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All Posts in Animation

April 15, 2015 - No Comments!

★ Miguel Jiron (USA) | Creator Of Living Illustrations

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Los Angeles-based director and animator Miguel Jiron produces eccentric animations characterized by an intriguing, complex and fantastic humor. As a storyboard artist at Illumination Entertainment, Jiron brings his peculiar characters to life taking elements from his Nicaraguan heritage and passion for telling stories.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text][vimeo 72922839 w=100 h=281]

LA-GAR-TO from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 52193530 w=100 h=281]

Sensory Overload (Interacting with Autism Project) from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 26404699 w=100 h=281]

Paint Showers from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 113247929 w=100 h=281]

Los Angeles Yule Log from Miguel Jiron on Vimeo.

[vimeo 123277319 w=100 h=501]

Virtual Reality Pornstar from Miguel Jiron on Vimeo.

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in Baton Rouge, Louisiana to Nicaraguan parents, and currently based in Los Angeles, California, Miguel Jiron is a director and animator known for the eccentric and captivating style with which he creates his animated stories and gif images. He works as a storyboard artist at Illumination Entertainment and has a background as a painting assistant for Takashi Murakami in New York City and Tokyo. His illustrations have appeared in publications like National Geographic AdventureWorld Policy JournalResource Magazine, and Inside Counsel Magazine, among others.

Jiron's style is bold and filled with vibrant colors and fascinating sounds. His work is a disclosure of his deepest ideas transformed into extraordinary worlds characterized by great movement and energy. “La-Gar-To”, a story about a boy who travels to Nicaragua with his family and encounters a strident and frightening world occupied with iguanas, is an example of his dazzling talent to describe insightful scenes using imprecise hand-drawn lines, diverse hues of colors, appealing sounds, and multiple perspectives.

Other of Miguel Jiron’s most interesting projects are “Sensory Overload”, an animation produced for video-based website Interacting With Autism, in which he splendidly offers a glimpse of the harsh reality that children diagnosed with autism experience due to their heightened sensorial circumstances; and “Paint Showers”, an animated short depicting thunderstorms made out of drops of paint and complemented with genuine storm sounds.

More information on Miguel Jiron here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Born in Baton Rouge, Louisiana to Nicaraguan parents, and currently based in Los Angeles, California, Miguel Jiron is a director and animator known for the eccentric and captivating style with which he creates his animated stories and gif images. He works as a storyboard artist at Illumination Entertainment and has a background as a painting assistant for Takashi Murakami in New York City and Tokyo. His illustrations have appeared in publications like National Geographic AdventureWorld Policy JournalResource Magazine, and Inside Counsel Magazine, among others.

Jiron's style is bold and filled with vibrant colors and fascinating sounds. His work is a disclosure of his deepest ideas transformed into extraordinary worlds characterized by great movement and energy. “La-Gar-To”, a story about a boy who travels to Nicaragua with his family and encounters a strident and frightening world occupied with iguanas, is an example of his dazzling talent to describe insightful scenes using imprecise hand-drawn lines, diverse hues of colors, appealing sounds, and multiple perspectives.

Other of Miguel Jiron’s most interesting projects are “Sensory Overload”, an animation produced for video-based website Interacting With Autism, in which he splendidly offers a glimpse of the harsh reality that children diagnosed with autism experience due to their heightened sensorial circumstances; and “Paint Showers”, an animated short depicting thunderstorms made out of drops of paint and complemented with genuine storm sounds.

More information on Miguel Jiron here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Nacido en Baton Rouge, Luisiana y con residencia actual en Los Ángeles, California, Miguel Jiron es un director y animador de ascendencia Nicaragüense que se distingue por la producción de animaciones e imágenes gif cargadas de intriga, complejidad y fantasía. Con experiencia como asistente en el taller del artista Takashi Murakami en Tokio y Nueva York, y hoy en día creador de storyboards en Illumination Entertainment, Jiron combina en su extraordinario trabajo, su herencia sudamericana, su pasión por relatar historias y su magnífico talento pora llenar de vida sus peculiares personajes.

El estilo excéntrico y cautivador de las ilustraciones animadas de Miguel Jiron le ha valido gran reconocimiento en diversas publicaciones, tales como National Geographic Adventure, World Policy Journal, Resource Magazine, e Inside Counsel Magazine, entre otras. Su atrevido uso de llamativos colores y fascinantes sonidos le ha permitido transformar sus imágenes en extraordinarios mundos llenos de movimiento y energía.

La-Gar-To”, una historia sobre un niño que viaja con su familia a Nicaragua descubriendo así un estrepitoso y aterrador mundo infestado de iguanas, es uno de sus ejemplos más palpables que muestra su gran talento para describir a detalle profundas escenas utilizando líneas imprecisas dibujadas a mano, un sin fin de tonalidades, atractivos sonidos, y múltiples perspectivas.

Entre otros de los proyectos más interesantes de Miguel se encuentran “Sensory Overload” (Sobrecarga Sensorial), una animación producida para la organización Interacting With Autism, en la que Jiron ofrece un vistazo de la dura realidad que viven los niños diagnosticados con autismo que deben lidiar con la intensificación de sus sentidos; y “Pain Showers” (Baños de Pintura), una animación que muestra tormentas fabricadas con gotas de pintura y la cual complementó con auténticos sonidos de lluvias y rayos.

Más información sobre Miguel Jiron aquí.

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Nacido en Baton Rouge, Luisiana y con residencia actual en Los Ángeles, California, Miguel Jiron es un director y animador de ascendencia Nicaragüense que se distingue por la producción de animaciones e imágenes gif cargadas de intriga, complejidad y fantasía. Con experiencia como asistente en el taller del artista Takashi Murakami en Tokio y Nueva York, y hoy en día creador de storyboards en Illumination Entertainment, Jiron combina en su extraordinario trabajo, su herencia sudamericana, su pasión por relatar historias y su magnífico talento pora llenar de vida sus peculiares personajes.

El estilo excéntrico y cautivador de las ilustraciones animadas de Miguel Jiron le ha valido gran reconocimiento en diversas publicaciones, tales como National Geographic Adventure, World Policy Journal, Resource Magazine, e Inside Counsel Magazine, entre otras. Su atrevido uso de llamativos colores y fascinantes sonidos le ha permitido transformar sus imágenes en extraordinarios mundos llenos de movimiento y energía.

La-Gar-To”, una historia sobre un niño que viaja con su familia a Nicaragua descubriendo así un estrepitoso y aterrador mundo infestado de iguanas, es uno de sus ejemplos más palpables que muestra su gran talento para describir a detalle profundas escenas utilizando líneas imprecisas dibujadas a mano, un sin fin de tonalidades, atractivos sonidos, y múltiples perspectivas.

Entre otros de los proyectos más interesantes de Miguel se encuentran “Sensory Overload” (Sobrecarga Sensorial), una animación producida para la organización Interacting With Autism, en la que Jiron ofrece un vistazo de la dura realidad que viven los niños diagnosticados con autismo que deben lidiar con la intensificación de sus sentidos; y “Pain Showers” (Baños de Pintura), una animación que muestra tormentas fabricadas con gotas de pintura y la cual complementó con auténticos sonidos de lluvias y rayos.

Más información sobre Miguel Jiron aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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March 4, 2015 - No Comments!

★ INSA (UK) | Graffiti Walls Animated

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in London, UK, INSA is an anonymous urban artist and animator known for the transformation of his street designs into fantastic GIF animations. Creating what he calls GIF-ITI (GIF art + Graffiti), INSA has brought together in his work the demanding art of painting and the retro technology used to produce looping images. With a bachelor in Design at Goldsmiths, this talented street artist has made possible the elusive combination of both, his real and virtual worlds.


[Ver artículo en español abajo]

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[youtube http://www.youtube.com/watch?v=yXtSnq-Nvro]

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=qD4jFWux93s]

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Painting and photographing the same wall over and over is the essential feature of the artistic process of London-based artist INSA. Known as GIF-ITI, he paints and repaints graffitis on a street surface and then photographs every change he makes on it. He repeats this process as many times as necessary until he achieves the exact number of images he will later put together in a single, looping animation. Examples of such practice are the 72 different skulls he painted during 2 days for his ‘C’est La Vie’ colorful animation, and the 8 paintings depicting each one of them a head in different positions for the Roskilde Festival in 2014.

In late 2014, INSA and a crew of 20 people worked for 4 days in Rio de Janeiro to produce their most ambitious street-art project. Their goal was to create an artwork that could be seen from space. Covering a total of 57,515 square meters of land, INSA and his team completed one painting each day which was then photographed by a satellite situated 431 miles away on space. INSA’s final one-second animated artwork is today the largest GIF-ITI painting on the planet.

INSA’s work has been produced in places like Los Angeles, Bogota, Paris, Sydney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, and Canada, among other places. He pursues unexplored ideas with the purpose to create unique art for a contemporary society greatly influenced by technology. With a keen passion for innovation and challenge, INSA continues to search for bigger buildings where to create designs that he can later transform into fantastical motion artworks.

More information on INSA here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Painting and photographing the same wall over and over is the essential feature of the artistic process of London-based artist INSA. Known as GIF-ITI, he paints and repaints graffitis on a street surface and then photographs every change he makes on it. He repeats this process as many times as necessary until he achieves the exact number of images he will later put together in a single, looping animation. Examples of such practice are the 72 different skulls he painted during 2 days for his ‘C’est La Vie’ colorful animation, and the 8 paintings depicting each one of them a head in different positions for the Roskilde Festival in 2014.

In late 2014, INSA and a crew of 20 people worked for 4 days in Rio de Janeiro to produce their most ambitious street-art project. Their goal was to create an artwork that could be seen from space. Covering a total of 57,515 square meters of land, INSA and his team completed one painting each day which was then photographed by a satellite situated 431 miles away on space. INSA’s final one-second animated artwork is today the largest GIF-ITI painting on the planet.

INSA’s work has been produced in places like Los Angeles, Bogota, Paris, Sydney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, and Canada, among other places. He pursues unexplored ideas with the purpose to create unique art for a contemporary society greatly influenced by technology. With a keen passion for innovation and challenge, INSA continues to search for bigger buildings where to create designs that he can later transform into fantastical motion artworks.

More information on INSA here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicado en Londres, Reino Unido, INSA es un artista urbano y animador anónimo conocido por la magnífica transformación de sus diseños en fantásticas animaciones GIF. Creador de lo que él llama GIF-ITI (arte GIF + Graffiti), INSA combina el exhaustivo arte de la pintura con la tecnología utilizada para producir secuencias infinitas de imágenes animadas. Habiendo estudiado la carrera de Diseño en Goldsmiths, este talentoso artista ha hecho posible la sutil combinación de su mundo real y virtual.

Pintar y fotografiar una pared una y otra vez es la característica distintiva del proceso creativo del artista urbano INSA. Trabajando en lo que él llama GIF-ITI, se dedica a pintar y repintar las superficies urbanas de edificios para después fotografiar cada uno de los cambios que hace en sus diseños. Este proceso lo repite tantas veces sea necesario hasta que logra el número exacto de fotografías que posteriormente une en una animación GIF. Ejemplos de dicho proceso son las 72 distintas calaveras que pintó durante 2 días para su colorida animación ‘C’est La Vie’, y las 8 pinturas representando una cabeza en diferentes posiciones para el Festival Roskilde en el 2014.

A finales del 2014, INSA trabajó por 4 días en Río de Janeiro en uno de sus más ambiciosos proyectos de arte urbano. Su objetivo fue lograr una obra de arte que pudiera ser vista desde el espacio. Abarcando un total d 57,515 metros cuadrados de tierra, INSA y un equipo de 20 personas completaron una pintura por día la cual fue posteriormente fotografiada por un satélite ubicado en el espacio a una distancia de 431 millas. La animación final del artista, con una duración total de 1 segundo, es en la actualidad la pintura GIF-ITI más grande del mundo.

INSA ha trabajado en lugares como Los Ángeles, Bogotá, París, Sídney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, y Canadá, entre otros. Se dedica a explorar ideas nuevas con el propósito de crear un arte único para una sociedad actual altamente influenciada por la tecnología. Apasionado de la innovación y los retos, INSA continúa buscando más grandes edificios donde poder crear sus diseños para posteriormente convertirlos en fantásticas obras de arte animadas.

Más información sobre INSA aquí.

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Ubicado en Londres, Reino Unido, INSA es un artista urbano y animador anónimo conocido por la magnífica transformación de sus diseños en fantásticas animaciones GIF. Creador de lo que él llama GIF-ITI (arte GIF + Graffiti), INSA combina el exhaustivo arte de la pintura con la tecnología utilizada para producir secuencias infinitas de imágenes animadas. Habiendo estudiado la carrera de Diseño en Goldsmiths, este talentoso artista ha hecho posible la sutil combinación de su mundo real y virtual.

Pintar y fotografiar una pared una y otra vez es la característica distintiva del proceso creativo del artista urbano INSA. Trabajando en lo que él llama GIF-ITI, se dedica a pintar y repintar las superficies urbanas de edificios para después fotografiar cada uno de los cambios que hace en sus diseños. Este proceso lo repite tantas veces sea necesario hasta que logra el número exacto de fotografías que posteriormente une en una animación GIF. Ejemplos de dicho proceso son las 72 distintas calaveras que pintó durante 2 días para su colorida animación ‘C’est La Vie’, y las 8 pinturas representando una cabeza en diferentes posiciones para el Festival Roskilde en el 2014.

A finales del 2014, INSA trabajó por 4 días en Río de Janeiro en uno de sus más ambiciosos proyectos de arte urbano. Su objetivo fue lograr una obra de arte que pudiera ser vista desde el espacio. Abarcando un total d 57,515 metros cuadrados de tierra, INSA y un equipo de 20 personas completaron una pintura por día la cual fue posteriormente fotografiada por un satélite ubicado en el espacio a una distancia de 431 millas. La animación final del artista, con una duración total de 1 segundo, es en la actualidad la pintura GIF-ITI más grande del mundo.

INSA ha trabajado en lugares como Los Ángeles, Bogotá, París, Sídney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, y Canadá, entre otros. Se dedica a explorar ideas nuevas con el propósito de crear un arte único para una sociedad actual altamente influenciada por la tecnología. Apasionado de la innovación y los retos, INSA continúa buscando más grandes edificios donde poder crear sus diseños para posteriormente convertirlos en fantásticas obras de arte animadas.

Más información sobre INSA aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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January 28, 2015 - No Comments!

★ Archery | Mathematical Loops

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Known as a Tumblr GIF artist, Archery has achieved broadly recognition in the GIF world thanks to his absorbing and enigmatic GIF animations. With a strong passion for infinite looping elements and mathematics, this talented artist of unknown identity has found in the computer software Mathematica the essential tool to transform complex codes into fantastic animated pictures.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text] archery7 archery3 archery22 archery8 archery11 archery24 archery18 archery2 archery17 archery14 [/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

In the realm of GIF art, looping is known as the ability of an animated image to rotate in a ceaseless sequence. Creating the optimum looping experience is no easy task; an artist needs to monitor diverse aspects -such as design, duration (time of the loop), speed, rhythm, and continuity- to completely captivate the viewer’s attention.

Tumblr GIF artist Archery has managed to do so in his hypnotic and typically black-and-white GIF images. To Archery, the loop is one of the most important aspects of the GIF. It is what gives life to a static image, and when created in the perfect interval of time, it is what provides the strongest impact and eternal nature that truly attracts the spectator.

“If the gif takes too long to loop then it may not reinforce its content with as dramatic of an effect”. - Shares the artist on his Tumblr site.

Usually of a symmetrical, ambiguous, and illusive nature, Archery’s mesmerizing animations are created using Mathematica, a software program used prominently in scientific, engineering and mathematical fields. By changing the code’s parameters of the image, the graphics are altered, which provides broader alternatives of forms and movements. The codes of each GIF are shared on his Tumblr website for reference.

More information on Archery here.

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In the realm of GIF art, looping is known as the ability of an animated image to rotate in a ceaseless sequence. Creating the optimum looping experience is no easy task; an artist needs to monitor diverse aspects -such as design, duration (time of the loop), speed, rhythm, and continuity- to completely captivate the viewer’s attention.

Tumblr GIF artist Archery has managed to do so in his hypnotic and typically black-and-white GIF images. To Archery, the loop is one of the most important aspects of the GIF. It is what gives life to a static image, and when created in the perfect interval of time, it is what provides the strongest impact and eternal nature that truly attracts the spectator.

“If the gif takes too long to loop then it may not reinforce its content with as dramatic of an effect”. - Shares the artist on his Tumblr site.

Usually of a symmetrical, ambiguous, and illusive nature, Archery’s mesmerizing animations are created using Mathematica, a software program used prominently in scientific, engineering and mathematical fields. By changing the code’s parameters of the image, the graphics are altered, which provides broader alternatives of forms and movements. The codes of each GIF are shared on his Tumblr website for reference.

More information on Archery here.

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Conocido como un artista GIF de Tumblr, Archery ha alcanzado gran notoriedad en el mundo del arte de las imágenes GIF gracias a sus absorbentes y enigmáticas animaciones. Apasionado de los elementos que recorren una trayectoria circular infinita, así como de las matemáticas, este talentoso artista de identidad desconocida, ha encontrado en el programa computacional Mathematica la herramienta ideal para transformar complejos códigos en fantásticas imágenes en movimiento.

En el ámbito del arte GIF, looping (con trayectoria circular / que completa un circuito) se refiere a la habilidad que tiene una imagen de rotar en círculos de manera infinita. Crear el “loop” perfecto no es una tarea fácil. Los artistas dedicados a esta rama creativa deben monitorear diversos aspectos -tales como el diseño, la duración (del “loop”), la velocidad, el ritmo, y la continuidad- para capturar de manera segura y definitiva la atención del observador.

El artista GIF de Tumblr Archery ha logrado cautivar a los espectadores con sus fascinantes e hipnóticas imágenes GIF comúnmente en blanco y negro. Para él, el “loop” es una de las partes más importante del GIF. Es lo que le da vida a una imagen estática, y cuando éste es creado en el intervalo de tiempo perfecto, es lo que impacta y lo que da la naturaleza eterna al movimiento que fascina al observador.

“Si el GIF toma mucho tiempo en completar un “loop”, entones posiblemente el contenido de la imagen no tenga un efecto tan drásticamente reafirmante” – comentó el artista en su sitio de Tumblr.

De una naturaleza usualmente simétrica, ambigua e ilusoria, las extraordinarias animaciones de Archery son creadas utilizando el programa computacional Mathematica, el cual es usado más que nada en áreas de carácter científico, ingenieril y matemático. Al cambiar los códigos de lo parámetros de la imagen, los gráficos se alteran, lo que incrementa las alternativas de formas y movimientos. Los códigos de cada imagen GIF son compartidos en el sitio Tumblr del artista para futura referencia.

Más información sobre Archery aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Conocido como un artista GIF de Tumblr, Archery ha alcanzado gran notoriedad en el mundo del arte de las imágenes GIF gracias a sus absorbentes y enigmáticas animaciones. Apasionado de los elementos que recorren una trayectoria circular infinita, así como de las matemáticas, este talentoso artista de identidad desconocida, ha encontrado en el programa computacional Mathematica la herramienta ideal para transformar complejos códigos en fantásticas imágenes en movimiento.

En el ámbito del arte GIF, looping (con trayectoria circular / que completa un circuito) se refiere a la habilidad que tiene una imagen de rotar en círculos de manera infinita. Crear el “loop” perfecto no es una tarea fácil. Los artistas dedicados a esta rama creativa deben monitorear diversos aspectos -tales como el diseño, la duración (del “loop”), la velocidad, el ritmo, y la continuidad- para capturar de manera segura y definitiva la atención del observador.

El artista GIF de Tumblr Archery ha logrado cautivar a los espectadores con sus fascinantes e hipnóticas imágenes GIF comúnmente en blanco y negro. Para él, el “loop” es una de las partes más importante del GIF. Es lo que le da vida a una imagen estática, y cuando éste es creado en el intervalo de tiempo perfecto, es lo que impacta y lo que da la naturaleza eterna al movimiento que fascina al observador.

“Si el GIF toma mucho tiempo en completar un “loop”, entones posiblemente el contenido de la imagen no tenga un efecto tan drásticamente reafirmante” – comentó el artista en su sitio de Tumblr.

De una naturaleza usualmente simétrica, ambigua e ilusoria, las extraordinarias animaciones de Archery son creadas utilizando el programa computacional Mathematica, el cual es usado más que nada en áreas de carácter científico, ingenieril y matemático. Al cambiar los códigos de lo parámetros de la imagen, los gráficos se alteran, lo que incrementa las alternativas de formas y movimientos. Los códigos de cada imagen GIF son compartidos en el sitio Tumblr del artista para futura referencia.

Más información sobre Archery aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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November 26, 2014 - No Comments!

★ Liz Climo (USA) | An Unforgettable Sense Of Humor

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Talking dinosaurs, bunnies, bears, lizards and koalas are only some of the sparky and humorous characters developed by American cartoon artist Liz Climo. Placed having the most cleverly absurd conversations, her animal illustrations are characterized by simple and endearing forms enveloped in unpredictable witty situations.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

With a 10-year-long trajectory as a storyboard revisionist on the sitcom The Simpsons, Elizabeth Climo has learned the true art of selling jokes and making comedy. Her famous Tumblr world has become the meeting spot of diverse animal characters experiencing typical life's quirks – just like humans do- in amusing and charming manners. She uses her spare time and gifted talent to create simple and friendly illustrations of rhinos, giraffes and snakes going through the excitement of holidays like Halloween and Christmas, the practice of using modern devices, or the natural demonstrations of affection.

Climo's cartoons have thriven not only due to her witty situation-portrayal, but also due to her distinctive style. "I love the way children draw, because they draw exactly what they see" – Climo shared with Girls Drawing Girls. During her early stages as an artist, she stopped trying to draw according to “acceptable patterns” and decided to follow her own quaint style. Her efforts have taken her to publish “The Little World of Liz Climo”, a children’s book containing more than 100 extraordinary comic images.

However, as simple as they may look, each character representation is a creative combination of animal and human attributes that Climo does not always find easy to come up with. As many other artists out there, she also faces those inevitable lack-of-inspiration moments which life and time have thought her to endure with a tenacious and optimistic attitude. If nothing comes to mind, she simply draws something that makes her and/or her fans happy. Not always she considers a particular illustration her best work, but nevertheless she posts the outcome online, receiving sometimes surprisingly positive responses. Her own world is also an ultimate source of inspiration; some aspects of her animals’ personalities, like sarcasm, clumsiness and kindness, are real traits of friends and family.

“If I hear something or see a situation that is easily relatable and simple, it'll usually spark something in my mind like, ‘Hey, this might be sort of funny if an animal were dealing with this'” - Climo told the Daily Dot.

As a determined and prolific artist, Liz Climo is constantly looking for new scenarios where to place her comic designs and cute animal ideas. There is no doubt that the reader will continue to find everyday-social-interaction references in her on growing fan base.

More information on Liz Climo here.

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With a 10-year-long trajectory as a storyboard revisionist on the sitcom The Simpsons, Elizabeth Climo has learned the true art of selling jokes and making comedy. Her famous Tumblr world has become the meeting spot of diverse animal characters experiencing typical life's quirks – just like humans do- in amusing and charming manners. She uses her spare time and gifted talent to create simple and friendly illustrations of rhinos, giraffes and snakes going through the excitement of holidays like Halloween and Christmas, the practice of using modern devices, or the natural demonstrations of affection.

Climo's cartoons have thriven not only due to her witty situation-portrayal, but also due to her distinctive style. "I love the way children draw, because they draw exactly what they see" – Climo shared with Girls Drawing Girls. During her early stages as an artist, she stopped trying to draw according to “acceptable patterns” and decided to follow her own quaint style. Her efforts have taken her to publish “The Little World of Liz Climo”, a children’s book containing more than 100 extraordinary comic images.

However, as simple as they may look, each character representation is a creative combination of animal and human attributes that Climo does not always find easy to come up with. As many other artists out there, she also faces those inevitable lack-of-inspiration moments which life and time have thought her to endure with a tenacious and optimistic attitude. If nothing comes to mind, she simply draws something that makes her and/or her fans happy. Not always she considers a particular illustration her best work, but nevertheless she posts the outcome online, receiving sometimes surprisingly positive responses. Her own world is also an ultimate source of inspiration; some aspects of her animals’ personalities, like sarcasm, clumsiness and kindness, are real traits of friends and family.

“If I hear something or see a situation that is easily relatable and simple, it'll usually spark something in my mind like, ‘Hey, this might be sort of funny if an animal were dealing with this'” - Climo told the Daily Dot.

As a determined and prolific artist, Liz Climo is constantly looking for new scenarios where to place her comic designs and cute animal ideas. There is no doubt that the reader will continue to find everyday-social-interaction references in her on growing fan base.

More information on Liz Climo here.

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El mundo de la caricaturista estadounidense Liz Climo está lleno de ocurrentes y cómicos animales como dinosaurios, conejos, osos, lagartos y koalas. Éstos se caracterizan por su forma simple y humorística y usualmente se encuentran teniendo las más absurdas e irónicas conversaciones.

Durante sus más de 10 años como parte del equipo de animación de la serie televisiva Los Simpson, Elizabeth Climo ha aprendido el verdadero arte de hacer comedia y vender chistes. Su famoso mundo en Tumblr se ha convertido en un reconocido lugar de encuentro de un sin fin de animales que juntos experimentan las típicas peculiaridades de la vida diaria –tal y como les sucede a los humanos- de una manera agradable y divertida. Climo utiliza su tiempo libre y talento para crear amigables personajes como rinocerontes, jirafas y tiburones, todos estos atravesando cotidianos momentos como Halloween y Navidad, el uso de dispositivos modernos y la necesidad de dar y recibir demostraciones de afecto.

Las caricaturas de Liz Climo han resultado sumamente exitosas no sólo por su excelente representación sino también por su magnífico estilo. “Me encanta la manera en que dibujan los niños, porque ellos dibujan exactamente lo que ven” – Climo compartió con Girls Drawing Girls. Durante sus primeros años como artista, Liz decidió dejar de tratar de dibujar bajo ciertos parámetros establecidos y se dispuso a seguir su propio singular estilo. Sus esfuerzos la han llevado a pubicar “The Little World of Liz Climo” (El Pequeño Mundo de Liz Climo), un libro para niños el cual contiene más de 100 extraordinarias imágenes cómic.

Sin embargo, por tan simples como parezcan, cada una de sus ilustraciones son una combinación de atributos humanos y animales que Climo muchas veces no encuentra fácil de producir. Como muchos otros artistas en el mundo, Liz también atraviesa por esos momentos en que la inspiración sufre un momento de bloqueo, pero que el tiempo y la experiencia la han ayudado a enfrentar con una actitud tenaz y positiva. Si nada le viene a la mente, la artista simplemente dibuja algo que la haga feliz a ella o a sus fans. Es cierto que no siempre considera determinada creación su mejor trabajo, pero sin importar el resultado ella lo publica en línea y ésta obtiene en ocasiones impresionantes respuestas positivas de los lectores. Su propio mundo también es una fuente primordial de inspiración. Algunos aspectos de sus personajes, como el sarcasmo, la torpeza o la bondad, son rasgos reales de amigos y familiares.

“Si escucho algo u observo alguna situación que es fácilmente delatable y simple, una lucecita se enciende en mi mente como diciendo ‘Hey, eso a lo mejor resulta divertido si el personaje principal es un animal’” – Climo le dijo a Daily Dot.

Como la artista persistente y prolífica que es, Liz Climo se encuentra en una búsqueda constante de nuevos escenarios donde desarrollar sus ideas y cómics. No hay duda de que el lector continuará encontrando nuevas referencias de la vida diaria en su creciente y famoso blog.

Más información sobre Liz Climo aquí.

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El mundo de la caricaturista estadounidense Liz Climo está lleno de ocurrentes y cómicos animales como dinosaurios, conejos, osos, lagartos y koalas. Éstos se caracterizan por su forma simple y humorística y usualmente se encuentran teniendo las más absurdas e irónicas conversaciones.

Durante sus más de 10 años como parte del equipo de animación de la serie televisiva Los Simpson, Elizabeth Climo ha aprendido el verdadero arte de hacer comedia y vender chistes. Su famoso mundo en Tumblr se ha convertido en un reconocido lugar de encuentro de un sin fin de animales que juntos experimentan las típicas peculiaridades de la vida diaria –tal y como les sucede a los humanos- de una manera agradable y divertida. Climo utiliza su tiempo libre y talento para crear amigables personajes como rinocerontes, jirafas y tiburones, todos estos atravesando cotidianos momentos como Halloween y Navidad, el uso de dispositivos modernos y la necesidad de dar y recibir demostraciones de afecto.

Las caricaturas de Liz Climo han resultado sumamente exitosas no sólo por su excelente representación sino también por su magnífico estilo. “Me encanta la manera en que dibujan los niños, porque ellos dibujan exactamente lo que ven” – Climo compartió con Girls Drawing Girls. Durante sus primeros años como artista, Liz decidió dejar de tratar de dibujar bajo ciertos parámetros establecidos y se dispuso a seguir su propio singular estilo. Sus esfuerzos la han llevado a pubicar “The Little World of Liz Climo” (El Pequeño Mundo de Liz Climo), un libro para niños el cual contiene más de 100 extraordinarias imágenes cómic.

Sin embargo, por tan simples como parezcan, cada una de sus ilustraciones son una combinación de atributos humanos y animales que Climo muchas veces no encuentra fácil de producir. Como muchos otros artistas en el mundo, Liz también atraviesa por esos momentos en que la inspiración sufre un momento de bloqueo, pero que el tiempo y la experiencia la han ayudado a enfrentar con una actitud tenaz y positiva. Si nada le viene a la mente, la artista simplemente dibuja algo que la haga feliz a ella o a sus fans. Es cierto que no siempre considera determinada creación su mejor trabajo, pero sin importar el resultado ella lo publica en línea y ésta obtiene en ocasiones impresionantes respuestas positivas de los lectores. Su propio mundo también es una fuente primordial de inspiración. Algunos aspectos de sus personajes, como el sarcasmo, la torpeza o la bondad, son rasgos reales de amigos y familiares.

“Si escucho algo u observo alguna situación que es fácilmente delatable y simple, una lucecita se enciende en mi mente como diciendo ‘Hey, eso a lo mejor resulta divertido si el personaje principal es un animal’” – Climo le dijo a Daily Dot.

Como la artista persistente y prolífica que es, Liz Climo se encuentra en una búsqueda constante de nuevos escenarios donde desarrollar sus ideas y cómics. No hay duda de que el lector continuará encontrando nuevas referencias de la vida diaria en su creciente y famoso blog.

Más información sobre Liz Climo aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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November 5, 2014 - No Comments!

★ Lord Whitney (UK) | The New Face Of Northern Talent

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in a newly redesigned studio just outside the city center of Leeds, England, and having adopted a new flashy branding look, creative duo Amy Lord and Rebekah Whitney –Lord Whitney- keep up their excellent work producing high-quality projects with their characteristic inventiveness used since their partnership in 2009.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Known as an eccentric and cutting-edge creative duo specialized in set design, art direction and prop making, Lord Whitney chose to remodel its studio –a former leather mill- and turn it into a friendly, warm and spacious environment that all people can enjoy. Amy and Rebekah greet customers, visitors and friends in an idyllic workplace that now includes a new kitchen, a workshop, a meeting area and a Treehouse studio space.

Their purpose is to make of the renewed location a place that can help stimulate, motivate and support emerging artists – especially from Leeds- to meet and exhibit their work. Lord Whitney also wants the studio to become a graduate center where volunteer and internship programs are offered to people in general and where talks, events and workshops can be hosted.

“We do often work in London, but to us that isn't a problem, we have a lovely big studio where we can make everything and we can be in London in 2 hours if we need to be! We are passionate about retaining talent in the North, and not a lot would happen here if everybody decided to leave”. – Lord Whitney told Awesome Merch

In this time of change, Lord Whitney’s brand also suffered a makeover. Passport is the design studio behind their new branding look and Prints of Thieves is the print service responsible for their original bussiness cards.

However, not only has the studio’s image continued evolving. Their flamboyant ideas also keep turning into remarkable different ventures. Among their latest ones is their fashion film for Cartier's new jewellery collection “Juste un Clou”, in which Lord Whitney designed the concept, created the sets and was in charge of the art directing process. The studio also organized the project “Playing Faces” at the V&A Museum in London, where people could visit and create their own portraits on the spot using Lord Whitney’s photo booth.

The Wood Beneath the World” is their next collaboration with Leeds Town Hall coming in winter 2014. Stay tuned!

More information on Lord Whitney here.

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Known as an eccentric and cutting-edge creative duo specialized in set design, art direction and prop making, Lord Whitney chose to remodel its studio –a former leather mill- and turn it into a friendly, warm and spacious environment that all people can enjoy. Amy and Rebekah greet customers, visitors and friends in an idyllic workplace that now includes a new kitchen, a workshop, a meeting area and a Treehouse studio space.

Their purpose is to make of the renewed location a place that can help stimulate, motivate and support emerging artists – especially from Leeds- to meet and exhibit their work. Lord Whitney also wants the studio to become a graduate center where volunteer and internship programs are offered to people in general and where talks, events and workshops can be hosted.

“We do often work in London, but to us that isn't a problem, we have a lovely big studio where we can make everything and we can be in London in 2 hours if we need to be! We are passionate about retaining talent in the North, and not a lot would happen here if everybody decided to leave”. – Lord Whitney told Awesome Merch

In this time of change, Lord Whitney’s brand also suffered a makeover. Passport is the design studio behind their new branding look and Prints of Thieves is the print service responsible for their original bussiness cards.

However, not only has the studio’s image continued evolving. Their flamboyant ideas also keep turning into remarkable different ventures. Among their latest ones is their fashion film for Cartier's new jewellery collection “Juste un Clou”, in which Lord Whitney designed the concept, created the sets and was in charge of the art directing process. The studio also organized the project “Playing Faces” at the V&A Museum in London, where people could visit and create their own portraits on the spot using Lord Whitney’s photo booth.

The Wood Beneath the World” is their next collaboration with Leeds Town Hall coming in winter 2014. Stay tuned!

More information on Lord Whitney here.

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Estrenando un nuevo look de marca y un estudio recientemente remodelado a las afueras del centro de la ciudad de Leeds en Inglaterra, Amy Lord y Rebekah Whitney –Lord Whitney- continúan su arduo trabajo produciendo proyectos de la más alta calidad con el toque de originalidad que las caracteriza desde su colaboración en 2009.

Conocido como un excéntrico dúo de vanguardia el cual se especializa en el diseño y elaboración de sets y dirección de arte, Lord Whitney decidió remodelar su estudio –antiguamente un molino de piel/cuero- y convertirlo en un espacio amplio, amigable y cálido que esté al alcance del público. Amy y Rebekah dan la bienvenida a clientes, visitantes y amigos en un magnífico ambiente de trabajo que ahora cuenta con una cocina nueva, un taller, un área de recibimiento y una casa de árbol que funge como estudio.

Su objetivo es hacer del nuevo ambiente un lugar capaz de estimular, motivar y apoyar a artistas emergentes –principalmente aquellos provenientes de Leeds- a que se reúnan y exhiban su trabajo sin limitaciones. A su vez, Lord Whitney desea que el estudio se convierta en un centro donde se ofrezcan programas de internship y voluntariado al público en general, y donde la gente pueda organizar pláticas, talleres y diversos eventos.

“Frecuentemente trabajamos en Londres, pero eso no es un problema, contamos con un agradable estudio donde podemos crear lo que queramos y ¡podemos estar en Londres en dos horas si es necesario! Nos apasiona el poder retener el talento que existe en el norte, ya que aquí no sucedería nada si todo el mundo decidiera irse”. - Lord Whitney compartió con Awesome Merch

Aprovechando la etapa de grandes cambios, Lord Whitney decidió también modificar su imagen. Passport es el estudio creativo que se encargó de crear su nueva identidad y el servicio de impresión Prints of Thieves fue el encargado de producir sus originales tarjetas personales.

Sin embargo, la imagen de dicho estudio creativo no es lo único que ha evolucionado. Las ideas de ambas artistas continúan convirtiéndose en los más extravagantes y extraños proyectos. Entre los más recientes se encuentran: el video para la colección “Juste un Clou” de la marca Cartier, donde Lord Whitney diseñó el concepto, creó los sets y estuvo a cargo de la dirección de arte; y su proyecto titulado “Playing Faces” el cual se llevó a cabo en el museo de Victoria y Alberto en Londres y donde la gente pudo acudir a la cabina fotográfica de Lord Whitney y crear su propio retrato.

The Wood Beneath the World” es su siguiente colaboración con el municipio de Leeds, un proyecto próximo a presentarse en el invierno del 2014. ¡No te lo pierdas!

Más información sobre Lord Whitney aquí.

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Estrenando un nuevo look de marca y un estudio recientemente remodelado a las afueras del centro de la ciudad de Leeds en Inglaterra, Amy Lord y Rebekah Whitney –Lord Whitney- continúan su arduo trabajo produciendo proyectos de la más alta calidad con el toque de originalidad que las caracteriza desde su colaboración en 2009.

Conocido como un excéntrico dúo de vanguardia el cual se especializa en el diseño y elaboración de sets y dirección de arte, Lord Whitney decidió remodelar su estudio –antiguamente un molino de piel/cuero- y convertirlo en un espacio amplio, amigable y cálido que esté al alcance del público. Amy y Rebekah dan la bienvenida a clientes, visitantes y amigos en un magnífico ambiente de trabajo que ahora cuenta con una cocina nueva, un taller, un área de recibimiento y una casa de árbol que funge como estudio.

Su objetivo es hacer del nuevo ambiente un lugar capaz de estimular, motivar y apoyar a artistas emergentes –principalmente aquellos provenientes de Leeds- a que se reúnan y exhiban su trabajo sin limitaciones. A su vez, Lord Whitney desea que el estudio se convierta en un centro donde se ofrezcan programas de internship y voluntariado al público en general, y donde la gente pueda organizar pláticas, talleres y diversos eventos.

“Frecuentemente trabajamos en Londres, pero eso no es un problema, contamos con un agradable estudio donde podemos crear lo que queramos y ¡podemos estar en Londres en dos horas si es necesario! Nos apasiona el poder retener el talento que existe en el norte, ya que aquí no sucedería nada si todo el mundo decidiera irse”. - Lord Whitney compartió con Awesome Merch

Aprovechando la etapa de grandes cambios, Lord Whitney decidió también modificar su imagen. Passport es el estudio creativo que se encargó de crear su nueva identidad y el servicio de impresión Prints of Thieves fue el encargado de producir sus originales tarjetas personales.

Sin embargo, la imagen de dicho estudio creativo no es lo único que ha evolucionado. Las ideas de ambas artistas continúan convirtiéndose en los más extravagantes y extraños proyectos. Entre los más recientes se encuentran: el video para la colección “Juste un Clou” de la marca Cartier, donde Lord Whitney diseñó el concepto, creó los sets y estuvo a cargo de la dirección de arte; y su proyecto titulado “Playing Faces” el cual se llevó a cabo en el museo de Victoria y Alberto en Londres y donde la gente pudo acudir a la cabina fotográfica de Lord Whitney y crear su propio retrato.

The Wood Beneath the World” es su siguiente colaboración con el municipio de Leeds, un proyecto próximo a presentarse en el invierno del 2014. ¡No te lo pierdas!

Más información sobre Lord Whitney aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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September 10, 2014 - No Comments!

★ Rick Silva (BR) | Inspiring Digital Landscapes

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

A Brazilian artist and animator who transforms his visions of nature into a set of extraordinary virtual GIF images. Highly influenced by landscapes, wildlife, parallel universes and the fusion of technology and the natural world, Rick Silva spends most of his time working outdoors in order to acquire natural details and new sources of inspiration.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

With a BFA in Film and a MFA in Art obtained at the University of Colorado, in the USA, Rick Silva has participated in numerous exhibitions around the world. Among his most famous works is “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future” which features 18 videos of surreal, geometric and abstract flying birds that drift in a futuristic atmosphere.

Silva’s work is characterized by psychedelic colors and shimmering surfaces. In each one of his creations he transmits his ultimate fascination with perception, light and time, as well as his need to give an organic sense to his virtual compositions. As the Impressionist and Post-Impressionist artists accustomed in their time, Silva finds the outside space the ideal place to create multiple digital interpretations of his surroundings. The best example of this practice can be found in his continuing project “En Plein Air”, a series of GIF images depicting diverse virtual landscapes that can be differentiated between one another thanks to Silva’s careful documentation of place, date, time, and temperature. The result is a fantastic gathering of moving and pointy images in which the spectator can always perceive the artist’s main impression: a sunny day, mountains reflected on a lake or a cloudy weather, among others.

Constantly working with different computers, cameras and software like Cinema 4D, Silva transforms the outside world into malleable digital compositions. His work is the latest example of how the natural world can coexist with technology inside a creative mind.

More information on Rick Silva here.

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With a BFA in Film and a MFA in Art obtained at the University of Colorado, in the USA, Rick Silva has participated in numerous exhibitions around the world. Among his most famous works is “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future” which features 18 videos of surreal, geometric and abstract flying birds that drift in a futuristic atmosphere.

Silva’s work is characterized by psychedelic colors and shimmering surfaces. In each one of his creations he transmits his ultimate fascination with perception, light and time, as well as his need to give an organic sense to his virtual compositions. As the Impressionist and Post-Impressionist artists accustomed in their time, Silva finds the outside space the ideal place to create multiple digital interpretations of his surroundings. The best example of this practice can be found in his continuing project “En Plein Air”, a series of GIF images depicting diverse virtual landscapes that can be differentiated between one another thanks to Silva’s careful documentation of place, date, time, and temperature. The result is a fantastic gathering of moving and pointy images in which the spectator can always perceive the artist’s main impression: a sunny day, mountains reflected on a lake or a cloudy weather, among others.

Constantly working with different computers, cameras and software like Cinema 4D, Silva transforms the outside world into malleable digital compositions. His work is the latest example of how the natural world can coexist with technology inside a creative mind.

More information on Rick Silva here.

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Rick Silva es un artista y animador brasileño que se dedica a transformar su percepción de la naturaleza en extraordinarias imágenes animadas GIF. A lo largo de su carrera, se ha visto ampliamente influenciado por paisajes naturales, la flora y la fauna, universos paralelos y la fusión de la tecnología con el mundo natural. Actualmente pasa gran parte de su tiempo trabajando al aire libre con el objetivo de ampliar sus horizontes y encontrar nuevas fuentes de inspiración.

Graduado de la Maestría de Arte en la Universidad de Colorado en Estados Unidos, Rick Silva ha participado en numerosas exhibiciones alrededor del mundo. Entre sus trabajos más reconocidos se encuentra el “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future”, una serie de 18 videos ilustrando aves de carácter surreal, geométrico y abstracto que dan la impresión de volar sin rumbo en una atmósfera futurista.

El trabajo de Silva se caracteriza por colores psicodélicos y una apariencia brillante. En cada una de sus creaciones se puede apreciar su fuerte fascinación por la percepción, la luz y el tiempo, así como su necesidad de dar un toque orgánico a sus composiciones. Así como los artistas Impresionistas y Post-Impresionistas hicieron en su tiempo, Silva encuentra en el espacio exterior el ambiente perfecto para trabajar y realizar múltiples interpretaciones digitales del mundo que lo rodea. El proyecto que mejor refleja esta práctica es su actual serie de imágenes GIF titulado “En Plein Air”. Éste consiste en la producción virtual de paisajes que pueden ser diferenciados entre sí gracias a la documentación del lugar, la fecha, la hora y la temperatura que representan. El resultado es un fantástico conjunto de imágenes en movimiento en las que el espectador es capaz de diferenciar la idea principal del artista: un día soleado, montañas que se reflejan en un lago o un clima nublado, entre otros.

Trabajando constantemente con diferentes computadoras, cámaras y programas digitales como Cinema 4D, Silva transforma el mundo exterior en maleables composiciones digitales. Su trabajo es uno de los últimos ejemplos de cómo el mundo natural puede coexistir con la tecnología a través de una mente creativa.

Más información sobre Rick Silva aquí.

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Rick Silva es un artista y animador brasileño que se dedica a transformar su percepción de la naturaleza en extraordinarias imágenes animadas GIF. A lo largo de su carrera, se ha visto ampliamente influenciado por paisajes naturales, la flora y la fauna, universos paralelos y la fusión de la tecnología con el mundo natural. Actualmente pasa gran parte de su tiempo trabajando al aire libre con el objetivo de ampliar sus horizontes y encontrar nuevas fuentes de inspiración.

Graduado de la Maestría de Arte en la Universidad de Colorado en Estados Unidos, Rick Silva ha participado en numerosas exhibiciones alrededor del mundo. Entre sus trabajos más reconocidos se encuentra el “The Silva Field Guide to Birds of a Parallel Future”, una serie de 18 videos ilustrando aves de carácter surreal, geométrico y abstracto que dan la impresión de volar sin rumbo en una atmósfera futurista.

El trabajo de Silva se caracteriza por colores psicodélicos y una apariencia brillante. En cada una de sus creaciones se puede apreciar su fuerte fascinación por la percepción, la luz y el tiempo, así como su necesidad de dar un toque orgánico a sus composiciones. Así como los artistas Impresionistas y Post-Impresionistas hicieron en su tiempo, Silva encuentra en el espacio exterior el ambiente perfecto para trabajar y realizar múltiples interpretaciones digitales del mundo que lo rodea. El proyecto que mejor refleja esta práctica es su actual serie de imágenes GIF titulado “En Plein Air”. Éste consiste en la producción virtual de paisajes que pueden ser diferenciados entre sí gracias a la documentación del lugar, la fecha, la hora y la temperatura que representan. El resultado es un fantástico conjunto de imágenes en movimiento en las que el espectador es capaz de diferenciar la idea principal del artista: un día soleado, montañas que se reflejan en un lago o un clima nublado, entre otros.

Trabajando constantemente con diferentes computadoras, cámaras y programas digitales como Cinema 4D, Silva transforma el mundo exterior en maleables composiciones digitales. Su trabajo es uno de los últimos ejemplos de cómo el mundo natural puede coexistir con la tecnología a través de una mente creativa.

Más información sobre Rick Silva aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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August 20, 2014 - No Comments!

★ Kristian Hammerstad (NO) | The Comic Universe Of A Contemporary Mind

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Native from Oslo, Norway and formerly a self-thought animator, Kristian Hammerstad has mastered the art of gore illustration by creating both, unnerving and eye-catching images. He graduated from Central Saint Martins in London, UK, and his posters and prints have been issued in diverse publications such as Penguin Books, Wired Magazine, The New York Times Magazine and The New Yorker.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

As a comic-book enthusiast and an admirer of horror cinema, Kristian Hammerstad’s illustrations are characterized by comic-like depictions enveloped in a black-humor environment. His work often includes human figures and body parts that are usually transfigured and sometimes merged with different types of skeleton members. His creative process consists in pencil drawings and digitalized coloring.

With a background in editing music videos and commercial animations, Hammerstad gives to his work a shifting and vibrant energy through morbid, sensual and at times robot-like elements. Among his favorite artists are cartoonists Charles Burns and Daniel Clowes, manga artist Katsuhiro Otomo and film director John Carpenter.

More information on Kristian Hammerstad here.

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As a comic-book enthusiast and an admirer of horror cinema, Kristian Hammerstad’s illustrations are characterized by comic-like depictions enveloped in a black-humor environment. His work often includes human figures and body parts that are usually transfigured and sometimes merged with different types of skeleton members. His creative process consists in pencil drawings and digitalized coloring.

With a background in editing music videos and commercial animations, Hammerstad gives to his work a shifting and vibrant energy through morbid, sensual and at times robot-like elements. Among his favorite artists are cartoonists Charles Burns and Daniel Clowes, manga artist Katsuhiro Otomo and film director John Carpenter.

More information on Kristian Hammerstad here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Con residencia actual en la ciudad de Oslo, Noruega y con antecedentes en animación digital, Kristian Hammerstad se ha convertido en un extraordinario ilustrador que lograr crear desconcertantes pero a la vez atractivas imágenes. Se graduó de la escuela Central Saint Martins en Londres, Reino Unido y sus pósters e impresiones han sido expuestas en publicaciones tales como Penguin Books, Wired Magazine, The New York Times Magazine y The New Yorker.

Fuertemente influenciado por los comics y el cine de terror, el trabajo de Hammerstad se ha visto constantemente caracterizado por imágenes que parecen salir de una historieta y que viven en un mundo de humor negro. Su trabajo comúnmente incluye figuras humanas y partes del cuerpo que se transfiguran y unen a distintos tipos de esqueletos. Su proceso creativo consiste en dibujos a lápiz y color digital.

Con conocimientos en edición de videos musicales y animaciones comerciales, Hammerstad crea ilustraciones cambiantes y llenas de energía a través de elementos mórbidos, sensuales e inclusive pertenecientes al mundo de los robots. Entre sus artistas preferidos se encuentran los caricaturistas Charles Burns y Daniel Clowes, el artista de manga Katsuhiro Otomo y el director de cine John Carpenter.

Más información sobre Kristian Hammerstad aquí.

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Con residencia actual en la ciudad de Oslo, Noruega y con antecedentes en animación digital, Kristian Hammerstad se ha convertido en un extraordinario ilustrador que lograr crear desconcertantes pero a la vez atractivas imágenes. Se graduó de la escuela Central Saint Martins en Londres, Reino Unido y sus pósters e impresiones han sido expuestas en publicaciones tales como Penguin Books, Wired Magazine, The New York Times Magazine y The New Yorker.

Fuertemente influenciado por los comics y el cine de terror, el trabajo de Hammerstad se ha visto constantemente caracterizado por imágenes que parecen salir de una historieta y que viven en un mundo de humor negro. Su trabajo comúnmente incluye figuras humanas y partes del cuerpo que se transfiguran y unen a distintos tipos de esqueletos. Su proceso creativo consiste en dibujos a lápiz y color digital.

Con conocimientos en edición de videos musicales y animaciones comerciales, Hammerstad crea ilustraciones cambiantes y llenas de energía a través de elementos mórbidos, sensuales e inclusive pertenecientes al mundo de los robots. Entre sus artistas preferidos se encuentran los caricaturistas Charles Burns y Daniel Clowes, el artista de manga Katsuhiro Otomo y el director de cine John Carpenter.

Más información sobre Kristian Hammerstad aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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July 30, 2014 - No Comments!

★ James Reka (AU) | The Awakening Of A New Style

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A self-thought street artist that combines detailed graphic designs with the rough art of graffiti style. His pseudo-human portraits are characterized by the abstract and dynamic deconstruction of their own bodies.


[Ver artículo en español abajo]

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Native from Melbourne, Australia, James Reka is a contemporary street artist and painter based in Berlin, Germany. He began his visual journey back in 1999 when he attended high school and enjoyed doing graffiti along with his friends.

With a background in logo design, Reka’s main interest and artistic trademark have been to portray characters rather than simply graffiti forms. His creatures are surreal, abstract and structured figures, sometimes even robot-like images, which stand out in the urban environment thanks to their clean and simple yet heavy brush strokes mixed with strong coloring.

Texture and history are two essential elements in Reka’s art. He often chooses old cities and abandoned places, like alleyways, train-lines and inner-suburbs, to expose his artworks. James combines humorous and menacing components to create bizarre and fantastical figures that are constantly influenced by cartoons, comics, illustrations and pop culture. He manages to give a more human look to his drawings by adding natural and earthy colors.

More information on James Reka here.

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Native from Melbourne, Australia, James Reka is a contemporary street artist and painter based in Berlin, Germany. He began his visual journey back in 1999 when he attended high school and enjoyed doing graffiti along with his friends.

With a background in logo design, Reka’s main interest and artistic trademark have been to portray characters rather than simply graffiti forms. His creatures are surreal, abstract and structured figures, sometimes even robot-like images, which stand out in the urban environment thanks to their clean and simple yet heavy brush strokes mixed with strong coloring.

Texture and history are two essential elements in Reka’s art. He often chooses old cities and abandoned places, like alleyways, train-lines and inner-suburbs, to expose his artworks. James combines humorous and menacing components to create bizarre and fantastical figures that are constantly influenced by cartoons, comics, illustrations and pop culture. He manages to give a more human look to his drawings by adding natural and earthy colors.

More information on James Reka here.

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James Reka es un pintor y artista urbano contemporáneo nacido en Melbourne, Australia y con residencia actual en Berlín, Alemania. Comenzó su carrera como artista visual en el año 1999 cuando estudiaba la preparatoria y disfrutaba realizar graffiti con sus amigos.

Su estilo se caracteriza por la combinación de detallados diseños gráficos y el arte del graffiti. Los portarretratos que realiza representan figuras humanas imaginarias identificadas por la abstracta y dinámica deconstrucción de sus cuerpos.

Con antecedentes en diseño de logos, Reka se dedica a crear imágenes de personajes más que las típicas formas de estilo graffiti. Sus criaturas son surreales, abstractas y bien estructuradas, y en ocasiones les da un particular toque robótico. Cada una de sus imágenes resalta en el ambiente urbano en el que es creada gracias a sus trazos fuertes, limpios y simples, los cuales combina con una enérgica tonalidad de colores.

La textura y la historia son dos elementos esenciales en el arte de James Reka. Es común que escoja ciudades y lugares abandonados, como callejones, líneas de tren y barrios pobres, para trabajar. En sus obras, James combina componentes humorísticos y amenazadores para crear extrañas y fantásticas figuras en donde las caricaturas, los cómics, las ilustraciones y la cultura pop se asocian entre sí. Finalmente, logra que sus dibujos tengan un aspecto más humano utilizando colores naturales y más terrenales.

Más información sobre James Reka aquí.

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James Reka es un pintor y artista urbano contemporáneo nacido en Melbourne, Australia y con residencia actual en Berlín, Alemania. Comenzó su carrera como artista visual en el año 1999 cuando estudiaba la preparatoria y disfrutaba realizar graffiti con sus amigos.

Su estilo se caracteriza por la combinación de detallados diseños gráficos y el arte del graffiti. Los portarretratos que realiza representan figuras humanas imaginarias identificadas por la abstracta y dinámica deconstrucción de sus cuerpos.

Con antecedentes en diseño de logos, Reka se dedica a crear imágenes de personajes más que las típicas formas de estilo graffiti. Sus criaturas son surreales, abstractas y bien estructuradas, y en ocasiones les da un particular toque robótico. Cada una de sus imágenes resalta en el ambiente urbano en el que es creada gracias a sus trazos fuertes, limpios y simples, los cuales combina con una enérgica tonalidad de colores.

La textura y la historia son dos elementos esenciales en el arte de James Reka. Es común que escoja ciudades y lugares abandonados, como callejones, líneas de tren y barrios pobres, para trabajar. En sus obras, James combina componentes humorísticos y amenazadores para crear extrañas y fantásticas figuras en donde las caricaturas, los cómics, las ilustraciones y la cultura pop se asocian entre sí. Finalmente, logra que sus dibujos tengan un aspecto más humano utilizando colores naturales y más terrenales.

Más información sobre James Reka aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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July 23, 2014 - No Comments!

★ Mandy Smith (NE) | Paper Worlds Brought To Life

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Graduated from Central Saint Martins and currently based in Amsterdam, Mandy Smith is an animator and a master of paper craftsmanship. Throughout her career, this talented art director has managed to transform her fantastical and everyday ideas into extraordinary detailed paper sculptures.


[Ver artículo en español abajo]

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The Move, Paper Animation from Mandy Smith on Vimeo.

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To artist Mandy Smith, paper is a priceless medium to work with; it is versatile, pliable, and very accessible. She seeks to bring the paper out of its simplicity by studying its strengths and limitations, and is free to mold it in any way she likes thanks to her great talent, her unusual creativity and her most essential tools: a cutting board, a ruler, a knife with blades and glue.

Unless her creations are highly geometrical, Mandy tends to build her sculptures without a specific draft or blueprint. She enjoys experimenting with new materials; for example, her ordinary-object collaboration with photographer Bruno Drummond called “Sandpaper” was quite a challenge due to the menacing quality of the paper and the fragility of its covering.

Going to the cinema and reading classical children books like Alice in Wonderland, Rumpelstiltskin, The Twits and Jack and the Beanstalk are excellent ways for Mandy to gain new inspiring thoughts. Meeting new people and living new experiences in weird places are also part of her artistic motivation. Her first film, “The Move”, was based on her own experience of moving to Amsterdam, and it was inspired on the city’s architecture. In such animation, everything, from the house, to the bee and the parrot, is handmade out of paper and glue.

During her trajectory, Mandy Smith was worked with diverse brands like ToyotaVelvet and PNC Bank. She also collaborated with the art department of Tim Burton’s “Frankenweenie”.

More information on Mandy Smith here.

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To artist Mandy Smith, paper is a priceless medium to work with; it is versatile, pliable, and very accessible. She seeks to bring the paper out of its simplicity by studying its strengths and limitations, and is free to mold it in any way she likes thanks to her great talent, her unusual creativity and her most essential tools: a cutting board, a ruler, a knife with blades and glue.

Unless her creations are highly geometrical, Mandy tends to build her sculptures without a specific draft or blueprint. She enjoys experimenting with new materials; for example, her ordinary-object collaboration with photographer Bruno Drummond called “Sandpaper” was quite a challenge due to the menacing quality of the paper and the fragility of its covering.

Going to the cinema and reading classical children books like Alice in Wonderland, Rumpelstiltskin, The Twits and Jack and the Beanstalk are excellent ways for Mandy to gain new inspiring thoughts. Meeting new people and living new experiences in weird places are also part of her artistic motivation. Her first film, “The Move”, was based on her own experience of moving to Amsterdam, and it was inspired on the city’s architecture. In such animation, everything, from the house, to the bee and the parrot, is handmade out of paper and glue.

During her trajectory, Mandy Smith was worked with diverse brands like ToyotaVelvet and PNC Bank. She also collaborated with the art department of Tim Burton’s “Frankenweenie”.

More information on Mandy Smith here.

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Graduada del colegio Central Saint Martins y con residencia actual en la ciudad de Ámsterdam, Mandy Smith es una directora de arte y artista experta en el manejo del papel. A lo largo de su carrera, ha logrado transformar sus ideas, tanto fantásticas como comunes, en extraordinarias esculturas de papel llenas de detalle e ingenio.

Para Mandy Smith, el papel es un medio de trabajo invaluable; es versátil, plegable y muy accesible. Ella busca extraer el papel de su naturaleza simplista al estudiar las fortalezas y limitaciones del material y es libre de moldearlo a su gusto gracias a su gran talento, su inusual creatividad y sus herramientas más esenciales: una tabla para cortar, una regla, un cuchillo con diferentes hojas para cortar y pegamento.

A menos que sus creaciones sean de carácter altamente geométrico, Mandy construye sus esculturas sin un plan de diseño en específico. Disfruta experimentar con diferentes materiales; por ejemplo, su proyecto colaborativo de objetos ordinarios llamado “Sandpaper” que realizó con el fotógrafo Bruno Drummond, fue todo un reto debido a la compleja calidad del papel y su frágil cubierta.

Entre sus fuentes de inspiración más importantes están el cine y el leer libros clásicos para niños, como Alicia en el País de las Maravillas, Rumpelstiltskin, The Twits y Jack and the Beanstalk. Conocer gente diferente y vivir experiencias nuevas en lugares extraños también es un aspecto clave de su motivación artística. Su primera animación, “The Move”, se basó en su propia experiencia de mudarse a Ámsterdam y estuvo inspirada en la arquitectura de la ciudad. En dicho proyecto, absolutamente todo, desde la casa hasta la abeja y el cotorro, fueron elementos fabricados a mano utilizando papel y pegamento.

A lo largo de su trayectoria, Mandy Smith ha colaborado con diversas marcas como Toyota, Velvet y el Banco PNC. También contribuyó con el departamento de arte de la película “Frankenweenie” de Tim Burton.

Más información sobre Mandy Smith aquí.

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Graduada del colegio Central Saint Martins y con residencia actual en la ciudad de Ámsterdam, Mandy Smith es una directora de arte y artista experta en el manejo del papel. A lo largo de su carrera, ha logrado transformar sus ideas, tanto fantásticas como comunes, en extraordinarias esculturas de papel llenas de detalle e ingenio.

Para Mandy Smith, el papel es un medio de trabajo invaluable; es versátil, plegable y muy accesible. Ella busca extraer el papel de su naturaleza simplista al estudiar las fortalezas y limitaciones del material y es libre de moldearlo a su gusto gracias a su gran talento, su inusual creatividad y sus herramientas más esenciales: una tabla para cortar, una regla, un cuchillo con diferentes hojas para cortar y pegamento.

A menos que sus creaciones sean de carácter altamente geométrico, Mandy construye sus esculturas sin un plan de diseño en específico. Disfruta experimentar con diferentes materiales; por ejemplo, su proyecto colaborativo de objetos ordinarios llamado “Sandpaper” que realizó con el fotógrafo Bruno Drummond, fue todo un reto debido a la compleja calidad del papel y su frágil cubierta.

Entre sus fuentes de inspiración más importantes están el cine y el leer libros clásicos para niños, como Alicia en el País de las Maravillas, Rumpelstiltskin, The Twits y Jack and the Beanstalk. Conocer gente diferente y vivir experiencias nuevas en lugares extraños también es un aspecto clave de su motivación artística. Su primera animación, “The Move”, se basó en su propia experiencia de mudarse a Ámsterdam y estuvo inspirada en la arquitectura de la ciudad. En dicho proyecto, absolutamente todo, desde la casa hasta la abeja y el cotorro, fueron elementos fabricados a mano utilizando papel y pegamento.

A lo largo de su trayectoria, Mandy Smith ha colaborado con diversas marcas como Toyota, Velvet y el Banco PNC. También contribuyó con el departamento de arte de la película “Frankenweenie” de Tim Burton.

Más información sobre Mandy Smith aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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July 2, 2014 - No Comments!

★ Matthias Brown (USA) | Bringing Back Old-School Techniques

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A graphic designer who embraces antique methods of image manipulation in order to discover the countless possibilities of a design and its creation process.


[Ver artículo en español abajo]

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Matthias Brown is a versatile artist interested in the areas of animation, printmaking, book art and digital art. He graduated from the bachelor in Graphic Design at the SCAD Atlanta.

His work is based on the concept of making it memorable to the viewer. Matthias’ gif animations explore the simplicity and the fragility of an image by finding a balance between the elimination and repetition of its elements. He finds inspiration in museum exhibitions, hip-hop music, food and people.

“Initially, I was trying to capture an interesting moment, which I still am, but after I started removing elements to focus on a particular portion of the clip, it became more of an effort to simplify the clip to only the necessary elements within the time of a second or two.” – Matthias Brown

Matthias Brown enjoys experimenting with different old animation techniques and tools, like the zoetrope and the phenakistoscope. Among his most recognized works are his rotoscope moving images, in which he altered the reality of his own drawings. Rotoscoping is an almost extinct animation process patented in 1917 by Max Fleischer who used it in his series “Out of the Inkwell”. It consisted on giving a more natural look and sequence to the image by replacing each frame of a live-action film with a drawing. The frames would be projected onto a transparent easel and an animator would re-draw on top of them.

Thanks to this process, Matthias is one of the few artists who give that nostalgic old-days minimal appearance to some of his stunning hand-drawn looped gif animations.

More information on Matthias Brown here.

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Matthias Brown is a versatile artist interested in the areas of animation, printmaking, book art and digital art. He graduated from the bachelor in Graphic Design at the SCAD Atlanta.

His work is based on the concept of making it memorable to the viewer. Matthias’ gif animations explore the simplicity and the fragility of an image by finding a balance between the elimination and repetition of its elements. He finds inspiration in museum exhibitions, hip-hop music, food and people.

“Initially, I was trying to capture an interesting moment, which I still am, but after I started removing elements to focus on a particular portion of the clip, it became more of an effort to simplify the clip to only the necessary elements within the time of a second or two.” – Matthias Brown

Matthias Brown enjoys experimenting with different old animation techniques and tools, like the zoetrope and the phenakistoscope. Among his most recognized works are his rotoscope moving images, in which he altered the reality of his own drawings. Rotoscoping is an almost extinct animation process patented in 1917 by Max Fleischer who used it in his series “Out of the Inkwell”. It consisted on giving a more natural look and sequence to the image by replacing each frame of a live-action film with a drawing. The frames would be projected onto a transparent easel and an animator would re-draw on top of them.

Thanks to this process, Matthias is one of the few artists who give that nostalgic old-days minimal appearance to some of his stunning hand-drawn looped gif animations.

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Matthias Brown es un diseñador gráfico ampliamente versátil interesado en las áreas de animación, impresión, arte de libros y arte digital. Es un artista que disfruta experimentar con métodos antiguos de manipulación de imágenes con el objetivo de descubrir el sin fin de posibilidades de un diseño y su proceso creativo. Estudió la licenciatura en Diseño Gráfico en la SCAD Atlanta.

Matthias busca hacer de su trabajo un arte memorable para el observador. Las animaciones que crea exploran la simplicidad y la fragilidad de una imagen por medio de un balance único en la eliminación y repetición de sus elementos. Algunas de sus fuentes de inspiración son las exhibiciones en museos, la música hip-hop, la comida y la gente.

“Inicialmente, traté de capturar un momento interesante, cosa que todavía hago, sin embargo, después de comenzar a remover elementos para enfocarme en un fragmento particular del clip, se convirtió en toda una proeza el tratar de simplificarlo únicamente con los elementos necesarios en un lapso de 1 ó 2 segundos.” – Matthias Brown

Este talentoso diseñador disfruta experimentar con diferentes técnicas y herramientas de animación antiguas, como el zoótropo y el phenakistoscopio. Entre sus creaciones más llamativas se encuentran las realizadas con el proceso de rotoscopia, en las cuales Matthias alteró la realidad de sus propios dibujos. La rotoscopia es un método de animación casi completamente abandonado el cual fue patentado en 1917 por Max Fleischer quien lo utilizó en su serie “Out of the Inkwell”. Consistía en dar una apariencia y secuencia más natural a una imagen reemplazando cada fotograma de un video con un dibujo. Cada sección era proyectada en un panel transparente sobre el que un animador dibujaría a mano.

Gracias a este proceso, Matthias es uno de los pocos diseñadores que logran dar ese aspecto antiguo y nostálgico a sus increíbles animaciones dibujadas a mano.

Más información sobre Matthias Brown aquí.

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Matthias Brown es un diseñador gráfico ampliamente versátil interesado en las áreas de animación, impresión, arte de libros y arte digital. Es un artista que disfruta experimentar con métodos antiguos de manipulación de imágenes con el objetivo de descubrir el sin fin de posibilidades de un diseño y su proceso creativo. Estudió la licenciatura en Diseño Gráfico en la SCAD Atlanta.

Matthias busca hacer de su trabajo un arte memorable para el observador. Las animaciones que crea exploran la simplicidad y la fragilidad de una imagen por medio de un balance único en la eliminación y repetición de sus elementos. Algunas de sus fuentes de inspiración son las exhibiciones en museos, la música hip-hop, la comida y la gente.

“Inicialmente, traté de capturar un momento interesante, cosa que todavía hago, sin embargo, después de comenzar a remover elementos para enfocarme en un fragmento particular del clip, se convirtió en toda una proeza el tratar de simplificarlo únicamente con los elementos necesarios en un lapso de 1 ó 2 segundos.” – Matthias Brown

Este talentoso diseñador disfruta experimentar con diferentes técnicas y herramientas de animación antiguas, como el zoótropo y el phenakistoscopio. Entre sus creaciones más llamativas se encuentran las realizadas con el proceso de rotoscopia, en las cuales Matthias alteró la realidad de sus propios dibujos. La rotoscopia es un método de animación casi completamente abandonado el cual fue patentado en 1917 por Max Fleischer quien lo utilizó en su serie “Out of the Inkwell”. Consistía en dar una apariencia y secuencia más natural a una imagen reemplazando cada fotograma de un video con un dibujo. Cada sección era proyectada en un panel transparente sobre el que un animador dibujaría a mano.

Gracias a este proceso, Matthias es uno de los pocos diseñadores que logran dar ese aspecto antiguo y nostálgico a sus increíbles animaciones dibujadas a mano.

Más información sobre Matthias Brown aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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