SAKETEKILLA › Drawing

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May 27, 2015 - No Comments!

★ Hari & Deepti (US) | Magical Handcut Paper Boxes

Denver-based graphic designers and illustrators Deepti Nair and Harikrishnan Panicker share their passion for imaginary beings, unreal worlds and paper cutting. Their enigmatic work as the creative duo Hari & Deepti is identified by splendid dioramas formed with delicate and complex hand-cut characters and dreamy scenarios that only come to life when lit with LED lights. Their laborious craftwork is the perfect example of what great minds can do using a medium as simple – yet versatile- as paper.

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May 6, 2015 - No Comments!

★ C215 (FR) | Stencil Anonymity

French street artist Christian Guémy, also known as C215, travels around the world capturing wondrous close-up portraits of street people. Thanks to his extraordinary stencil expertise -developed since 2006- Guémy transforms the image of smokers, beggars, homeless and old-age people, refugees, and street kids, into authentically emotive works of art.

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April 29, 2015 - No Comments!

★ Christoph Niemann (GE) | The Art of Ecstatic Simplicity

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

With a portfolio filled with witty and amusing drawings, German-born editorial artist Christoph Niemann has resorted to humoristic illustrations to engage his readers. His iconic work has appeared in prestigious publications like The New Yorker, Newsweek and American Illustration, and has taken him to collaborate with renowned corporations like Google, Herman Miller and The Museum of Modern Art. Based in Berlin, Niemann has accomplished a unique style in which his hand-drown illustrations may seem easily produced, but which in fact require a massive amount of effort.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Artist, author, and illustrator Christoph Niemann specializes in creating original and humorous illustrations, especially for advertising and editorial clients. He studied graphic design in Stuttgart, Germany and then moved to New York City where he rapidly made a name for himself as an innovative illustrator. After eleven years in the USA, he moved to Berlin, Germany, and now his career fluctuates mainly between the style and sense of humor of those two countries. Today, Niemann is a master of the expression of complex ideas through a brisk and witty style and one of the most prominent graphic artists of the moment.

Passionate of kinesthetic learning –thanks to which he is able to assign colors to letters to develop his memory- and of morning working-hours, Niemann has learned throughout his more than 10 years of experience that having short deadlines is the only way to really come up with sharp and successful creative results. “If the anxiety is about the deadline, then the energy really focuses on the result”. – Christoph shared with 99U

His striking and fast-executed illustrations cover all kinds of topics – politics, culture, economics, business, social developments, etc. - and are recognizable for their unique combination of reality and fantasy. An example of his extraordinary talent for incorporating the context of the story into his designs can be seen in his 2011 illustration for The New Yorker about the Fukushima disaster. In this cover, the artist cleverly used the branches of a traditional Japanese cherry tree and replaced the flowers with symbols of nuclear radiation.

To use jokes and laughter as a form of communication is the core attribute of Christoph’s work. Thanks to his limitless creativity, Niemann is also able to get inspired even by his most random and unthinkable experiences. For instance, his handmade illustrations depicting his trips from New York to Berlin, his napkin-drawings expressing his love-hate relationship with coffee – a project created using 40% of coffee infusion as part of the ink-, and his Lego creations while enclosed at home due to the cold weather.

“There is unfortunately no secret to the way I work. I sit in front of a stack of letter size paper, and think until my head hurts. I do not produce sketches of even the slightest artistic value”. - Christoph Niemann told Duarte

Since July 2008, “Abstract City” -renamed “Abstract Sunday” in 2011- became Christoph Niemann’s blog for The New York Times where readers can find part of his most recent work. Among other projects, Christoph is the author of two children’s books and the creator of “Petting Zoo”, an app that combines his amusing illustrations with technology allowing the user to see how 21 animals react to the screen touch.

More information on Christoph Niemann here.

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Artist, author, and illustrator Christoph Niemann specializes in creating original and humorous illustrations, especially for advertising and editorial clients. He studied graphic design in Stuttgart, Germany and then moved to New York City where he rapidly made a name for himself as an innovative illustrator. After eleven years in the USA, he moved to Berlin, Germany, and now his career fluctuates mainly between the style and sense of humor of those two countries. Today, Niemann is a master of the expression of complex ideas through a brisk and witty style and one of the most prominent graphic artists of the moment.

Passionate of kinesthetic learning –thanks to which he is able to assign colors to letters to develop his memory- and of morning working-hours, Niemann has learned throughout his more than 10 years of experience that having short deadlines is the only way to really come up with sharp and successful creative results. “If the anxiety is about the deadline, then the energy really focuses on the result”. – Christoph shared with 99U

His striking and fast-executed illustrations cover all kinds of topics – politics, culture, economics, business, social developments, etc. - and are recognizable for their unique combination of reality and fantasy. An example of his extraordinary talent for incorporating the context of the story into his designs can be seen in his 2011 illustration for The New Yorker about the Fukushima disaster. In this cover, the artist cleverly used the branches of a traditional Japanese cherry tree and replaced the flowers with symbols of nuclear radiation.

To use jokes and laughter as a form of communication is the core attribute of Christoph’s work. Thanks to his limitless creativity, Niemann is also able to get inspired even by his most random and unthinkable experiences. For instance, his handmade illustrations depicting his trips from New York to Berlin, his napkin-drawings expressing his love-hate relationship with coffee – a project created using 40% of coffee infusion as part of the ink-, and his Lego creations while enclosed at home due to the cold weather.

“There is unfortunately no secret to the way I work. I sit in front of a stack of letter size paper, and think until my head hurts. I do not produce sketches of even the slightest artistic value”. - Christoph Niemann told Duarte

Since July 2008, “Abstract City” -renamed “Abstract Sunday” in 2011- became Christoph Niemann’s blog for The New York Times where readers can find part of his most recent work. Among other projects, Christoph is the author of two children’s books and the creator of “Petting Zoo”, an app that combines his amusing illustrations with technology allowing the user to see how 21 animals react to the screen touch.

More information on Christoph Niemann here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Con un portafolio repleto de ingeniosas y divertidas ilustraciones, el artista, autor e ilustrador alemán Christoph Niemann ha recurrido al humor para capturar a sus lectores. Su excepcional trabajo ha aparecido en prestigiosas publicaciones tales como The New Yorker, Newsweek y American Illustration y su talento lo ha llevado a colaborar con importantes compañías, como Google, Herman Miller y The Museum of Modern Art. Actualmente con residencia en Berlín, Niemann ha sabido dar a su estilo un toque rápido y sencillo, sin embargo, su proceso requiere mucho más esfuerzo del pensando.

Christoph estudió diseño gráfico en Stuttgart, Alemania y posteriormente se mudó a Nueva York donde rápidamente se posicionó como un talentoso e innovador artista e ilustrador. Después de once años trabajando en Estados Unidos, decidió volver a Alemania y establecerse en Berlín, desarrollando así una prestigiosa carrera que fluctúa entre el estilo y sentido del humor de ambos países. Hoy en día, Niemann es experto en la expresión rápida, clara, y enérgica de ideas complejas y se le conoce como uno de los artistas gráficos más importantes del momento.

Apasionado del aprendizaje kinestésico – gracias al cual es capaz de asignar colores a las letras con el objetivo de mejorar su memoria- y de las horas de trabajo matutinas, Niemann ha aprendido durante sus más de 10 años de experiencia, que el tener fechas límite de entrega cortas es la única manera de crear resultados que verdaderamente valgan la pena. “Si lo que causa ansiedad es la fecha límite, entonces la energía se centra en el resultado”. – Christoph compartió con 99U

Sus notables ilustraciones creadas con sorprendente agilidad abarcan todo tipo de temas – política, cultura, negocios, economía, eventos sociales, etc. – y se destacan por la combinación única de realidad y fantasía. Un ejemplo de su gran talento para incorporar el contexto de la historia en sus diseños es su ilustración de 2011 para la publicación The New Yorker, la cual habla sobre el desastre de la planta de Fukushima. En esta portada, Niemann tomó las ramas de un tradicional árbol de flor de cerezo japonés y sustituyó las flores por un símbolo de radiación nuclear.

Utilizar chistes y risas como una forma de comunicación exitosa es el atributo principal del trabajo de Christoph. Gracias a su ilimitada creatividad, Niemann es capaz de obtener fantásticas ideas de las más inesperadas experiencias personales. Por ejemplo, sus ilustraciones a mano que expresan su travesía durante un viaje en avión de Nueva York a Berlín, su relación de amor-odio con el café – un proyecto realizado en servilletas utilizando como tinta un líquido compuesto de 40% de café – y sus creaciones en Lego, las cuales realizó estando encerrado en casa durante días de un clima tempestuoso.

“Desafortunadamente, no hay un secreto que demuestre la manera en que trabajo. Me siento en frente de una pila de hojas tamaño carta, y pienso hasta que me duele la cabeza. No realizo bocetos que contengan el menor valor artístico”. – Christoph Niemann dijo a Duarte

Desde julio del 2008, “Abstract City” – renombrado en el 2011 “Abstract Sunday”- se convirtió en el blog de Niemann para The New York Times. Los lectores pueden encontrar en él parte de su más reciente trabajo. Entre otros proyectos, Christoph es el autor de dos libros infantiles y el creador de “Petting Zoo”, una aplicación que combina sus creativas ilustraciones y la tecnología, permitiendo al usuario interactuar con 21 animales y observar su reacción ante el contacto de la pantalla.

Más información sobre Christoph Niemann aquí.

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Con un portafolio repleto de ingeniosas y divertidas ilustraciones, el artista, autor e ilustrador alemán Christoph Niemann ha recurrido al humor para capturar a sus lectores. Su excepcional trabajo ha aparecido en prestigiosas publicaciones tales como The New Yorker, Newsweek y American Illustration y su talento lo ha llevado a colaborar con importantes compañías, como Google, Herman Miller y The Museum of Modern Art. Actualmente con residencia en Berlín, Niemann ha sabido dar a su estilo un toque rápido y sencillo, sin embargo, su proceso requiere mucho más esfuerzo del pensando.

Christoph estudió diseño gráfico en Stuttgart, Alemania y posteriormente se mudó a Nueva York donde rápidamente se posicionó como un talentoso e innovador artista e ilustrador. Después de once años trabajando en Estados Unidos, decidió volver a Alemania y establecerse en Berlín, desarrollando así una prestigiosa carrera que fluctúa entre el estilo y sentido del humor de ambos países. Hoy en día, Niemann es experto en la expresión rápida, clara, y enérgica de ideas complejas y se le conoce como uno de los artistas gráficos más importantes del momento.

Apasionado del aprendizaje kinestésico – gracias al cual es capaz de asignar colores a las letras con el objetivo de mejorar su memoria- y de las horas de trabajo matutinas, Niemann ha aprendido durante sus más de 10 años de experiencia, que el tener fechas límite de entrega cortas es la única manera de crear resultados que verdaderamente valgan la pena. “Si lo que causa ansiedad es la fecha límite, entonces la energía se centra en el resultado”. – Christoph compartió con 99U

Sus notables ilustraciones creadas con sorprendente agilidad abarcan todo tipo de temas – política, cultura, negocios, economía, eventos sociales, etc. – y se destacan por la combinación única de realidad y fantasía. Un ejemplo de su gran talento para incorporar el contexto de la historia en sus diseños es su ilustración de 2011 para la publicación The New Yorker, la cual habla sobre el desastre de la planta de Fukushima. En esta portada, Niemann tomó las ramas de un tradicional árbol de flor de cerezo japonés y sustituyó las flores por un símbolo de radiación nuclear.

Utilizar chistes y risas como una forma de comunicación exitosa es el atributo principal del trabajo de Christoph. Gracias a su ilimitada creatividad, Niemann es capaz de obtener fantásticas ideas de las más inesperadas experiencias personales. Por ejemplo, sus ilustraciones a mano que expresan su travesía durante un viaje en avión de Nueva York a Berlín, su relación de amor-odio con el café – un proyecto realizado en servilletas utilizando como tinta un líquido compuesto de 40% de café – y sus creaciones en Lego, las cuales realizó estando encerrado en casa durante días de un clima tempestuoso.

“Desafortunadamente, no hay un secreto que demuestre la manera en que trabajo. Me siento en frente de una pila de hojas tamaño carta, y pienso hasta que me duele la cabeza. No realizo bocetos que contengan el menor valor artístico”. – Christoph Niemann dijo a Duarte

Desde julio del 2008, “Abstract City” – renombrado en el 2011 “Abstract Sunday”- se convirtió en el blog de Niemann para The New York Times. Los lectores pueden encontrar en él parte de su más reciente trabajo. Entre otros proyectos, Christoph es el autor de dos libros infantiles y el creador de “Petting Zoo”, una aplicación que combina sus creativas ilustraciones y la tecnología, permitiendo al usuario interactuar con 21 animales y observar su reacción ante el contacto de la pantalla.

Más información sobre Christoph Niemann aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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April 22, 2015 - No Comments!

★ Chaim Machlev (GE) | Timeless Ink Art

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Berlin-based tattoo artist Chaim Machlev uses lines and dots to engrave appealing yet unconventional designs on people’s skins. Usually of a large-scale and minimalistic style, his monochromatic tattoos achieve a remarkable sense of three-dimensionality and movement thanks to the delicate intertwining of organic and geometric elements that match the curves of the body shape. With clients from all over the world - Australia, Africa, America, South America, and the Middle East – Machlev has rapidly positioned as one of the most coveted tattoo artists in the last three years.


[Ver artículo en español abajo]

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[youtube http://www.youtube.com/watch?v=vDmo5YMQAy8]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

“A dot is something so simple that you can make things in a thousand different ways” – Chaim Machlev

Native from Tel Aviv, Israel, rising tattoo artist Chaim Machlev creates elegant line and dot designs inside his private studio, DotsToLines, in Berlin, Germany. A former project manager for an IT company, Machlev decided to start his tattooing career in 2012, after getting his first tattoo at Psycho Tattoo Studio in Tel Aviv and knowing tattoo artist Avi Vanunu. Chaim thinks of his first tattoo process as a life-changing experience that contributed to the definite unleash of his creativity. Because of it, today, he is the author of extraordinary body-art designs and one of the most trending tattooist of the moment.

The style of his work is simple yet distinctively sophisticated. Usually of a large-scale and symmetrical nature, Chaim’s tattoos are engraved across an arm, leg, back or chest, using black ink –the only color he thinks will make his designs timeless. The geometric shapes and wavy lines that he intertwines to produce abstract forms impeccably adapt and flow throughout the human body.

Through his art, Machlev attempts to beautify the body in movement and to make tattoos less intimidating for those who see them as a “negative” form of expression. Always striving for individuality, Chaim conceives each complex design separately according to the body shape in which it will be engraved.

“I experiment a lot, like on a daily basis—which is a bit risky when it comes to a non-reversible form of art, but I guess that is the only way to develop your own style as an artist and create something individual daily”. – Chaim Machlev told Inked Magazine

Influenced by nature and the spiritual world, Chaim Machlev gets his main inspiration from insects, lotus flowers and the symbol of universe, Mandala. As a meticulous and perfectionist artist, the high quality of his work has attracted thousands of online followers around the world creating a 1-2 years waiting time to get an appointment.

More information on Chaim Machlev here.

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“A dot is something so simple that you can make things in a thousand different ways” – Chaim Machlev

Native from Tel Aviv, Israel, rising tattoo artist Chaim Machlev creates elegant line and dot designs inside his private studio, DotsToLines, in Berlin, Germany. A former project manager for an IT company, Machlev decided to start his tattooing career in 2012, after getting his first tattoo at Psycho Tattoo Studio in Tel Aviv and knowing tattoo artist Avi Vanunu. Chaim thinks of his first tattoo process as a life-changing experience that contributed to the definite unleash of his creativity. Because of it, today, he is the author of extraordinary body-art designs and one of the most trending tattooist of the moment.

The style of his work is simple yet distinctively sophisticated. Usually of a large-scale and symmetrical nature, Chaim’s tattoos are engraved across an arm, leg, back or chest, using black ink –the only color he thinks will make his designs timeless. The geometric shapes and wavy lines that he intertwines to produce abstract forms impeccably adapt and flow throughout the human body.

Through his art, Machlev attempts to beautify the body in movement and to make tattoos less intimidating for those who see them as a “negative” form of expression. Always striving for individuality, Chaim conceives each complex design separately according to the body shape in which it will be engraved.

“I experiment a lot, like on a daily basis—which is a bit risky when it comes to a non-reversible form of art, but I guess that is the only way to develop your own style as an artist and create something individual daily”. – Chaim Machlev told Inked Magazine

Influenced by nature and the spiritual world, Chaim Machlev gets his main inspiration from insects, lotus flowers and the symbol of universe, Mandala. As a meticulous and perfectionist artist, the high quality of his work has attracted thousands of online followers around the world creating a 1-2 years waiting time to get an appointment.

More information on Chaim Machlev here.

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“Un punto es algo tan simple que uno puede hacer cosas de mil maneras distintas” – Chaim Machlev

Originario de Tel Aviv, Israel y con residencia actual en Berlín, Alemana, Chaim Machlev es un artista y tatuador contemporáneo que utiliza líneas y puntos para crear sus atractivos y originales diseños. Generalmente de tamaño considerable y un estilo minimalista, sus tatuajes se caracterizan por su tridimensionalidad y sensación de movimiento gracias al elegante entrelazado de elementos orgánicos y  geométricos que se adaptan a las líneas del cuerpo.

Actualmente Chaim Machlev crea sus delicados diseños en su estudio DotsToLines. Años atrás, trabajaba como gerente de proyectos para una compañía de tecnologías de información, sin embargo, después de obtener su primer tatuaje en el 2012 en el Psycho Tattoo Studio en Tel Aviv y platicar con el artista Avi Vanunu, decidió comenzar su propia carrera como tatuador. Chaim opina que el proceso de hacerse su primer tatuaje fue una experiencia que le cambió la vida y lo que finalmente hizo que su creatividad saliera a flote. Debido a eso, hoy es el creador de extraordinarios diseños y uno de los tatuadores más buscados del momento.

El estilo de su trabajo es simple pero con una sofisticación única. Sus diseños -generalmente grandes y simétricos- son realizados en la superficie de un brazo, una pierna, la espalda o el pecho, usando tinta negra – el único color que él considera hará que sus diseños se vuelvan atemporales. Las figuras geométricas y las líneas curveadas que el artista logra entrecruzar para formar figuras abstractas se adaptan de manera impecable al cuerpo y fluyen a través de él.

A través de su arte, Machlev pretende hacer de la figura humana en movimiento algo más bello, además de hacer del arte del tatuaje una forma de expresión menos intimidante para aquellas personas que piensan de él como algo “negativo”. Siempre en búsqueda de la individualidad, Chaim crea el concepto de cada uno de sus diseños de manera separada, basándose en la forma única que tiene el cuerpo de la persona en el que será realizado el tatuaje.

“Experimento mucho, prácticamente todos los días – lo cual es un poco riesgoso si hablamos de un tipo de arte que no es reversible, pero supongo que es la única manera de desarrollar un estilo propio como artista y de crear algo individual diariamente”. - Chaim Machlev compartió con Inked Magazine

Influenciado por la naturaleza y el mundo espiritual, Chaim Machlev obtiene su principal fuente de inspiración de insectos, las flores de loto y del Mándala, el símbolo del universo. Como un artista perfeccionista y meticuloso, crea sus tatuajes con la más alta calidad, logrando un amplio número de seguidores en línea y una lista de espera de 1 a 2 años para la obtención de una cita.

Más información sobre Chaim Machlev aquí.

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“Un punto es algo tan simple que uno puede hacer cosas de mil maneras distintas” – Chaim Machlev

Originario de Tel Aviv, Israel y con residencia actual en Berlín, Alemana, Chaim Machlev es un artista y tatuador contemporáneo que utiliza líneas y puntos para crear sus atractivos y originales diseños. Generalmente de tamaño considerable y un estilo minimalista, sus tatuajes se caracterizan por su tridimensionalidad y sensación de movimiento gracias al elegante entrelazado de elementos orgánicos y  geométricos que se adaptan a las líneas del cuerpo.

Actualmente Chaim Machlev crea sus delicados diseños en su estudio DotsToLines. Años atrás, trabajaba como gerente de proyectos para una compañía de tecnologías de información, sin embargo, después de obtener su primer tatuaje en el 2012 en el Psycho Tattoo Studio en Tel Aviv y platicar con el artista Avi Vanunu, decidió comenzar su propia carrera como tatuador. Chaim opina que el proceso de hacerse su primer tatuaje fue una experiencia que le cambió la vida y lo que finalmente hizo que su creatividad saliera a flote. Debido a eso, hoy es el creador de extraordinarios diseños y uno de los tatuadores más buscados del momento.

El estilo de su trabajo es simple pero con una sofisticación única. Sus diseños -generalmente grandes y simétricos- son realizados en la superficie de un brazo, una pierna, la espalda o el pecho, usando tinta negra – el único color que él considera hará que sus diseños se vuelvan atemporales. Las figuras geométricas y las líneas curveadas que el artista logra entrecruzar para formar figuras abstractas se adaptan de manera impecable al cuerpo y fluyen a través de él.

A través de su arte, Machlev pretende hacer de la figura humana en movimiento algo más bello, además de hacer del arte del tatuaje una forma de expresión menos intimidante para aquellas personas que piensan de él como algo “negativo”. Siempre en búsqueda de la individualidad, Chaim crea el concepto de cada uno de sus diseños de manera separada, basándose en la forma única que tiene el cuerpo de la persona en el que será realizado el tatuaje.

“Experimento mucho, prácticamente todos los días – lo cual es un poco riesgoso si hablamos de un tipo de arte que no es reversible, pero supongo que es la única manera de desarrollar un estilo propio como artista y de crear algo individual diariamente”. - Chaim Machlev compartió con Inked Magazine

Influenciado por la naturaleza y el mundo espiritual, Chaim Machlev obtiene su principal fuente de inspiración de insectos, las flores de loto y del Mándala, el símbolo del universo. Como un artista perfeccionista y meticuloso, crea sus tatuajes con la más alta calidad, logrando un amplio número de seguidores en línea y una lista de espera de 1 a 2 años para la obtención de una cita.

Más información sobre Chaim Machlev aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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April 15, 2015 - No Comments!

★ Miguel Jiron (USA) | Creator Of Living Illustrations

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Los Angeles-based director and animator Miguel Jiron produces eccentric animations characterized by an intriguing, complex and fantastic humor. As a storyboard artist at Illumination Entertainment, Jiron brings his peculiar characters to life taking elements from his Nicaraguan heritage and passion for telling stories.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text][vimeo 72922839 w=100 h=281]

LA-GAR-TO from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 52193530 w=100 h=281]

Sensory Overload (Interacting with Autism Project) from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 26404699 w=100 h=281]

Paint Showers from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 113247929 w=100 h=281]

Los Angeles Yule Log from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 123277319 w=100 h=501]

Virtual Reality Pornstar from Miguel Jiron on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in Baton Rouge, Louisiana to Nicaraguan parents, and currently based in Los Angeles, California, Miguel Jiron is a director and animator known for the eccentric and captivating style with which he creates his animated stories and gif images. He works as a storyboard artist at Illumination Entertainment and has a background as a painting assistant for Takashi Murakami in New York City and Tokyo. His illustrations have appeared in publications like National Geographic AdventureWorld Policy JournalResource Magazine, and Inside Counsel Magazine, among others.

Jiron's style is bold and filled with vibrant colors and fascinating sounds. His work is a disclosure of his deepest ideas transformed into extraordinary worlds characterized by great movement and energy. “La-Gar-To”, a story about a boy who travels to Nicaragua with his family and encounters a strident and frightening world occupied with iguanas, is an example of his dazzling talent to describe insightful scenes using imprecise hand-drawn lines, diverse hues of colors, appealing sounds, and multiple perspectives.

Other of Miguel Jiron’s most interesting projects are “Sensory Overload”, an animation produced for video-based website Interacting With Autism, in which he splendidly offers a glimpse of the harsh reality that children diagnosed with autism experience due to their heightened sensorial circumstances; and “Paint Showers”, an animated short depicting thunderstorms made out of drops of paint and complemented with genuine storm sounds.

More information on Miguel Jiron here.

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Born in Baton Rouge, Louisiana to Nicaraguan parents, and currently based in Los Angeles, California, Miguel Jiron is a director and animator known for the eccentric and captivating style with which he creates his animated stories and gif images. He works as a storyboard artist at Illumination Entertainment and has a background as a painting assistant for Takashi Murakami in New York City and Tokyo. His illustrations have appeared in publications like National Geographic AdventureWorld Policy JournalResource Magazine, and Inside Counsel Magazine, among others.

Jiron's style is bold and filled with vibrant colors and fascinating sounds. His work is a disclosure of his deepest ideas transformed into extraordinary worlds characterized by great movement and energy. “La-Gar-To”, a story about a boy who travels to Nicaragua with his family and encounters a strident and frightening world occupied with iguanas, is an example of his dazzling talent to describe insightful scenes using imprecise hand-drawn lines, diverse hues of colors, appealing sounds, and multiple perspectives.

Other of Miguel Jiron’s most interesting projects are “Sensory Overload”, an animation produced for video-based website Interacting With Autism, in which he splendidly offers a glimpse of the harsh reality that children diagnosed with autism experience due to their heightened sensorial circumstances; and “Paint Showers”, an animated short depicting thunderstorms made out of drops of paint and complemented with genuine storm sounds.

More information on Miguel Jiron here.

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Nacido en Baton Rouge, Luisiana y con residencia actual en Los Ángeles, California, Miguel Jiron es un director y animador de ascendencia Nicaragüense que se distingue por la producción de animaciones e imágenes gif cargadas de intriga, complejidad y fantasía. Con experiencia como asistente en el taller del artista Takashi Murakami en Tokio y Nueva York, y hoy en día creador de storyboards en Illumination Entertainment, Jiron combina en su extraordinario trabajo, su herencia sudamericana, su pasión por relatar historias y su magnífico talento pora llenar de vida sus peculiares personajes.

El estilo excéntrico y cautivador de las ilustraciones animadas de Miguel Jiron le ha valido gran reconocimiento en diversas publicaciones, tales como National Geographic Adventure, World Policy Journal, Resource Magazine, e Inside Counsel Magazine, entre otras. Su atrevido uso de llamativos colores y fascinantes sonidos le ha permitido transformar sus imágenes en extraordinarios mundos llenos de movimiento y energía.

La-Gar-To”, una historia sobre un niño que viaja con su familia a Nicaragua descubriendo así un estrepitoso y aterrador mundo infestado de iguanas, es uno de sus ejemplos más palpables que muestra su gran talento para describir a detalle profundas escenas utilizando líneas imprecisas dibujadas a mano, un sin fin de tonalidades, atractivos sonidos, y múltiples perspectivas.

Entre otros de los proyectos más interesantes de Miguel se encuentran “Sensory Overload” (Sobrecarga Sensorial), una animación producida para la organización Interacting With Autism, en la que Jiron ofrece un vistazo de la dura realidad que viven los niños diagnosticados con autismo que deben lidiar con la intensificación de sus sentidos; y “Pain Showers” (Baños de Pintura), una animación que muestra tormentas fabricadas con gotas de pintura y la cual complementó con auténticos sonidos de lluvias y rayos.

Más información sobre Miguel Jiron aquí.

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Nacido en Baton Rouge, Luisiana y con residencia actual en Los Ángeles, California, Miguel Jiron es un director y animador de ascendencia Nicaragüense que se distingue por la producción de animaciones e imágenes gif cargadas de intriga, complejidad y fantasía. Con experiencia como asistente en el taller del artista Takashi Murakami en Tokio y Nueva York, y hoy en día creador de storyboards en Illumination Entertainment, Jiron combina en su extraordinario trabajo, su herencia sudamericana, su pasión por relatar historias y su magnífico talento pora llenar de vida sus peculiares personajes.

El estilo excéntrico y cautivador de las ilustraciones animadas de Miguel Jiron le ha valido gran reconocimiento en diversas publicaciones, tales como National Geographic Adventure, World Policy Journal, Resource Magazine, e Inside Counsel Magazine, entre otras. Su atrevido uso de llamativos colores y fascinantes sonidos le ha permitido transformar sus imágenes en extraordinarios mundos llenos de movimiento y energía.

La-Gar-To”, una historia sobre un niño que viaja con su familia a Nicaragua descubriendo así un estrepitoso y aterrador mundo infestado de iguanas, es uno de sus ejemplos más palpables que muestra su gran talento para describir a detalle profundas escenas utilizando líneas imprecisas dibujadas a mano, un sin fin de tonalidades, atractivos sonidos, y múltiples perspectivas.

Entre otros de los proyectos más interesantes de Miguel se encuentran “Sensory Overload” (Sobrecarga Sensorial), una animación producida para la organización Interacting With Autism, en la que Jiron ofrece un vistazo de la dura realidad que viven los niños diagnosticados con autismo que deben lidiar con la intensificación de sus sentidos; y “Pain Showers” (Baños de Pintura), una animación que muestra tormentas fabricadas con gotas de pintura y la cual complementó con auténticos sonidos de lluvias y rayos.

Más información sobre Miguel Jiron aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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March 25, 2015 - No Comments!

★ Jen Stark (USA) | 3D Paper Psychodelia

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Born in Miami, Florida, Jen Stark is a contemporary sculptor and artist who knows how to make the most of her imagination, artistic skills, and simple materials to create greatly complex kaleidoscopic paper artworks. Since her graduation from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005, Stark has given to her technicolor hand-cut creations a deep meaning that combines her natural, mathematical, and spiritual passions.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

It happened while studying abroad in the south of France that Los Angeles-based artist and sculptor Jen Stark encountered the disadvantages of the euro’s high exchange rate within the artistic world. It was then that she saw the necessity to find an affordable material in which to express her passions and interests. Finally, it was paper the ultimate supply-solution, and soon the artist realized the endless amount of possibilities that awaited her if she used her talent to transform it in an exceptional way.

Today, Jen Stark uses her imagination and patience to convert paper into fantastic psychedelic sculptures. With time, her artistic mediums have expanded, and currently, she also works with other materials like wood, plexi, foamboard, fiberboard (mdf), metal, mirrors, and paint. She has also explored drawing, muralism, and animation.

Stark’s style is full of vibrant colors and dynamism, and usually imitates mandalas and sacred objects. She combines her enthusiasm for the ideas of infinity, cosmos, mystery and nature, with her talent to transform common materials into splendid three-dimensional sculptures. Through her hypnotic geometrical patterns and repetitions, Stark attempts to express her idea that mathematics and science can be somehow related to all aspects of life. Her passion for optical illusions and kaleidoscopic designs is remarkably expressed in her stacked layers of paper that she arranges and shapes into stars, flowers, petal-like elements, and wormholes, all of them reminiscent of typographical maps and geoids. Examples of that are her projects “The Whole” and “Vortextural” projects.

Behind each sculpture there is a highly intensive and detailed creative process. Depending on the size and complexity of the artwork, Jen spends either weeks or months completing it. She starts by sketching the concept and then by stacking the paper in the order she will need it – the number of paper sheets she uses generally goes from 50 to a maximum of 150. Finally, she cuts the biggest hole and then proceeds to move inward cutting layer by layer. Admirably, not a single layer is cut by computer; using an X-ACTO knife, the artist is the only author of her psychedelic hand-cut sculptures.

Jen Stark graduated from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005. Two years later, her work started to gain outstanding online recognition and some of the best galleries around the world asked her to exhibit her sculptures. Since the takeoff of her career, she has exhibited in places like New York City, Seattle, Washington DC, Thailand, Canada and Australia. At 32, she is one of the greatest emerging artists that continue to create hypnotic geometrical works of art that stand out and influence people around the world.

More information on Jen Stark here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

It happened while studying abroad in the south of France that Los Angeles-based artist and sculptor Jen Stark encountered the disadvantages of the euro’s high exchange rate within the artistic world. It was then that she saw the necessity to find an affordable material in which to express her passions and interests. Finally, it was paper the ultimate supply-solution, and soon the artist realized the endless amount of possibilities that awaited her if she used her talent to transform it in an exceptional way.

Today, Jen Stark uses her imagination and patience to convert paper into fantastic psychedelic sculptures. With time, her artistic mediums have expanded, and currently, she also works with other materials like wood, plexi, foamboard, fiberboard (mdf), metal, mirrors, and paint. She has also explored drawing, muralism, and animation.

Stark’s style is full of vibrant colors and dynamism, and usually imitates mandalas and sacred objects. She combines her enthusiasm for the ideas of infinity, cosmos, mystery and nature, with her talent to transform common materials into splendid three-dimensional sculptures. Through her hypnotic geometrical patterns and repetitions, Stark attempts to express her idea that mathematics and science can be somehow related to all aspects of life. Her passion for optical illusions and kaleidoscopic designs is remarkably expressed in her stacked layers of paper that she arranges and shapes into stars, flowers, petal-like elements, and wormholes, all of them reminiscent of typographical maps and geoids. Examples of that are her projects “The Whole” and “Vortextural” projects.

Behind each sculpture there is a highly intensive and detailed creative process. Depending on the size and complexity of the artwork, Jen spends either weeks or months completing it. She starts by sketching the concept and then by stacking the paper in the order she will need it – the number of paper sheets she uses generally goes from 50 to a maximum of 150. Finally, she cuts the biggest hole and then proceeds to move inward cutting layer by layer. Admirably, not a single layer is cut by computer; using an X-ACTO knife, the artist is the only author of her psychedelic hand-cut sculptures.

Jen Stark graduated from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005. Two years later, her work started to gain outstanding online recognition and some of the best galleries around the world asked her to exhibit her sculptures. Since the takeoff of her career, she has exhibited in places like New York City, Seattle, Washington DC, Thailand, Canada and Australia. At 32, she is one of the greatest emerging artists that continue to create hypnotic geometrical works of art that stand out and influence people around the world.

More information on Jen Stark here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Proveniente de Miami, Florida, Jen Stark es una artista y escultora contemporánea que combina a la perfección su imaginación, extraordinarias habilidades artísticas y materiales comunes que le permiten crear sus caleidoscópicas y excepcionalmente complejas obras en papel. Estudió arte en el Maryland Institute College of Art y desde su graduación en el 2005, ha sabido dar a sus creaciones hechas a mano un significado único que une su pasión por lo natural, lo espiritual y las matemáticas.

La artista, actualmente con residencia en Los Ángeles, CA, se encontraba estudiando en el sur de Francia cuando descubrió lo caro que sería abastecerse de materiales artísticos en ese lugar. Es por eso que en ese momento tomó la decisión de escoger un material atractivo pero de bajo costo con el cual pudiera trabajar. Finalmente, eligió papel de colores y pronto se dio cuenta de las infinitas posibilidades que este material brinda a quien sabe transformarlo de manera excepcional.

Hoy en día, Jen Stark utiliza su imaginación y paciencia para convertir diferentes tipos de papel en fantásticas esculturas de carácter psicodélico. Con el tiempo, los suministros con los que trabaja han ido evolucionando y actualmente, también utiliza materiales como madera, plástico, fomi, mdf, metal, espejos y pintura. A su vez, ha explorado otras áreas como el dibujo, el muralismo y la animación.

El estilo de Jen está plagado de colores vibrantes y dinamismo. Usualmente, sus obras tienden a replicar hasta cierto grado las mándalas hindúes y otros objetos sagrados. Stark sabe combinar su pasión por la idea del infinito, el cosmos, el misterio y la naturaleza, con su talento por transformar materiales comunes en espléndidas esculturas tridimensionales. Es a través de sus patrones y repeticiones geométricas altamente hipnóticas que también refleja su idea de que las matemáticas y la ciencia de alguna manera se relacionan con todos los aspectos de la vida. Su pasión por las ilusiones ópticas y los diseños caleidoscópicos se ven perfectamente representados en las múltiples capas de papel que la artista apila y posteriormente modifica en forma de estrellas, flores, pétalos, y agujeros de gusano, todos con un toque tecnicolor que hacen recordar mapas tipográficos y geoides. Ejemplos de esto son sus proyectos “The Whole” and “Vortextural”.

La creación de cada obra lleva consigo un intenso y detallado proceso creativo. Le puede llevar semanas o meses el completar una escultura, todo depende del tamaño y nivel de complejidad de la misma. Stark comienza por crear un boceto del concepto. Posteriormente, apila el papel en el orden en que lo utilizará – el número de hojas que utiliza va de las 50 a un máximo de 150. Finalmente, corta el agujero más grande y a partir de ahí trabaja hacia adentro cortando cada hoja de manera individual. Por increíble que parezca, ninguno de los cortes es hecho por computadora. Todo el trabajo es manual utilizando un cuchillo X-ACTO.

Dos años después de su graduación de la carrera, el trabajo de Jen Stark comenzó a ser ampliamente reconocido en múltiples blogs en línea. Fue entonces que diversas de las mejores galerías del mundo pidieron a la artista que exhibiera sus obras. Desde ese momento, su trabajo se ha encontrado en lugares como Nueva York, Seattle, Washington, Tailandia, Canadá y Australia. A los 32 años de edad, Stark es una de las más grandes y emerges artistas que continua creando extraordinarias obras geométricas que cautivan e influencian al resto del mundo.

Más información sobre Jen Stark aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Proveniente de Miami, Florida, Jen Stark es una artista y escultora contemporánea que combina a la perfección su imaginación, extraordinarias habilidades artísticas y materiales comunes que le permiten crear sus caleidoscópicas y excepcionalmente complejas obras en papel. Estudió arte en el Maryland Institute College of Art y desde su graduación en el 2005, ha sabido dar a sus creaciones hechas a mano un significado único que une su pasión por lo natural, lo espiritual y las matemáticas.

La artista, actualmente con residencia en Los Ángeles, CA, se encontraba estudiando en el sur de Francia cuando descubrió lo caro que sería abastecerse de materiales artísticos en ese lugar. Es por eso que en ese momento tomó la decisión de escoger un material atractivo pero de bajo costo con el cual pudiera trabajar. Finalmente, eligió papel de colores y pronto se dio cuenta de las infinitas posibilidades que este material brinda a quien sabe transformarlo de manera excepcional.

Hoy en día, Jen Stark utiliza su imaginación y paciencia para convertir diferentes tipos de papel en fantásticas esculturas de carácter psicodélico. Con el tiempo, los suministros con los que trabaja han ido evolucionando y actualmente, también utiliza materiales como madera, plástico, fomi, mdf, metal, espejos y pintura. A su vez, ha explorado otras áreas como el dibujo, el muralismo y la animación.

El estilo de Jen está plagado de colores vibrantes y dinamismo. Usualmente, sus obras tienden a replicar hasta cierto grado las mándalas hindúes y otros objetos sagrados. Stark sabe combinar su pasión por la idea del infinito, el cosmos, el misterio y la naturaleza, con su talento por transformar materiales comunes en espléndidas esculturas tridimensionales. Es a través de sus patrones y repeticiones geométricas altamente hipnóticas que también refleja su idea de que las matemáticas y la ciencia de alguna manera se relacionan con todos los aspectos de la vida. Su pasión por las ilusiones ópticas y los diseños caleidoscópicos se ven perfectamente representados en las múltiples capas de papel que la artista apila y posteriormente modifica en forma de estrellas, flores, pétalos, y agujeros de gusano, todos con un toque tecnicolor que hacen recordar mapas tipográficos y geoides. Ejemplos de esto son sus proyectos “The Whole” and “Vortextural”.

La creación de cada obra lleva consigo un intenso y detallado proceso creativo. Le puede llevar semanas o meses el completar una escultura, todo depende del tamaño y nivel de complejidad de la misma. Stark comienza por crear un boceto del concepto. Posteriormente, apila el papel en el orden en que lo utilizará – el número de hojas que utiliza va de las 50 a un máximo de 150. Finalmente, corta el agujero más grande y a partir de ahí trabaja hacia adentro cortando cada hoja de manera individual. Por increíble que parezca, ninguno de los cortes es hecho por computadora. Todo el trabajo es manual utilizando un cuchillo X-ACTO.

Dos años después de su graduación de la carrera, el trabajo de Jen Stark comenzó a ser ampliamente reconocido en múltiples blogs en línea. Fue entonces que diversas de las mejores galerías del mundo pidieron a la artista que exhibiera sus obras. Desde ese momento, su trabajo se ha encontrado en lugares como Nueva York, Seattle, Washington, Tailandia, Canadá y Australia. A los 32 años de edad, Stark es una de las más grandes y emerges artistas que continua creando extraordinarias obras geométricas que cautivan e influencian al resto del mundo.

Más información sobre Jen Stark aquí.

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★ By Dalia Vasquez

[/cd_text][/cd_column][/cd_row]

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March 4, 2015 - No Comments!

★ INSA (UK) | Graffiti Walls Animated

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in London, UK, INSA is an anonymous urban artist and animator known for the transformation of his street designs into fantastic GIF animations. Creating what he calls GIF-ITI (GIF art + Graffiti), INSA has brought together in his work the demanding art of painting and the retro technology used to produce looping images. With a bachelor in Design at Goldsmiths, this talented street artist has made possible the elusive combination of both, his real and virtual worlds.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Painting and photographing the same wall over and over is the essential feature of the artistic process of London-based artist INSA. Known as GIF-ITI, he paints and repaints graffitis on a street surface and then photographs every change he makes on it. He repeats this process as many times as necessary until he achieves the exact number of images he will later put together in a single, looping animation. Examples of such practice are the 72 different skulls he painted during 2 days for his ‘C’est La Vie’ colorful animation, and the 8 paintings depicting each one of them a head in different positions for the Roskilde Festival in 2014.

In late 2014, INSA and a crew of 20 people worked for 4 days in Rio de Janeiro to produce their most ambitious street-art project. Their goal was to create an artwork that could be seen from space. Covering a total of 57,515 square meters of land, INSA and his team completed one painting each day which was then photographed by a satellite situated 431 miles away on space. INSA’s final one-second animated artwork is today the largest GIF-ITI painting on the planet.

INSA’s work has been produced in places like Los Angeles, Bogota, Paris, Sydney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, and Canada, among other places. He pursues unexplored ideas with the purpose to create unique art for a contemporary society greatly influenced by technology. With a keen passion for innovation and challenge, INSA continues to search for bigger buildings where to create designs that he can later transform into fantastical motion artworks.

More information on INSA here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Painting and photographing the same wall over and over is the essential feature of the artistic process of London-based artist INSA. Known as GIF-ITI, he paints and repaints graffitis on a street surface and then photographs every change he makes on it. He repeats this process as many times as necessary until he achieves the exact number of images he will later put together in a single, looping animation. Examples of such practice are the 72 different skulls he painted during 2 days for his ‘C’est La Vie’ colorful animation, and the 8 paintings depicting each one of them a head in different positions for the Roskilde Festival in 2014.

In late 2014, INSA and a crew of 20 people worked for 4 days in Rio de Janeiro to produce their most ambitious street-art project. Their goal was to create an artwork that could be seen from space. Covering a total of 57,515 square meters of land, INSA and his team completed one painting each day which was then photographed by a satellite situated 431 miles away on space. INSA’s final one-second animated artwork is today the largest GIF-ITI painting on the planet.

INSA’s work has been produced in places like Los Angeles, Bogota, Paris, Sydney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, and Canada, among other places. He pursues unexplored ideas with the purpose to create unique art for a contemporary society greatly influenced by technology. With a keen passion for innovation and challenge, INSA continues to search for bigger buildings where to create designs that he can later transform into fantastical motion artworks.

More information on INSA here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicado en Londres, Reino Unido, INSA es un artista urbano y animador anónimo conocido por la magnífica transformación de sus diseños en fantásticas animaciones GIF. Creador de lo que él llama GIF-ITI (arte GIF + Graffiti), INSA combina el exhaustivo arte de la pintura con la tecnología utilizada para producir secuencias infinitas de imágenes animadas. Habiendo estudiado la carrera de Diseño en Goldsmiths, este talentoso artista ha hecho posible la sutil combinación de su mundo real y virtual.

Pintar y fotografiar una pared una y otra vez es la característica distintiva del proceso creativo del artista urbano INSA. Trabajando en lo que él llama GIF-ITI, se dedica a pintar y repintar las superficies urbanas de edificios para después fotografiar cada uno de los cambios que hace en sus diseños. Este proceso lo repite tantas veces sea necesario hasta que logra el número exacto de fotografías que posteriormente une en una animación GIF. Ejemplos de dicho proceso son las 72 distintas calaveras que pintó durante 2 días para su colorida animación ‘C’est La Vie’, y las 8 pinturas representando una cabeza en diferentes posiciones para el Festival Roskilde en el 2014.

A finales del 2014, INSA trabajó por 4 días en Río de Janeiro en uno de sus más ambiciosos proyectos de arte urbano. Su objetivo fue lograr una obra de arte que pudiera ser vista desde el espacio. Abarcando un total d 57,515 metros cuadrados de tierra, INSA y un equipo de 20 personas completaron una pintura por día la cual fue posteriormente fotografiada por un satélite ubicado en el espacio a una distancia de 431 millas. La animación final del artista, con una duración total de 1 segundo, es en la actualidad la pintura GIF-ITI más grande del mundo.

INSA ha trabajado en lugares como Los Ángeles, Bogotá, París, Sídney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, y Canadá, entre otros. Se dedica a explorar ideas nuevas con el propósito de crear un arte único para una sociedad actual altamente influenciada por la tecnología. Apasionado de la innovación y los retos, INSA continúa buscando más grandes edificios donde poder crear sus diseños para posteriormente convertirlos en fantásticas obras de arte animadas.

Más información sobre INSA aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Ubicado en Londres, Reino Unido, INSA es un artista urbano y animador anónimo conocido por la magnífica transformación de sus diseños en fantásticas animaciones GIF. Creador de lo que él llama GIF-ITI (arte GIF + Graffiti), INSA combina el exhaustivo arte de la pintura con la tecnología utilizada para producir secuencias infinitas de imágenes animadas. Habiendo estudiado la carrera de Diseño en Goldsmiths, este talentoso artista ha hecho posible la sutil combinación de su mundo real y virtual.

Pintar y fotografiar una pared una y otra vez es la característica distintiva del proceso creativo del artista urbano INSA. Trabajando en lo que él llama GIF-ITI, se dedica a pintar y repintar las superficies urbanas de edificios para después fotografiar cada uno de los cambios que hace en sus diseños. Este proceso lo repite tantas veces sea necesario hasta que logra el número exacto de fotografías que posteriormente une en una animación GIF. Ejemplos de dicho proceso son las 72 distintas calaveras que pintó durante 2 días para su colorida animación ‘C’est La Vie’, y las 8 pinturas representando una cabeza en diferentes posiciones para el Festival Roskilde en el 2014.

A finales del 2014, INSA trabajó por 4 días en Río de Janeiro en uno de sus más ambiciosos proyectos de arte urbano. Su objetivo fue lograr una obra de arte que pudiera ser vista desde el espacio. Abarcando un total d 57,515 metros cuadrados de tierra, INSA y un equipo de 20 personas completaron una pintura por día la cual fue posteriormente fotografiada por un satélite ubicado en el espacio a una distancia de 431 millas. La animación final del artista, con una duración total de 1 segundo, es en la actualidad la pintura GIF-ITI más grande del mundo.

INSA ha trabajado en lugares como Los Ángeles, Bogotá, París, Sídney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, y Canadá, entre otros. Se dedica a explorar ideas nuevas con el propósito de crear un arte único para una sociedad actual altamente influenciada por la tecnología. Apasionado de la innovación y los retos, INSA continúa buscando más grandes edificios donde poder crear sus diseños para posteriormente convertirlos en fantásticas obras de arte animadas.

Más información sobre INSA aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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February 18, 2015 - No Comments!

★ Karan Singh (IN) | Vector Wisdom

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Native from Sydney, Australia, and having spent his younger years in Oman, Karan Singh is a freelance illustrator and a skilled vector artist. His vibrant and minimalist artworks have attracted both, local and international brands such as IBM, Heineken, and Adobe, allowing him to enrich his keen passion for patterns and repetitions. Always at the vanguard of design, Singh continues to produce graphic interpretations full of color and light.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Currently living in New York City, Karan Singh is a fervent artist whose first encounter with Macromedia Flash made definite his inclination towards illustration and art. It was during his bachelor in Design Computing at The University of Sydney, that he took into action his aesthetic predisposition and decided to self-learn Illustrator and Photoshop. Finally, by the end of his career, he was convinced that his future was in the illustration world.

Nowadays, with a rising reputation among local boutiques and international brands, Singh is an Adobe Illustrator proficient who has produced useful program tutorials for diverse magazines as well as numerous graphic designs characterized by his minimalist and three-dimensional style.

His illustrations are the extraordinary outcome of constantly overcoming his “over-exposed mind to design magazines and inspiration blogs”, as he mentioned in Vectortuts+. As many designers out there, he struggles with a lack of inspiration. Still, focusing in simple and basic aspects of his work has been an excellent way of dealing with a blank canvas. According to him, sketching the initial ideas and concepts in paper is a must activity, for when these are taken to the computer it is much easier to follow a plan and also to develop them.

Karan Singh’s willingness to develop a more versatile and unique style has been acquired in part thanks to the friendly competition he lives with his fellow artists in different communities, like Pig Bimpin and Depthcore. However, he is an artist with an instinctive drive to experiment and evolve, an aspect that has also taken him to tryout different artistic mediums such as photography and writing.

More information on Karan Singh here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Currently living in New York City, Karan Singh is a fervent artist whose first encounter with Macromedia Flash made definite his inclination towards illustration and art. It was during his bachelor in Design Computing at The University of Sydney, that he took into action his aesthetic predisposition and decided to self-learn Illustrator and Photoshop. Finally, by the end of his career, he was convinced that his future was in the illustration world.

Nowadays, with a rising reputation among local boutiques and international brands, Singh is an Adobe Illustrator proficient who has produced useful program tutorials for diverse magazines as well as numerous graphic designs characterized by his minimalist and three-dimensional style.

His illustrations are the extraordinary outcome of constantly overcoming his “over-exposed mind to design magazines and inspiration blogs”, as he mentioned in Vectortuts+. As many designers out there, he struggles with a lack of inspiration. Still, focusing in simple and basic aspects of his work has been an excellent way of dealing with a blank canvas. According to him, sketching the initial ideas and concepts in paper is a must activity, for when these are taken to the computer it is much easier to follow a plan and also to develop them.

Karan Singh’s willingness to develop a more versatile and unique style has been acquired in part thanks to the friendly competition he lives with his fellow artists in different communities, like Pig Bimpin and Depthcore. However, he is an artist with an instinctive drive to experiment and evolve, an aspect that has also taken him to tryout different artistic mediums such as photography and writing.

More information on Karan Singh here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Proveniente de Sidney, Australia, habiendo crecido en lugares como Omán y con residencia actual en Nueva York, Karan Singh es un ilustrador y un talentoso artista que trabaja principalmente con imágenes en vectores. Sus gráficos son llamativas y minimalistas ilustraciones que han atraído tanto a pequeñas como internacionales marcas, entre las que se encuentran IBM, Heineken y Adobe. Estando siempre a la vanguardia del diseño, Singh ha fortalecido su ferviente pasión por los patrones y las repeticiones a través de sus interpretaciones llenas de brillo y de color.

Desde su primer encuentro con un paquete de Macromedia Flash, Karan Singh terminó por confirmar su inclinación hacia los aspectos estéticos del arte y la ilustración. Fue durante su carrera en Diseño Computacional en la Universidad de Sídney que tomó la decisión de aprender de manera autodidacta los programas de diseño Ilustrador y Photoshop. Finalmente, al culminar sus estudios universitarios, Singh estaba convencido de que su futuro tenía que ser en el mundo del diseño gráfico.

Hoy en día, Singh es un artista de renombre cuya reputación está creciendo rápidamente en el mundo comercial. Como experto en el programa de Adobo Ilustrador, Singh ha creado diversos tutoriales para revistas así como un sin fin de diseños gráficos caracterizados por su inigualable estilo dinámico y tridimensional.

De acuerdo a una entrevista con Vectortus+, el trabajo de Singh es el resultado de la constante superación personal que enfrenta ante la sobresaturación mental de información proveniente de revistas y blogs de diseño. La falta de inspiración es una situación que todo artista enfrenta y él ha descubierto que enfocarse en aspectos simples y básicos de su trabajo lo ayudan a salir adelante. Hacer bocetos iniciales de ideas y conceptos es muy importante, menciona Singh, pues una vez que el artista los lleva a la computadora es más fácil seguir un plan y posteriormente desarrollar dichas ideas.

Su entusiasmo por desarrollar un estilo más versátil y único ha sido incitado en parte por la competencia amistosa que vive con la mayoría de sus compañeros artistas en las diversas comunidades a las que pertenece, como Pig Bimpin and Depthcore. Por otra parte, Karan Singh es un artista con una necesidad innata de experimentar y evolucionar, un aspecto que también lo ha llevado a trabajar con otros medios artísticos como la fotografía y la escritura.

Más información sobre Karan Singh aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Proveniente de Sidney, Australia, habiendo crecido en lugares como Omán y con residencia actual en Nueva York, Karan Singh es un ilustrador y un talentoso artista que trabaja principalmente con imágenes en vectores. Sus gráficos son llamativas y minimalistas ilustraciones que han atraído tanto a pequeñas como internacionales marcas, entre las que se encuentran IBM, Heineken y Adobe. Estando siempre a la vanguardia del diseño, Singh ha fortalecido su ferviente pasión por los patrones y las repeticiones a través de sus interpretaciones llenas de brillo y de color.

Desde su primer encuentro con un paquete de Macromedia Flash, Karan Singh terminó por confirmar su inclinación hacia los aspectos estéticos del arte y la ilustración. Fue durante su carrera en Diseño Computacional en la Universidad de Sídney que tomó la decisión de aprender de manera autodidacta los programas de diseño Ilustrador y Photoshop. Finalmente, al culminar sus estudios universitarios, Singh estaba convencido de que su futuro tenía que ser en el mundo del diseño gráfico.

Hoy en día, Singh es un artista de renombre cuya reputación está creciendo rápidamente en el mundo comercial. Como experto en el programa de Adobo Ilustrador, Singh ha creado diversos tutoriales para revistas así como un sin fin de diseños gráficos caracterizados por su inigualable estilo dinámico y tridimensional.

De acuerdo a una entrevista con Vectortus+, el trabajo de Singh es el resultado de la constante superación personal que enfrenta ante la sobresaturación mental de información proveniente de revistas y blogs de diseño. La falta de inspiración es una situación que todo artista enfrenta y él ha descubierto que enfocarse en aspectos simples y básicos de su trabajo lo ayudan a salir adelante. Hacer bocetos iniciales de ideas y conceptos es muy importante, menciona Singh, pues una vez que el artista los lleva a la computadora es más fácil seguir un plan y posteriormente desarrollar dichas ideas.

Su entusiasmo por desarrollar un estilo más versátil y único ha sido incitado en parte por la competencia amistosa que vive con la mayoría de sus compañeros artistas en las diversas comunidades a las que pertenece, como Pig Bimpin and Depthcore. Por otra parte, Karan Singh es un artista con una necesidad innata de experimentar y evolucionar, un aspecto que también lo ha llevado a trabajar con otros medios artísticos como la fotografía y la escritura.

Más información sobre Karan Singh aquí.

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February 11, 2015 - No Comments!

★ Alexandra Pacula (PO) | Nightlife Blurry Moments

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Just as long-exposure photographs enhance the beauty of illuminated trails in a dark environment, Alexandra Pacula’s paintings capture the frantic blurriness of light in a nocturnal space. Based in Brooklyn, New York City, this talented artist paints large-scale canvases of nightly urban scenes characterized by intense, colorful and vibrant brushstrokes.


[Ver artículo en español abajo]

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painting by Alexandra Pacula

painting by Alexandra Pacula

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Painting by Alexandra Pacula

Painting by Alexandra Pacula

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Native from Poland and currently based in Brooklyn, Alexandra Pacula is an artist captivated by the lure and craziness of the city nightlife. With a BFA at Rutgers and a MFA at Montclair State University, her urban landscapes can be perceived with the same illuminated and distorted lines as the ones seen in long-exposure photographs. The extraordinary sense of place that she gives to her work allows the viewer to feel part of the scene and to experience once again the magic of walking down the streets of the city.

Pacula’s exceptionally impressionistic technique also heightens the relationship between the viewer and her oil paintings. When seen from a close distance, the spectator can detect in her artworks the confident and vibrant brushstrokes used to create the rhythmic paths of light found in the New York City scene. Careful strokes are used to represent the perceptions of dizziness and blurriness that encircle the image, and which give the impression that the scene is taking place behind a glass.

“…The painting takes a while… It looks very spontaneous, but it takes me a lot of thinking and deciding when to make the perfect stroke…” – the artist commented on Artist Spotlight at The National Arts Club in 2013.

With her work being exhibited in places like the USA, Russia, Spain, London, and Paris, Alexandra Pacula continues walking around the city searching for those fleeting moments that capture her attention and that later she endeavors to transform into beautiful contemporary paintings.

More information on Alexandra Pacula here.

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Native from Poland and currently based in Brooklyn, Alexandra Pacula is an artist captivated by the lure and craziness of the city nightlife. With a BFA at Rutgers and a MFA at Montclair State University, her urban landscapes can be perceived with the same illuminated and distorted lines as the ones seen in long-exposure photographs. The extraordinary sense of place that she gives to her work allows the viewer to feel part of the scene and to experience once again the magic of walking down the streets of the city.

Pacula’s exceptionally impressionistic technique also heightens the relationship between the viewer and her oil paintings. When seen from a close distance, the spectator can detect in her artworks the confident and vibrant brushstrokes used to create the rhythmic paths of light found in the New York City scene. Careful strokes are used to represent the perceptions of dizziness and blurriness that encircle the image, and which give the impression that the scene is taking place behind a glass.

“…The painting takes a while… It looks very spontaneous, but it takes me a lot of thinking and deciding when to make the perfect stroke…” – the artist commented on Artist Spotlight at The National Arts Club in 2013.

With her work being exhibited in places like the USA, Russia, Spain, London, and Paris, Alexandra Pacula continues walking around the city searching for those fleeting moments that capture her attention and that later she endeavors to transform into beautiful contemporary paintings.

More information on Alexandra Pacula here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Nacida en Polonia y con residencial actual en Brooklyn, Nueva York, Alexandra Pacula es una artista cautivada por la magia y la locura de la vida nocturna de una metrópoli. Tal y como las fotografías de larga exposición recalcan la belleza del movimiento de la luz en la oscuridad, las obras de arte creadas por esta artista capturan la agitada nubosidad que causa la luz en un espacio nocturno. En su trabajo a gran escala, Pacula representa escenas urbanas   caracterizadas por pinceladas fuertes, brillantes e intensamente coloridas.

Con licenciatura en arte en Rutgers y una maestría en arte en el Montclair State University, Alexandra Pacula crea sus magníficas obras al óleo a base de líneas iluminadas y distorsionadas como las encontradas en las fotografías de larga exposición. Logra hacer sentir al observador parte de la escena al dar a sus pinturas un extraordinario sentido de lugar y pertenencia, el cual lleva a quien mire la obra a experimentar nuevamente la magia de caminar por la ciudad.

La relación creada entre el observador y la artista se ve asimismo amplificada gracias a su extraordinaria técnica artística con cierto estilo impresionista. Vistas de cerca, el espectador es capaz de detectar en el lienzo las fuertes y definidas pinceladas utilizadas para crear los rítmicos patrones de luz que se encuentran en la escena urbana. Cuidadosos trazos son utilizados para representar las percepciones de mareo y nubosidad que encapsulan la imagen y los cuales crean la impresión de que la escena está ocurriendo detrás de un cristal.

“… Toma algo de tiempo hacer la pintura… parece espontánea, pero en realidad me toma mucho tiempo el poder decidir cuándo y cómo realizar la pincelada perfecta…” – comentó la artista en Artist Spotlight en The National Arts Club en el 2013.

Con varias exposiciones en lugares como Estados Unidos, Rusia, España, Londres y París, Alexandra Pacula continúa caminando por las calles de la ciudad en búsqueda de esos breves momentos que capturan su atención y que posteriormente se propone transformar en increíbles pinturas contemporáneas.

Más información sobre Alexandra Pacula aquí.

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Nacida en Polonia y con residencial actual en Brooklyn, Nueva York, Alexandra Pacula es una artista cautivada por la magia y la locura de la vida nocturna de una metrópoli. Tal y como las fotografías de larga exposición recalcan la belleza del movimiento de la luz en la oscuridad, las obras de arte creadas por esta artista capturan la agitada nubosidad que causa la luz en un espacio nocturno. En su trabajo a gran escala, Pacula representa escenas urbanas   caracterizadas por pinceladas fuertes, brillantes e intensamente coloridas.

Con licenciatura en arte en Rutgers y una maestría en arte en el Montclair State University, Alexandra Pacula crea sus magníficas obras al óleo a base de líneas iluminadas y distorsionadas como las encontradas en las fotografías de larga exposición. Logra hacer sentir al observador parte de la escena al dar a sus pinturas un extraordinario sentido de lugar y pertenencia, el cual lleva a quien mire la obra a experimentar nuevamente la magia de caminar por la ciudad.

La relación creada entre el observador y la artista se ve asimismo amplificada gracias a su extraordinaria técnica artística con cierto estilo impresionista. Vistas de cerca, el espectador es capaz de detectar en el lienzo las fuertes y definidas pinceladas utilizadas para crear los rítmicos patrones de luz que se encuentran en la escena urbana. Cuidadosos trazos son utilizados para representar las percepciones de mareo y nubosidad que encapsulan la imagen y los cuales crean la impresión de que la escena está ocurriendo detrás de un cristal.

“… Toma algo de tiempo hacer la pintura… parece espontánea, pero en realidad me toma mucho tiempo el poder decidir cuándo y cómo realizar la pincelada perfecta…” – comentó la artista en Artist Spotlight en The National Arts Club en el 2013.

Con varias exposiciones en lugares como Estados Unidos, Rusia, España, Londres y París, Alexandra Pacula continúa caminando por las calles de la ciudad en búsqueda de esos breves momentos que capturan su atención y que posteriormente se propone transformar en increíbles pinturas contemporáneas.

Más información sobre Alexandra Pacula aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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