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April 22, 2015 - No Comments!

★ Chaim Machlev (GE) | Timeless Ink Art

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Berlin-based tattoo artist Chaim Machlev uses lines and dots to engrave appealing yet unconventional designs on people’s skins. Usually of a large-scale and minimalistic style, his monochromatic tattoos achieve a remarkable sense of three-dimensionality and movement thanks to the delicate intertwining of organic and geometric elements that match the curves of the body shape. With clients from all over the world - Australia, Africa, America, South America, and the Middle East – Machlev has rapidly positioned as one of the most coveted tattoo artists in the last three years.


[Ver artículo en español abajo]

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[youtube http://www.youtube.com/watch?v=vDmo5YMQAy8]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

“A dot is something so simple that you can make things in a thousand different ways” – Chaim Machlev

Native from Tel Aviv, Israel, rising tattoo artist Chaim Machlev creates elegant line and dot designs inside his private studio, DotsToLines, in Berlin, Germany. A former project manager for an IT company, Machlev decided to start his tattooing career in 2012, after getting his first tattoo at Psycho Tattoo Studio in Tel Aviv and knowing tattoo artist Avi Vanunu. Chaim thinks of his first tattoo process as a life-changing experience that contributed to the definite unleash of his creativity. Because of it, today, he is the author of extraordinary body-art designs and one of the most trending tattooist of the moment.

The style of his work is simple yet distinctively sophisticated. Usually of a large-scale and symmetrical nature, Chaim’s tattoos are engraved across an arm, leg, back or chest, using black ink –the only color he thinks will make his designs timeless. The geometric shapes and wavy lines that he intertwines to produce abstract forms impeccably adapt and flow throughout the human body.

Through his art, Machlev attempts to beautify the body in movement and to make tattoos less intimidating for those who see them as a “negative” form of expression. Always striving for individuality, Chaim conceives each complex design separately according to the body shape in which it will be engraved.

“I experiment a lot, like on a daily basis—which is a bit risky when it comes to a non-reversible form of art, but I guess that is the only way to develop your own style as an artist and create something individual daily”. – Chaim Machlev told Inked Magazine

Influenced by nature and the spiritual world, Chaim Machlev gets his main inspiration from insects, lotus flowers and the symbol of universe, Mandala. As a meticulous and perfectionist artist, the high quality of his work has attracted thousands of online followers around the world creating a 1-2 years waiting time to get an appointment.

More information on Chaim Machlev here.

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“A dot is something so simple that you can make things in a thousand different ways” – Chaim Machlev

Native from Tel Aviv, Israel, rising tattoo artist Chaim Machlev creates elegant line and dot designs inside his private studio, DotsToLines, in Berlin, Germany. A former project manager for an IT company, Machlev decided to start his tattooing career in 2012, after getting his first tattoo at Psycho Tattoo Studio in Tel Aviv and knowing tattoo artist Avi Vanunu. Chaim thinks of his first tattoo process as a life-changing experience that contributed to the definite unleash of his creativity. Because of it, today, he is the author of extraordinary body-art designs and one of the most trending tattooist of the moment.

The style of his work is simple yet distinctively sophisticated. Usually of a large-scale and symmetrical nature, Chaim’s tattoos are engraved across an arm, leg, back or chest, using black ink –the only color he thinks will make his designs timeless. The geometric shapes and wavy lines that he intertwines to produce abstract forms impeccably adapt and flow throughout the human body.

Through his art, Machlev attempts to beautify the body in movement and to make tattoos less intimidating for those who see them as a “negative” form of expression. Always striving for individuality, Chaim conceives each complex design separately according to the body shape in which it will be engraved.

“I experiment a lot, like on a daily basis—which is a bit risky when it comes to a non-reversible form of art, but I guess that is the only way to develop your own style as an artist and create something individual daily”. – Chaim Machlev told Inked Magazine

Influenced by nature and the spiritual world, Chaim Machlev gets his main inspiration from insects, lotus flowers and the symbol of universe, Mandala. As a meticulous and perfectionist artist, the high quality of his work has attracted thousands of online followers around the world creating a 1-2 years waiting time to get an appointment.

More information on Chaim Machlev here.

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“Un punto es algo tan simple que uno puede hacer cosas de mil maneras distintas” – Chaim Machlev

Originario de Tel Aviv, Israel y con residencia actual en Berlín, Alemana, Chaim Machlev es un artista y tatuador contemporáneo que utiliza líneas y puntos para crear sus atractivos y originales diseños. Generalmente de tamaño considerable y un estilo minimalista, sus tatuajes se caracterizan por su tridimensionalidad y sensación de movimiento gracias al elegante entrelazado de elementos orgánicos y  geométricos que se adaptan a las líneas del cuerpo.

Actualmente Chaim Machlev crea sus delicados diseños en su estudio DotsToLines. Años atrás, trabajaba como gerente de proyectos para una compañía de tecnologías de información, sin embargo, después de obtener su primer tatuaje en el 2012 en el Psycho Tattoo Studio en Tel Aviv y platicar con el artista Avi Vanunu, decidió comenzar su propia carrera como tatuador. Chaim opina que el proceso de hacerse su primer tatuaje fue una experiencia que le cambió la vida y lo que finalmente hizo que su creatividad saliera a flote. Debido a eso, hoy es el creador de extraordinarios diseños y uno de los tatuadores más buscados del momento.

El estilo de su trabajo es simple pero con una sofisticación única. Sus diseños -generalmente grandes y simétricos- son realizados en la superficie de un brazo, una pierna, la espalda o el pecho, usando tinta negra – el único color que él considera hará que sus diseños se vuelvan atemporales. Las figuras geométricas y las líneas curveadas que el artista logra entrecruzar para formar figuras abstractas se adaptan de manera impecable al cuerpo y fluyen a través de él.

A través de su arte, Machlev pretende hacer de la figura humana en movimiento algo más bello, además de hacer del arte del tatuaje una forma de expresión menos intimidante para aquellas personas que piensan de él como algo “negativo”. Siempre en búsqueda de la individualidad, Chaim crea el concepto de cada uno de sus diseños de manera separada, basándose en la forma única que tiene el cuerpo de la persona en el que será realizado el tatuaje.

“Experimento mucho, prácticamente todos los días – lo cual es un poco riesgoso si hablamos de un tipo de arte que no es reversible, pero supongo que es la única manera de desarrollar un estilo propio como artista y de crear algo individual diariamente”. - Chaim Machlev compartió con Inked Magazine

Influenciado por la naturaleza y el mundo espiritual, Chaim Machlev obtiene su principal fuente de inspiración de insectos, las flores de loto y del Mándala, el símbolo del universo. Como un artista perfeccionista y meticuloso, crea sus tatuajes con la más alta calidad, logrando un amplio número de seguidores en línea y una lista de espera de 1 a 2 años para la obtención de una cita.

Más información sobre Chaim Machlev aquí.

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“Un punto es algo tan simple que uno puede hacer cosas de mil maneras distintas” – Chaim Machlev

Originario de Tel Aviv, Israel y con residencia actual en Berlín, Alemana, Chaim Machlev es un artista y tatuador contemporáneo que utiliza líneas y puntos para crear sus atractivos y originales diseños. Generalmente de tamaño considerable y un estilo minimalista, sus tatuajes se caracterizan por su tridimensionalidad y sensación de movimiento gracias al elegante entrelazado de elementos orgánicos y  geométricos que se adaptan a las líneas del cuerpo.

Actualmente Chaim Machlev crea sus delicados diseños en su estudio DotsToLines. Años atrás, trabajaba como gerente de proyectos para una compañía de tecnologías de información, sin embargo, después de obtener su primer tatuaje en el 2012 en el Psycho Tattoo Studio en Tel Aviv y platicar con el artista Avi Vanunu, decidió comenzar su propia carrera como tatuador. Chaim opina que el proceso de hacerse su primer tatuaje fue una experiencia que le cambió la vida y lo que finalmente hizo que su creatividad saliera a flote. Debido a eso, hoy es el creador de extraordinarios diseños y uno de los tatuadores más buscados del momento.

El estilo de su trabajo es simple pero con una sofisticación única. Sus diseños -generalmente grandes y simétricos- son realizados en la superficie de un brazo, una pierna, la espalda o el pecho, usando tinta negra – el único color que él considera hará que sus diseños se vuelvan atemporales. Las figuras geométricas y las líneas curveadas que el artista logra entrecruzar para formar figuras abstractas se adaptan de manera impecable al cuerpo y fluyen a través de él.

A través de su arte, Machlev pretende hacer de la figura humana en movimiento algo más bello, además de hacer del arte del tatuaje una forma de expresión menos intimidante para aquellas personas que piensan de él como algo “negativo”. Siempre en búsqueda de la individualidad, Chaim crea el concepto de cada uno de sus diseños de manera separada, basándose en la forma única que tiene el cuerpo de la persona en el que será realizado el tatuaje.

“Experimento mucho, prácticamente todos los días – lo cual es un poco riesgoso si hablamos de un tipo de arte que no es reversible, pero supongo que es la única manera de desarrollar un estilo propio como artista y de crear algo individual diariamente”. - Chaim Machlev compartió con Inked Magazine

Influenciado por la naturaleza y el mundo espiritual, Chaim Machlev obtiene su principal fuente de inspiración de insectos, las flores de loto y del Mándala, el símbolo del universo. Como un artista perfeccionista y meticuloso, crea sus tatuajes con la más alta calidad, logrando un amplio número de seguidores en línea y una lista de espera de 1 a 2 años para la obtención de una cita.

Más información sobre Chaim Machlev aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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April 15, 2015 - No Comments!

★ Miguel Jiron (USA) | Creator Of Living Illustrations

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Los Angeles-based director and animator Miguel Jiron produces eccentric animations characterized by an intriguing, complex and fantastic humor. As a storyboard artist at Illumination Entertainment, Jiron brings his peculiar characters to life taking elements from his Nicaraguan heritage and passion for telling stories.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text][vimeo 72922839 w=100 h=281]

LA-GAR-TO from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 52193530 w=100 h=281]

Sensory Overload (Interacting with Autism Project) from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 26404699 w=100 h=281]

Paint Showers from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 113247929 w=100 h=281]

Los Angeles Yule Log from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 123277319 w=100 h=501]

Virtual Reality Pornstar from Miguel Jiron on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in Baton Rouge, Louisiana to Nicaraguan parents, and currently based in Los Angeles, California, Miguel Jiron is a director and animator known for the eccentric and captivating style with which he creates his animated stories and gif images. He works as a storyboard artist at Illumination Entertainment and has a background as a painting assistant for Takashi Murakami in New York City and Tokyo. His illustrations have appeared in publications like National Geographic AdventureWorld Policy JournalResource Magazine, and Inside Counsel Magazine, among others.

Jiron's style is bold and filled with vibrant colors and fascinating sounds. His work is a disclosure of his deepest ideas transformed into extraordinary worlds characterized by great movement and energy. “La-Gar-To”, a story about a boy who travels to Nicaragua with his family and encounters a strident and frightening world occupied with iguanas, is an example of his dazzling talent to describe insightful scenes using imprecise hand-drawn lines, diverse hues of colors, appealing sounds, and multiple perspectives.

Other of Miguel Jiron’s most interesting projects are “Sensory Overload”, an animation produced for video-based website Interacting With Autism, in which he splendidly offers a glimpse of the harsh reality that children diagnosed with autism experience due to their heightened sensorial circumstances; and “Paint Showers”, an animated short depicting thunderstorms made out of drops of paint and complemented with genuine storm sounds.

More information on Miguel Jiron here.

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Born in Baton Rouge, Louisiana to Nicaraguan parents, and currently based in Los Angeles, California, Miguel Jiron is a director and animator known for the eccentric and captivating style with which he creates his animated stories and gif images. He works as a storyboard artist at Illumination Entertainment and has a background as a painting assistant for Takashi Murakami in New York City and Tokyo. His illustrations have appeared in publications like National Geographic AdventureWorld Policy JournalResource Magazine, and Inside Counsel Magazine, among others.

Jiron's style is bold and filled with vibrant colors and fascinating sounds. His work is a disclosure of his deepest ideas transformed into extraordinary worlds characterized by great movement and energy. “La-Gar-To”, a story about a boy who travels to Nicaragua with his family and encounters a strident and frightening world occupied with iguanas, is an example of his dazzling talent to describe insightful scenes using imprecise hand-drawn lines, diverse hues of colors, appealing sounds, and multiple perspectives.

Other of Miguel Jiron’s most interesting projects are “Sensory Overload”, an animation produced for video-based website Interacting With Autism, in which he splendidly offers a glimpse of the harsh reality that children diagnosed with autism experience due to their heightened sensorial circumstances; and “Paint Showers”, an animated short depicting thunderstorms made out of drops of paint and complemented with genuine storm sounds.

More information on Miguel Jiron here.

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Nacido en Baton Rouge, Luisiana y con residencia actual en Los Ángeles, California, Miguel Jiron es un director y animador de ascendencia Nicaragüense que se distingue por la producción de animaciones e imágenes gif cargadas de intriga, complejidad y fantasía. Con experiencia como asistente en el taller del artista Takashi Murakami en Tokio y Nueva York, y hoy en día creador de storyboards en Illumination Entertainment, Jiron combina en su extraordinario trabajo, su herencia sudamericana, su pasión por relatar historias y su magnífico talento pora llenar de vida sus peculiares personajes.

El estilo excéntrico y cautivador de las ilustraciones animadas de Miguel Jiron le ha valido gran reconocimiento en diversas publicaciones, tales como National Geographic Adventure, World Policy Journal, Resource Magazine, e Inside Counsel Magazine, entre otras. Su atrevido uso de llamativos colores y fascinantes sonidos le ha permitido transformar sus imágenes en extraordinarios mundos llenos de movimiento y energía.

La-Gar-To”, una historia sobre un niño que viaja con su familia a Nicaragua descubriendo así un estrepitoso y aterrador mundo infestado de iguanas, es uno de sus ejemplos más palpables que muestra su gran talento para describir a detalle profundas escenas utilizando líneas imprecisas dibujadas a mano, un sin fin de tonalidades, atractivos sonidos, y múltiples perspectivas.

Entre otros de los proyectos más interesantes de Miguel se encuentran “Sensory Overload” (Sobrecarga Sensorial), una animación producida para la organización Interacting With Autism, en la que Jiron ofrece un vistazo de la dura realidad que viven los niños diagnosticados con autismo que deben lidiar con la intensificación de sus sentidos; y “Pain Showers” (Baños de Pintura), una animación que muestra tormentas fabricadas con gotas de pintura y la cual complementó con auténticos sonidos de lluvias y rayos.

Más información sobre Miguel Jiron aquí.

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Nacido en Baton Rouge, Luisiana y con residencia actual en Los Ángeles, California, Miguel Jiron es un director y animador de ascendencia Nicaragüense que se distingue por la producción de animaciones e imágenes gif cargadas de intriga, complejidad y fantasía. Con experiencia como asistente en el taller del artista Takashi Murakami en Tokio y Nueva York, y hoy en día creador de storyboards en Illumination Entertainment, Jiron combina en su extraordinario trabajo, su herencia sudamericana, su pasión por relatar historias y su magnífico talento pora llenar de vida sus peculiares personajes.

El estilo excéntrico y cautivador de las ilustraciones animadas de Miguel Jiron le ha valido gran reconocimiento en diversas publicaciones, tales como National Geographic Adventure, World Policy Journal, Resource Magazine, e Inside Counsel Magazine, entre otras. Su atrevido uso de llamativos colores y fascinantes sonidos le ha permitido transformar sus imágenes en extraordinarios mundos llenos de movimiento y energía.

La-Gar-To”, una historia sobre un niño que viaja con su familia a Nicaragua descubriendo así un estrepitoso y aterrador mundo infestado de iguanas, es uno de sus ejemplos más palpables que muestra su gran talento para describir a detalle profundas escenas utilizando líneas imprecisas dibujadas a mano, un sin fin de tonalidades, atractivos sonidos, y múltiples perspectivas.

Entre otros de los proyectos más interesantes de Miguel se encuentran “Sensory Overload” (Sobrecarga Sensorial), una animación producida para la organización Interacting With Autism, en la que Jiron ofrece un vistazo de la dura realidad que viven los niños diagnosticados con autismo que deben lidiar con la intensificación de sus sentidos; y “Pain Showers” (Baños de Pintura), una animación que muestra tormentas fabricadas con gotas de pintura y la cual complementó con auténticos sonidos de lluvias y rayos.

Más información sobre Miguel Jiron aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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April 8, 2015 - No Comments!

★ Damon Hunter (AU) | Hidden Urban Beauty

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Native from Melbourne, Australia, Damon Hunter’s brilliant street photographs have risen to public attention due to their versatile and unusual style. From colorful glass surfaces to overlooked homeless people, Hunter makes the best out his photographic expertise and sharp observation to give the viewer a fresh and truthful perspective of the outside world.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Passionate of natural light and urban life, Melbourne-based street photographer Damon Hunter gets his stronger inspiration from the outer world. Since the official beginning of his photographic career in 2011, he has developed a neat style where spontaneity and order meet to provoke a profound sense of truthfulness.

An adventurer, Hunter wanders around the streets, carefully observing his surroundings and finding beauty in the ordinary. His two most internationally acclaimed projects, “The Color of Glass” and “Living Rough”, are stunning examples of his versatile talent and great predisposition to capture remarkable detailed shoots in urban settings.

The Color of Glass” is a project about patterns, luminosity and color. Hunter chose the outdoor crystal façades of buildings like hospitals, universities and corporate offices, to represent multiple iridescent hues and gradations of color. Keen for perfection and order, Hunter focused in four specific elements for each one of his snapshots: symmetry, shapes, angles and color. Only by analyzing each of those features, Damon found the best viewpoint from where to capture unique shimmering compositions.

In contrast to the vibrant style of his crystal shoots, “Living Rough” is an ongoing black and white project about the harsh reality of homeless people. Hunter makes each photograph unique by creating an unconventional composition capable to tell the story of the protagonist. He does not prepare his models, but captures them without further notice and positions them within a perfectly thought scene. Hunter complements his work with interviews that can be found in the official Facebook website of the project. His goal is to make people aware that “… these individuals had and have dreams and aspirations, they have skills and talents, and their reasons for being where they are may surprise, shock and disturb you”.

More information on Damon Hunter here.

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Passionate of natural light and urban life, Melbourne-based street photographer Damon Hunter gets his stronger inspiration from the outer world. Since the official beginning of his photographic career in 2011, he has developed a neat style where spontaneity and order meet to provoke a profound sense of truthfulness.

An adventurer, Hunter wanders around the streets, carefully observing his surroundings and finding beauty in the ordinary. His two most internationally acclaimed projects, “The Color of Glass” and “Living Rough”, are stunning examples of his versatile talent and great predisposition to capture remarkable detailed shoots in urban settings.

The Color of Glass” is a project about patterns, luminosity and color. Hunter chose the outdoor crystal façades of buildings like hospitals, universities and corporate offices, to represent multiple iridescent hues and gradations of color. Keen for perfection and order, Hunter focused in four specific elements for each one of his snapshots: symmetry, shapes, angles and color. Only by analyzing each of those features, Damon found the best viewpoint from where to capture unique shimmering compositions.

In contrast to the vibrant style of his crystal shoots, “Living Rough” is an ongoing black and white project about the harsh reality of homeless people. Hunter makes each photograph unique by creating an unconventional composition capable to tell the story of the protagonist. He does not prepare his models, but captures them without further notice and positions them within a perfectly thought scene. Hunter complements his work with interviews that can be found in the official Facebook website of the project. His goal is to make people aware that “… these individuals had and have dreams and aspirations, they have skills and talents, and their reasons for being where they are may surprise, shock and disturb you”.

More information on Damon Hunter here.

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Con residencia en la ciudad de Melbourne, Australia, Damon Hunter es un fotógrafo urbano cuyo versátil estilo ha llamado la atención del público internacional gracias a su extraordinaria peculiaridad. Capturando desde coloridas superficies de cristal, hasta la cruda realidad que viven los vagabundos, Hunter aprovecha su experiencia y agudo sentido de observación para crear imágenes que brinden al observador una nueva y auténtica perspectiva del mundo exterior.

Apasionado de la luz natural y de la vida urbana, Damon Hunter obtiene de la calle su principal fuente de inspiración. Desde el inicio oficial de su carrera como fotógrafo en el año 2011, ha desarrollado un formidable estilo donde la espontaneidad y el orden se unen para provocar un profundo sentido de franqueza y belleza.

Como todo un aventurero, Damon pasea por las calles observando cuidadosamente sus alrededores para encontrar la perfección donde menos se lo espera. Dos de sus más reconocidos proyectos a nivel mundial, “The Color of Glass” (El Color del Cristal) y “Living Rough” (Viviendo Sin Comodidades), son ejemplos de su gran versatilidad y predisposición para capturar escenas urbanas llenas de detalle y originalidad.

The Color of Glass” es un proyecto enfocado en patrones, luminosidad y color. Hunter escogió las fachadas de edificios como hospitales, universidades y oficinas corporativas para representar infinidad de gradaciones de colores. Contantemente interesado en la perfección y el orden, Damon analizó minuciosamente cuatro elementos básicos en cada toma para lograr innovadoras perspectivas: simetría, forma, ángulos y color.

Contrario al estilo vibrante de su proyecto en cristal, “Living Rough” es un trabajo en blanco y negro enfocado en capturar la cruda realidad que viven los vagabundos. Aún en curso, este proyecto se compone de fotografías creadas a base de composiciones poco convencionales pero capaces de relatar la historia del protagonista. Hunter no prepara a sus modelos, sino que los fotografía sin hacerles saber que están siendo producto del arte y usualmente los posiciona en una escena perfectamente pensada. El artista complementa su trabajo entrevistando a sus modelos; dichos relatos pueden ser encontrados en la página oficial de Facebook del proyecto. Su objetivo es hacer que la gente se percate que “estos individuos tuvieron y aún tienen sueños y aspiraciones, tienen habilidades y talentos, y la razón por la cual están en dicha situación puede a lo mejor sorprenderte, alarmarte o perturbarte”.

Más información sobre Damon Hunter aquí.

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Con residencia en la ciudad de Melbourne, Australia, Damon Hunter es un fotógrafo urbano cuyo versátil estilo ha llamado la atención del público internacional gracias a su extraordinaria peculiaridad. Capturando desde coloridas superficies de cristal, hasta la cruda realidad que viven los vagabundos, Hunter aprovecha su experiencia y agudo sentido de observación para crear imágenes que brinden al observador una nueva y auténtica perspectiva del mundo exterior.

Apasionado de la luz natural y de la vida urbana, Damon Hunter obtiene de la calle su principal fuente de inspiración. Desde el inicio oficial de su carrera como fotógrafo en el año 2011, ha desarrollado un formidable estilo donde la espontaneidad y el orden se unen para provocar un profundo sentido de franqueza y belleza.

Como todo un aventurero, Damon pasea por las calles observando cuidadosamente sus alrededores para encontrar la perfección donde menos se lo espera. Dos de sus más reconocidos proyectos a nivel mundial, “The Color of Glass” (El Color del Cristal) y “Living Rough” (Viviendo Sin Comodidades), son ejemplos de su gran versatilidad y predisposición para capturar escenas urbanas llenas de detalle y originalidad.

The Color of Glass” es un proyecto enfocado en patrones, luminosidad y color. Hunter escogió las fachadas de edificios como hospitales, universidades y oficinas corporativas para representar infinidad de gradaciones de colores. Contantemente interesado en la perfección y el orden, Damon analizó minuciosamente cuatro elementos básicos en cada toma para lograr innovadoras perspectivas: simetría, forma, ángulos y color.

Contrario al estilo vibrante de su proyecto en cristal, “Living Rough” es un trabajo en blanco y negro enfocado en capturar la cruda realidad que viven los vagabundos. Aún en curso, este proyecto se compone de fotografías creadas a base de composiciones poco convencionales pero capaces de relatar la historia del protagonista. Hunter no prepara a sus modelos, sino que los fotografía sin hacerles saber que están siendo producto del arte y usualmente los posiciona en una escena perfectamente pensada. El artista complementa su trabajo entrevistando a sus modelos; dichos relatos pueden ser encontrados en la página oficial de Facebook del proyecto. Su objetivo es hacer que la gente se percate que “estos individuos tuvieron y aún tienen sueños y aspiraciones, tienen habilidades y talentos, y la razón por la cual están en dicha situación puede a lo mejor sorprenderte, alarmarte o perturbarte”.

Más información sobre Damon Hunter aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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April 1, 2015 - No Comments!

★ Susi Kenna & Mei Kawajiri (USA) | Nail Art At Your Fingertips

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Based in New York City since 2012, artist Miho “Mei” Kawajiri and social media assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna have challenged the craft of making nail-art. Passionate to express themselves through beautiful and artistic nails, Mei and Kenna have collaborated to create a flawless nail-style inspired by the works of world-renowned artists like Pablo Picasso, Andy Warhol and Vincent Van Gogh, among others.


[Ver artículo en español abajo]

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With more than 15 years of experience in the nail industry and an extraordinary eye for detail and precision, Japanese artist Miho “Mei” Kawajiri has positioned herself as one of the most transcendental manicurists in the fashion world. She grew up in Kyoto and studied in Osaka, and since her arrival to New York City three years ago, she has been the skilled creator of artistic hand-painted nails characterized by a modern style and impeccable quality.

In 2012, a collaboration inspired in the work of different painters and illustrators was worn. Mei and assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna began to use the work of artists like Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden and Trudy Benson, to name just a few, and adapted it to the tiny surface of 10 fingernails.

As a nail-lover, Kenna creates beautiful digital designs backed up by a meticulous image research and a creative process using software like Photoshop. The final design is later taken to the surface of the nails by Mei’s surprising steady hand. Her craftsmanship is of a complicated and laborious nature and is achieved without using any kind of stencils, stickers or other special tools.

Today, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continue to transform the nails of countless of women into authentic miniature canvases.

More information on Miho “Mei” Kawajiri here.

More information on Susi Kenna here.

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With more than 15 years of experience in the nail industry and an extraordinary eye for detail and precision, Japanese artist Miho “Mei” Kawajiri has positioned herself as one of the most transcendental manicurists in the fashion world. She grew up in Kyoto and studied in Osaka, and since her arrival to New York City three years ago, she has been the skilled creator of artistic hand-painted nails characterized by a modern style and impeccable quality.

In 2012, a collaboration inspired in the work of different painters and illustrators was worn. Mei and assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna began to use the work of artists like Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden and Trudy Benson, to name just a few, and adapted it to the tiny surface of 10 fingernails.

As a nail-lover, Kenna creates beautiful digital designs backed up by a meticulous image research and a creative process using software like Photoshop. The final design is later taken to the surface of the nails by Mei’s surprising steady hand. Her craftsmanship is of a complicated and laborious nature and is achieved without using any kind of stencils, stickers or other special tools.

Today, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continue to transform the nails of countless of women into authentic miniature canvases.

More information on Miho “Mei” Kawajiri here.

More information on Susi Kenna here.

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Con residencia en Nueva York desde el 2012, la artista Miho “Mei” Kawajiri y la encargada de redes sociales en la firma de relaciones públicas Fitz and Co. Susi Kenna, han revolucionado por completo la naturaleza del manicure. Apasionadas del arte de crear y vestir uñas artísticas, Mei y Kenna han colaborado en la creación de un estilo moderno de uñas inspiradas en el trabajo de artistas de renombre internacional, como Pablo Picasso, Andy Warhol y Vincent Van Gogh, entre otros.

Con más de 15 años de experiencia en la industria del manicure y con una extraordinaria habilidad para el detalle y la precisión, la artista japonesa Miho “Mei” Kawajiri se ha posicionado como una de las más transcendentales manicuristas en el mundo de la moda. Después de haber crecido en Kioto y estudiado en Osaka, llegó a la ciudad de Nueva York hace tres años, y desde entonces se ha convertido en la autora de magníficos diseños de uñas pintadas a mano caracterizados por un estilo vanguardista y una calidad impecable.

Fue en el 2012 cuando surgió la colaboración entre Mei y Susi Kenna. Su estilo se encuentra inspirado en el trabajo de artistas e ilustradores como Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden y Trudy Benson, por nombrar sólo algunos, y es adaptado a la diminuta superficie de las uñas.

Como amante del arte en uñas, Kenna se dedica a crear los diseños digitales después de una extenuante búsqueda de imágenes y modificaciones llevadas a cabo con programas como Photoshop. Posteriormente, el diseño final es aplicado a las uñas gracias al sorprendente pulso de Mei. Su trabajo es complicado y altamente laborioso y lo logra sin utilizar algún tipo de platillas o calcomanías.

Hoy en día, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continúan transformado las uñas de infinidad de mujeres en extraordinarios lienzos en miniatura.

Más información sobre Miho “Mei” Kawajiri aquí.

Más información sobre Susi Kenna aquí.

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Con residencia en Nueva York desde el 2012, la artista Miho “Mei” Kawajiri y la encargada de redes sociales en la firma de relaciones públicas Fitz and Co. Susi Kenna, han revolucionado por completo la naturaleza del manicure. Apasionadas del arte de crear y vestir uñas artísticas, Mei y Kenna han colaborado en la creación de un estilo moderno de uñas inspiradas en el trabajo de artistas de renombre internacional, como Pablo Picasso, Andy Warhol y Vincent Van Gogh, entre otros.

Con más de 15 años de experiencia en la industria del manicure y con una extraordinaria habilidad para el detalle y la precisión, la artista japonesa Miho “Mei” Kawajiri se ha posicionado como una de las más transcendentales manicuristas en el mundo de la moda. Después de haber crecido en Kioto y estudiado en Osaka, llegó a la ciudad de Nueva York hace tres años, y desde entonces se ha convertido en la autora de magníficos diseños de uñas pintadas a mano caracterizados por un estilo vanguardista y una calidad impecable.

Fue en el 2012 cuando surgió la colaboración entre Mei y Susi Kenna. Su estilo se encuentra inspirado en el trabajo de artistas e ilustradores como Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden y Trudy Benson, por nombrar sólo algunos, y es adaptado a la diminuta superficie de las uñas.

Como amante del arte en uñas, Kenna se dedica a crear los diseños digitales después de una extenuante búsqueda de imágenes y modificaciones llevadas a cabo con programas como Photoshop. Posteriormente, el diseño final es aplicado a las uñas gracias al sorprendente pulso de Mei. Su trabajo es complicado y altamente laborioso y lo logra sin utilizar algún tipo de platillas o calcomanías.

Hoy en día, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continúan transformado las uñas de infinidad de mujeres en extraordinarios lienzos en miniatura.

Más información sobre Miho “Mei” Kawajiri aquí.

Más información sobre Susi Kenna aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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March 4, 2015 - No Comments!

★ INSA (UK) | Graffiti Walls Animated

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in London, UK, INSA is an anonymous urban artist and animator known for the transformation of his street designs into fantastic GIF animations. Creating what he calls GIF-ITI (GIF art + Graffiti), INSA has brought together in his work the demanding art of painting and the retro technology used to produce looping images. With a bachelor in Design at Goldsmiths, this talented street artist has made possible the elusive combination of both, his real and virtual worlds.


[Ver artículo en español abajo]

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[youtube http://www.youtube.com/watch?v=yXtSnq-Nvro]

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=qD4jFWux93s]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Painting and photographing the same wall over and over is the essential feature of the artistic process of London-based artist INSA. Known as GIF-ITI, he paints and repaints graffitis on a street surface and then photographs every change he makes on it. He repeats this process as many times as necessary until he achieves the exact number of images he will later put together in a single, looping animation. Examples of such practice are the 72 different skulls he painted during 2 days for his ‘C’est La Vie’ colorful animation, and the 8 paintings depicting each one of them a head in different positions for the Roskilde Festival in 2014.

In late 2014, INSA and a crew of 20 people worked for 4 days in Rio de Janeiro to produce their most ambitious street-art project. Their goal was to create an artwork that could be seen from space. Covering a total of 57,515 square meters of land, INSA and his team completed one painting each day which was then photographed by a satellite situated 431 miles away on space. INSA’s final one-second animated artwork is today the largest GIF-ITI painting on the planet.

INSA’s work has been produced in places like Los Angeles, Bogota, Paris, Sydney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, and Canada, among other places. He pursues unexplored ideas with the purpose to create unique art for a contemporary society greatly influenced by technology. With a keen passion for innovation and challenge, INSA continues to search for bigger buildings where to create designs that he can later transform into fantastical motion artworks.

More information on INSA here.

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Painting and photographing the same wall over and over is the essential feature of the artistic process of London-based artist INSA. Known as GIF-ITI, he paints and repaints graffitis on a street surface and then photographs every change he makes on it. He repeats this process as many times as necessary until he achieves the exact number of images he will later put together in a single, looping animation. Examples of such practice are the 72 different skulls he painted during 2 days for his ‘C’est La Vie’ colorful animation, and the 8 paintings depicting each one of them a head in different positions for the Roskilde Festival in 2014.

In late 2014, INSA and a crew of 20 people worked for 4 days in Rio de Janeiro to produce their most ambitious street-art project. Their goal was to create an artwork that could be seen from space. Covering a total of 57,515 square meters of land, INSA and his team completed one painting each day which was then photographed by a satellite situated 431 miles away on space. INSA’s final one-second animated artwork is today the largest GIF-ITI painting on the planet.

INSA’s work has been produced in places like Los Angeles, Bogota, Paris, Sydney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, and Canada, among other places. He pursues unexplored ideas with the purpose to create unique art for a contemporary society greatly influenced by technology. With a keen passion for innovation and challenge, INSA continues to search for bigger buildings where to create designs that he can later transform into fantastical motion artworks.

More information on INSA here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicado en Londres, Reino Unido, INSA es un artista urbano y animador anónimo conocido por la magnífica transformación de sus diseños en fantásticas animaciones GIF. Creador de lo que él llama GIF-ITI (arte GIF + Graffiti), INSA combina el exhaustivo arte de la pintura con la tecnología utilizada para producir secuencias infinitas de imágenes animadas. Habiendo estudiado la carrera de Diseño en Goldsmiths, este talentoso artista ha hecho posible la sutil combinación de su mundo real y virtual.

Pintar y fotografiar una pared una y otra vez es la característica distintiva del proceso creativo del artista urbano INSA. Trabajando en lo que él llama GIF-ITI, se dedica a pintar y repintar las superficies urbanas de edificios para después fotografiar cada uno de los cambios que hace en sus diseños. Este proceso lo repite tantas veces sea necesario hasta que logra el número exacto de fotografías que posteriormente une en una animación GIF. Ejemplos de dicho proceso son las 72 distintas calaveras que pintó durante 2 días para su colorida animación ‘C’est La Vie’, y las 8 pinturas representando una cabeza en diferentes posiciones para el Festival Roskilde en el 2014.

A finales del 2014, INSA trabajó por 4 días en Río de Janeiro en uno de sus más ambiciosos proyectos de arte urbano. Su objetivo fue lograr una obra de arte que pudiera ser vista desde el espacio. Abarcando un total d 57,515 metros cuadrados de tierra, INSA y un equipo de 20 personas completaron una pintura por día la cual fue posteriormente fotografiada por un satélite ubicado en el espacio a una distancia de 431 millas. La animación final del artista, con una duración total de 1 segundo, es en la actualidad la pintura GIF-ITI más grande del mundo.

INSA ha trabajado en lugares como Los Ángeles, Bogotá, París, Sídney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, y Canadá, entre otros. Se dedica a explorar ideas nuevas con el propósito de crear un arte único para una sociedad actual altamente influenciada por la tecnología. Apasionado de la innovación y los retos, INSA continúa buscando más grandes edificios donde poder crear sus diseños para posteriormente convertirlos en fantásticas obras de arte animadas.

Más información sobre INSA aquí.

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Ubicado en Londres, Reino Unido, INSA es un artista urbano y animador anónimo conocido por la magnífica transformación de sus diseños en fantásticas animaciones GIF. Creador de lo que él llama GIF-ITI (arte GIF + Graffiti), INSA combina el exhaustivo arte de la pintura con la tecnología utilizada para producir secuencias infinitas de imágenes animadas. Habiendo estudiado la carrera de Diseño en Goldsmiths, este talentoso artista ha hecho posible la sutil combinación de su mundo real y virtual.

Pintar y fotografiar una pared una y otra vez es la característica distintiva del proceso creativo del artista urbano INSA. Trabajando en lo que él llama GIF-ITI, se dedica a pintar y repintar las superficies urbanas de edificios para después fotografiar cada uno de los cambios que hace en sus diseños. Este proceso lo repite tantas veces sea necesario hasta que logra el número exacto de fotografías que posteriormente une en una animación GIF. Ejemplos de dicho proceso son las 72 distintas calaveras que pintó durante 2 días para su colorida animación ‘C’est La Vie’, y las 8 pinturas representando una cabeza en diferentes posiciones para el Festival Roskilde en el 2014.

A finales del 2014, INSA trabajó por 4 días en Río de Janeiro en uno de sus más ambiciosos proyectos de arte urbano. Su objetivo fue lograr una obra de arte que pudiera ser vista desde el espacio. Abarcando un total d 57,515 metros cuadrados de tierra, INSA y un equipo de 20 personas completaron una pintura por día la cual fue posteriormente fotografiada por un satélite ubicado en el espacio a una distancia de 431 millas. La animación final del artista, con una duración total de 1 segundo, es en la actualidad la pintura GIF-ITI más grande del mundo.

INSA ha trabajado en lugares como Los Ángeles, Bogotá, París, Sídney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, y Canadá, entre otros. Se dedica a explorar ideas nuevas con el propósito de crear un arte único para una sociedad actual altamente influenciada por la tecnología. Apasionado de la innovación y los retos, INSA continúa buscando más grandes edificios donde poder crear sus diseños para posteriormente convertirlos en fantásticas obras de arte animadas.

Más información sobre INSA aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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February 18, 2015 - No Comments!

★ Karan Singh (IN) | Vector Wisdom

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Native from Sydney, Australia, and having spent his younger years in Oman, Karan Singh is a freelance illustrator and a skilled vector artist. His vibrant and minimalist artworks have attracted both, local and international brands such as IBM, Heineken, and Adobe, allowing him to enrich his keen passion for patterns and repetitions. Always at the vanguard of design, Singh continues to produce graphic interpretations full of color and light.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Currently living in New York City, Karan Singh is a fervent artist whose first encounter with Macromedia Flash made definite his inclination towards illustration and art. It was during his bachelor in Design Computing at The University of Sydney, that he took into action his aesthetic predisposition and decided to self-learn Illustrator and Photoshop. Finally, by the end of his career, he was convinced that his future was in the illustration world.

Nowadays, with a rising reputation among local boutiques and international brands, Singh is an Adobe Illustrator proficient who has produced useful program tutorials for diverse magazines as well as numerous graphic designs characterized by his minimalist and three-dimensional style.

His illustrations are the extraordinary outcome of constantly overcoming his “over-exposed mind to design magazines and inspiration blogs”, as he mentioned in Vectortuts+. As many designers out there, he struggles with a lack of inspiration. Still, focusing in simple and basic aspects of his work has been an excellent way of dealing with a blank canvas. According to him, sketching the initial ideas and concepts in paper is a must activity, for when these are taken to the computer it is much easier to follow a plan and also to develop them.

Karan Singh’s willingness to develop a more versatile and unique style has been acquired in part thanks to the friendly competition he lives with his fellow artists in different communities, like Pig Bimpin and Depthcore. However, he is an artist with an instinctive drive to experiment and evolve, an aspect that has also taken him to tryout different artistic mediums such as photography and writing.

More information on Karan Singh here.

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Currently living in New York City, Karan Singh is a fervent artist whose first encounter with Macromedia Flash made definite his inclination towards illustration and art. It was during his bachelor in Design Computing at The University of Sydney, that he took into action his aesthetic predisposition and decided to self-learn Illustrator and Photoshop. Finally, by the end of his career, he was convinced that his future was in the illustration world.

Nowadays, with a rising reputation among local boutiques and international brands, Singh is an Adobe Illustrator proficient who has produced useful program tutorials for diverse magazines as well as numerous graphic designs characterized by his minimalist and three-dimensional style.

His illustrations are the extraordinary outcome of constantly overcoming his “over-exposed mind to design magazines and inspiration blogs”, as he mentioned in Vectortuts+. As many designers out there, he struggles with a lack of inspiration. Still, focusing in simple and basic aspects of his work has been an excellent way of dealing with a blank canvas. According to him, sketching the initial ideas and concepts in paper is a must activity, for when these are taken to the computer it is much easier to follow a plan and also to develop them.

Karan Singh’s willingness to develop a more versatile and unique style has been acquired in part thanks to the friendly competition he lives with his fellow artists in different communities, like Pig Bimpin and Depthcore. However, he is an artist with an instinctive drive to experiment and evolve, an aspect that has also taken him to tryout different artistic mediums such as photography and writing.

More information on Karan Singh here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Proveniente de Sidney, Australia, habiendo crecido en lugares como Omán y con residencia actual en Nueva York, Karan Singh es un ilustrador y un talentoso artista que trabaja principalmente con imágenes en vectores. Sus gráficos son llamativas y minimalistas ilustraciones que han atraído tanto a pequeñas como internacionales marcas, entre las que se encuentran IBM, Heineken y Adobe. Estando siempre a la vanguardia del diseño, Singh ha fortalecido su ferviente pasión por los patrones y las repeticiones a través de sus interpretaciones llenas de brillo y de color.

Desde su primer encuentro con un paquete de Macromedia Flash, Karan Singh terminó por confirmar su inclinación hacia los aspectos estéticos del arte y la ilustración. Fue durante su carrera en Diseño Computacional en la Universidad de Sídney que tomó la decisión de aprender de manera autodidacta los programas de diseño Ilustrador y Photoshop. Finalmente, al culminar sus estudios universitarios, Singh estaba convencido de que su futuro tenía que ser en el mundo del diseño gráfico.

Hoy en día, Singh es un artista de renombre cuya reputación está creciendo rápidamente en el mundo comercial. Como experto en el programa de Adobo Ilustrador, Singh ha creado diversos tutoriales para revistas así como un sin fin de diseños gráficos caracterizados por su inigualable estilo dinámico y tridimensional.

De acuerdo a una entrevista con Vectortus+, el trabajo de Singh es el resultado de la constante superación personal que enfrenta ante la sobresaturación mental de información proveniente de revistas y blogs de diseño. La falta de inspiración es una situación que todo artista enfrenta y él ha descubierto que enfocarse en aspectos simples y básicos de su trabajo lo ayudan a salir adelante. Hacer bocetos iniciales de ideas y conceptos es muy importante, menciona Singh, pues una vez que el artista los lleva a la computadora es más fácil seguir un plan y posteriormente desarrollar dichas ideas.

Su entusiasmo por desarrollar un estilo más versátil y único ha sido incitado en parte por la competencia amistosa que vive con la mayoría de sus compañeros artistas en las diversas comunidades a las que pertenece, como Pig Bimpin and Depthcore. Por otra parte, Karan Singh es un artista con una necesidad innata de experimentar y evolucionar, un aspecto que también lo ha llevado a trabajar con otros medios artísticos como la fotografía y la escritura.

Más información sobre Karan Singh aquí.

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Proveniente de Sidney, Australia, habiendo crecido en lugares como Omán y con residencia actual en Nueva York, Karan Singh es un ilustrador y un talentoso artista que trabaja principalmente con imágenes en vectores. Sus gráficos son llamativas y minimalistas ilustraciones que han atraído tanto a pequeñas como internacionales marcas, entre las que se encuentran IBM, Heineken y Adobe. Estando siempre a la vanguardia del diseño, Singh ha fortalecido su ferviente pasión por los patrones y las repeticiones a través de sus interpretaciones llenas de brillo y de color.

Desde su primer encuentro con un paquete de Macromedia Flash, Karan Singh terminó por confirmar su inclinación hacia los aspectos estéticos del arte y la ilustración. Fue durante su carrera en Diseño Computacional en la Universidad de Sídney que tomó la decisión de aprender de manera autodidacta los programas de diseño Ilustrador y Photoshop. Finalmente, al culminar sus estudios universitarios, Singh estaba convencido de que su futuro tenía que ser en el mundo del diseño gráfico.

Hoy en día, Singh es un artista de renombre cuya reputación está creciendo rápidamente en el mundo comercial. Como experto en el programa de Adobo Ilustrador, Singh ha creado diversos tutoriales para revistas así como un sin fin de diseños gráficos caracterizados por su inigualable estilo dinámico y tridimensional.

De acuerdo a una entrevista con Vectortus+, el trabajo de Singh es el resultado de la constante superación personal que enfrenta ante la sobresaturación mental de información proveniente de revistas y blogs de diseño. La falta de inspiración es una situación que todo artista enfrenta y él ha descubierto que enfocarse en aspectos simples y básicos de su trabajo lo ayudan a salir adelante. Hacer bocetos iniciales de ideas y conceptos es muy importante, menciona Singh, pues una vez que el artista los lleva a la computadora es más fácil seguir un plan y posteriormente desarrollar dichas ideas.

Su entusiasmo por desarrollar un estilo más versátil y único ha sido incitado en parte por la competencia amistosa que vive con la mayoría de sus compañeros artistas en las diversas comunidades a las que pertenece, como Pig Bimpin and Depthcore. Por otra parte, Karan Singh es un artista con una necesidad innata de experimentar y evolucionar, un aspecto que también lo ha llevado a trabajar con otros medios artísticos como la fotografía y la escritura.

Más información sobre Karan Singh aquí.

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January 28, 2015 - No Comments!

★ Archery | Mathematical Loops

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Known as a Tumblr GIF artist, Archery has achieved broadly recognition in the GIF world thanks to his absorbing and enigmatic GIF animations. With a strong passion for infinite looping elements and mathematics, this talented artist of unknown identity has found in the computer software Mathematica the essential tool to transform complex codes into fantastic animated pictures.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text] archery7 archery3 archery22 archery8 archery11 archery24 archery18 archery2 archery17 archery14 [/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

In the realm of GIF art, looping is known as the ability of an animated image to rotate in a ceaseless sequence. Creating the optimum looping experience is no easy task; an artist needs to monitor diverse aspects -such as design, duration (time of the loop), speed, rhythm, and continuity- to completely captivate the viewer’s attention.

Tumblr GIF artist Archery has managed to do so in his hypnotic and typically black-and-white GIF images. To Archery, the loop is one of the most important aspects of the GIF. It is what gives life to a static image, and when created in the perfect interval of time, it is what provides the strongest impact and eternal nature that truly attracts the spectator.

“If the gif takes too long to loop then it may not reinforce its content with as dramatic of an effect”. - Shares the artist on his Tumblr site.

Usually of a symmetrical, ambiguous, and illusive nature, Archery’s mesmerizing animations are created using Mathematica, a software program used prominently in scientific, engineering and mathematical fields. By changing the code’s parameters of the image, the graphics are altered, which provides broader alternatives of forms and movements. The codes of each GIF are shared on his Tumblr website for reference.

More information on Archery here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

In the realm of GIF art, looping is known as the ability of an animated image to rotate in a ceaseless sequence. Creating the optimum looping experience is no easy task; an artist needs to monitor diverse aspects -such as design, duration (time of the loop), speed, rhythm, and continuity- to completely captivate the viewer’s attention.

Tumblr GIF artist Archery has managed to do so in his hypnotic and typically black-and-white GIF images. To Archery, the loop is one of the most important aspects of the GIF. It is what gives life to a static image, and when created in the perfect interval of time, it is what provides the strongest impact and eternal nature that truly attracts the spectator.

“If the gif takes too long to loop then it may not reinforce its content with as dramatic of an effect”. - Shares the artist on his Tumblr site.

Usually of a symmetrical, ambiguous, and illusive nature, Archery’s mesmerizing animations are created using Mathematica, a software program used prominently in scientific, engineering and mathematical fields. By changing the code’s parameters of the image, the graphics are altered, which provides broader alternatives of forms and movements. The codes of each GIF are shared on his Tumblr website for reference.

More information on Archery here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Conocido como un artista GIF de Tumblr, Archery ha alcanzado gran notoriedad en el mundo del arte de las imágenes GIF gracias a sus absorbentes y enigmáticas animaciones. Apasionado de los elementos que recorren una trayectoria circular infinita, así como de las matemáticas, este talentoso artista de identidad desconocida, ha encontrado en el programa computacional Mathematica la herramienta ideal para transformar complejos códigos en fantásticas imágenes en movimiento.

En el ámbito del arte GIF, looping (con trayectoria circular / que completa un circuito) se refiere a la habilidad que tiene una imagen de rotar en círculos de manera infinita. Crear el “loop” perfecto no es una tarea fácil. Los artistas dedicados a esta rama creativa deben monitorear diversos aspectos -tales como el diseño, la duración (del “loop”), la velocidad, el ritmo, y la continuidad- para capturar de manera segura y definitiva la atención del observador.

El artista GIF de Tumblr Archery ha logrado cautivar a los espectadores con sus fascinantes e hipnóticas imágenes GIF comúnmente en blanco y negro. Para él, el “loop” es una de las partes más importante del GIF. Es lo que le da vida a una imagen estática, y cuando éste es creado en el intervalo de tiempo perfecto, es lo que impacta y lo que da la naturaleza eterna al movimiento que fascina al observador.

“Si el GIF toma mucho tiempo en completar un “loop”, entones posiblemente el contenido de la imagen no tenga un efecto tan drásticamente reafirmante” – comentó el artista en su sitio de Tumblr.

De una naturaleza usualmente simétrica, ambigua e ilusoria, las extraordinarias animaciones de Archery son creadas utilizando el programa computacional Mathematica, el cual es usado más que nada en áreas de carácter científico, ingenieril y matemático. Al cambiar los códigos de lo parámetros de la imagen, los gráficos se alteran, lo que incrementa las alternativas de formas y movimientos. Los códigos de cada imagen GIF son compartidos en el sitio Tumblr del artista para futura referencia.

Más información sobre Archery aquí.

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Conocido como un artista GIF de Tumblr, Archery ha alcanzado gran notoriedad en el mundo del arte de las imágenes GIF gracias a sus absorbentes y enigmáticas animaciones. Apasionado de los elementos que recorren una trayectoria circular infinita, así como de las matemáticas, este talentoso artista de identidad desconocida, ha encontrado en el programa computacional Mathematica la herramienta ideal para transformar complejos códigos en fantásticas imágenes en movimiento.

En el ámbito del arte GIF, looping (con trayectoria circular / que completa un circuito) se refiere a la habilidad que tiene una imagen de rotar en círculos de manera infinita. Crear el “loop” perfecto no es una tarea fácil. Los artistas dedicados a esta rama creativa deben monitorear diversos aspectos -tales como el diseño, la duración (del “loop”), la velocidad, el ritmo, y la continuidad- para capturar de manera segura y definitiva la atención del observador.

El artista GIF de Tumblr Archery ha logrado cautivar a los espectadores con sus fascinantes e hipnóticas imágenes GIF comúnmente en blanco y negro. Para él, el “loop” es una de las partes más importante del GIF. Es lo que le da vida a una imagen estática, y cuando éste es creado en el intervalo de tiempo perfecto, es lo que impacta y lo que da la naturaleza eterna al movimiento que fascina al observador.

“Si el GIF toma mucho tiempo en completar un “loop”, entones posiblemente el contenido de la imagen no tenga un efecto tan drásticamente reafirmante” – comentó el artista en su sitio de Tumblr.

De una naturaleza usualmente simétrica, ambigua e ilusoria, las extraordinarias animaciones de Archery son creadas utilizando el programa computacional Mathematica, el cual es usado más que nada en áreas de carácter científico, ingenieril y matemático. Al cambiar los códigos de lo parámetros de la imagen, los gráficos se alteran, lo que incrementa las alternativas de formas y movimientos. Los códigos de cada imagen GIF son compartidos en el sitio Tumblr del artista para futura referencia.

Más información sobre Archery aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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November 26, 2014 - No Comments!

★ Liz Climo (USA) | An Unforgettable Sense Of Humor

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Talking dinosaurs, bunnies, bears, lizards and koalas are only some of the sparky and humorous characters developed by American cartoon artist Liz Climo. Placed having the most cleverly absurd conversations, her animal illustrations are characterized by simple and endearing forms enveloped in unpredictable witty situations.


[Ver artículo en español abajo]

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With a 10-year-long trajectory as a storyboard revisionist on the sitcom The Simpsons, Elizabeth Climo has learned the true art of selling jokes and making comedy. Her famous Tumblr world has become the meeting spot of diverse animal characters experiencing typical life's quirks – just like humans do- in amusing and charming manners. She uses her spare time and gifted talent to create simple and friendly illustrations of rhinos, giraffes and snakes going through the excitement of holidays like Halloween and Christmas, the practice of using modern devices, or the natural demonstrations of affection.

Climo's cartoons have thriven not only due to her witty situation-portrayal, but also due to her distinctive style. "I love the way children draw, because they draw exactly what they see" – Climo shared with Girls Drawing Girls. During her early stages as an artist, she stopped trying to draw according to “acceptable patterns” and decided to follow her own quaint style. Her efforts have taken her to publish “The Little World of Liz Climo”, a children’s book containing more than 100 extraordinary comic images.

However, as simple as they may look, each character representation is a creative combination of animal and human attributes that Climo does not always find easy to come up with. As many other artists out there, she also faces those inevitable lack-of-inspiration moments which life and time have thought her to endure with a tenacious and optimistic attitude. If nothing comes to mind, she simply draws something that makes her and/or her fans happy. Not always she considers a particular illustration her best work, but nevertheless she posts the outcome online, receiving sometimes surprisingly positive responses. Her own world is also an ultimate source of inspiration; some aspects of her animals’ personalities, like sarcasm, clumsiness and kindness, are real traits of friends and family.

“If I hear something or see a situation that is easily relatable and simple, it'll usually spark something in my mind like, ‘Hey, this might be sort of funny if an animal were dealing with this'” - Climo told the Daily Dot.

As a determined and prolific artist, Liz Climo is constantly looking for new scenarios where to place her comic designs and cute animal ideas. There is no doubt that the reader will continue to find everyday-social-interaction references in her on growing fan base.

More information on Liz Climo here.

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With a 10-year-long trajectory as a storyboard revisionist on the sitcom The Simpsons, Elizabeth Climo has learned the true art of selling jokes and making comedy. Her famous Tumblr world has become the meeting spot of diverse animal characters experiencing typical life's quirks – just like humans do- in amusing and charming manners. She uses her spare time and gifted talent to create simple and friendly illustrations of rhinos, giraffes and snakes going through the excitement of holidays like Halloween and Christmas, the practice of using modern devices, or the natural demonstrations of affection.

Climo's cartoons have thriven not only due to her witty situation-portrayal, but also due to her distinctive style. "I love the way children draw, because they draw exactly what they see" – Climo shared with Girls Drawing Girls. During her early stages as an artist, she stopped trying to draw according to “acceptable patterns” and decided to follow her own quaint style. Her efforts have taken her to publish “The Little World of Liz Climo”, a children’s book containing more than 100 extraordinary comic images.

However, as simple as they may look, each character representation is a creative combination of animal and human attributes that Climo does not always find easy to come up with. As many other artists out there, she also faces those inevitable lack-of-inspiration moments which life and time have thought her to endure with a tenacious and optimistic attitude. If nothing comes to mind, she simply draws something that makes her and/or her fans happy. Not always she considers a particular illustration her best work, but nevertheless she posts the outcome online, receiving sometimes surprisingly positive responses. Her own world is also an ultimate source of inspiration; some aspects of her animals’ personalities, like sarcasm, clumsiness and kindness, are real traits of friends and family.

“If I hear something or see a situation that is easily relatable and simple, it'll usually spark something in my mind like, ‘Hey, this might be sort of funny if an animal were dealing with this'” - Climo told the Daily Dot.

As a determined and prolific artist, Liz Climo is constantly looking for new scenarios where to place her comic designs and cute animal ideas. There is no doubt that the reader will continue to find everyday-social-interaction references in her on growing fan base.

More information on Liz Climo here.

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El mundo de la caricaturista estadounidense Liz Climo está lleno de ocurrentes y cómicos animales como dinosaurios, conejos, osos, lagartos y koalas. Éstos se caracterizan por su forma simple y humorística y usualmente se encuentran teniendo las más absurdas e irónicas conversaciones.

Durante sus más de 10 años como parte del equipo de animación de la serie televisiva Los Simpson, Elizabeth Climo ha aprendido el verdadero arte de hacer comedia y vender chistes. Su famoso mundo en Tumblr se ha convertido en un reconocido lugar de encuentro de un sin fin de animales que juntos experimentan las típicas peculiaridades de la vida diaria –tal y como les sucede a los humanos- de una manera agradable y divertida. Climo utiliza su tiempo libre y talento para crear amigables personajes como rinocerontes, jirafas y tiburones, todos estos atravesando cotidianos momentos como Halloween y Navidad, el uso de dispositivos modernos y la necesidad de dar y recibir demostraciones de afecto.

Las caricaturas de Liz Climo han resultado sumamente exitosas no sólo por su excelente representación sino también por su magnífico estilo. “Me encanta la manera en que dibujan los niños, porque ellos dibujan exactamente lo que ven” – Climo compartió con Girls Drawing Girls. Durante sus primeros años como artista, Liz decidió dejar de tratar de dibujar bajo ciertos parámetros establecidos y se dispuso a seguir su propio singular estilo. Sus esfuerzos la han llevado a pubicar “The Little World of Liz Climo” (El Pequeño Mundo de Liz Climo), un libro para niños el cual contiene más de 100 extraordinarias imágenes cómic.

Sin embargo, por tan simples como parezcan, cada una de sus ilustraciones son una combinación de atributos humanos y animales que Climo muchas veces no encuentra fácil de producir. Como muchos otros artistas en el mundo, Liz también atraviesa por esos momentos en que la inspiración sufre un momento de bloqueo, pero que el tiempo y la experiencia la han ayudado a enfrentar con una actitud tenaz y positiva. Si nada le viene a la mente, la artista simplemente dibuja algo que la haga feliz a ella o a sus fans. Es cierto que no siempre considera determinada creación su mejor trabajo, pero sin importar el resultado ella lo publica en línea y ésta obtiene en ocasiones impresionantes respuestas positivas de los lectores. Su propio mundo también es una fuente primordial de inspiración. Algunos aspectos de sus personajes, como el sarcasmo, la torpeza o la bondad, son rasgos reales de amigos y familiares.

“Si escucho algo u observo alguna situación que es fácilmente delatable y simple, una lucecita se enciende en mi mente como diciendo ‘Hey, eso a lo mejor resulta divertido si el personaje principal es un animal’” – Climo le dijo a Daily Dot.

Como la artista persistente y prolífica que es, Liz Climo se encuentra en una búsqueda constante de nuevos escenarios donde desarrollar sus ideas y cómics. No hay duda de que el lector continuará encontrando nuevas referencias de la vida diaria en su creciente y famoso blog.

Más información sobre Liz Climo aquí.

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El mundo de la caricaturista estadounidense Liz Climo está lleno de ocurrentes y cómicos animales como dinosaurios, conejos, osos, lagartos y koalas. Éstos se caracterizan por su forma simple y humorística y usualmente se encuentran teniendo las más absurdas e irónicas conversaciones.

Durante sus más de 10 años como parte del equipo de animación de la serie televisiva Los Simpson, Elizabeth Climo ha aprendido el verdadero arte de hacer comedia y vender chistes. Su famoso mundo en Tumblr se ha convertido en un reconocido lugar de encuentro de un sin fin de animales que juntos experimentan las típicas peculiaridades de la vida diaria –tal y como les sucede a los humanos- de una manera agradable y divertida. Climo utiliza su tiempo libre y talento para crear amigables personajes como rinocerontes, jirafas y tiburones, todos estos atravesando cotidianos momentos como Halloween y Navidad, el uso de dispositivos modernos y la necesidad de dar y recibir demostraciones de afecto.

Las caricaturas de Liz Climo han resultado sumamente exitosas no sólo por su excelente representación sino también por su magnífico estilo. “Me encanta la manera en que dibujan los niños, porque ellos dibujan exactamente lo que ven” – Climo compartió con Girls Drawing Girls. Durante sus primeros años como artista, Liz decidió dejar de tratar de dibujar bajo ciertos parámetros establecidos y se dispuso a seguir su propio singular estilo. Sus esfuerzos la han llevado a pubicar “The Little World of Liz Climo” (El Pequeño Mundo de Liz Climo), un libro para niños el cual contiene más de 100 extraordinarias imágenes cómic.

Sin embargo, por tan simples como parezcan, cada una de sus ilustraciones son una combinación de atributos humanos y animales que Climo muchas veces no encuentra fácil de producir. Como muchos otros artistas en el mundo, Liz también atraviesa por esos momentos en que la inspiración sufre un momento de bloqueo, pero que el tiempo y la experiencia la han ayudado a enfrentar con una actitud tenaz y positiva. Si nada le viene a la mente, la artista simplemente dibuja algo que la haga feliz a ella o a sus fans. Es cierto que no siempre considera determinada creación su mejor trabajo, pero sin importar el resultado ella lo publica en línea y ésta obtiene en ocasiones impresionantes respuestas positivas de los lectores. Su propio mundo también es una fuente primordial de inspiración. Algunos aspectos de sus personajes, como el sarcasmo, la torpeza o la bondad, son rasgos reales de amigos y familiares.

“Si escucho algo u observo alguna situación que es fácilmente delatable y simple, una lucecita se enciende en mi mente como diciendo ‘Hey, eso a lo mejor resulta divertido si el personaje principal es un animal’” – Climo le dijo a Daily Dot.

Como la artista persistente y prolífica que es, Liz Climo se encuentra en una búsqueda constante de nuevos escenarios donde desarrollar sus ideas y cómics. No hay duda de que el lector continuará encontrando nuevas referencias de la vida diaria en su creciente y famoso blog.

Más información sobre Liz Climo aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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September 10, 2014 - No Comments!

★ Rick Silva (BR) | Inspiring Digital Landscapes

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A Brazilian artist and animator who transforms his visions of nature into a set of extraordinary virtual GIF images. Highly influenced by landscapes, wildlife, parallel universes and the fusion of technology and the natural world, Rick Silva spends most of his time working outdoors in order to acquire natural details and new sources of inspiration.


[Ver artículo en español abajo]

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With a BFA in Film and a MFA in Art obtained at the University of Colorado, in the USA, Rick Silva has participated in numerous exhibitions around the world. Among his most famous works is “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future” which features 18 videos of surreal, geometric and abstract flying birds that drift in a futuristic atmosphere.

Silva’s work is characterized by psychedelic colors and shimmering surfaces. In each one of his creations he transmits his ultimate fascination with perception, light and time, as well as his need to give an organic sense to his virtual compositions. As the Impressionist and Post-Impressionist artists accustomed in their time, Silva finds the outside space the ideal place to create multiple digital interpretations of his surroundings. The best example of this practice can be found in his continuing project “En Plein Air”, a series of GIF images depicting diverse virtual landscapes that can be differentiated between one another thanks to Silva’s careful documentation of place, date, time, and temperature. The result is a fantastic gathering of moving and pointy images in which the spectator can always perceive the artist’s main impression: a sunny day, mountains reflected on a lake or a cloudy weather, among others.

Constantly working with different computers, cameras and software like Cinema 4D, Silva transforms the outside world into malleable digital compositions. His work is the latest example of how the natural world can coexist with technology inside a creative mind.

More information on Rick Silva here.

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With a BFA in Film and a MFA in Art obtained at the University of Colorado, in the USA, Rick Silva has participated in numerous exhibitions around the world. Among his most famous works is “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future” which features 18 videos of surreal, geometric and abstract flying birds that drift in a futuristic atmosphere.

Silva’s work is characterized by psychedelic colors and shimmering surfaces. In each one of his creations he transmits his ultimate fascination with perception, light and time, as well as his need to give an organic sense to his virtual compositions. As the Impressionist and Post-Impressionist artists accustomed in their time, Silva finds the outside space the ideal place to create multiple digital interpretations of his surroundings. The best example of this practice can be found in his continuing project “En Plein Air”, a series of GIF images depicting diverse virtual landscapes that can be differentiated between one another thanks to Silva’s careful documentation of place, date, time, and temperature. The result is a fantastic gathering of moving and pointy images in which the spectator can always perceive the artist’s main impression: a sunny day, mountains reflected on a lake or a cloudy weather, among others.

Constantly working with different computers, cameras and software like Cinema 4D, Silva transforms the outside world into malleable digital compositions. His work is the latest example of how the natural world can coexist with technology inside a creative mind.

More information on Rick Silva here.

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Rick Silva es un artista y animador brasileño que se dedica a transformar su percepción de la naturaleza en extraordinarias imágenes animadas GIF. A lo largo de su carrera, se ha visto ampliamente influenciado por paisajes naturales, la flora y la fauna, universos paralelos y la fusión de la tecnología con el mundo natural. Actualmente pasa gran parte de su tiempo trabajando al aire libre con el objetivo de ampliar sus horizontes y encontrar nuevas fuentes de inspiración.

Graduado de la Maestría de Arte en la Universidad de Colorado en Estados Unidos, Rick Silva ha participado en numerosas exhibiciones alrededor del mundo. Entre sus trabajos más reconocidos se encuentra el “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future”, una serie de 18 videos ilustrando aves de carácter surreal, geométrico y abstracto que dan la impresión de volar sin rumbo en una atmósfera futurista.

El trabajo de Silva se caracteriza por colores psicodélicos y una apariencia brillante. En cada una de sus creaciones se puede apreciar su fuerte fascinación por la percepción, la luz y el tiempo, así como su necesidad de dar un toque orgánico a sus composiciones. Así como los artistas Impresionistas y Post-Impresionistas hicieron en su tiempo, Silva encuentra en el espacio exterior el ambiente perfecto para trabajar y realizar múltiples interpretaciones digitales del mundo que lo rodea. El proyecto que mejor refleja esta práctica es su actual serie de imágenes GIF titulado “En Plein Air”. Éste consiste en la producción virtual de paisajes que pueden ser diferenciados entre sí gracias a la documentación del lugar, la fecha, la hora y la temperatura que representan. El resultado es un fantástico conjunto de imágenes en movimiento en las que el espectador es capaz de diferenciar la idea principal del artista: un día soleado, montañas que se reflejan en un lago o un clima nublado, entre otros.

Trabajando constantemente con diferentes computadoras, cámaras y programas digitales como Cinema 4D, Silva transforma el mundo exterior en maleables composiciones digitales. Su trabajo es uno de los últimos ejemplos de cómo el mundo natural puede coexistir con la tecnología a través de una mente creativa.

Más información sobre Rick Silva aquí.

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Rick Silva es un artista y animador brasileño que se dedica a transformar su percepción de la naturaleza en extraordinarias imágenes animadas GIF. A lo largo de su carrera, se ha visto ampliamente influenciado por paisajes naturales, la flora y la fauna, universos paralelos y la fusión de la tecnología con el mundo natural. Actualmente pasa gran parte de su tiempo trabajando al aire libre con el objetivo de ampliar sus horizontes y encontrar nuevas fuentes de inspiración.

Graduado de la Maestría de Arte en la Universidad de Colorado en Estados Unidos, Rick Silva ha participado en numerosas exhibiciones alrededor del mundo. Entre sus trabajos más reconocidos se encuentra el “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future”, una serie de 18 videos ilustrando aves de carácter surreal, geométrico y abstracto que dan la impresión de volar sin rumbo en una atmósfera futurista.

El trabajo de Silva se caracteriza por colores psicodélicos y una apariencia brillante. En cada una de sus creaciones se puede apreciar su fuerte fascinación por la percepción, la luz y el tiempo, así como su necesidad de dar un toque orgánico a sus composiciones. Así como los artistas Impresionistas y Post-Impresionistas hicieron en su tiempo, Silva encuentra en el espacio exterior el ambiente perfecto para trabajar y realizar múltiples interpretaciones digitales del mundo que lo rodea. El proyecto que mejor refleja esta práctica es su actual serie de imágenes GIF titulado “En Plein Air”. Éste consiste en la producción virtual de paisajes que pueden ser diferenciados entre sí gracias a la documentación del lugar, la fecha, la hora y la temperatura que representan. El resultado es un fantástico conjunto de imágenes en movimiento en las que el espectador es capaz de diferenciar la idea principal del artista: un día soleado, montañas que se reflejan en un lago o un clima nublado, entre otros.

Trabajando constantemente con diferentes computadoras, cámaras y programas digitales como Cinema 4D, Silva transforma el mundo exterior en maleables composiciones digitales. Su trabajo es uno de los últimos ejemplos de cómo el mundo natural puede coexistir con la tecnología a través de una mente creativa.

Más información sobre Rick Silva aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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September 3, 2014 - No Comments!

★ Diana Beltrán Herrera (CO) | Rediscovering Magical Wildlife

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Based in Bristol, England, Diana Beltrán is a Colombian sculptor and designer who recreates exotic elements of nature- birds in particular- in order to make a statement about the gradual separation that humans are suffering from the environment in today’s society. With a strong background in crafts, colors, patterns and volumes, and a profound passion for birds, Diana intents to influence the world in a positive way and give people the opportunity to rediscover their natural surroundings before it is too late.


[Ver artículo en español abajo]

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Graduated from the bachelor of Industrial Design at the Jorge Tadeo Lozano University in Bogota, Colombia in 2010 and currently studying a MA of Fine Arts at the University of the West of England, Diana Beltrán has reproduced more than 100 species of tropical birds. She observes photographs, researches the animal’s habitat and way of living, and talks to members of the ornithology world in order to reconstruct the birds as accurately as possible.

Diana’s handmade paper sculptures aim to represent an ideal universe in which the relationship between humans and nature is restored and not so often disregarded by people. Her delicate and detailed birds are characterized by economic materials and an enduring process in which repetition is the key aspect of accomplishment.

“The world is a 24-hour day full of inspiration”, Diana shares when asked about her motivation. A photograph and a drawing in Illustrator is all that this talented artist needs in order to bring to life the real-size sculptures of such fantastic flying creatures. Generally, the manufacture period of each bird is from 5 days to 2 weeks, depending on the complexity and size of the animal.

More information on Diana Beltrán Herrera here.

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Graduated from the bachelor of Industrial Design at the Jorge Tadeo Lozano University in Bogota, Colombia in 2010 and currently studying a MA of Fine Arts at the University of the West of England, Diana Beltrán has reproduced more than 100 species of tropical birds. She observes photographs, researches the animal’s habitat and way of living, and talks to members of the ornithology world in order to reconstruct the birds as accurately as possible.

Diana’s handmade paper sculptures aim to represent an ideal universe in which the relationship between humans and nature is restored and not so often disregarded by people. Her delicate and detailed birds are characterized by economic materials and an enduring process in which repetition is the key aspect of accomplishment.

“The world is a 24-hour day full of inspiration”, Diana shares when asked about her motivation. A photograph and a drawing in Illustrator is all that this talented artist needs in order to bring to life the real-size sculptures of such fantastic flying creatures. Generally, the manufacture period of each bird is from 5 days to 2 weeks, depending on the complexity and size of the animal.

More information on Diana Beltrán Herrera here.

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Con residencia actual en Bristol, Inglaterra, Diana Beltrán es una diseñadora y escultura Colombiana que se dedica a recrear exóticos miembros de la naturaleza –principalmente aves- con el objetivo de declarar su postura con respecto a la fuerte separación que se está llevando a cabo entre el ser humano de nuestra sociedad contemporánea y el medio ambiente. Con antecedentes en artes plásticas, el estudio de color, patrones y volúmenes, y con una intensa pasión por las aves, Beltrán intenta influenciar al mundo de manera positiva y brindar a las personas la oportunidad de redescubrir el mundo natural antes de que sea demasiado tarde.

Graduada de la licenciatura en Diseño Industrial en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá, Colombia en el 2010 y actualmente estudiando una maestría en artes en la Universidad de West of England, Diana Beltrán ha reproducido más de 100 especies de aves tropicales. Gracias al estudio del hábitat y forma de vida de dichas especies, su observación de fotografías y sus reuniones con ornitólogos, Diana reconstruye sus aves lo más exactas y cercanas a la realidad posible.

Sus esculturas de papel fabricadas a mano representan un universo ficticio en el que la relación entre los humanos y la naturaleza se ve restaurada. Sus detalladas y delicadas aves se caracterizan por materiales económicos y un paciente proceso creativo en el que la repetición es un factor clave para llevarlas a cabo.

“El mundo es un lugar lleno de inspiración las 24 horas al día”, es lo que Diana piensa respecto a su motivación para seguir trabajando. Una fotografía y un dibujo en el programa Ilustrador son las principales herramientas que esta talentosa artista necesita para crear sus fantásticas esculturas de tamaño real. Generalmente, la manufactura de cada una de ellas le lleva de 5 días a 2 semanas, dependiendo del grado de complejidad y el tamaño del ave en cuestión.

Más información sobre Diana Beltrán aquí.

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Con residencia actual en Bristol, Inglaterra, Diana Beltrán es una diseñadora y escultura Colombiana que se dedica a recrear exóticos miembros de la naturaleza –principalmente aves- con el objetivo de declarar su postura con respecto a la fuerte separación que se está llevando a cabo entre el ser humano de nuestra sociedad contemporánea y el medio ambiente. Con antecedentes en artes plásticas, el estudio de color, patrones y volúmenes, y con una intensa pasión por las aves, Beltrán intenta influenciar al mundo de manera positiva y brindar a las personas la oportunidad de redescubrir el mundo natural antes de que sea demasiado tarde.

Graduada de la licenciatura en Diseño Industrial en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá, Colombia en el 2010 y actualmente estudiando una maestría en artes en la Universidad de West of England, Diana Beltrán ha reproducido más de 100 especies de aves tropicales. Gracias al estudio del hábitat y forma de vida de dichas especies, su observación de fotografías y sus reuniones con ornitólogos, Diana reconstruye sus aves lo más exactas y cercanas a la realidad posible.

Sus esculturas de papel fabricadas a mano representan un universo ficticio en el que la relación entre los humanos y la naturaleza se ve restaurada. Sus detalladas y delicadas aves se caracterizan por materiales económicos y un paciente proceso creativo en el que la repetición es un factor clave para llevarlas a cabo.

“El mundo es un lugar lleno de inspiración las 24 horas al día”, es lo que Diana piensa respecto a su motivación para seguir trabajando. Una fotografía y un dibujo en el programa Ilustrador son las principales herramientas que esta talentosa artista necesita para crear sus fantásticas esculturas de tamaño real. Generalmente, la manufactura de cada una de ellas le lleva de 5 días a 2 semanas, dependiendo del grado de complejidad y el tamaño del ave en cuestión.

Más información sobre Diana Beltrán aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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