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May 27, 2015 - No Comments!

★ Hari & Deepti (US) | Magical Handcut Paper Boxes

Denver-based graphic designers and illustrators Deepti Nair and Harikrishnan Panicker share their passion for imaginary beings, unreal worlds and paper cutting. Their enigmatic work as the creative duo Hari & Deepti is identified by splendid dioramas formed with delicate and complex hand-cut characters and dreamy scenarios that only come to life when lit with LED lights. Their laborious craftwork is the perfect example of what great minds can do using a medium as simple – yet versatile- as paper.

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May 20, 2015 - No Comments!

★ Blommers & Schumm (NL) | One-of-a-kind Fashion Photography

Dutch photographers Anuschka Blommers and Niels Schumm are the two talented master-minds behind Blommers Schumm, a creative duo that remarkably balances art, fashion and photography to produce the most striking photoshoots. Based in Amsterdam, they have revolutionized the portrayal of multiple ideas by producing images that not only catch the eye of the viewer, but which also challenge the ordinary notions of photography. Since 1997, they have exhibited their work in diverse museums and galleries around the world and appeared in publications like Fantastic Man, Gentlewoman, Another Magazine, Purple, Dazed & Confused and NY Times Magazine, and many more.

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May 6, 2015 - No Comments!

★ C215 (FR) | Stencil Anonymity

French street artist Christian Guémy, also known as C215, travels around the world capturing wondrous close-up portraits of street people. Thanks to his extraordinary stencil expertise -developed since 2006- Guémy transforms the image of smokers, beggars, homeless and old-age people, refugees, and street kids, into authentically emotive works of art.

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April 29, 2015 - No Comments!

★ Christoph Niemann (GE) | The Art of Ecstatic Simplicity

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

With a portfolio filled with witty and amusing drawings, German-born editorial artist Christoph Niemann has resorted to humoristic illustrations to engage his readers. His iconic work has appeared in prestigious publications like The New Yorker, Newsweek and American Illustration, and has taken him to collaborate with renowned corporations like Google, Herman Miller and The Museum of Modern Art. Based in Berlin, Niemann has accomplished a unique style in which his hand-drown illustrations may seem easily produced, but which in fact require a massive amount of effort.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Artist, author, and illustrator Christoph Niemann specializes in creating original and humorous illustrations, especially for advertising and editorial clients. He studied graphic design in Stuttgart, Germany and then moved to New York City where he rapidly made a name for himself as an innovative illustrator. After eleven years in the USA, he moved to Berlin, Germany, and now his career fluctuates mainly between the style and sense of humor of those two countries. Today, Niemann is a master of the expression of complex ideas through a brisk and witty style and one of the most prominent graphic artists of the moment.

Passionate of kinesthetic learning –thanks to which he is able to assign colors to letters to develop his memory- and of morning working-hours, Niemann has learned throughout his more than 10 years of experience that having short deadlines is the only way to really come up with sharp and successful creative results. “If the anxiety is about the deadline, then the energy really focuses on the result”. – Christoph shared with 99U

His striking and fast-executed illustrations cover all kinds of topics – politics, culture, economics, business, social developments, etc. - and are recognizable for their unique combination of reality and fantasy. An example of his extraordinary talent for incorporating the context of the story into his designs can be seen in his 2011 illustration for The New Yorker about the Fukushima disaster. In this cover, the artist cleverly used the branches of a traditional Japanese cherry tree and replaced the flowers with symbols of nuclear radiation.

To use jokes and laughter as a form of communication is the core attribute of Christoph’s work. Thanks to his limitless creativity, Niemann is also able to get inspired even by his most random and unthinkable experiences. For instance, his handmade illustrations depicting his trips from New York to Berlin, his napkin-drawings expressing his love-hate relationship with coffee – a project created using 40% of coffee infusion as part of the ink-, and his Lego creations while enclosed at home due to the cold weather.

“There is unfortunately no secret to the way I work. I sit in front of a stack of letter size paper, and think until my head hurts. I do not produce sketches of even the slightest artistic value”. - Christoph Niemann told Duarte

Since July 2008, “Abstract City” -renamed “Abstract Sunday” in 2011- became Christoph Niemann’s blog for The New York Times where readers can find part of his most recent work. Among other projects, Christoph is the author of two children’s books and the creator of “Petting Zoo”, an app that combines his amusing illustrations with technology allowing the user to see how 21 animals react to the screen touch.

More information on Christoph Niemann here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Artist, author, and illustrator Christoph Niemann specializes in creating original and humorous illustrations, especially for advertising and editorial clients. He studied graphic design in Stuttgart, Germany and then moved to New York City where he rapidly made a name for himself as an innovative illustrator. After eleven years in the USA, he moved to Berlin, Germany, and now his career fluctuates mainly between the style and sense of humor of those two countries. Today, Niemann is a master of the expression of complex ideas through a brisk and witty style and one of the most prominent graphic artists of the moment.

Passionate of kinesthetic learning –thanks to which he is able to assign colors to letters to develop his memory- and of morning working-hours, Niemann has learned throughout his more than 10 years of experience that having short deadlines is the only way to really come up with sharp and successful creative results. “If the anxiety is about the deadline, then the energy really focuses on the result”. – Christoph shared with 99U

His striking and fast-executed illustrations cover all kinds of topics – politics, culture, economics, business, social developments, etc. - and are recognizable for their unique combination of reality and fantasy. An example of his extraordinary talent for incorporating the context of the story into his designs can be seen in his 2011 illustration for The New Yorker about the Fukushima disaster. In this cover, the artist cleverly used the branches of a traditional Japanese cherry tree and replaced the flowers with symbols of nuclear radiation.

To use jokes and laughter as a form of communication is the core attribute of Christoph’s work. Thanks to his limitless creativity, Niemann is also able to get inspired even by his most random and unthinkable experiences. For instance, his handmade illustrations depicting his trips from New York to Berlin, his napkin-drawings expressing his love-hate relationship with coffee – a project created using 40% of coffee infusion as part of the ink-, and his Lego creations while enclosed at home due to the cold weather.

“There is unfortunately no secret to the way I work. I sit in front of a stack of letter size paper, and think until my head hurts. I do not produce sketches of even the slightest artistic value”. - Christoph Niemann told Duarte

Since July 2008, “Abstract City” -renamed “Abstract Sunday” in 2011- became Christoph Niemann’s blog for The New York Times where readers can find part of his most recent work. Among other projects, Christoph is the author of two children’s books and the creator of “Petting Zoo”, an app that combines his amusing illustrations with technology allowing the user to see how 21 animals react to the screen touch.

More information on Christoph Niemann here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Con un portafolio repleto de ingeniosas y divertidas ilustraciones, el artista, autor e ilustrador alemán Christoph Niemann ha recurrido al humor para capturar a sus lectores. Su excepcional trabajo ha aparecido en prestigiosas publicaciones tales como The New Yorker, Newsweek y American Illustration y su talento lo ha llevado a colaborar con importantes compañías, como Google, Herman Miller y The Museum of Modern Art. Actualmente con residencia en Berlín, Niemann ha sabido dar a su estilo un toque rápido y sencillo, sin embargo, su proceso requiere mucho más esfuerzo del pensando.

Christoph estudió diseño gráfico en Stuttgart, Alemania y posteriormente se mudó a Nueva York donde rápidamente se posicionó como un talentoso e innovador artista e ilustrador. Después de once años trabajando en Estados Unidos, decidió volver a Alemania y establecerse en Berlín, desarrollando así una prestigiosa carrera que fluctúa entre el estilo y sentido del humor de ambos países. Hoy en día, Niemann es experto en la expresión rápida, clara, y enérgica de ideas complejas y se le conoce como uno de los artistas gráficos más importantes del momento.

Apasionado del aprendizaje kinestésico – gracias al cual es capaz de asignar colores a las letras con el objetivo de mejorar su memoria- y de las horas de trabajo matutinas, Niemann ha aprendido durante sus más de 10 años de experiencia, que el tener fechas límite de entrega cortas es la única manera de crear resultados que verdaderamente valgan la pena. “Si lo que causa ansiedad es la fecha límite, entonces la energía se centra en el resultado”. – Christoph compartió con 99U

Sus notables ilustraciones creadas con sorprendente agilidad abarcan todo tipo de temas – política, cultura, negocios, economía, eventos sociales, etc. – y se destacan por la combinación única de realidad y fantasía. Un ejemplo de su gran talento para incorporar el contexto de la historia en sus diseños es su ilustración de 2011 para la publicación The New Yorker, la cual habla sobre el desastre de la planta de Fukushima. En esta portada, Niemann tomó las ramas de un tradicional árbol de flor de cerezo japonés y sustituyó las flores por un símbolo de radiación nuclear.

Utilizar chistes y risas como una forma de comunicación exitosa es el atributo principal del trabajo de Christoph. Gracias a su ilimitada creatividad, Niemann es capaz de obtener fantásticas ideas de las más inesperadas experiencias personales. Por ejemplo, sus ilustraciones a mano que expresan su travesía durante un viaje en avión de Nueva York a Berlín, su relación de amor-odio con el café – un proyecto realizado en servilletas utilizando como tinta un líquido compuesto de 40% de café – y sus creaciones en Lego, las cuales realizó estando encerrado en casa durante días de un clima tempestuoso.

“Desafortunadamente, no hay un secreto que demuestre la manera en que trabajo. Me siento en frente de una pila de hojas tamaño carta, y pienso hasta que me duele la cabeza. No realizo bocetos que contengan el menor valor artístico”. – Christoph Niemann dijo a Duarte

Desde julio del 2008, “Abstract City” – renombrado en el 2011 “Abstract Sunday”- se convirtió en el blog de Niemann para The New York Times. Los lectores pueden encontrar en él parte de su más reciente trabajo. Entre otros proyectos, Christoph es el autor de dos libros infantiles y el creador de “Petting Zoo”, una aplicación que combina sus creativas ilustraciones y la tecnología, permitiendo al usuario interactuar con 21 animales y observar su reacción ante el contacto de la pantalla.

Más información sobre Christoph Niemann aquí.

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Con un portafolio repleto de ingeniosas y divertidas ilustraciones, el artista, autor e ilustrador alemán Christoph Niemann ha recurrido al humor para capturar a sus lectores. Su excepcional trabajo ha aparecido en prestigiosas publicaciones tales como The New Yorker, Newsweek y American Illustration y su talento lo ha llevado a colaborar con importantes compañías, como Google, Herman Miller y The Museum of Modern Art. Actualmente con residencia en Berlín, Niemann ha sabido dar a su estilo un toque rápido y sencillo, sin embargo, su proceso requiere mucho más esfuerzo del pensando.

Christoph estudió diseño gráfico en Stuttgart, Alemania y posteriormente se mudó a Nueva York donde rápidamente se posicionó como un talentoso e innovador artista e ilustrador. Después de once años trabajando en Estados Unidos, decidió volver a Alemania y establecerse en Berlín, desarrollando así una prestigiosa carrera que fluctúa entre el estilo y sentido del humor de ambos países. Hoy en día, Niemann es experto en la expresión rápida, clara, y enérgica de ideas complejas y se le conoce como uno de los artistas gráficos más importantes del momento.

Apasionado del aprendizaje kinestésico – gracias al cual es capaz de asignar colores a las letras con el objetivo de mejorar su memoria- y de las horas de trabajo matutinas, Niemann ha aprendido durante sus más de 10 años de experiencia, que el tener fechas límite de entrega cortas es la única manera de crear resultados que verdaderamente valgan la pena. “Si lo que causa ansiedad es la fecha límite, entonces la energía se centra en el resultado”. – Christoph compartió con 99U

Sus notables ilustraciones creadas con sorprendente agilidad abarcan todo tipo de temas – política, cultura, negocios, economía, eventos sociales, etc. – y se destacan por la combinación única de realidad y fantasía. Un ejemplo de su gran talento para incorporar el contexto de la historia en sus diseños es su ilustración de 2011 para la publicación The New Yorker, la cual habla sobre el desastre de la planta de Fukushima. En esta portada, Niemann tomó las ramas de un tradicional árbol de flor de cerezo japonés y sustituyó las flores por un símbolo de radiación nuclear.

Utilizar chistes y risas como una forma de comunicación exitosa es el atributo principal del trabajo de Christoph. Gracias a su ilimitada creatividad, Niemann es capaz de obtener fantásticas ideas de las más inesperadas experiencias personales. Por ejemplo, sus ilustraciones a mano que expresan su travesía durante un viaje en avión de Nueva York a Berlín, su relación de amor-odio con el café – un proyecto realizado en servilletas utilizando como tinta un líquido compuesto de 40% de café – y sus creaciones en Lego, las cuales realizó estando encerrado en casa durante días de un clima tempestuoso.

“Desafortunadamente, no hay un secreto que demuestre la manera en que trabajo. Me siento en frente de una pila de hojas tamaño carta, y pienso hasta que me duele la cabeza. No realizo bocetos que contengan el menor valor artístico”. – Christoph Niemann dijo a Duarte

Desde julio del 2008, “Abstract City” – renombrado en el 2011 “Abstract Sunday”- se convirtió en el blog de Niemann para The New York Times. Los lectores pueden encontrar en él parte de su más reciente trabajo. Entre otros proyectos, Christoph es el autor de dos libros infantiles y el creador de “Petting Zoo”, una aplicación que combina sus creativas ilustraciones y la tecnología, permitiendo al usuario interactuar con 21 animales y observar su reacción ante el contacto de la pantalla.

Más información sobre Christoph Niemann aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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April 22, 2015 - No Comments!

★ Chaim Machlev (GE) | Timeless Ink Art

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Berlin-based tattoo artist Chaim Machlev uses lines and dots to engrave appealing yet unconventional designs on people’s skins. Usually of a large-scale and minimalistic style, his monochromatic tattoos achieve a remarkable sense of three-dimensionality and movement thanks to the delicate intertwining of organic and geometric elements that match the curves of the body shape. With clients from all over the world - Australia, Africa, America, South America, and the Middle East – Machlev has rapidly positioned as one of the most coveted tattoo artists in the last three years.


[Ver artículo en español abajo]

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[youtube http://www.youtube.com/watch?v=vDmo5YMQAy8]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

“A dot is something so simple that you can make things in a thousand different ways” – Chaim Machlev

Native from Tel Aviv, Israel, rising tattoo artist Chaim Machlev creates elegant line and dot designs inside his private studio, DotsToLines, in Berlin, Germany. A former project manager for an IT company, Machlev decided to start his tattooing career in 2012, after getting his first tattoo at Psycho Tattoo Studio in Tel Aviv and knowing tattoo artist Avi Vanunu. Chaim thinks of his first tattoo process as a life-changing experience that contributed to the definite unleash of his creativity. Because of it, today, he is the author of extraordinary body-art designs and one of the most trending tattooist of the moment.

The style of his work is simple yet distinctively sophisticated. Usually of a large-scale and symmetrical nature, Chaim’s tattoos are engraved across an arm, leg, back or chest, using black ink –the only color he thinks will make his designs timeless. The geometric shapes and wavy lines that he intertwines to produce abstract forms impeccably adapt and flow throughout the human body.

Through his art, Machlev attempts to beautify the body in movement and to make tattoos less intimidating for those who see them as a “negative” form of expression. Always striving for individuality, Chaim conceives each complex design separately according to the body shape in which it will be engraved.

“I experiment a lot, like on a daily basis—which is a bit risky when it comes to a non-reversible form of art, but I guess that is the only way to develop your own style as an artist and create something individual daily”. – Chaim Machlev told Inked Magazine

Influenced by nature and the spiritual world, Chaim Machlev gets his main inspiration from insects, lotus flowers and the symbol of universe, Mandala. As a meticulous and perfectionist artist, the high quality of his work has attracted thousands of online followers around the world creating a 1-2 years waiting time to get an appointment.

More information on Chaim Machlev here.

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“A dot is something so simple that you can make things in a thousand different ways” – Chaim Machlev

Native from Tel Aviv, Israel, rising tattoo artist Chaim Machlev creates elegant line and dot designs inside his private studio, DotsToLines, in Berlin, Germany. A former project manager for an IT company, Machlev decided to start his tattooing career in 2012, after getting his first tattoo at Psycho Tattoo Studio in Tel Aviv and knowing tattoo artist Avi Vanunu. Chaim thinks of his first tattoo process as a life-changing experience that contributed to the definite unleash of his creativity. Because of it, today, he is the author of extraordinary body-art designs and one of the most trending tattooist of the moment.

The style of his work is simple yet distinctively sophisticated. Usually of a large-scale and symmetrical nature, Chaim’s tattoos are engraved across an arm, leg, back or chest, using black ink –the only color he thinks will make his designs timeless. The geometric shapes and wavy lines that he intertwines to produce abstract forms impeccably adapt and flow throughout the human body.

Through his art, Machlev attempts to beautify the body in movement and to make tattoos less intimidating for those who see them as a “negative” form of expression. Always striving for individuality, Chaim conceives each complex design separately according to the body shape in which it will be engraved.

“I experiment a lot, like on a daily basis—which is a bit risky when it comes to a non-reversible form of art, but I guess that is the only way to develop your own style as an artist and create something individual daily”. – Chaim Machlev told Inked Magazine

Influenced by nature and the spiritual world, Chaim Machlev gets his main inspiration from insects, lotus flowers and the symbol of universe, Mandala. As a meticulous and perfectionist artist, the high quality of his work has attracted thousands of online followers around the world creating a 1-2 years waiting time to get an appointment.

More information on Chaim Machlev here.

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“Un punto es algo tan simple que uno puede hacer cosas de mil maneras distintas” – Chaim Machlev

Originario de Tel Aviv, Israel y con residencia actual en Berlín, Alemana, Chaim Machlev es un artista y tatuador contemporáneo que utiliza líneas y puntos para crear sus atractivos y originales diseños. Generalmente de tamaño considerable y un estilo minimalista, sus tatuajes se caracterizan por su tridimensionalidad y sensación de movimiento gracias al elegante entrelazado de elementos orgánicos y  geométricos que se adaptan a las líneas del cuerpo.

Actualmente Chaim Machlev crea sus delicados diseños en su estudio DotsToLines. Años atrás, trabajaba como gerente de proyectos para una compañía de tecnologías de información, sin embargo, después de obtener su primer tatuaje en el 2012 en el Psycho Tattoo Studio en Tel Aviv y platicar con el artista Avi Vanunu, decidió comenzar su propia carrera como tatuador. Chaim opina que el proceso de hacerse su primer tatuaje fue una experiencia que le cambió la vida y lo que finalmente hizo que su creatividad saliera a flote. Debido a eso, hoy es el creador de extraordinarios diseños y uno de los tatuadores más buscados del momento.

El estilo de su trabajo es simple pero con una sofisticación única. Sus diseños -generalmente grandes y simétricos- son realizados en la superficie de un brazo, una pierna, la espalda o el pecho, usando tinta negra – el único color que él considera hará que sus diseños se vuelvan atemporales. Las figuras geométricas y las líneas curveadas que el artista logra entrecruzar para formar figuras abstractas se adaptan de manera impecable al cuerpo y fluyen a través de él.

A través de su arte, Machlev pretende hacer de la figura humana en movimiento algo más bello, además de hacer del arte del tatuaje una forma de expresión menos intimidante para aquellas personas que piensan de él como algo “negativo”. Siempre en búsqueda de la individualidad, Chaim crea el concepto de cada uno de sus diseños de manera separada, basándose en la forma única que tiene el cuerpo de la persona en el que será realizado el tatuaje.

“Experimento mucho, prácticamente todos los días – lo cual es un poco riesgoso si hablamos de un tipo de arte que no es reversible, pero supongo que es la única manera de desarrollar un estilo propio como artista y de crear algo individual diariamente”. - Chaim Machlev compartió con Inked Magazine

Influenciado por la naturaleza y el mundo espiritual, Chaim Machlev obtiene su principal fuente de inspiración de insectos, las flores de loto y del Mándala, el símbolo del universo. Como un artista perfeccionista y meticuloso, crea sus tatuajes con la más alta calidad, logrando un amplio número de seguidores en línea y una lista de espera de 1 a 2 años para la obtención de una cita.

Más información sobre Chaim Machlev aquí.

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“Un punto es algo tan simple que uno puede hacer cosas de mil maneras distintas” – Chaim Machlev

Originario de Tel Aviv, Israel y con residencia actual en Berlín, Alemana, Chaim Machlev es un artista y tatuador contemporáneo que utiliza líneas y puntos para crear sus atractivos y originales diseños. Generalmente de tamaño considerable y un estilo minimalista, sus tatuajes se caracterizan por su tridimensionalidad y sensación de movimiento gracias al elegante entrelazado de elementos orgánicos y  geométricos que se adaptan a las líneas del cuerpo.

Actualmente Chaim Machlev crea sus delicados diseños en su estudio DotsToLines. Años atrás, trabajaba como gerente de proyectos para una compañía de tecnologías de información, sin embargo, después de obtener su primer tatuaje en el 2012 en el Psycho Tattoo Studio en Tel Aviv y platicar con el artista Avi Vanunu, decidió comenzar su propia carrera como tatuador. Chaim opina que el proceso de hacerse su primer tatuaje fue una experiencia que le cambió la vida y lo que finalmente hizo que su creatividad saliera a flote. Debido a eso, hoy es el creador de extraordinarios diseños y uno de los tatuadores más buscados del momento.

El estilo de su trabajo es simple pero con una sofisticación única. Sus diseños -generalmente grandes y simétricos- son realizados en la superficie de un brazo, una pierna, la espalda o el pecho, usando tinta negra – el único color que él considera hará que sus diseños se vuelvan atemporales. Las figuras geométricas y las líneas curveadas que el artista logra entrecruzar para formar figuras abstractas se adaptan de manera impecable al cuerpo y fluyen a través de él.

A través de su arte, Machlev pretende hacer de la figura humana en movimiento algo más bello, además de hacer del arte del tatuaje una forma de expresión menos intimidante para aquellas personas que piensan de él como algo “negativo”. Siempre en búsqueda de la individualidad, Chaim crea el concepto de cada uno de sus diseños de manera separada, basándose en la forma única que tiene el cuerpo de la persona en el que será realizado el tatuaje.

“Experimento mucho, prácticamente todos los días – lo cual es un poco riesgoso si hablamos de un tipo de arte que no es reversible, pero supongo que es la única manera de desarrollar un estilo propio como artista y de crear algo individual diariamente”. - Chaim Machlev compartió con Inked Magazine

Influenciado por la naturaleza y el mundo espiritual, Chaim Machlev obtiene su principal fuente de inspiración de insectos, las flores de loto y del Mándala, el símbolo del universo. Como un artista perfeccionista y meticuloso, crea sus tatuajes con la más alta calidad, logrando un amplio número de seguidores en línea y una lista de espera de 1 a 2 años para la obtención de una cita.

Más información sobre Chaim Machlev aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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April 15, 2015 - No Comments!

★ Miguel Jiron (USA) | Creator Of Living Illustrations

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Los Angeles-based director and animator Miguel Jiron produces eccentric animations characterized by an intriguing, complex and fantastic humor. As a storyboard artist at Illumination Entertainment, Jiron brings his peculiar characters to life taking elements from his Nicaraguan heritage and passion for telling stories.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text][vimeo 72922839 w=100 h=281]

LA-GAR-TO from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 52193530 w=100 h=281]

Sensory Overload (Interacting with Autism Project) from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 26404699 w=100 h=281]

Paint Showers from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 113247929 w=100 h=281]

Los Angeles Yule Log from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 123277319 w=100 h=501]

Virtual Reality Pornstar from Miguel Jiron on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in Baton Rouge, Louisiana to Nicaraguan parents, and currently based in Los Angeles, California, Miguel Jiron is a director and animator known for the eccentric and captivating style with which he creates his animated stories and gif images. He works as a storyboard artist at Illumination Entertainment and has a background as a painting assistant for Takashi Murakami in New York City and Tokyo. His illustrations have appeared in publications like National Geographic AdventureWorld Policy JournalResource Magazine, and Inside Counsel Magazine, among others.

Jiron's style is bold and filled with vibrant colors and fascinating sounds. His work is a disclosure of his deepest ideas transformed into extraordinary worlds characterized by great movement and energy. “La-Gar-To”, a story about a boy who travels to Nicaragua with his family and encounters a strident and frightening world occupied with iguanas, is an example of his dazzling talent to describe insightful scenes using imprecise hand-drawn lines, diverse hues of colors, appealing sounds, and multiple perspectives.

Other of Miguel Jiron’s most interesting projects are “Sensory Overload”, an animation produced for video-based website Interacting With Autism, in which he splendidly offers a glimpse of the harsh reality that children diagnosed with autism experience due to their heightened sensorial circumstances; and “Paint Showers”, an animated short depicting thunderstorms made out of drops of paint and complemented with genuine storm sounds.

More information on Miguel Jiron here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Born in Baton Rouge, Louisiana to Nicaraguan parents, and currently based in Los Angeles, California, Miguel Jiron is a director and animator known for the eccentric and captivating style with which he creates his animated stories and gif images. He works as a storyboard artist at Illumination Entertainment and has a background as a painting assistant for Takashi Murakami in New York City and Tokyo. His illustrations have appeared in publications like National Geographic AdventureWorld Policy JournalResource Magazine, and Inside Counsel Magazine, among others.

Jiron's style is bold and filled with vibrant colors and fascinating sounds. His work is a disclosure of his deepest ideas transformed into extraordinary worlds characterized by great movement and energy. “La-Gar-To”, a story about a boy who travels to Nicaragua with his family and encounters a strident and frightening world occupied with iguanas, is an example of his dazzling talent to describe insightful scenes using imprecise hand-drawn lines, diverse hues of colors, appealing sounds, and multiple perspectives.

Other of Miguel Jiron’s most interesting projects are “Sensory Overload”, an animation produced for video-based website Interacting With Autism, in which he splendidly offers a glimpse of the harsh reality that children diagnosed with autism experience due to their heightened sensorial circumstances; and “Paint Showers”, an animated short depicting thunderstorms made out of drops of paint and complemented with genuine storm sounds.

More information on Miguel Jiron here.

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Nacido en Baton Rouge, Luisiana y con residencia actual en Los Ángeles, California, Miguel Jiron es un director y animador de ascendencia Nicaragüense que se distingue por la producción de animaciones e imágenes gif cargadas de intriga, complejidad y fantasía. Con experiencia como asistente en el taller del artista Takashi Murakami en Tokio y Nueva York, y hoy en día creador de storyboards en Illumination Entertainment, Jiron combina en su extraordinario trabajo, su herencia sudamericana, su pasión por relatar historias y su magnífico talento pora llenar de vida sus peculiares personajes.

El estilo excéntrico y cautivador de las ilustraciones animadas de Miguel Jiron le ha valido gran reconocimiento en diversas publicaciones, tales como National Geographic Adventure, World Policy Journal, Resource Magazine, e Inside Counsel Magazine, entre otras. Su atrevido uso de llamativos colores y fascinantes sonidos le ha permitido transformar sus imágenes en extraordinarios mundos llenos de movimiento y energía.

La-Gar-To”, una historia sobre un niño que viaja con su familia a Nicaragua descubriendo así un estrepitoso y aterrador mundo infestado de iguanas, es uno de sus ejemplos más palpables que muestra su gran talento para describir a detalle profundas escenas utilizando líneas imprecisas dibujadas a mano, un sin fin de tonalidades, atractivos sonidos, y múltiples perspectivas.

Entre otros de los proyectos más interesantes de Miguel se encuentran “Sensory Overload” (Sobrecarga Sensorial), una animación producida para la organización Interacting With Autism, en la que Jiron ofrece un vistazo de la dura realidad que viven los niños diagnosticados con autismo que deben lidiar con la intensificación de sus sentidos; y “Pain Showers” (Baños de Pintura), una animación que muestra tormentas fabricadas con gotas de pintura y la cual complementó con auténticos sonidos de lluvias y rayos.

Más información sobre Miguel Jiron aquí.

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Nacido en Baton Rouge, Luisiana y con residencia actual en Los Ángeles, California, Miguel Jiron es un director y animador de ascendencia Nicaragüense que se distingue por la producción de animaciones e imágenes gif cargadas de intriga, complejidad y fantasía. Con experiencia como asistente en el taller del artista Takashi Murakami en Tokio y Nueva York, y hoy en día creador de storyboards en Illumination Entertainment, Jiron combina en su extraordinario trabajo, su herencia sudamericana, su pasión por relatar historias y su magnífico talento pora llenar de vida sus peculiares personajes.

El estilo excéntrico y cautivador de las ilustraciones animadas de Miguel Jiron le ha valido gran reconocimiento en diversas publicaciones, tales como National Geographic Adventure, World Policy Journal, Resource Magazine, e Inside Counsel Magazine, entre otras. Su atrevido uso de llamativos colores y fascinantes sonidos le ha permitido transformar sus imágenes en extraordinarios mundos llenos de movimiento y energía.

La-Gar-To”, una historia sobre un niño que viaja con su familia a Nicaragua descubriendo así un estrepitoso y aterrador mundo infestado de iguanas, es uno de sus ejemplos más palpables que muestra su gran talento para describir a detalle profundas escenas utilizando líneas imprecisas dibujadas a mano, un sin fin de tonalidades, atractivos sonidos, y múltiples perspectivas.

Entre otros de los proyectos más interesantes de Miguel se encuentran “Sensory Overload” (Sobrecarga Sensorial), una animación producida para la organización Interacting With Autism, en la que Jiron ofrece un vistazo de la dura realidad que viven los niños diagnosticados con autismo que deben lidiar con la intensificación de sus sentidos; y “Pain Showers” (Baños de Pintura), una animación que muestra tormentas fabricadas con gotas de pintura y la cual complementó con auténticos sonidos de lluvias y rayos.

Más información sobre Miguel Jiron aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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April 8, 2015 - No Comments!

★ Damon Hunter (AU) | Hidden Urban Beauty

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Native from Melbourne, Australia, Damon Hunter’s brilliant street photographs have risen to public attention due to their versatile and unusual style. From colorful glass surfaces to overlooked homeless people, Hunter makes the best out his photographic expertise and sharp observation to give the viewer a fresh and truthful perspective of the outside world.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Passionate of natural light and urban life, Melbourne-based street photographer Damon Hunter gets his stronger inspiration from the outer world. Since the official beginning of his photographic career in 2011, he has developed a neat style where spontaneity and order meet to provoke a profound sense of truthfulness.

An adventurer, Hunter wanders around the streets, carefully observing his surroundings and finding beauty in the ordinary. His two most internationally acclaimed projects, “The Color of Glass” and “Living Rough”, are stunning examples of his versatile talent and great predisposition to capture remarkable detailed shoots in urban settings.

The Color of Glass” is a project about patterns, luminosity and color. Hunter chose the outdoor crystal façades of buildings like hospitals, universities and corporate offices, to represent multiple iridescent hues and gradations of color. Keen for perfection and order, Hunter focused in four specific elements for each one of his snapshots: symmetry, shapes, angles and color. Only by analyzing each of those features, Damon found the best viewpoint from where to capture unique shimmering compositions.

In contrast to the vibrant style of his crystal shoots, “Living Rough” is an ongoing black and white project about the harsh reality of homeless people. Hunter makes each photograph unique by creating an unconventional composition capable to tell the story of the protagonist. He does not prepare his models, but captures them without further notice and positions them within a perfectly thought scene. Hunter complements his work with interviews that can be found in the official Facebook website of the project. His goal is to make people aware that “… these individuals had and have dreams and aspirations, they have skills and talents, and their reasons for being where they are may surprise, shock and disturb you”.

More information on Damon Hunter here.

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Passionate of natural light and urban life, Melbourne-based street photographer Damon Hunter gets his stronger inspiration from the outer world. Since the official beginning of his photographic career in 2011, he has developed a neat style where spontaneity and order meet to provoke a profound sense of truthfulness.

An adventurer, Hunter wanders around the streets, carefully observing his surroundings and finding beauty in the ordinary. His two most internationally acclaimed projects, “The Color of Glass” and “Living Rough”, are stunning examples of his versatile talent and great predisposition to capture remarkable detailed shoots in urban settings.

The Color of Glass” is a project about patterns, luminosity and color. Hunter chose the outdoor crystal façades of buildings like hospitals, universities and corporate offices, to represent multiple iridescent hues and gradations of color. Keen for perfection and order, Hunter focused in four specific elements for each one of his snapshots: symmetry, shapes, angles and color. Only by analyzing each of those features, Damon found the best viewpoint from where to capture unique shimmering compositions.

In contrast to the vibrant style of his crystal shoots, “Living Rough” is an ongoing black and white project about the harsh reality of homeless people. Hunter makes each photograph unique by creating an unconventional composition capable to tell the story of the protagonist. He does not prepare his models, but captures them without further notice and positions them within a perfectly thought scene. Hunter complements his work with interviews that can be found in the official Facebook website of the project. His goal is to make people aware that “… these individuals had and have dreams and aspirations, they have skills and talents, and their reasons for being where they are may surprise, shock and disturb you”.

More information on Damon Hunter here.

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Con residencia en la ciudad de Melbourne, Australia, Damon Hunter es un fotógrafo urbano cuyo versátil estilo ha llamado la atención del público internacional gracias a su extraordinaria peculiaridad. Capturando desde coloridas superficies de cristal, hasta la cruda realidad que viven los vagabundos, Hunter aprovecha su experiencia y agudo sentido de observación para crear imágenes que brinden al observador una nueva y auténtica perspectiva del mundo exterior.

Apasionado de la luz natural y de la vida urbana, Damon Hunter obtiene de la calle su principal fuente de inspiración. Desde el inicio oficial de su carrera como fotógrafo en el año 2011, ha desarrollado un formidable estilo donde la espontaneidad y el orden se unen para provocar un profundo sentido de franqueza y belleza.

Como todo un aventurero, Damon pasea por las calles observando cuidadosamente sus alrededores para encontrar la perfección donde menos se lo espera. Dos de sus más reconocidos proyectos a nivel mundial, “The Color of Glass” (El Color del Cristal) y “Living Rough” (Viviendo Sin Comodidades), son ejemplos de su gran versatilidad y predisposición para capturar escenas urbanas llenas de detalle y originalidad.

The Color of Glass” es un proyecto enfocado en patrones, luminosidad y color. Hunter escogió las fachadas de edificios como hospitales, universidades y oficinas corporativas para representar infinidad de gradaciones de colores. Contantemente interesado en la perfección y el orden, Damon analizó minuciosamente cuatro elementos básicos en cada toma para lograr innovadoras perspectivas: simetría, forma, ángulos y color.

Contrario al estilo vibrante de su proyecto en cristal, “Living Rough” es un trabajo en blanco y negro enfocado en capturar la cruda realidad que viven los vagabundos. Aún en curso, este proyecto se compone de fotografías creadas a base de composiciones poco convencionales pero capaces de relatar la historia del protagonista. Hunter no prepara a sus modelos, sino que los fotografía sin hacerles saber que están siendo producto del arte y usualmente los posiciona en una escena perfectamente pensada. El artista complementa su trabajo entrevistando a sus modelos; dichos relatos pueden ser encontrados en la página oficial de Facebook del proyecto. Su objetivo es hacer que la gente se percate que “estos individuos tuvieron y aún tienen sueños y aspiraciones, tienen habilidades y talentos, y la razón por la cual están en dicha situación puede a lo mejor sorprenderte, alarmarte o perturbarte”.

Más información sobre Damon Hunter aquí.

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Con residencia en la ciudad de Melbourne, Australia, Damon Hunter es un fotógrafo urbano cuyo versátil estilo ha llamado la atención del público internacional gracias a su extraordinaria peculiaridad. Capturando desde coloridas superficies de cristal, hasta la cruda realidad que viven los vagabundos, Hunter aprovecha su experiencia y agudo sentido de observación para crear imágenes que brinden al observador una nueva y auténtica perspectiva del mundo exterior.

Apasionado de la luz natural y de la vida urbana, Damon Hunter obtiene de la calle su principal fuente de inspiración. Desde el inicio oficial de su carrera como fotógrafo en el año 2011, ha desarrollado un formidable estilo donde la espontaneidad y el orden se unen para provocar un profundo sentido de franqueza y belleza.

Como todo un aventurero, Damon pasea por las calles observando cuidadosamente sus alrededores para encontrar la perfección donde menos se lo espera. Dos de sus más reconocidos proyectos a nivel mundial, “The Color of Glass” (El Color del Cristal) y “Living Rough” (Viviendo Sin Comodidades), son ejemplos de su gran versatilidad y predisposición para capturar escenas urbanas llenas de detalle y originalidad.

The Color of Glass” es un proyecto enfocado en patrones, luminosidad y color. Hunter escogió las fachadas de edificios como hospitales, universidades y oficinas corporativas para representar infinidad de gradaciones de colores. Contantemente interesado en la perfección y el orden, Damon analizó minuciosamente cuatro elementos básicos en cada toma para lograr innovadoras perspectivas: simetría, forma, ángulos y color.

Contrario al estilo vibrante de su proyecto en cristal, “Living Rough” es un trabajo en blanco y negro enfocado en capturar la cruda realidad que viven los vagabundos. Aún en curso, este proyecto se compone de fotografías creadas a base de composiciones poco convencionales pero capaces de relatar la historia del protagonista. Hunter no prepara a sus modelos, sino que los fotografía sin hacerles saber que están siendo producto del arte y usualmente los posiciona en una escena perfectamente pensada. El artista complementa su trabajo entrevistando a sus modelos; dichos relatos pueden ser encontrados en la página oficial de Facebook del proyecto. Su objetivo es hacer que la gente se percate que “estos individuos tuvieron y aún tienen sueños y aspiraciones, tienen habilidades y talentos, y la razón por la cual están en dicha situación puede a lo mejor sorprenderte, alarmarte o perturbarte”.

Más información sobre Damon Hunter aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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April 1, 2015 - No Comments!

★ Susi Kenna & Mei Kawajiri (USA) | Nail Art At Your Fingertips

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Based in New York City since 2012, artist Miho “Mei” Kawajiri and social media assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna have challenged the craft of making nail-art. Passionate to express themselves through beautiful and artistic nails, Mei and Kenna have collaborated to create a flawless nail-style inspired by the works of world-renowned artists like Pablo Picasso, Andy Warhol and Vincent Van Gogh, among others.


[Ver artículo en español abajo]

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With more than 15 years of experience in the nail industry and an extraordinary eye for detail and precision, Japanese artist Miho “Mei” Kawajiri has positioned herself as one of the most transcendental manicurists in the fashion world. She grew up in Kyoto and studied in Osaka, and since her arrival to New York City three years ago, she has been the skilled creator of artistic hand-painted nails characterized by a modern style and impeccable quality.

In 2012, a collaboration inspired in the work of different painters and illustrators was worn. Mei and assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna began to use the work of artists like Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden and Trudy Benson, to name just a few, and adapted it to the tiny surface of 10 fingernails.

As a nail-lover, Kenna creates beautiful digital designs backed up by a meticulous image research and a creative process using software like Photoshop. The final design is later taken to the surface of the nails by Mei’s surprising steady hand. Her craftsmanship is of a complicated and laborious nature and is achieved without using any kind of stencils, stickers or other special tools.

Today, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continue to transform the nails of countless of women into authentic miniature canvases.

More information on Miho “Mei” Kawajiri here.

More information on Susi Kenna here.

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With more than 15 years of experience in the nail industry and an extraordinary eye for detail and precision, Japanese artist Miho “Mei” Kawajiri has positioned herself as one of the most transcendental manicurists in the fashion world. She grew up in Kyoto and studied in Osaka, and since her arrival to New York City three years ago, she has been the skilled creator of artistic hand-painted nails characterized by a modern style and impeccable quality.

In 2012, a collaboration inspired in the work of different painters and illustrators was worn. Mei and assistant director at Fitz and Co. Susi Kenna began to use the work of artists like Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden and Trudy Benson, to name just a few, and adapted it to the tiny surface of 10 fingernails.

As a nail-lover, Kenna creates beautiful digital designs backed up by a meticulous image research and a creative process using software like Photoshop. The final design is later taken to the surface of the nails by Mei’s surprising steady hand. Her craftsmanship is of a complicated and laborious nature and is achieved without using any kind of stencils, stickers or other special tools.

Today, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continue to transform the nails of countless of women into authentic miniature canvases.

More information on Miho “Mei” Kawajiri here.

More information on Susi Kenna here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Con residencia en Nueva York desde el 2012, la artista Miho “Mei” Kawajiri y la encargada de redes sociales en la firma de relaciones públicas Fitz and Co. Susi Kenna, han revolucionado por completo la naturaleza del manicure. Apasionadas del arte de crear y vestir uñas artísticas, Mei y Kenna han colaborado en la creación de un estilo moderno de uñas inspiradas en el trabajo de artistas de renombre internacional, como Pablo Picasso, Andy Warhol y Vincent Van Gogh, entre otros.

Con más de 15 años de experiencia en la industria del manicure y con una extraordinaria habilidad para el detalle y la precisión, la artista japonesa Miho “Mei” Kawajiri se ha posicionado como una de las más transcendentales manicuristas en el mundo de la moda. Después de haber crecido en Kioto y estudiado en Osaka, llegó a la ciudad de Nueva York hace tres años, y desde entonces se ha convertido en la autora de magníficos diseños de uñas pintadas a mano caracterizados por un estilo vanguardista y una calidad impecable.

Fue en el 2012 cuando surgió la colaboración entre Mei y Susi Kenna. Su estilo se encuentra inspirado en el trabajo de artistas e ilustradores como Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden y Trudy Benson, por nombrar sólo algunos, y es adaptado a la diminuta superficie de las uñas.

Como amante del arte en uñas, Kenna se dedica a crear los diseños digitales después de una extenuante búsqueda de imágenes y modificaciones llevadas a cabo con programas como Photoshop. Posteriormente, el diseño final es aplicado a las uñas gracias al sorprendente pulso de Mei. Su trabajo es complicado y altamente laborioso y lo logra sin utilizar algún tipo de platillas o calcomanías.

Hoy en día, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continúan transformado las uñas de infinidad de mujeres en extraordinarios lienzos en miniatura.

Más información sobre Miho “Mei” Kawajiri aquí.

Más información sobre Susi Kenna aquí.

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Con residencia en Nueva York desde el 2012, la artista Miho “Mei” Kawajiri y la encargada de redes sociales en la firma de relaciones públicas Fitz and Co. Susi Kenna, han revolucionado por completo la naturaleza del manicure. Apasionadas del arte de crear y vestir uñas artísticas, Mei y Kenna han colaborado en la creación de un estilo moderno de uñas inspiradas en el trabajo de artistas de renombre internacional, como Pablo Picasso, Andy Warhol y Vincent Van Gogh, entre otros.

Con más de 15 años de experiencia en la industria del manicure y con una extraordinaria habilidad para el detalle y la precisión, la artista japonesa Miho “Mei” Kawajiri se ha posicionado como una de las más transcendentales manicuristas en el mundo de la moda. Después de haber crecido en Kioto y estudiado en Osaka, llegó a la ciudad de Nueva York hace tres años, y desde entonces se ha convertido en la autora de magníficos diseños de uñas pintadas a mano caracterizados por un estilo vanguardista y una calidad impecable.

Fue en el 2012 cuando surgió la colaboración entre Mei y Susi Kenna. Su estilo se encuentra inspirado en el trabajo de artistas e ilustradores como Michael Conrads, Hayv Kahraman, Brent Wadden y Trudy Benson, por nombrar sólo algunos, y es adaptado a la diminuta superficie de las uñas.

Como amante del arte en uñas, Kenna se dedica a crear los diseños digitales después de una extenuante búsqueda de imágenes y modificaciones llevadas a cabo con programas como Photoshop. Posteriormente, el diseño final es aplicado a las uñas gracias al sorprendente pulso de Mei. Su trabajo es complicado y altamente laborioso y lo logra sin utilizar algún tipo de platillas o calcomanías.

Hoy en día, Susi Kenna and Miho “Mei” Kawajiri continúan transformado las uñas de infinidad de mujeres en extraordinarios lienzos en miniatura.

Más información sobre Miho “Mei” Kawajiri aquí.

Más información sobre Susi Kenna aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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March 25, 2015 - No Comments!

★ Jen Stark (USA) | 3D Paper Psychodelia

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Born in Miami, Florida, Jen Stark is a contemporary sculptor and artist who knows how to make the most of her imagination, artistic skills, and simple materials to create greatly complex kaleidoscopic paper artworks. Since her graduation from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005, Stark has given to her technicolor hand-cut creations a deep meaning that combines her natural, mathematical, and spiritual passions.


[Ver artículo en español abajo]

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It happened while studying abroad in the south of France that Los Angeles-based artist and sculptor Jen Stark encountered the disadvantages of the euro’s high exchange rate within the artistic world. It was then that she saw the necessity to find an affordable material in which to express her passions and interests. Finally, it was paper the ultimate supply-solution, and soon the artist realized the endless amount of possibilities that awaited her if she used her talent to transform it in an exceptional way.

Today, Jen Stark uses her imagination and patience to convert paper into fantastic psychedelic sculptures. With time, her artistic mediums have expanded, and currently, she also works with other materials like wood, plexi, foamboard, fiberboard (mdf), metal, mirrors, and paint. She has also explored drawing, muralism, and animation.

Stark’s style is full of vibrant colors and dynamism, and usually imitates mandalas and sacred objects. She combines her enthusiasm for the ideas of infinity, cosmos, mystery and nature, with her talent to transform common materials into splendid three-dimensional sculptures. Through her hypnotic geometrical patterns and repetitions, Stark attempts to express her idea that mathematics and science can be somehow related to all aspects of life. Her passion for optical illusions and kaleidoscopic designs is remarkably expressed in her stacked layers of paper that she arranges and shapes into stars, flowers, petal-like elements, and wormholes, all of them reminiscent of typographical maps and geoids. Examples of that are her projects “The Whole” and “Vortextural” projects.

Behind each sculpture there is a highly intensive and detailed creative process. Depending on the size and complexity of the artwork, Jen spends either weeks or months completing it. She starts by sketching the concept and then by stacking the paper in the order she will need it – the number of paper sheets she uses generally goes from 50 to a maximum of 150. Finally, she cuts the biggest hole and then proceeds to move inward cutting layer by layer. Admirably, not a single layer is cut by computer; using an X-ACTO knife, the artist is the only author of her psychedelic hand-cut sculptures.

Jen Stark graduated from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005. Two years later, her work started to gain outstanding online recognition and some of the best galleries around the world asked her to exhibit her sculptures. Since the takeoff of her career, she has exhibited in places like New York City, Seattle, Washington DC, Thailand, Canada and Australia. At 32, she is one of the greatest emerging artists that continue to create hypnotic geometrical works of art that stand out and influence people around the world.

More information on Jen Stark here.

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It happened while studying abroad in the south of France that Los Angeles-based artist and sculptor Jen Stark encountered the disadvantages of the euro’s high exchange rate within the artistic world. It was then that she saw the necessity to find an affordable material in which to express her passions and interests. Finally, it was paper the ultimate supply-solution, and soon the artist realized the endless amount of possibilities that awaited her if she used her talent to transform it in an exceptional way.

Today, Jen Stark uses her imagination and patience to convert paper into fantastic psychedelic sculptures. With time, her artistic mediums have expanded, and currently, she also works with other materials like wood, plexi, foamboard, fiberboard (mdf), metal, mirrors, and paint. She has also explored drawing, muralism, and animation.

Stark’s style is full of vibrant colors and dynamism, and usually imitates mandalas and sacred objects. She combines her enthusiasm for the ideas of infinity, cosmos, mystery and nature, with her talent to transform common materials into splendid three-dimensional sculptures. Through her hypnotic geometrical patterns and repetitions, Stark attempts to express her idea that mathematics and science can be somehow related to all aspects of life. Her passion for optical illusions and kaleidoscopic designs is remarkably expressed in her stacked layers of paper that she arranges and shapes into stars, flowers, petal-like elements, and wormholes, all of them reminiscent of typographical maps and geoids. Examples of that are her projects “The Whole” and “Vortextural” projects.

Behind each sculpture there is a highly intensive and detailed creative process. Depending on the size and complexity of the artwork, Jen spends either weeks or months completing it. She starts by sketching the concept and then by stacking the paper in the order she will need it – the number of paper sheets she uses generally goes from 50 to a maximum of 150. Finally, she cuts the biggest hole and then proceeds to move inward cutting layer by layer. Admirably, not a single layer is cut by computer; using an X-ACTO knife, the artist is the only author of her psychedelic hand-cut sculptures.

Jen Stark graduated from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005. Two years later, her work started to gain outstanding online recognition and some of the best galleries around the world asked her to exhibit her sculptures. Since the takeoff of her career, she has exhibited in places like New York City, Seattle, Washington DC, Thailand, Canada and Australia. At 32, she is one of the greatest emerging artists that continue to create hypnotic geometrical works of art that stand out and influence people around the world.

More information on Jen Stark here.

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Proveniente de Miami, Florida, Jen Stark es una artista y escultora contemporánea que combina a la perfección su imaginación, extraordinarias habilidades artísticas y materiales comunes que le permiten crear sus caleidoscópicas y excepcionalmente complejas obras en papel. Estudió arte en el Maryland Institute College of Art y desde su graduación en el 2005, ha sabido dar a sus creaciones hechas a mano un significado único que une su pasión por lo natural, lo espiritual y las matemáticas.

La artista, actualmente con residencia en Los Ángeles, CA, se encontraba estudiando en el sur de Francia cuando descubrió lo caro que sería abastecerse de materiales artísticos en ese lugar. Es por eso que en ese momento tomó la decisión de escoger un material atractivo pero de bajo costo con el cual pudiera trabajar. Finalmente, eligió papel de colores y pronto se dio cuenta de las infinitas posibilidades que este material brinda a quien sabe transformarlo de manera excepcional.

Hoy en día, Jen Stark utiliza su imaginación y paciencia para convertir diferentes tipos de papel en fantásticas esculturas de carácter psicodélico. Con el tiempo, los suministros con los que trabaja han ido evolucionando y actualmente, también utiliza materiales como madera, plástico, fomi, mdf, metal, espejos y pintura. A su vez, ha explorado otras áreas como el dibujo, el muralismo y la animación.

El estilo de Jen está plagado de colores vibrantes y dinamismo. Usualmente, sus obras tienden a replicar hasta cierto grado las mándalas hindúes y otros objetos sagrados. Stark sabe combinar su pasión por la idea del infinito, el cosmos, el misterio y la naturaleza, con su talento por transformar materiales comunes en espléndidas esculturas tridimensionales. Es a través de sus patrones y repeticiones geométricas altamente hipnóticas que también refleja su idea de que las matemáticas y la ciencia de alguna manera se relacionan con todos los aspectos de la vida. Su pasión por las ilusiones ópticas y los diseños caleidoscópicos se ven perfectamente representados en las múltiples capas de papel que la artista apila y posteriormente modifica en forma de estrellas, flores, pétalos, y agujeros de gusano, todos con un toque tecnicolor que hacen recordar mapas tipográficos y geoides. Ejemplos de esto son sus proyectos “The Whole” and “Vortextural”.

La creación de cada obra lleva consigo un intenso y detallado proceso creativo. Le puede llevar semanas o meses el completar una escultura, todo depende del tamaño y nivel de complejidad de la misma. Stark comienza por crear un boceto del concepto. Posteriormente, apila el papel en el orden en que lo utilizará – el número de hojas que utiliza va de las 50 a un máximo de 150. Finalmente, corta el agujero más grande y a partir de ahí trabaja hacia adentro cortando cada hoja de manera individual. Por increíble que parezca, ninguno de los cortes es hecho por computadora. Todo el trabajo es manual utilizando un cuchillo X-ACTO.

Dos años después de su graduación de la carrera, el trabajo de Jen Stark comenzó a ser ampliamente reconocido en múltiples blogs en línea. Fue entonces que diversas de las mejores galerías del mundo pidieron a la artista que exhibiera sus obras. Desde ese momento, su trabajo se ha encontrado en lugares como Nueva York, Seattle, Washington, Tailandia, Canadá y Australia. A los 32 años de edad, Stark es una de las más grandes y emerges artistas que continua creando extraordinarias obras geométricas que cautivan e influencian al resto del mundo.

Más información sobre Jen Stark aquí.

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Proveniente de Miami, Florida, Jen Stark es una artista y escultora contemporánea que combina a la perfección su imaginación, extraordinarias habilidades artísticas y materiales comunes que le permiten crear sus caleidoscópicas y excepcionalmente complejas obras en papel. Estudió arte en el Maryland Institute College of Art y desde su graduación en el 2005, ha sabido dar a sus creaciones hechas a mano un significado único que une su pasión por lo natural, lo espiritual y las matemáticas.

La artista, actualmente con residencia en Los Ángeles, CA, se encontraba estudiando en el sur de Francia cuando descubrió lo caro que sería abastecerse de materiales artísticos en ese lugar. Es por eso que en ese momento tomó la decisión de escoger un material atractivo pero de bajo costo con el cual pudiera trabajar. Finalmente, eligió papel de colores y pronto se dio cuenta de las infinitas posibilidades que este material brinda a quien sabe transformarlo de manera excepcional.

Hoy en día, Jen Stark utiliza su imaginación y paciencia para convertir diferentes tipos de papel en fantásticas esculturas de carácter psicodélico. Con el tiempo, los suministros con los que trabaja han ido evolucionando y actualmente, también utiliza materiales como madera, plástico, fomi, mdf, metal, espejos y pintura. A su vez, ha explorado otras áreas como el dibujo, el muralismo y la animación.

El estilo de Jen está plagado de colores vibrantes y dinamismo. Usualmente, sus obras tienden a replicar hasta cierto grado las mándalas hindúes y otros objetos sagrados. Stark sabe combinar su pasión por la idea del infinito, el cosmos, el misterio y la naturaleza, con su talento por transformar materiales comunes en espléndidas esculturas tridimensionales. Es a través de sus patrones y repeticiones geométricas altamente hipnóticas que también refleja su idea de que las matemáticas y la ciencia de alguna manera se relacionan con todos los aspectos de la vida. Su pasión por las ilusiones ópticas y los diseños caleidoscópicos se ven perfectamente representados en las múltiples capas de papel que la artista apila y posteriormente modifica en forma de estrellas, flores, pétalos, y agujeros de gusano, todos con un toque tecnicolor que hacen recordar mapas tipográficos y geoides. Ejemplos de esto son sus proyectos “The Whole” and “Vortextural”.

La creación de cada obra lleva consigo un intenso y detallado proceso creativo. Le puede llevar semanas o meses el completar una escultura, todo depende del tamaño y nivel de complejidad de la misma. Stark comienza por crear un boceto del concepto. Posteriormente, apila el papel en el orden en que lo utilizará – el número de hojas que utiliza va de las 50 a un máximo de 150. Finalmente, corta el agujero más grande y a partir de ahí trabaja hacia adentro cortando cada hoja de manera individual. Por increíble que parezca, ninguno de los cortes es hecho por computadora. Todo el trabajo es manual utilizando un cuchillo X-ACTO.

Dos años después de su graduación de la carrera, el trabajo de Jen Stark comenzó a ser ampliamente reconocido en múltiples blogs en línea. Fue entonces que diversas de las mejores galerías del mundo pidieron a la artista que exhibiera sus obras. Desde ese momento, su trabajo se ha encontrado en lugares como Nueva York, Seattle, Washington, Tailandia, Canadá y Australia. A los 32 años de edad, Stark es una de las más grandes y emerges artistas que continua creando extraordinarias obras geométricas que cautivan e influencian al resto del mundo.

Más información sobre Jen Stark aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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