les llama habitantes. Es una forma diferente de hacer teatro y de vivirlo; como habitante de la obra tienes que desaparecer, ser muy sutil. El silencio y la penumbra son dos elementos básicos con los que aprendes a trabajar. Tuve la oportunidad de habitar en la obra "El mundo al revés" junto con otro grupo de artistas mexicanos. La experiencia resultó transformadora. Nos enamoramos de esta forma de hacer teatro y posteriormente seguimos experimentando con la compañía Los Habitantes. Actualmente el proyecto que está activo con actores mexicanos  se llama El Origen.

Yo creo que lo que sigue es hacer música y tocar en vivo. Junto con Jonathan Ramírez somos los Neo Paganos. Hemos estado tocando ya por algunos años y creo que es hora de grabar esas canciones y subirlas a la red. También quiero seguir pintando y ampliar el formato de mis obras. Básicamente esos son mis planes para el próximo año.

Agradecemos a Gabitsiki por esta magnífica entrevista.

Más información sobre Gabitsiki aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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December 24, 2014 - No Comments!

★ Binho Ribeiro (BR) | The Brazilian Side Of Graffiti

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Based in São Paulo, Binho Ribeiro is currently one of the most influential artistic figures and pioneers of the street art scene in Brazil. At a very young age he witnessed the exciting art of the graffiti and felt immediately drawn to its beauty and representation technique. Today, Ribeiro is the author of vibrant artworks depicting extraordinary 3D texts and different characters inspired by Brazilian wildlife and color. Throughout his career, he has created his flamboyant paintings in places like Paris, Tokyo, Los Angeles, Amsterdam, Beirut, Cape Town, Beijing and almost the entire Brazilian country.


[Ver artículo en español abajo]

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Fabio Luiz Santos Ribeiro, also known as Binho Ribeiro, is a passionate artist and one of the first ones to bring to life the art of the graffiti in Brazil. His career began in 1984 as a result of his experience as a break-dancer and skater. “It was natural for me to express myself through graffiti” he shared with Global Street Art. Other sources of great influence were also his acquaintances with urban artists Os Gemeos and Speto, who would go out to the streets and paint. Little by little, Binho’s graffiti artworks grew in creativity and technique and soon enough he was able to transition from the representation of characters to a fantastic depiction of letters. Nowadays, his humorous style is known worldwide for his balanced contrast of smooth strokes, colors and forms inspired on Brazilian elements.

Nevertheless, Ribeiro’s 3D graffiti letters, illustrations and comical characters are by far his unique interest. He also works to help people, create a better environment for society, and support the street art platform in Brazil. In recent years, he has organized and curated street art cultural events –like the International Biennial of Fine Art Graffiti at the MUBE museum (Museu Brasileiro de Esculturas / Brazilian Museum of Sculptures) - in the hopes of reuniting young artists, expose their work and expand the embellishment of Brazilian streets.

“In Brazil graffiti is an art that educates young people. In many places it is used as a force against crime and vandalism. People support us now and we do projects with a big impact, supported by companies and the government”. – Binho Ribeiro told Global Street Art

Brazil is a country where street art is turning into a way a life. Artists from all over the world travel to Brazilian lands to participate in this collective movement in which they create magnificent works of art in all types of cities and neighborhoods. There is no doubt that in a place with such a powerful source of inspiration and support, the imaginary art of Binho Ribeiro will continue to thrive.

More information on Binho Ribeiro here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Fabio Luiz Santos Ribeiro, also known as Binho Ribeiro, is a passionate artist and one of the first ones to bring to life the art of the graffiti in Brazil. His career began in 1984 as a result of his experience as a break-dancer and skater. “It was natural for me to express myself through graffiti” he shared with Global Street Art. Other sources of great influence were also his acquaintances with urban artists Os Gemeos and Speto, who would go out to the streets and paint. Little by little, Binho’s graffiti artworks grew in creativity and technique and soon enough he was able to transition from the representation of characters to a fantastic depiction of letters. Nowadays, his humorous style is known worldwide for his balanced contrast of smooth strokes, colors and forms inspired on Brazilian elements.

Nevertheless, Ribeiro’s 3D graffiti letters, illustrations and comical characters are by far his unique interest. He also works to help people, create a better environment for society, and support the street art platform in Brazil. In recent years, he has organized and curated street art cultural events –like the International Biennial of Fine Art Graffiti at the MUBE museum (Museu Brasileiro de Esculturas / Brazilian Museum of Sculptures) - in the hopes of reuniting young artists, expose their work and expand the embellishment of Brazilian streets.

“In Brazil graffiti is an art that educates young people. In many places it is used as a force against crime and vandalism. People support us now and we do projects with a big impact, supported by companies and the government”. – Binho Ribeiro told Global Street Art

Brazil is a country where street art is turning into a way a life. Artists from all over the world travel to Brazilian lands to participate in this collective movement in which they create magnificent works of art in all types of cities and neighborhoods. There is no doubt that in a place with such a powerful source of inspiration and support, the imaginary art of Binho Ribeiro will continue to thrive.

More information on Binho Ribeiro here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Con residencia en São Paulo, Binho Ribeiro es en la actualidad uno de los pioneros y figuras artísticas más sobresalientes en el mundo del arte urbano en Brasil. A muy temprana edad fue testigo del no tan conocido arte del graffiti y desde entonces se sintió atraído por su belleza y técnica de representación. Hoy en día, Ribeiro es el creador de vibrantes obras de arte que expresan extraordinarios textos en tercera dimensión y diversos personajes cuya inspiración ha nacido de la fauna y los llamativos colores Brasileños. A lo largo de su carrera, Binho ha trabajado en lugares como París, Tokio, Los Ángeles, Ámsterdam, Beirut, Ciudad del Cabo, Beijing y casi todos los estados en Brasil.

Fabio Luiz Santos Ribeiro, también conocido como Binho Ribeiro, es un apasionado artista y uno de los primeros en iniciar el movimiento del arte urbano en Brasil. Su carrera comenzó en 1984 como resultado de sus experiencias como bailarín de break-dance y patinador. “Era natural para mi expresarme a través del graffiti” comentó con Global Street Art. Otras fuentes de inspiración fueron a su vez su amistad con los artistas urbanos Os Gemeos y Speto, con quienes solía salir a las calles a pintar. Poco a poco, los graffitis hechos por Binho evolucionaron en creatividad y técnica y muy pronto fue capaz de crear no solamente personajes sino también fantásticas letras y textos. En la actualidad su estilo lleno de humor es conocido a nivel internacional por su excelente balance de contrastes de líneas suaves, colores y formas inspiradas en elementos Brasileños.

Sin embargo, los graffitis, letras, ilustraciones y cómicos personajes creados por Ribeiro están lejos de ser su único interés. También trabaja para ayudar a la gente, crear un mejor ambiente para la sociedad y apoyar la plataforma del arte urbano en Brasil. En los últimos años, Binho ha sido el organizador y curador de diversos eventos culturales -como el International Biennial of Fine Art Graffiti at the MUBE museum (Museu Brasileiro de Esculturas / Museo Brasileño de Esculturas)- con la esperanza de reunir a artistas jóvenes, exponer su trabajo y expandir la decoración en las calles del país.

“En Brasil el graffiti es un arte que educa a personas jóvenes. En muchos lugares es usado como un arma en contra del crimen y el vandalismo. La gente nos apoya ahora y nosotros creamos proyectos con un gran impacto, muchas veces con el apoyo de diferentes compañías y del gobierno”. Binho Ribeiro dijo a Global Street Art

Brasil es un país donde el arte urbano es una forma de vida. Artistas de todas partes del mundo viajan a las tierras del país sudamericano para participar en este gran movimiento colectivo en donde son capaces de decorar todo tipo de ciudades y vecindarios. No cabe duda de que en un lugar con fuente de inspiración tan grande y un apoyo incondicional, el imaginario arte de Binho Ribeiro continuará prosperando.

Más información sobre Binho Ribeiro aquí.

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Con residencia en São Paulo, Binho Ribeiro es en la actualidad uno de los pioneros y figuras artísticas más sobresalientes en el mundo del arte urbano en Brasil. A muy temprana edad fue testigo del no tan conocido arte del graffiti y desde entonces se sintió atraído por su belleza y técnica de representación. Hoy en día, Ribeiro es el creador de vibrantes obras de arte que expresan extraordinarios textos en tercera dimensión y diversos personajes cuya inspiración ha nacido de la fauna y los llamativos colores Brasileños. A lo largo de su carrera, Binho ha trabajado en lugares como París, Tokio, Los Ángeles, Ámsterdam, Beirut, Ciudad del Cabo, Beijing y casi todos los estados en Brasil.

Fabio Luiz Santos Ribeiro, también conocido como Binho Ribeiro, es un apasionado artista y uno de los primeros en iniciar el movimiento del arte urbano en Brasil. Su carrera comenzó en 1984 como resultado de sus experiencias como bailarín de break-dance y patinador. “Era natural para mi expresarme a través del graffiti” comentó con Global Street Art. Otras fuentes de inspiración fueron a su vez su amistad con los artistas urbanos Os Gemeos y Speto, con quienes solía salir a las calles a pintar. Poco a poco, los graffitis hechos por Binho evolucionaron en creatividad y técnica y muy pronto fue capaz de crear no solamente personajes sino también fantásticas letras y textos. En la actualidad su estilo lleno de humor es conocido a nivel internacional por su excelente balance de contrastes de líneas suaves, colores y formas inspiradas en elementos Brasileños.

Sin embargo, los graffitis, letras, ilustraciones y cómicos personajes creados por Ribeiro están lejos de ser su único interés. También trabaja para ayudar a la gente, crear un mejor ambiente para la sociedad y apoyar la plataforma del arte urbano en Brasil. En los últimos años, Binho ha sido el organizador y curador de diversos eventos culturales -como el International Biennial of Fine Art Graffiti at the MUBE museum (Museu Brasileiro de Esculturas / Museo Brasileño de Esculturas)- con la esperanza de reunir a artistas jóvenes, exponer su trabajo y expandir la decoración en las calles del país.

“En Brasil el graffiti es un arte que educa a personas jóvenes. En muchos lugares es usado como un arma en contra del crimen y el vandalismo. La gente nos apoya ahora y nosotros creamos proyectos con un gran impacto, muchas veces con el apoyo de diferentes compañías y del gobierno”. Binho Ribeiro dijo a Global Street Art

Brasil es un país donde el arte urbano es una forma de vida. Artistas de todas partes del mundo viajan a las tierras del país sudamericano para participar en este gran movimiento colectivo en donde son capaces de decorar todo tipo de ciudades y vecindarios. No cabe duda de que en un lugar con fuente de inspiración tan grande y un apoyo incondicional, el imaginario arte de Binho Ribeiro continuará prosperando.

Más información sobre Binho Ribeiro aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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December 3, 2014 - No Comments!

★ Iris Van Herpen (NE) | A Future Of Sculptural Fashion

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Always surrounded by multi-disciplinary artists and scientists, Dutch fashion designer Iris Van Herpen creates enigmatic garments made out of brand-new materials, innovative technologies and eclectic manufacture techniques. Her bizarre inspiration, futuristic style and unusual fabrication process have made her designs attractive to eccentric celebrities like Björk, Lady Gaga and Beyoncé.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Native from the town of Wamel in The Netherlands, 30-year-old Iris Van Herpen has rapidly positioned herself as one of the most transcendental fashion designers in the international couture industry. With a background in Fashion Design at the Artez Institute of the Arts in Arnhem and internships at Alexander McQueen in London and Claudy Jongstra in Amsterdam, Van Herpen’s futuristic style has become her most fascinating trademark.

Since the conception of her label in 2007, Van Herpen’s collections have been characterized by their fictional style, which is only achieved through the hard work of a multi-disciplinary team. A professional group of artists, architects, photographers, dancers, musicians, and scientists, to mention just a few, work together to manufacture entirely new materials, forms and structures that can jointly become a medium of a woman’s self-expression.

“For me fashion is an expression of art that is very close related to me and to my body. I see it as my expression of identity combined with desire, moods and cultural setting. In all my work I try to make clear that fashion is an artistic expression, showing and wearing art, and not just a functional and devoid of content or commercial tool.” – Shared Iris Van Herpen on her website.

With no specific design laid out, Iris Van Herpen starts the creative process of each garment with only a vision in her mind that she explains to her co-workers. Such idea develops into unexpected features as the fabrication procedure progresses. The final piece is a masterful combination of a diligent craftsmanship and exclusive production techniques – particularly 3D printing, injection molding, and laser cutting- which give the clothing a sculpture-like appearance that remarkably adapts to the body’s movement.

Among her most remarkable collections are her Autumn/Winter 2014 exhibition "Biopiracy", in which her models were suspended in a fetus-like position within a vacuumed plastic installation wearing gleaming dresses; “Crystallization”, a digitally printed collection of garments based on the transformation of liquids into crystals; “Mummification”, a couture collection based on the Egyptian mummies and their wrapping practices; and her Spring/Summer 2015 exhibition titled "Magnetic Motion", which depicts magnetic clothing inspiried by the fusion of technology and nature.

With a strong passion for dancing and other creative disciplines, like painting and sculpting, Iris Van Herpen continues to create beautiful and elusive garments. She never lets that ordinary fabrics limit her creativity and point out how far she can go with her designs. For her, anything is possible within the realm of fashion.

More information on Iris Van Herpen here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Native from the town of Wamel in The Netherlands, 30-year-old Iris Van Herpen has rapidly positioned herself as one of the most transcendental fashion designers in the international couture industry. With a background in Fashion Design at the Artez Institute of the Arts in Arnhem and internships at Alexander McQueen in London and Claudy Jongstra in Amsterdam, Van Herpen’s futuristic style has become her most fascinating trademark.

Since the conception of her label in 2007, Van Herpen’s collections have been characterized by their fictional style, which is only achieved through the hard work of a multi-disciplinary team. A professional group of artists, architects, photographers, dancers, musicians, and scientists, to mention just a few, work together to manufacture entirely new materials, forms and structures that can jointly become a medium of a woman’s self-expression.

“For me fashion is an expression of art that is very close related to me and to my body. I see it as my expression of identity combined with desire, moods and cultural setting. In all my work I try to make clear that fashion is an artistic expression, showing and wearing art, and not just a functional and devoid of content or commercial tool.” – Shared Iris Van Herpen on her website.

With no specific design laid out, Iris Van Herpen starts the creative process of each garment with only a vision in her mind that she explains to her co-workers. Such idea develops into unexpected features as the fabrication procedure progresses. The final piece is a masterful combination of a diligent craftsmanship and exclusive production techniques – particularly 3D printing, injection molding, and laser cutting- which give the clothing a sculpture-like appearance that remarkably adapts to the body’s movement.

Among her most remarkable collections are her Autumn/Winter 2014 exhibition "Biopiracy", in which her models were suspended in a fetus-like position within a vacuumed plastic installation wearing gleaming dresses; “Crystallization”, a digitally printed collection of garments based on the transformation of liquids into crystals; “Mummification”, a couture collection based on the Egyptian mummies and their wrapping practices; and her Spring/Summer 2015 exhibition titled "Magnetic Motion", which depicts magnetic clothing inspiried by the fusion of technology and nature.

With a strong passion for dancing and other creative disciplines, like painting and sculpting, Iris Van Herpen continues to create beautiful and elusive garments. She never lets that ordinary fabrics limit her creativity and point out how far she can go with her designs. For her, anything is possible within the realm of fashion.

More information on Iris Van Herpen here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Rodeada continuamente por científicos y artistas provenientes de distintas disciplinas, la diseñadora de modas holandesa Iris Van Herpen se dedica a crear enigmáticas prendas de vestir a partir de innovadores materiales y tecnologías y eclécticas técnicas de producción. Sus vanguardistas diseños son el resultado de una extraña fuente inspiración, un estilo futurista y un inusual proceso creativo que han atraído a excéntricas celebridades como Björk, Lady Gaga y Beyoncé.

Proveniente de la ciudad de Wamel, Holanda y con tan solo 30 años de edad, Iris Van Herpen se ha posicionado rápidamente como una de las más trascendentales diseñadoras de moda en la industria internacional de alta costura. Estudió Diseño de Modas en el Artez Institute of the Arts en Arnhem y adquirió experiencia en las casas de moda Alexander McQueen en Londres y Claudy Jongstra en Ámsterdam. Su innovador estilo la ha diferenciado del resto desde la concepción de su marca en el año 2007.

Desde sus inicios, las colecciones de Van Herpen se han distinguido por su magnífico estilo de naturaleza ficticia el cual es logrado gracias a un arduo trabajo de equipo. Artistas, arquitectos, fotógrafos, bailarines, músicos y científicos profesionales –entre otros- trabajan en conjunto para crear materiales, formas y estructuras completamente nuevas que al unirse sean capaces de formar un medio de expresión para la mujer que los viste.

“Para mí, la moda es una expresión del arte que se relaciona directamente conmigo y con mi cuerpo. La veo como una expresión de identidad combinada con deseo, carácter y ambiente cultural. En todos mis diseños trato de dejar en claro que la moda –el mostrarla y el vestirla- es una forma de expresión artística y no una herramienta comercial sin significado.” – Iris Van Herpen comenta en su página de Internet.

El proceso creativo de la diseñadora holandesa es una experiencia totalmente diferente. Comienza la fabricación de cada prenda únicamente con una idea/imagen en su mente, la cual comparte con su equipo de trabajo y toma formas inesperadas conforme el proceso se desarrolla. La pieza final se convierte en una magnífica combinación de trabajo artesanal y técnicas de producción exclusivas -como impresión en 3D, moldeado por inyección y cortes con láser- las cuales dan al vestido una apariencia escultórica que de manera notable se adapta al movimiento del cuerpo.

Entre sus colecciones más sobresalientes se encuentran su exhibición de Otoño/Invierno 2014 "Biopiracy", en la cual sus modelos vistieron brillantes vestidos y fueron suspendidas en posición fetal en una instalación plástica a la que se le extrajo el aire; “Cristalización”, prendas impresas en 3D inspirada en la transformación de líquidos en cristales; “Mummification”, una colección basada en las momias egipcias y sus prácticas de envoltura; y su exhibición Primavera/Verano 2015 titulada "Magnetic Motion", la cual presenta vestidos fabricados con imanes y está inspirada en la fusión de la tecnoloía y la naturaleza.

Apasionada por el baile y otras disciplinas creativas, como la pintura y la escultura, Iris van Herpen continua creando sorprendentes prendas de alta costura. Jamás permite que lo ordinario de un material textil la limite y le indique hasta dónde puede llegar como diseñadora. Para ella, todo es posible dentro del mundo de la moda.

Más información sobre Iris Van Herpen aquí.

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Rodeada continuamente por científicos y artistas provenientes de distintas disciplinas, la diseñadora de modas holandesa Iris Van Herpen se dedica a crear enigmáticas prendas de vestir a partir de innovadores materiales y tecnologías y eclécticas técnicas de producción. Sus vanguardistas diseños son el resultado de una extraña fuente inspiración, un estilo futurista y un inusual proceso creativo que han atraído a excéntricas celebridades como Björk, Lady Gaga y Beyoncé.

Proveniente de la ciudad de Wamel, Holanda y con tan solo 30 años de edad, Iris Van Herpen se ha posicionado rápidamente como una de las más trascendentales diseñadoras de moda en la industria internacional de alta costura. Estudió Diseño de Modas en el Artez Institute of the Arts en Arnhem y adquirió experiencia en las casas de moda Alexander McQueen en Londres y Claudy Jongstra en Ámsterdam. Su innovador estilo la ha diferenciado del resto desde la concepción de su marca en el año 2007.

Desde sus inicios, las colecciones de Van Herpen se han distinguido por su magnífico estilo de naturaleza ficticia el cual es logrado gracias a un arduo trabajo de equipo. Artistas, arquitectos, fotógrafos, bailarines, músicos y científicos profesionales –entre otros- trabajan en conjunto para crear materiales, formas y estructuras completamente nuevas que al unirse sean capaces de formar un medio de expresión para la mujer que los viste.

“Para mí, la moda es una expresión del arte que se relaciona directamente conmigo y con mi cuerpo. La veo como una expresión de identidad combinada con deseo, carácter y ambiente cultural. En todos mis diseños trato de dejar en claro que la moda –el mostrarla y el vestirla- es una forma de expresión artística y no una herramienta comercial sin significado.” – Iris Van Herpen comenta en su página de Internet.

El proceso creativo de la diseñadora holandesa es una experiencia totalmente diferente. Comienza la fabricación de cada prenda únicamente con una idea/imagen en su mente, la cual comparte con su equipo de trabajo y toma formas inesperadas conforme el proceso se desarrolla. La pieza final se convierte en una magnífica combinación de trabajo artesanal y técnicas de producción exclusivas -como impresión en 3D, moldeado por inyección y cortes con láser- las cuales dan al vestido una apariencia escultórica que de manera notable se adapta al movimiento del cuerpo.

Entre sus colecciones más sobresalientes se encuentran su exhibición de Otoño/Invierno 2014 "Biopiracy", en la cual sus modelos vistieron brillantes vestidos y fueron suspendidas en posición fetal en una instalación plástica a la que se le extrajo el aire; “Cristalización”, prendas impresas en 3D inspirada en la transformación de líquidos en cristales; “Mummification”, una colección basada en las momias egipcias y sus prácticas de envoltura; y su exhibición Primavera/Verano 2015 titulada "Magnetic Motion", la cual presenta vestidos fabricados con imanes y está inspirada en la fusión de la tecnoloía y la naturaleza.

Apasionada por el baile y otras disciplinas creativas, como la pintura y la escultura, Iris van Herpen continua creando sorprendentes prendas de alta costura. Jamás permite que lo ordinario de un material textil la limite y le indique hasta dónde puede llegar como diseñadora. Para ella, todo es posible dentro del mundo de la moda.

Más información sobre Iris Van Herpen aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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November 5, 2014 - No Comments!

★ Lord Whitney (UK) | The New Face Of Northern Talent

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in a newly redesigned studio just outside the city center of Leeds, England, and having adopted a new flashy branding look, creative duo Amy Lord and Rebekah Whitney –Lord Whitney- keep up their excellent work producing high-quality projects with their characteristic inventiveness used since their partnership in 2009.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Known as an eccentric and cutting-edge creative duo specialized in set design, art direction and prop making, Lord Whitney chose to remodel its studio –a former leather mill- and turn it into a friendly, warm and spacious environment that all people can enjoy. Amy and Rebekah greet customers, visitors and friends in an idyllic workplace that now includes a new kitchen, a workshop, a meeting area and a Treehouse studio space.

Their purpose is to make of the renewed location a place that can help stimulate, motivate and support emerging artists – especially from Leeds- to meet and exhibit their work. Lord Whitney also wants the studio to become a graduate center where volunteer and internship programs are offered to people in general and where talks, events and workshops can be hosted.

“We do often work in London, but to us that isn't a problem, we have a lovely big studio where we can make everything and we can be in London in 2 hours if we need to be! We are passionate about retaining talent in the North, and not a lot would happen here if everybody decided to leave”. – Lord Whitney told Awesome Merch

In this time of change, Lord Whitney’s brand also suffered a makeover. Passport is the design studio behind their new branding look and Prints of Thieves is the print service responsible for their original bussiness cards.

However, not only has the studio’s image continued evolving. Their flamboyant ideas also keep turning into remarkable different ventures. Among their latest ones is their fashion film for Cartier's new jewellery collection “Juste un Clou”, in which Lord Whitney designed the concept, created the sets and was in charge of the art directing process. The studio also organized the project “Playing Faces” at the V&A Museum in London, where people could visit and create their own portraits on the spot using Lord Whitney’s photo booth.

The Wood Beneath the World” is their next collaboration with Leeds Town Hall coming in winter 2014. Stay tuned!

More information on Lord Whitney here.

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Known as an eccentric and cutting-edge creative duo specialized in set design, art direction and prop making, Lord Whitney chose to remodel its studio –a former leather mill- and turn it into a friendly, warm and spacious environment that all people can enjoy. Amy and Rebekah greet customers, visitors and friends in an idyllic workplace that now includes a new kitchen, a workshop, a meeting area and a Treehouse studio space.

Their purpose is to make of the renewed location a place that can help stimulate, motivate and support emerging artists – especially from Leeds- to meet and exhibit their work. Lord Whitney also wants the studio to become a graduate center where volunteer and internship programs are offered to people in general and where talks, events and workshops can be hosted.

“We do often work in London, but to us that isn't a problem, we have a lovely big studio where we can make everything and we can be in London in 2 hours if we need to be! We are passionate about retaining talent in the North, and not a lot would happen here if everybody decided to leave”. – Lord Whitney told Awesome Merch

In this time of change, Lord Whitney’s brand also suffered a makeover. Passport is the design studio behind their new branding look and Prints of Thieves is the print service responsible for their original bussiness cards.

However, not only has the studio’s image continued evolving. Their flamboyant ideas also keep turning into remarkable different ventures. Among their latest ones is their fashion film for Cartier's new jewellery collection “Juste un Clou”, in which Lord Whitney designed the concept, created the sets and was in charge of the art directing process. The studio also organized the project “Playing Faces” at the V&A Museum in London, where people could visit and create their own portraits on the spot using Lord Whitney’s photo booth.

The Wood Beneath the World” is their next collaboration with Leeds Town Hall coming in winter 2014. Stay tuned!

More information on Lord Whitney here.

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Estrenando un nuevo look de marca y un estudio recientemente remodelado a las afueras del centro de la ciudad de Leeds en Inglaterra, Amy Lord y Rebekah Whitney –Lord Whitney- continúan su arduo trabajo produciendo proyectos de la más alta calidad con el toque de originalidad que las caracteriza desde su colaboración en 2009.

Conocido como un excéntrico dúo de vanguardia el cual se especializa en el diseño y elaboración de sets y dirección de arte, Lord Whitney decidió remodelar su estudio –antiguamente un molino de piel/cuero- y convertirlo en un espacio amplio, amigable y cálido que esté al alcance del público. Amy y Rebekah dan la bienvenida a clientes, visitantes y amigos en un magnífico ambiente de trabajo que ahora cuenta con una cocina nueva, un taller, un área de recibimiento y una casa de árbol que funge como estudio.

Su objetivo es hacer del nuevo ambiente un lugar capaz de estimular, motivar y apoyar a artistas emergentes –principalmente aquellos provenientes de Leeds- a que se reúnan y exhiban su trabajo sin limitaciones. A su vez, Lord Whitney desea que el estudio se convierta en un centro donde se ofrezcan programas de internship y voluntariado al público en general, y donde la gente pueda organizar pláticas, talleres y diversos eventos.

“Frecuentemente trabajamos en Londres, pero eso no es un problema, contamos con un agradable estudio donde podemos crear lo que queramos y ¡podemos estar en Londres en dos horas si es necesario! Nos apasiona el poder retener el talento que existe en el norte, ya que aquí no sucedería nada si todo el mundo decidiera irse”. - Lord Whitney compartió con Awesome Merch

Aprovechando la etapa de grandes cambios, Lord Whitney decidió también modificar su imagen. Passport es el estudio creativo que se encargó de crear su nueva identidad y el servicio de impresión Prints of Thieves fue el encargado de producir sus originales tarjetas personales.

Sin embargo, la imagen de dicho estudio creativo no es lo único que ha evolucionado. Las ideas de ambas artistas continúan convirtiéndose en los más extravagantes y extraños proyectos. Entre los más recientes se encuentran: el video para la colección “Juste un Clou” de la marca Cartier, donde Lord Whitney diseñó el concepto, creó los sets y estuvo a cargo de la dirección de arte; y su proyecto titulado “Playing Faces” el cual se llevó a cabo en el museo de Victoria y Alberto en Londres y donde la gente pudo acudir a la cabina fotográfica de Lord Whitney y crear su propio retrato.

The Wood Beneath the World” es su siguiente colaboración con el municipio de Leeds, un proyecto próximo a presentarse en el invierno del 2014. ¡No te lo pierdas!

Más información sobre Lord Whitney aquí.

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Estrenando un nuevo look de marca y un estudio recientemente remodelado a las afueras del centro de la ciudad de Leeds en Inglaterra, Amy Lord y Rebekah Whitney –Lord Whitney- continúan su arduo trabajo produciendo proyectos de la más alta calidad con el toque de originalidad que las caracteriza desde su colaboración en 2009.

Conocido como un excéntrico dúo de vanguardia el cual se especializa en el diseño y elaboración de sets y dirección de arte, Lord Whitney decidió remodelar su estudio –antiguamente un molino de piel/cuero- y convertirlo en un espacio amplio, amigable y cálido que esté al alcance del público. Amy y Rebekah dan la bienvenida a clientes, visitantes y amigos en un magnífico ambiente de trabajo que ahora cuenta con una cocina nueva, un taller, un área de recibimiento y una casa de árbol que funge como estudio.

Su objetivo es hacer del nuevo ambiente un lugar capaz de estimular, motivar y apoyar a artistas emergentes –principalmente aquellos provenientes de Leeds- a que se reúnan y exhiban su trabajo sin limitaciones. A su vez, Lord Whitney desea que el estudio se convierta en un centro donde se ofrezcan programas de internship y voluntariado al público en general, y donde la gente pueda organizar pláticas, talleres y diversos eventos.

“Frecuentemente trabajamos en Londres, pero eso no es un problema, contamos con un agradable estudio donde podemos crear lo que queramos y ¡podemos estar en Londres en dos horas si es necesario! Nos apasiona el poder retener el talento que existe en el norte, ya que aquí no sucedería nada si todo el mundo decidiera irse”. - Lord Whitney compartió con Awesome Merch

Aprovechando la etapa de grandes cambios, Lord Whitney decidió también modificar su imagen. Passport es el estudio creativo que se encargó de crear su nueva identidad y el servicio de impresión Prints of Thieves fue el encargado de producir sus originales tarjetas personales.

Sin embargo, la imagen de dicho estudio creativo no es lo único que ha evolucionado. Las ideas de ambas artistas continúan convirtiéndose en los más extravagantes y extraños proyectos. Entre los más recientes se encuentran: el video para la colección “Juste un Clou” de la marca Cartier, donde Lord Whitney diseñó el concepto, creó los sets y estuvo a cargo de la dirección de arte; y su proyecto titulado “Playing Faces” el cual se llevó a cabo en el museo de Victoria y Alberto en Londres y donde la gente pudo acudir a la cabina fotográfica de Lord Whitney y crear su propio retrato.

The Wood Beneath the World” es su siguiente colaboración con el municipio de Leeds, un proyecto próximo a presentarse en el invierno del 2014. ¡No te lo pierdas!

Más información sobre Lord Whitney aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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October 29, 2014 - No Comments!

★ V ARE (AU) | Presenting The Unknown

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

V ARE ["we are"], a creative duo based in Vienna, Austria formed by Adia Trischler and Andreas Waldschuetz, specializes in the combination of music, light, visual elements and space in order to generate their own whimsical interpretations of life. BREATHE”, their last collaborative undertaking, is another one of their captivating projects that has left multiple visitors immersed in a deep mayhem of complex sensations and abstract thoughts.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Adia Trischler is a film director and creative consultant from New York with an extensive background in fashion, style and theater. Andreas Waldschuetz is a fashion photographer and video artist originally from Vienna, Austria. During the last years, these two talented artists have pursued the ambition of discovering unexplored surroundings and new creative minds with the sole purpose of producing a brand-new hub for upcoming artists.

Supported by different types of documentation like film, press and vinyl, Trischler and Waldschuetz expose unseen forms of art with the aim of generating an eclectic network of talent and revolutionary ideas.

Their more recent collective project “BREATHE” was an art film successfully presented at an abandoned building in Altes Zollamt, Austria. From October 17 to October 26, the spectator became part of the fictional story by being guided through different settings around the mysterious and somber exhibition. An extraordinary use of light, shadows and theatrical production made of the project a unique experience in which feelings and memories were strongly stimulated.

The event also included the performance of dancer Mickey Mahar and musician Manu Mayr, as well as the presentation of fashion designer Andrea Cammarosano and Vienna-based jewelry label Henwoodcraft.

More information on V ARE here.

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Adia Trischler is a film director and creative consultant from New York with an extensive background in fashion, style and theater. Andreas Waldschuetz is a fashion photographer and video artist originally from Vienna, Austria. During the last years, these two talented artists have pursued the ambition of discovering unexplored surroundings and new creative minds with the sole purpose of producing a brand-new hub for upcoming artists.

Supported by different types of documentation like film, press and vinyl, Trischler and Waldschuetz expose unseen forms of art with the aim of generating an eclectic network of talent and revolutionary ideas.

Their more recent collective project “BREATHE” was an art film successfully presented at an abandoned building in Altes Zollamt, Austria. From October 17 to October 26, the spectator became part of the fictional story by being guided through different settings around the mysterious and somber exhibition. An extraordinary use of light, shadows and theatrical production made of the project a unique experience in which feelings and memories were strongly stimulated.

The event also included the performance of dancer Mickey Mahar and musician Manu Mayr, as well as the presentation of fashion designer Andrea Cammarosano and Vienna-based jewelry label Henwoodcraft.

More information on V ARE here.

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Ubicado en la ciudad de Viena, Austria, V ARE ["we are" / “nosotros somos”] es un dúo creativo conformado por los artistas Adia Trischler y Andreas Waldschuetz quienes se especializan en la combinación de música, luz, elementos visuales y espacios para la generación de sus propias interpretaciones de la realidad. “BREATHE” [“respirar”] constituye su último proyecto artístico, el cual dejó inmersos a los múltiples espectadores en un profundo estado abstracto de desconcierto.

Proveniente de Nueva York, Adia Trischler es una directora de cine y consultora creativa con amplia experiencia en los rubros de la moda, el estilo y el teatro. Por su parte, Andreas Waldschuetz es un fotógrafo de moda y un hábil creador de videos originario de Viena, Austria. Durante los últimos años, ambos personajes han puesto en práctica el descubrimiento y exhibición de nuevas y extrañas locaciones así como nuevas mentes creativas, con el fin de generar una plataforma única para los artistas emergentes.

Utilizando diversos elementos para documentar su trabajo, como videos, la prensa y discos de vinilo, Trischler y Waldschuetz se dedican a exponer desconocidas formas de arte con el propósito de crear una red de contactos e ideas totalmente ecléctica.

Su más reciente trabajo colectivo “BREATHE” consistió en la creación y exitosa exhibición de su trabajo cinematográfico en un edificio abandonado en Altes Zollamt, Austria. Desde el 17 de Octubre hasta el 26 del mismo mes, el espectador se volvió parte de la historia creativa al ser dirigido por diversas habitaciones dentro de un ambiente sombrío y lleno de misterio. El extraordinario uso de luz y sombras, así como una excelente producción teatral, hizo del proyecto una experiencia única que estimuló todo tipo de sentimientos y recuerdos en la mente del visitante.

El evento también incluyó el desempeño del bailarín Mickey Mahar y el músico Manu Mayr, así como la presentación de la diseñadora de modas Andrea Cammarosano y la marca de joyas localizada en Viana, Henwoodcraft.

Más información sobre V ARE aquí.

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Ubicado en la ciudad de Viena, Austria, V ARE ["we are" / “nosotros somos”] es un dúo creativo conformado por los artistas Adia Trischler y Andreas Waldschuetz quienes se especializan en la combinación de música, luz, elementos visuales y espacios para la generación de sus propias interpretaciones de la realidad. “BREATHE” [“respirar”] constituye su último proyecto artístico, el cual dejó inmersos a los múltiples espectadores en un profundo estado abstracto de desconcierto.

Proveniente de Nueva York, Adia Trischler es una directora de cine y consultora creativa con amplia experiencia en los rubros de la moda, el estilo y el teatro. Por su parte, Andreas Waldschuetz es un fotógrafo de moda y un hábil creador de videos originario de Viena, Austria. Durante los últimos años, ambos personajes han puesto en práctica el descubrimiento y exhibición de nuevas y extrañas locaciones así como nuevas mentes creativas, con el fin de generar una plataforma única para los artistas emergentes.

Utilizando diversos elementos para documentar su trabajo, como videos, la prensa y discos de vinilo, Trischler y Waldschuetz se dedican a exponer desconocidas formas de arte con el propósito de crear una red de contactos e ideas totalmente ecléctica.

Su más reciente trabajo colectivo “BREATHE” consistió en la creación y exitosa exhibición de su trabajo cinematográfico en un edificio abandonado en Altes Zollamt, Austria. Desde el 17 de Octubre hasta el 26 del mismo mes, el espectador se volvió parte de la historia creativa al ser dirigido por diversas habitaciones dentro de un ambiente sombrío y lleno de misterio. El extraordinario uso de luz y sombras, así como una excelente producción teatral, hizo del proyecto una experiencia única que estimuló todo tipo de sentimientos y recuerdos en la mente del visitante.

El evento también incluyó el desempeño del bailarín Mickey Mahar y el músico Manu Mayr, así como la presentación de la diseñadora de modas Andrea Cammarosano y la marca de joyas localizada en Viana, Henwoodcraft.

Más información sobre V ARE aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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September 24, 2014 - No Comments!

★ Little Shao (FR) | A Flawless Portrayal Of Rhythm

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in Paris, France, Little Shao is a photographer, film maker and art director of Vietnamese background whose pictures of dancers, models, actors and singers have called the public attention thanks to their astonishing composition, quality, and emotion. After transitioning from finance to photography many years ago, he discovered the way to capture the most outstanding moments within the dancing world, especially the ones related to the Hip-Hop culture.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

With a deep passion for traveling and pictures, and as a dedicated Bboy (break-dancer), Little Shao has positioned himself as an exceptional photographer of the contemporary dancing and artistic community. He has worked with the best dancers and choreographers of celebrities like Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé, and Justin Timberlake.

As a young photographer in a highly-competitive world and with a large number of photographic tools available in the market, Shao considers the task of achieving the ideal shoot harder every day. He obtains his inspiration from different sources, like movies, music and the everyday life, and believes that a balance between talent, creativity and the right equipment is the perfect combination for a successful and valuable portfolio.

Little Shao’s style is spotless and delicate. Either in motion or static, the arrangement of his models inside the frame transforms a specific dancing moment into a sensational experience truly worth seen. He is not only portraying an image, he is creating a memory by asking people to take dancers –even the ones in early stages- seriously, and making them understand the meaning that life has to the people that practice such art.

“My goal is to innovate and push the Hip-Hop community to understand that “Communication & Marketing” should be much more important than their dance skills. That if they want to survive being a dancer, they should also take care of their image and how they are spreading it. Life as a dancer is not only about dance, it’s also about strategy, communication and networking”.

More information on Little Shao here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

With a deep passion for traveling and pictures, and as a dedicated Bboy (break-dancer), Little Shao has positioned himself as an exceptional photographer of the contemporary dancing and artistic community. He has worked with the best dancers and choreographers of celebrities like Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé, and Justin Timberlake.

As a young photographer in a highly-competitive world and with a large number of photographic tools available in the market, Shao considers the task of achieving the ideal shoot harder every day. He obtains his inspiration from different sources, like movies, music and the everyday life, and believes that a balance between talent, creativity and the right equipment is the perfect combination for a successful and valuable portfolio.

Little Shao’s style is spotless and delicate. Either in motion or static, the arrangement of his models inside the frame transforms a specific dancing moment into a sensational experience truly worth seen. He is not only portraying an image, he is creating a memory by asking people to take dancers –even the ones in early stages- seriously, and making them understand the meaning that life has to the people that practice such art.

“My goal is to innovate and push the Hip-Hop community to understand that “Communication & Marketing” should be much more important than their dance skills. That if they want to survive being a dancer, they should also take care of their image and how they are spreading it. Life as a dancer is not only about dance, it’s also about strategy, communication and networking”.

More information on Little Shao here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Little Shao es un fotógrafo, director de cine y de arte con antecedentes vietnamitas y con actual residencia en París, Francia. Sus fotografías de bailarines, modelos, actores y cantantes han llamado fuertemente la atención del público gracias a su extraordinaria composición, calidad y emotividad que las caracteriza. Su carrera sufrió una gran transición cuando dejó el mundo de las finanzas y decidió dedicarse de lleno a la fotografía. Con los años, Shao ha descubierto la manera de capturar momentos únicos dentro del mundo del baile, en particular, aquellos pertenecientes a la cultura del hip-hop.

Shao es un apasionado fotógrafo, viajero y practicante del break dance. Desde el inicio de su carrera como artista, se ha posicionado como un fotógrafo excepcional dentro de su actual comunidad de baile. Ha trabajado con los mejores bailarines y coreógrafos de celebridades como Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé y Justin Timberlake.

Como un talentoso y joven artista que se desarrolla en mundo altamente competitivo, y con un sin fin de herramientas tecnológicas a la mano, Shao considera que el lograr una fotografía innovadora es una tarea cada día más difícil. Él obtiene su inspiración de diversas fuentes, como películas, música y la vida diaria, y cree que un balance entre el talento, la creatividad y el material de trabajo es la combinación perfecta para crear un portafolio atractivo y de alto valor.

Su estilo es delicado e impecable. Ya sea que sus modelos se encuentren en movimiento o estáticos dentro de su composición, el arreglo que da a los elementos en la toma transforma un momento dentro del mundo del baile en toda una experiencia totalmente nueva. No sólo se dedica a plasmar imágenes, sino que crea recuerdos en los que pide al espectador tomar la carrera de un bailarín en serio, y los invita a comprender el significado que tiene la vida para las personas que practican dicho arte.

“Mi objetivo es innovar y sacar adelante a la comunidad del hip-hop haciéndolos entender que la comunicación y la mercadotecnia deben ser mucho más importantes que sus habilidades como bailarines. Que si desean sobrevivir haciendo lo que les gusta, deben tomar en cuenta su imagen y la manera en que ésta es difundida. La vida de un bailarín no solo consiste en bailar, sino también en pensar en la estrategia a utilizar, la comunicación y su red de contactos.”

Más información sobre Little Shao aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Little Shao es un fotógrafo, director de cine y de arte con antecedentes vietnamitas y con actual residencia en París, Francia. Sus fotografías de bailarines, modelos, actores y cantantes han llamado fuertemente la atención del público gracias a su extraordinaria composición, calidad y emotividad que las caracteriza. Su carrera sufrió una gran transición cuando dejó el mundo de las finanzas y decidió dedicarse de lleno a la fotografía. Con los años, Shao ha descubierto la manera de capturar momentos únicos dentro del mundo del baile, en particular, aquellos pertenecientes a la cultura del hip-hop.

Shao es un apasionado fotógrafo, viajero y practicante del break dance. Desde el inicio de su carrera como artista, se ha posicionado como un fotógrafo excepcional dentro de su actual comunidad de baile. Ha trabajado con los mejores bailarines y coreógrafos de celebridades como Madonna, Janet Jackson, Bruno Mars, Beyoncé y Justin Timberlake.

Como un talentoso y joven artista que se desarrolla en mundo altamente competitivo, y con un sin fin de herramientas tecnológicas a la mano, Shao considera que el lograr una fotografía innovadora es una tarea cada día más difícil. Él obtiene su inspiración de diversas fuentes, como películas, música y la vida diaria, y cree que un balance entre el talento, la creatividad y el material de trabajo es la combinación perfecta para crear un portafolio atractivo y de alto valor.

Su estilo es delicado e impecable. Ya sea que sus modelos se encuentren en movimiento o estáticos dentro de su composición, el arreglo que da a los elementos en la toma transforma un momento dentro del mundo del baile en toda una experiencia totalmente nueva. No sólo se dedica a plasmar imágenes, sino que crea recuerdos en los que pide al espectador tomar la carrera de un bailarín en serio, y los invita a comprender el significado que tiene la vida para las personas que practican dicho arte.

“Mi objetivo es innovar y sacar adelante a la comunidad del hip-hop haciéndolos entender que la comunicación y la mercadotecnia deben ser mucho más importantes que sus habilidades como bailarines. Que si desean sobrevivir haciendo lo que les gusta, deben tomar en cuenta su imagen y la manera en que ésta es difundida. La vida de un bailarín no solo consiste en bailar, sino también en pensar en la estrategia a utilizar, la comunicación y su red de contactos.”

Más información sobre Little Shao aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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June 25, 2014 - No Comments!

★ Dorhout Mees (NE) | Musical & Elegant Designs

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Conversion” is Dorhout Mees second collection presented at Amsterdam Fashion Week. In her new work, she describes how oxidation, is a metaphor for observing the beauty of impermanence and how “the material transformation is similar to a spiritual one”.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

“Using film and music to tell my story is something I’ve always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do”. (Dorhout Mees)

What is inspiration for you?

I feel inspiration is in everything. Literally, it just depends on which way you’re looking. So it can be a feeling you notice in yourself and your surroundings, like the search of origin in my summer collection “Become”, or something more concrete like architecture. But if I would have to narrow it down, I would say Nature and Architecture are always great sources of beauty and contrasts.

Is there a memory, a moment you remember you thought about doing fashion?

To begin with a project I was always drawing. My very first memories are of me drawing everything and all the time. I wanted to make my own clothes when I was around eight years old. They were very simple tops and skirts made with the help of my grandmother. Later on, I started making prints on them by drawing and painting it on. So the love for prints was already there as well!

When did you start using music and video in your work?

Using film and music to tell my story is something I have always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do. Take them on that journey I went on; involve them as much as I can.

What about other material use?

I start from different types of silk, soft chiffon and stiff organza, wool, cashmere that I often work with. Then if inspiration takes me somewhere I choose a material, like in this collection I did with copper and copper oxidation process. I used this material for shoes, belts, necklaces, bracelets and even knitted it from copper thread from a machine.

What is it like to be part of the Fashion Week? How would you describe it?

First of all is a big honor. It’s such a great platform to show your work. It’s very hectic the last week leading up to it, actually, it is so until the last model walks onto the catwalk. But it is a beautiful feeling, magical even, everything that you’ve worked for falls into place at that very moment.

In your last show presented at the Fashion Week you used a music loop from the Pixies. Why did you choose that song? Could you list the top five of your favorite songs at the moment?

Great question! I feel that music is life, and it is very important to me. The reason I chose for parts of the song “Where is my mind” by Pixies, is first of all I felt the title was fitting me. It’s about transformation, spiritual transformation, in which you have to start a journey inwards trying to leave that hardworking mind behind and simply go on feeling and intuition.

Then, I just love the song, but I wanted to reflect the contrast of the difference in oxidation. The organic one, organic shapes and colors, and the microscopic one where everything is geometric and grey and white. So I looked for a classical interpretation of the song, even mixed a piano version vs a string quartet version. I like contrasts. Then I used the original during the final moment on the catwalk only.

My loves at the moment ;-):

Damien Rice, everything he has written, “Little Bird” by Lisa Hannigan, “Josephine” by Teitur, “Hollo Talk” by Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” by Bat for Lashes, and just one more, “C’mon Talk” by Bernhoft.

What do you like to share with your work in fashion?

With my collections I like to tell stories, but I also want to give power to women. I love the power of women who go after whatever it is they want to get out of life. I admire women like that and I would like to add something to that passion for life. I constantly search for the delicate balance between telling a story and the fact that it has to look great on a woman’s body. For me those aspects are equally important.

More information on Dorhout Mees here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

“Using film and music to tell my story is something I’ve always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do”. (Dorhout Mees)

What is inspiration for you?

I feel inspiration is in everything. Literally, it just depends on which way you’re looking. So it can be a feeling you notice in yourself and your surroundings, like the search of origin in my summer collection “Become”, or something more concrete like architecture. But if I would have to narrow it down, I would say Nature and Architecture are always great sources of beauty and contrasts.

Is there a memory, a moment you remember you thought about doing fashion?

To begin with a project I was always drawing. My very first memories are of me drawing everything and all the time. I wanted to make my own clothes when I was around eight years old. They were very simple tops and skirts made with the help of my grandmother. Later on, I started making prints on them by drawing and painting it on. So the love for prints was already there as well!

When did you start using music and video in your work?

Using film and music to tell my story is something I have always done. I like to invite people into a different world, and really make them feel, taste and see it the way I do. Take them on that journey I went on; involve them as much as I can.

What about other material use?

I start from different types of silk, soft chiffon and stiff organza, wool, cashmere that I often work with. Then if inspiration takes me somewhere I choose a material, like in this collection I did with copper and copper oxidation process. I used this material for shoes, belts, necklaces, bracelets and even knitted it from copper thread from a machine.

What is it like to be part of the Fashion Week? How would you describe it?

First of all is a big honor. It’s such a great platform to show your work. It’s very hectic the last week leading up to it, actually, it is so until the last model walks onto the catwalk. But it is a beautiful feeling, magical even, everything that you’ve worked for falls into place at that very moment.

In your last show presented at the Fashion Week you used a music loop from the Pixies. Why did you choose that song? Could you list the top five of your favorite songs at the moment?

Great question! I feel that music is life, and it is very important to me. The reason I chose for parts of the song “Where is my mind” by Pixies, is first of all I felt the title was fitting me. It’s about transformation, spiritual transformation, in which you have to start a journey inwards trying to leave that hardworking mind behind and simply go on feeling and intuition.

Then, I just love the song, but I wanted to reflect the contrast of the difference in oxidation. The organic one, organic shapes and colors, and the microscopic one where everything is geometric and grey and white. So I looked for a classical interpretation of the song, even mixed a piano version vs a string quartet version. I like contrasts. Then I used the original during the final moment on the catwalk only.

My loves at the moment ;-):

Damien Rice, everything he has written, “Little Bird” by Lisa Hannigan, “Josephine” by Teitur, “Hollo Talk” by Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” by Bat for Lashes, and just one more, “C’mon Talk” by Bernhoft.

What do you like to share with your work in fashion?

With my collections I like to tell stories, but I also want to give power to women. I love the power of women who go after whatever it is they want to get out of life. I admire women like that and I would like to add something to that passion for life. I constantly search for the delicate balance between telling a story and the fact that it has to look great on a woman’s body. For me those aspects are equally important.

More information on Dorhout Mees here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Conversion” es la segunda colección de Dorhout Mees que ha sido presentada en la Semana Fashion de Ámsterdam. En su nuevo trabajo, ella describe cómo la oxidación es la metáfora para observar la belleza de la impermanencia y cómo “la transformación del material es similar al del espíritu”.

“Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo”. (Dorhout Mees)

¿Dónde encuentras tu inspiración?

Prácticamente en todas partes. Literalmente sólo depende de hacia dónde mires. Puede ser un sentimiento que uno encuentre en sí mismo o en los alrededores, como la búsqueda del origen en mi colección de verano “Become”, o algo más concreto como la arquitectura. Sin embargo, si tuviera que escoger entre dos aspectos, la Naturaleza y la Arquitectura son siempre excelentes fuentes de belleza y contraste.

¿Hay algún recuerdo o momento que te llevó a dedicarte al diseño de modas?

Para empezar, siempre estaba dibujando. Mis primeros recuerdos los tengo de estar dibujando todo el tiempo. Para cuando tenía ocho años de edad ya quería hacer mi propia ropa. Eran blusas y faldas sencillas que hice con la ayuda de mi abuela.  Posteriormente, comencé a hacer mis propias impresiones pintando y dibujando sobre ellas. ¡Así que el amor por los gráficos nació en ese momento también!

¿Cuándo comenzaste a utilizar el cine y el video en su trabajo?

Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo. Me gusta llevarlos en el mismo viaje que yo e involucrarlos lo más que se pueda.

¿Qué otros materiales utilizas?

Comienzo con diferentes tipos de seda, chiffon, organza, lana y casimir, eso es con lo que más trabajo. Después, si la inspiración me lleva más lejos, escojo un material, como hice en esta colección en la que utilicé cobre y su proceso de oxidación. Utilicé dicho material para hacer zapatos, cinturones, collares, pulseras e incluso cosí hilos de cobre con ayuda de una máquina.

¿Qué significa para ti formar parte de la Semana Fashion? ¿Cómo describirías tu experiencia?

Primero que nada pienso que es un gran honor. Es una extraordinaria plataforma en la que uno logra exhibir el trabajo. Todo es muy agitado, la última semana antes del evento, hasta el último momento en el que la modelo camina por la pasarela. Pero a su vez es un sentimiento hermoso, mágico incluso, pues todo por lo que has trabajado es revelado en ese preciso momento.

En tu último show que presentaste en la Semana Fashion, utilizaste música del grupo los Pixies. ¿Por qué escogiste esa música? ¿Podrías enlistar tus cinco canciones favoritas hasta el momento?

¡Excelente pregunta! Pienso que la música es vida, por lo que es muy importante para mí. La razón por la que escogí fragmentos de la canción “Where is my mind” (Dónde está mi mente) de Los Pixies es primero que nada porque el título encajaba con mi trabajo. Habla de la transformación espiritual en la que uno debe iniciar una búsqueda interior para dejar atrás la mente trabajadora y simplemente continuar sintiendo.

Por otra parte, me encanta esa canción, y quise reflejar el contraste de la diferencia en la oxidación. Lo orgánico, los colores y las formas naturales, y lo microscópico donde todo es geométrico, gris y blanco. Así que busqué diferentes versiones de la canción, con piano y con instrumentos de cuerdas. Me gustan los contrastes. Finalmente, utilicé la versión original en la última parte del desfile de modas.

Mis canciones favoritas en este momento ;-):

Todo lo de Damien Rice, “Little Bird” por Lisa Hannigan, “Josephine” por Teitur, “Hollo Talk” por el Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” por Bat for Lashes, y una más, “C’mon Talk” por Bernhoft.

¿Qué es lo que te gusta compartir en tu trabajo como diseñadora de modas?

Con mis colecciones me gusta contar historias, pero también quiero dar poder a las mujeres. Me encanta el poder que las mujeres tienen para perseguir aquello que más quieren en la vida. Las admiro y me gustaría añadir algo a esa pasión que sienten por la vida. Contantemente busco un balance entre contar una historia y lograr que los diseños se vean lo mejor posible en el cuerpo de una mujer. Para mí, esos dos aspectos son de igual importancia.

Más información sobre Dorhout Mees aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Conversion” es la segunda colección de Dorhout Mees que ha sido presentada en la Semana Fashion de Ámsterdam. En su nuevo trabajo, ella describe cómo la oxidación es la metáfora para observar la belleza de la impermanencia y cómo “la transformación del material es similar al del espíritu”.

“Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo”. (Dorhout Mees)

¿Dónde encuentras tu inspiración?

Prácticamente en todas partes. Literalmente sólo depende de hacia dónde mires. Puede ser un sentimiento que uno encuentre en sí mismo o en los alrededores, como la búsqueda del origen en mi colección de verano “Become”, o algo más concreto como la arquitectura. Sin embargo, si tuviera que escoger entre dos aspectos, la Naturaleza y la Arquitectura son siempre excelentes fuentes de belleza y contraste.

¿Hay algún recuerdo o momento que te llevó a dedicarte al diseño de modas?

Para empezar, siempre estaba dibujando. Mis primeros recuerdos los tengo de estar dibujando todo el tiempo. Para cuando tenía ocho años de edad ya quería hacer mi propia ropa. Eran blusas y faldas sencillas que hice con la ayuda de mi abuela.  Posteriormente, comencé a hacer mis propias impresiones pintando y dibujando sobre ellas. ¡Así que el amor por los gráficos nació en ese momento también!

¿Cuándo comenzaste a utilizar el cine y el video en su trabajo?

Utilizar el cine y la música para contar mis historias es algo que siempre he hecho. Disfruto invitar a la gente a ver el mundo de una manera diferente, y realmente hacer sentirlo, saborearlo y verlo como lo hago yo. Me gusta llevarlos en el mismo viaje que yo e involucrarlos lo más que se pueda.

¿Qué otros materiales utilizas?

Comienzo con diferentes tipos de seda, chiffon, organza, lana y casimir, eso es con lo que más trabajo. Después, si la inspiración me lleva más lejos, escojo un material, como hice en esta colección en la que utilicé cobre y su proceso de oxidación. Utilicé dicho material para hacer zapatos, cinturones, collares, pulseras e incluso cosí hilos de cobre con ayuda de una máquina.

¿Qué significa para ti formar parte de la Semana Fashion? ¿Cómo describirías tu experiencia?

Primero que nada pienso que es un gran honor. Es una extraordinaria plataforma en la que uno logra exhibir el trabajo. Todo es muy agitado, la última semana antes del evento, hasta el último momento en el que la modelo camina por la pasarela. Pero a su vez es un sentimiento hermoso, mágico incluso, pues todo por lo que has trabajado es revelado en ese preciso momento.

En tu último show que presentaste en la Semana Fashion, utilizaste música del grupo los Pixies. ¿Por qué escogiste esa música? ¿Podrías enlistar tus cinco canciones favoritas hasta el momento?

¡Excelente pregunta! Pienso que la música es vida, por lo que es muy importante para mí. La razón por la que escogí fragmentos de la canción “Where is my mind” (Dónde está mi mente) de Los Pixies es primero que nada porque el título encajaba con mi trabajo. Habla de la transformación espiritual en la que uno debe iniciar una búsqueda interior para dejar atrás la mente trabajadora y simplemente continuar sintiendo.

Por otra parte, me encanta esa canción, y quise reflejar el contraste de la diferencia en la oxidación. Lo orgánico, los colores y las formas naturales, y lo microscópico donde todo es geométrico, gris y blanco. Así que busqué diferentes versiones de la canción, con piano y con instrumentos de cuerdas. Me gustan los contrastes. Finalmente, utilicé la versión original en la última parte del desfile de modas.

Mis canciones favoritas en este momento ;-):

Todo lo de Damien Rice, “Little Bird” por Lisa Hannigan, “Josephine” por Teitur, “Hollo Talk” por el Choir of Young Believers, “What’s a girl to do” por Bat for Lashes, y una más, “C’mon Talk” por Bernhoft.

¿Qué es lo que te gusta compartir en tu trabajo como diseñadora de modas?

Con mis colecciones me gusta contar historias, pero también quiero dar poder a las mujeres. Me encanta el poder que las mujeres tienen para perseguir aquello que más quieren en la vida. Las admiro y me gustaría añadir algo a esa pasión que sienten por la vida. Contantemente busco un balance entre contar una historia y lograr que los diseños se vean lo mejor posible en el cuerpo de una mujer. Para mí, esos dos aspectos son de igual importancia.

Más información sobre Dorhout Mees aquí.

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★ Original Article by HoopDoop Magazine #20. Interview by Agnese Roda. Photography by Monyart.  Spanish edition by Dalia Vasquez.

 

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HoopDoopMag243

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June 10, 2014 - No Comments!

★ Paulo Grangeon X WWF | Paper Pandas Around The World

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Native from South China and currently a national treasure in that country, the black and white distinctive panda bear is one of the most endangered species in the globe. Artist Paulo Grangeon is resolved to raise consciousness of the bear’s vulnerable condition.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Due to the human damage to their natural habitat and a very low birthrate, both in the wild and in captivity, the Panda has become one of the world's most adored and protected rare animals. In order to raise the awareness of their rapid disappearance in the world, French artist Paulo Grangeon collaborated with conservation organization World Wildlife Fund, creative group PMQ and studio AllRightsReserved to generate an installation made out of 1,600 papier-mâché pandas in the streets of Hong Kong.

Since its inception in 2008, the Paper Panda Project has traveled around 20 countries and more than 100 cities like Paris, Rome, Berlin and Taipei.

The amount of pandas chosen for representation – 1,600 - was proposed by the head of the French section of WWF Serge Orru in 2008, and it is based on the actual number of pandas still alive in the wild (according to a 2004 census). Sculptor Paulo Grangeon encountered exceptional papier-mâché techniques in Thailand in 1999 and became fascinated by them.

For this June exhibition in Hong Kong, Grangeon decided to create four special-edition paper bears. He produces one or several initial models from which the copies are constructed, and then builds each panda bear out of 12 individual sections.

The idea is to display the graceful bears in a crowded urban area so that the effect caused in people is both captivating and unsettling. It is intended to be a reminder of the damage we have caused to the environment and a fictional depiction of what we still can lose in the future.

More information on the Paper Panda Project here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Due to the human damage to their natural habitat and a very low birthrate, both in the wild and in captivity, the Panda has become one of the world's most adored and protected rare animals. In order to raise the awareness of their rapid disappearance in the world, French artist Paulo Grangeon collaborated with conservation organization World Wildlife Fund, creative group PMQ and studio AllRightsReserved to generate an installation made out of 1,600 papier-mâché pandas in the streets of Hong Kong.

Since its inception in 2008, the Paper Panda Project has traveled around 20 countries and more than 100 cities like Paris, Rome, Berlin and Taipei.

The amount of pandas chosen for representation – 1,600 - was proposed by the head of the French section of WWF Serge Orru in 2008, and it is based on the actual number of pandas still alive in the wild (according to a 2004 census). Sculptor Paulo Grangeon encountered exceptional papier-mâché techniques in Thailand in 1999 and became fascinated by them.

For this June exhibition in Hong Kong, Grangeon decided to create four special-edition paper bears. He produces one or several initial models from which the copies are constructed, and then builds each panda bear out of 12 individual sections.

The idea is to display the graceful bears in a crowded urban area so that the effect caused in people is both captivating and unsettling. It is intended to be a reminder of the damage we have caused to the environment and a fictional depiction of what we still can lose in the future.

More information on the Paper Panda Project here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Originarios del sur de China y actualmente un tesoro nacional en ese país, el característico oso panda en blanco y negro es en la actualidad una de las especies en mayor peligro de extinción. El artista Paulo Grangeon está decidido a crear conciencia en la sociedad acerca de la vulnerable condición que sufre dicho animal.

Debido al daño que el ser humano está ocasionando en su hábitat natural y a su lenta reproducción, tanto al natural como en cautiverio, el oso panda se ha convertido en uno de los animales extraños más preciados y protegidos del mundo. Con el fin de crear una mayor consciencia en la gente acerca de su rápida desaparición, el artista francés Paulo Grangeon colaboró con la organización de conservación World Wildlife Fund, el grupo creativo PMQ y el estudio AllRightsReserved para la producción de una instalación masiva hecha de 1,600 osos pandas de papel maché en las calles de la ciudad de Hong Kong.

Desde su creación en el 2008, el Proyecto Paper Panda (Panda de Papel) ha viajado a lo largo de 20 países y visitado más de 100 ciudades como París, Roma, Berlín y Taipei.

El número de pandas escogidos para la representación – 1,600 – fue propuesto por el director de la sección francesa del WWF Serge Orru en el 2008, y es un reflejo del número real de osos de este tipo que queda vivos en el mundo (de acuerdo a un censo realizado en el 2004). El escultor Paulo Grangeon conoció excepcionales técnicas de fabricación en papel maché en Tailandia en 1999 y fue ahí cuando quedó fascinado por ellas.

Para la próxima exhibición en la ciudad de Hong Kong en junio, Grangeon decidió crear cuatro ediciones especiales de los osos de papel. El artista produce uno o varios modelos iniciales que sirven como base para la construcción del resto de las piezas, y posteriormente construye cada panda uniendo las 12 partes que lo conforman.

La idea es exhibir osos pandas en pequeñas áreas urbanas para que causen un efecto tanto cautivador como inquietante en la gente. El objetivo es que sirva como un recordatorio del daño que estamos causando al medio ambiente y una representación ficticia de lo que todavía podemos perder en un futuro.

Más información sobre el Proyecto Paper Panda aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Originarios del sur de China y actualmente un tesoro nacional en ese país, el característico oso panda en blanco y negro es en la actualidad una de las especies en mayor peligro de extinción. El artista Paulo Grangeon está decidido a crear conciencia en la sociedad acerca de la vulnerable condición que sufre dicho animal.

Debido al daño que el ser humano está ocasionando en su hábitat natural y a su lenta reproducción, tanto al natural como en cautiverio, el oso panda se ha convertido en uno de los animales extraños más preciados y protegidos del mundo. Con el fin de crear una mayor consciencia en la gente acerca de su rápida desaparición, el artista francés Paulo Grangeon colaboró con la organización de conservación World Wildlife Fund, el grupo creativo PMQ y el estudio AllRightsReserved para la producción de una instalación masiva hecha de 1,600 osos pandas de papel maché en las calles de la ciudad de Hong Kong.

Desde su creación en el 2008, el Proyecto Paper Panda (Panda de Papel) ha viajado a lo largo de 20 países y visitado más de 100 ciudades como París, Roma, Berlín y Taipei.

El número de pandas escogidos para la representación – 1,600 – fue propuesto por el director de la sección francesa del WWF Serge Orru en el 2008, y es un reflejo del número real de osos de este tipo que queda vivos en el mundo (de acuerdo a un censo realizado en el 2004). El escultor Paulo Grangeon conoció excepcionales técnicas de fabricación en papel maché en Tailandia en 1999 y fue ahí cuando quedó fascinado por ellas.

Para la próxima exhibición en la ciudad de Hong Kong en junio, Grangeon decidió crear cuatro ediciones especiales de los osos de papel. El artista produce uno o varios modelos iniciales que sirven como base para la construcción del resto de las piezas, y posteriormente construye cada panda uniendo las 12 partes que lo conforman.

La idea es exhibir osos pandas en pequeñas áreas urbanas para que causen un efecto tanto cautivador como inquietante en la gente. El objetivo es que sirva como un recordatorio del daño que estamos causando al medio ambiente y una representación ficticia de lo que todavía podemos perder en un futuro.

Más información sobre el Proyecto Paper Panda aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

★ By Dalia Vasquez

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June 3, 2014 - No Comments!

★ Personal Ink | Tattoos As Healing Marks

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Through Personal Ink, breast cancer survivors have the option of adorning their scars and overcome the strong discomfort they often feel with their post-surgery new bodies.


[Ver artículo en español abajo]

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[youtube http://www.youtube.com/watch?v=pGbWH-hy4UM]

[vimeo 88207163 w=100 h=338]

P.INK DAY from Personal Ink (P.INK) on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Breast cancer has become one of the most common cancers in the world affecting women, and even when it is early diagnosed, surgery -the removal of the malignant tumor- is the ultimate solution for the highest probability of its remission; depending on the treatment, the doctor removes a small part of the breast, a quarter of it, or the whole breast. Cancer survivors can later chose breast reconstruction surgery that includes breast and/or nipple/areola prostheses. However, no matter the case, the physical and psychological marks the disease leaves on women’s body is almost always traumatizing and devastating.

Molly Ortwein, a post-mastectomy (removal of the whole breast) breast cancer survivor, found a new way to make of the healing process a special journey in which tattoo art is used to help the clients see their bodies in a different way and to think of their scars as symbols of their strength and triumph over the disease.

In 2012, Molly teamed up with his brother in law, Noel Franus, and a group of co-workers at CP+B Advertising Agency (Crispin Porter + Bogusky) in Colorado, to launch non-profit Personal Ink (P.Ink), a platform that connects breast cancer survivors with tattoo artists around the world. Starting as a set of highly-visual Pinterest boards, Personal Ink has become a unique artistic network that offers clients beautiful tattoo designs, inspirational ideas, stories, supporters, interviews and artists that will help them during the reconstruction of their body.

Among the tattoo artists that have collaborated with P.Ink are Virginia Elwood, Roxx, Kelly Torres, Madame Chinchilla, Colby Butler and Sierra Orrick.

More information on Personal Ink here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Breast cancer has become one of the most common cancers in the world affecting women, and even when it is early diagnosed, surgery -the removal of the malignant tumor- is the ultimate solution for the highest probability of its remission; depending on the treatment, the doctor removes a small part of the breast, a quarter of it, or the whole breast. Cancer survivors can later chose breast reconstruction surgery that includes breast and/or nipple/areola prostheses. However, no matter the case, the physical and psychological marks the disease leaves on women’s body is almost always traumatizing and devastating.

Molly Ortwein, a post-mastectomy (removal of the whole breast) breast cancer survivor, found a new way to make of the healing process a special journey in which tattoo art is used to help the clients see their bodies in a different way and to think of their scars as symbols of their strength and triumph over the disease.

In 2012, Molly teamed up with his brother in law, Noel Franus, and a group of co-workers at CP+B Advertising Agency (Crispin Porter + Bogusky) in Colorado, to launch non-profit Personal Ink (P.Ink), a platform that connects breast cancer survivors with tattoo artists around the world. Starting as a set of highly-visual Pinterest boards, Personal Ink has become a unique artistic network that offers clients beautiful tattoo designs, inspirational ideas, stories, supporters, interviews and artists that will help them during the reconstruction of their body.

Among the tattoo artists that have collaborated with P.Ink are Virginia Elwood, Roxx, Kelly Torres, Madame Chinchilla, Colby Butler and Sierra Orrick.

More information on Personal Ink here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

A través de Personal Ink, las sobrevivientes del cáncer de mama tienen la opción de adornar sus cicatrices y superar la fuerte inconformidad que comúnmente sienten con su cuerpo después de la cirugía.

Actualmente, el cáncer de mama se ha convertido en una de las enfermedades más comunes en el mundo que afecta mayormente a las mujeres, e incluso cuando es diagnosticado a tiempo, la cirugía (es decir, remover el tumor maligno), es la opción que probablemente pueda eliminar de manera efectiva la posibilidad de resurgimiento. Dependiendo del tratamiento, la paciente puede someterse a una cirugía en la que le sea extraído una pequeña parte del seno, un cuarto de éste, o el seno completo. Posteriormente, las sobrevivientes pueden elegir realizarse a una cirugía reconstructiva que generalmente incluye próstesis de seno y/o de pezones. Sin embargo, no importando la circunstancia, la afectación física y psicológica que sufre la paciente deja en su cuerpo marcas casi siempre traumatizantes y devastadoras.

Molly Ortwein, una sobreviviente de la cirugía de mastectomía (extracción del seno completo), ideó una nueva manera de lidiar con el proceso de recuperación a través de una experiencia en la que el arte del tatuaje es utilizado para ayudar a las mujeres a que vean sus cuerpos de manera diferente y a que consideren sus cicatrices símbolos de su fuerza y triunfo sobre la enfermedad.

En colaboración con su cuñado Noel Franus y otros trabajadores de la agencia de publicidad CP+B (Crispin Porter + Bogusky) en Colorado, Molly lanzó en el 2012 la organización sin fines de lucro Personal Ink (P.Ink), una plataforma que se encarga de poner en contacto a sobrevivientes de cáncer de mama con tatuadores de todas partes del mundo. P.Ink comenzó como una atractiva plataforma de Pinterest; en la actualidad, se convertido en un fuerte núcleo artístico que ofrece a los clientes extraordinarios diseños de tatuajes, ideas inspiradoras, historias, entrevistas y artistas que los ayudarán durante el proceso de reconstrucción de su cuerpo.

Entre los tatuadores que han colaborado con P.Ink se encuentran: Virginia Elwood, Roxx, Kelly Torres, Madame Chinchilla, Colby Butler y Sierra Orrick.

Más información sobre Personal Ink aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

A través de Personal Ink, las sobrevivientes del cáncer de mama tienen la opción de adornar sus cicatrices y superar la fuerte inconformidad que comúnmente sienten con su cuerpo después de la cirugía.

Actualmente, el cáncer de mama se ha convertido en una de las enfermedades más comunes en el mundo que afecta mayormente a las mujeres, e incluso cuando es diagnosticado a tiempo, la cirugía (es decir, remover el tumor maligno), es la opción que probablemente pueda eliminar de manera efectiva la posibilidad de resurgimiento. Dependiendo del tratamiento, la paciente puede someterse a una cirugía en la que le sea extraído una pequeña parte del seno, un cuarto de éste, o el seno completo. Posteriormente, las sobrevivientes pueden elegir realizarse a una cirugía reconstructiva que generalmente incluye próstesis de seno y/o de pezones. Sin embargo, no importando la circunstancia, la afectación física y psicológica que sufre la paciente deja en su cuerpo marcas casi siempre traumatizantes y devastadoras.

Molly Ortwein, una sobreviviente de la cirugía de mastectomía (extracción del seno completo), ideó una nueva manera de lidiar con el proceso de recuperación a través de una experiencia en la que el arte del tatuaje es utilizado para ayudar a las mujeres a que vean sus cuerpos de manera diferente y a que consideren sus cicatrices símbolos de su fuerza y triunfo sobre la enfermedad.

En colaboración con su cuñado Noel Franus y otros trabajadores de la agencia de publicidad CP+B (Crispin Porter + Bogusky) en Colorado, Molly lanzó en el 2012 la organización sin fines de lucro Personal Ink (P.Ink), una plataforma que se encarga de poner en contacto a sobrevivientes de cáncer de mama con tatuadores de todas partes del mundo. P.Ink comenzó como una atractiva plataforma de Pinterest; en la actualidad, se convertido en un fuerte núcleo artístico que ofrece a los clientes extraordinarios diseños de tatuajes, ideas inspiradoras, historias, entrevistas y artistas que los ayudarán durante el proceso de reconstrucción de su cuerpo.

Entre los tatuadores que han colaborado con P.Ink se encuentran: Virginia Elwood, Roxx, Kelly Torres, Madame Chinchilla, Colby Butler y Sierra Orrick.

Más información sobre Personal Ink aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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June 2, 2014 - No Comments!

★ CuteCircuit (UK) | A Perfect Combination Of High-Tech And Fashion

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A pioneer duo in the field of wearable technology resolved to create attractive fashion designs that visually an emotionally interact with the user.


[Ver artículo en español abajo]

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cutecircuit_stripey

Illuminated jackets for Samsung

cute-circuit-aurora-led-dress-1

kdress-kdress70x490

katy-perry-et-4-870x490

Galaxy Dress

U1-copy

eiza-gonzalez-in-cutecircuit1-960x710

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=uyVEOEcvJ9U]

 

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=j5aP_5xmmQ8]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Established in 2004 and based in the district of Shoreditch, in the East End of London, CuteCircuit is an international fashion house recognized for their attractive high-tech couture clothing. Fashion designer and creative director Francesca Rosella and interface designer and CEO Ryan Genz, are the founders of the company who work together merging beauty and functionality to create the ultimate fashionable designs.

They have manufactured garments for different celebrities like Laura Pausini, U2, Sarah Brightman and Katy Perry, and for companies like Samsung and Mercedes-Benz. Among their creative projects are: the Twitter Dress, which displayed tweets in real time by using the hashtag #tweetthedress and which was worn by American singer Nicole Scherzinger; the Twirkle Disc Collection, which includes clothes that light up according to the wearer’s movements; the Galaxy Dress, which was commissioned by the Museum of Science and Industry in Chicago and exhibited 24000 color pixels; and the Pink&Black Collection, in which the Magnum dress became the first one ever to be controlled by anyone via an iPhone, which meant than by sending a tweet using the hashtags #makeitblack or #makeitpink, the dress instantly changed color from black to pink and viceversa.

CuteCircut’s high-class interactive attires have become a noteworthy trend within the fashion world. They are constantly studying new technologies and looking for original ways of making wearable designs more intelligent for the future. They use smart textiles, micro-electronics and sensors to bring to live their innovative illuminated designs which they complement with the best fabrics and materials, Swarovski crystals and LEDs.

More information on CuteCircuit here.

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Established in 2004 and based in the district of Shoreditch, in the East End of London, CuteCircuit is an international fashion house recognized for their attractive high-tech couture clothing. Fashion designer and creative director Francesca Rosella and interface designer and CEO Ryan Genz, are the founders of the company who work together merging beauty and functionality to create the ultimate fashionable designs.

They have manufactured garments for different celebrities like Laura Pausini, U2, Sarah Brightman and Katy Perry, and for companies like Samsung and Mercedes-Benz. Among their creative projects are: the Twitter Dress, which displayed tweets in real time by using the hashtag #tweetthedress and which was worn by American singer Nicole Scherzinger; the Twirkle Disc Collection, which includes clothes that light up according to the wearer’s movements; the Galaxy Dress, which was commissioned by the Museum of Science and Industry in Chicago and exhibited 24000 color pixels; and the Pink&Black Collection, in which the Magnum dress became the first one ever to be controlled by anyone via an iPhone, which meant than by sending a tweet using the hashtags #makeitblack or #makeitpink, the dress instantly changed color from black to pink and viceversa.

CuteCircut’s high-class interactive attires have become a noteworthy trend within the fashion world. They are constantly studying new technologies and looking for original ways of making wearable designs more intelligent for the future. They use smart textiles, micro-electronics and sensors to bring to live their innovative illuminated designs which they complement with the best fabrics and materials, Swarovski crystals and LEDs.

More information on CuteCircuit here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

CuteCircuit es una compañía de diseño de modas reconocida a nivel internacional por sus atractivos diseños que integran tecnología y alta costura. Se estableció en el 2004 y actualmente se encuentra ubicada en el distrito de Shoreditch en Londres, Reino Unido. Los fundadores son Francesca Rosella, diseñadora de modas y directora creativa de la empresa y Ryan Genz, presidente ejecutivo y diseñador de interfaces. Juntos, trabajan fusionando belleza y funcionalidad para crear increíbles diseños de último momento.

CuteCircuit ha fabricado prendas para diversas celebridades como Laura Pausini, U2, Sarah Brightman y Katy Perry, y para compañías como Samsung y Mercedes-Benz. Entre sus proyectos creativos se encuentran: el vestido Twitter, el cual muestra mensajes tweets en tiempo real utilizando los hashtags #tweetthedress y fue utilizado por la cantante estadounidense Nicole Scherzinger; la Colección Twirkle Disc, la cual incluye prendas que brillan de acuerdo al movimiento de quien las viste; el vestido Galaxy, el cual fue comisionado por el Museo de Ciencia e Industria de Chicago y el cual exhibió 24000 pixeles de color; y la Colección Pink&Black, en donde el vestido llamado Magnum se convirtió en la primera prenda de vestir en ser controlada por un iPhone, lo que quiere decir que si alguien mandaba un tweet usando los hashtags #makeitblack o #makeitpink, el vestido cambiaba de color de negro a rosa y viceversa.

Los elegantes diseños interactivos de CuteCircuit se han convertido en una reveladora tendencia dentro del mundo de la moda. Constantemente se encuentran estudiando nuevas formas de tecnología y buscando innovadoras maneras de hacer que los atuendos se vuelvan más inteligentes en un futuro. Utilizan tecnología micro-electrónica, sensores y telas inteligentes para confeccionar sus innovadores diseños iluminados, los cuales complementan con las mejor calidad en tela y materiales, cristales Swarovsky y luces LED.

Más información sobre CuteCircuit aquí.

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CuteCircuit es una compañía de diseño de modas reconocida a nivel internacional por sus atractivos diseños que integran tecnología y alta costura. Se estableció en el 2004 y actualmente se encuentra ubicada en el distrito de Shoreditch en Londres, Reino Unido. Los fundadores son Francesca Rosella, diseñadora de modas y directora creativa de la empresa y Ryan Genz, presidente ejecutivo y diseñador de interfaces. Juntos, trabajan fusionando belleza y funcionalidad para crear increíbles diseños de último momento.

CuteCircuit ha fabricado prendas para diversas celebridades como Laura Pausini, U2, Sarah Brightman y Katy Perry, y para compañías como Samsung y Mercedes-Benz. Entre sus proyectos creativos se encuentran: el vestido Twitter, el cual muestra mensajes tweets en tiempo real utilizando los hashtags #tweetthedress y fue utilizado por la cantante estadounidense Nicole Scherzinger; la Colección Twirkle Disc, la cual incluye prendas que brillan de acuerdo al movimiento de quien las viste; el vestido Galaxy, el cual fue comisionado por el Museo de Ciencia e Industria de Chicago y el cual exhibió 24000 pixeles de color; y la Colección Pink&Black, en donde el vestido llamado Magnum se convirtió en la primera prenda de vestir en ser controlada por un iPhone, lo que quiere decir que si alguien mandaba un tweet usando los hashtags #makeitblack o #makeitpink, el vestido cambiaba de color de negro a rosa y viceversa.

Los elegantes diseños interactivos de CuteCircuit se han convertido en una reveladora tendencia dentro del mundo de la moda. Constantemente se encuentran estudiando nuevas formas de tecnología y buscando innovadoras maneras de hacer que los atuendos se vuelvan más inteligentes en un futuro. Utilizan tecnología micro-electrónica, sensores y telas inteligentes para confeccionar sus innovadores diseños iluminados, los cuales complementan con las mejor calidad en tela y materiales, cristales Swarovsky y luces LED.

Más información sobre CuteCircuit aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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