SAKETEKILLA › 2015 › March

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March 25, 2015 - No Comments!

★ Jen Stark (USA) | 3D Paper Psychodelia

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Born in Miami, Florida, Jen Stark is a contemporary sculptor and artist who knows how to make the most of her imagination, artistic skills, and simple materials to create greatly complex kaleidoscopic paper artworks. Since her graduation from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005, Stark has given to her technicolor hand-cut creations a deep meaning that combines her natural, mathematical, and spiritual passions.


[Ver artículo en español abajo]

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It happened while studying abroad in the south of France that Los Angeles-based artist and sculptor Jen Stark encountered the disadvantages of the euro’s high exchange rate within the artistic world. It was then that she saw the necessity to find an affordable material in which to express her passions and interests. Finally, it was paper the ultimate supply-solution, and soon the artist realized the endless amount of possibilities that awaited her if she used her talent to transform it in an exceptional way.

Today, Jen Stark uses her imagination and patience to convert paper into fantastic psychedelic sculptures. With time, her artistic mediums have expanded, and currently, she also works with other materials like wood, plexi, foamboard, fiberboard (mdf), metal, mirrors, and paint. She has also explored drawing, muralism, and animation.

Stark’s style is full of vibrant colors and dynamism, and usually imitates mandalas and sacred objects. She combines her enthusiasm for the ideas of infinity, cosmos, mystery and nature, with her talent to transform common materials into splendid three-dimensional sculptures. Through her hypnotic geometrical patterns and repetitions, Stark attempts to express her idea that mathematics and science can be somehow related to all aspects of life. Her passion for optical illusions and kaleidoscopic designs is remarkably expressed in her stacked layers of paper that she arranges and shapes into stars, flowers, petal-like elements, and wormholes, all of them reminiscent of typographical maps and geoids. Examples of that are her projects “The Whole” and “Vortextural” projects.

Behind each sculpture there is a highly intensive and detailed creative process. Depending on the size and complexity of the artwork, Jen spends either weeks or months completing it. She starts by sketching the concept and then by stacking the paper in the order she will need it – the number of paper sheets she uses generally goes from 50 to a maximum of 150. Finally, she cuts the biggest hole and then proceeds to move inward cutting layer by layer. Admirably, not a single layer is cut by computer; using an X-ACTO knife, the artist is the only author of her psychedelic hand-cut sculptures.

Jen Stark graduated from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005. Two years later, her work started to gain outstanding online recognition and some of the best galleries around the world asked her to exhibit her sculptures. Since the takeoff of her career, she has exhibited in places like New York City, Seattle, Washington DC, Thailand, Canada and Australia. At 32, she is one of the greatest emerging artists that continue to create hypnotic geometrical works of art that stand out and influence people around the world.

More information on Jen Stark here.

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It happened while studying abroad in the south of France that Los Angeles-based artist and sculptor Jen Stark encountered the disadvantages of the euro’s high exchange rate within the artistic world. It was then that she saw the necessity to find an affordable material in which to express her passions and interests. Finally, it was paper the ultimate supply-solution, and soon the artist realized the endless amount of possibilities that awaited her if she used her talent to transform it in an exceptional way.

Today, Jen Stark uses her imagination and patience to convert paper into fantastic psychedelic sculptures. With time, her artistic mediums have expanded, and currently, she also works with other materials like wood, plexi, foamboard, fiberboard (mdf), metal, mirrors, and paint. She has also explored drawing, muralism, and animation.

Stark’s style is full of vibrant colors and dynamism, and usually imitates mandalas and sacred objects. She combines her enthusiasm for the ideas of infinity, cosmos, mystery and nature, with her talent to transform common materials into splendid three-dimensional sculptures. Through her hypnotic geometrical patterns and repetitions, Stark attempts to express her idea that mathematics and science can be somehow related to all aspects of life. Her passion for optical illusions and kaleidoscopic designs is remarkably expressed in her stacked layers of paper that she arranges and shapes into stars, flowers, petal-like elements, and wormholes, all of them reminiscent of typographical maps and geoids. Examples of that are her projects “The Whole” and “Vortextural” projects.

Behind each sculpture there is a highly intensive and detailed creative process. Depending on the size and complexity of the artwork, Jen spends either weeks or months completing it. She starts by sketching the concept and then by stacking the paper in the order she will need it – the number of paper sheets she uses generally goes from 50 to a maximum of 150. Finally, she cuts the biggest hole and then proceeds to move inward cutting layer by layer. Admirably, not a single layer is cut by computer; using an X-ACTO knife, the artist is the only author of her psychedelic hand-cut sculptures.

Jen Stark graduated from the BFA at the Maryland Institute College of Art in 2005. Two years later, her work started to gain outstanding online recognition and some of the best galleries around the world asked her to exhibit her sculptures. Since the takeoff of her career, she has exhibited in places like New York City, Seattle, Washington DC, Thailand, Canada and Australia. At 32, she is one of the greatest emerging artists that continue to create hypnotic geometrical works of art that stand out and influence people around the world.

More information on Jen Stark here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Proveniente de Miami, Florida, Jen Stark es una artista y escultora contemporánea que combina a la perfección su imaginación, extraordinarias habilidades artísticas y materiales comunes que le permiten crear sus caleidoscópicas y excepcionalmente complejas obras en papel. Estudió arte en el Maryland Institute College of Art y desde su graduación en el 2005, ha sabido dar a sus creaciones hechas a mano un significado único que une su pasión por lo natural, lo espiritual y las matemáticas.

La artista, actualmente con residencia en Los Ángeles, CA, se encontraba estudiando en el sur de Francia cuando descubrió lo caro que sería abastecerse de materiales artísticos en ese lugar. Es por eso que en ese momento tomó la decisión de escoger un material atractivo pero de bajo costo con el cual pudiera trabajar. Finalmente, eligió papel de colores y pronto se dio cuenta de las infinitas posibilidades que este material brinda a quien sabe transformarlo de manera excepcional.

Hoy en día, Jen Stark utiliza su imaginación y paciencia para convertir diferentes tipos de papel en fantásticas esculturas de carácter psicodélico. Con el tiempo, los suministros con los que trabaja han ido evolucionando y actualmente, también utiliza materiales como madera, plástico, fomi, mdf, metal, espejos y pintura. A su vez, ha explorado otras áreas como el dibujo, el muralismo y la animación.

El estilo de Jen está plagado de colores vibrantes y dinamismo. Usualmente, sus obras tienden a replicar hasta cierto grado las mándalas hindúes y otros objetos sagrados. Stark sabe combinar su pasión por la idea del infinito, el cosmos, el misterio y la naturaleza, con su talento por transformar materiales comunes en espléndidas esculturas tridimensionales. Es a través de sus patrones y repeticiones geométricas altamente hipnóticas que también refleja su idea de que las matemáticas y la ciencia de alguna manera se relacionan con todos los aspectos de la vida. Su pasión por las ilusiones ópticas y los diseños caleidoscópicos se ven perfectamente representados en las múltiples capas de papel que la artista apila y posteriormente modifica en forma de estrellas, flores, pétalos, y agujeros de gusano, todos con un toque tecnicolor que hacen recordar mapas tipográficos y geoides. Ejemplos de esto son sus proyectos “The Whole” and “Vortextural”.

La creación de cada obra lleva consigo un intenso y detallado proceso creativo. Le puede llevar semanas o meses el completar una escultura, todo depende del tamaño y nivel de complejidad de la misma. Stark comienza por crear un boceto del concepto. Posteriormente, apila el papel en el orden en que lo utilizará – el número de hojas que utiliza va de las 50 a un máximo de 150. Finalmente, corta el agujero más grande y a partir de ahí trabaja hacia adentro cortando cada hoja de manera individual. Por increíble que parezca, ninguno de los cortes es hecho por computadora. Todo el trabajo es manual utilizando un cuchillo X-ACTO.

Dos años después de su graduación de la carrera, el trabajo de Jen Stark comenzó a ser ampliamente reconocido en múltiples blogs en línea. Fue entonces que diversas de las mejores galerías del mundo pidieron a la artista que exhibiera sus obras. Desde ese momento, su trabajo se ha encontrado en lugares como Nueva York, Seattle, Washington, Tailandia, Canadá y Australia. A los 32 años de edad, Stark es una de las más grandes y emerges artistas que continua creando extraordinarias obras geométricas que cautivan e influencian al resto del mundo.

Más información sobre Jen Stark aquí.

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Proveniente de Miami, Florida, Jen Stark es una artista y escultora contemporánea que combina a la perfección su imaginación, extraordinarias habilidades artísticas y materiales comunes que le permiten crear sus caleidoscópicas y excepcionalmente complejas obras en papel. Estudió arte en el Maryland Institute College of Art y desde su graduación en el 2005, ha sabido dar a sus creaciones hechas a mano un significado único que une su pasión por lo natural, lo espiritual y las matemáticas.

La artista, actualmente con residencia en Los Ángeles, CA, se encontraba estudiando en el sur de Francia cuando descubrió lo caro que sería abastecerse de materiales artísticos en ese lugar. Es por eso que en ese momento tomó la decisión de escoger un material atractivo pero de bajo costo con el cual pudiera trabajar. Finalmente, eligió papel de colores y pronto se dio cuenta de las infinitas posibilidades que este material brinda a quien sabe transformarlo de manera excepcional.

Hoy en día, Jen Stark utiliza su imaginación y paciencia para convertir diferentes tipos de papel en fantásticas esculturas de carácter psicodélico. Con el tiempo, los suministros con los que trabaja han ido evolucionando y actualmente, también utiliza materiales como madera, plástico, fomi, mdf, metal, espejos y pintura. A su vez, ha explorado otras áreas como el dibujo, el muralismo y la animación.

El estilo de Jen está plagado de colores vibrantes y dinamismo. Usualmente, sus obras tienden a replicar hasta cierto grado las mándalas hindúes y otros objetos sagrados. Stark sabe combinar su pasión por la idea del infinito, el cosmos, el misterio y la naturaleza, con su talento por transformar materiales comunes en espléndidas esculturas tridimensionales. Es a través de sus patrones y repeticiones geométricas altamente hipnóticas que también refleja su idea de que las matemáticas y la ciencia de alguna manera se relacionan con todos los aspectos de la vida. Su pasión por las ilusiones ópticas y los diseños caleidoscópicos se ven perfectamente representados en las múltiples capas de papel que la artista apila y posteriormente modifica en forma de estrellas, flores, pétalos, y agujeros de gusano, todos con un toque tecnicolor que hacen recordar mapas tipográficos y geoides. Ejemplos de esto son sus proyectos “The Whole” and “Vortextural”.

La creación de cada obra lleva consigo un intenso y detallado proceso creativo. Le puede llevar semanas o meses el completar una escultura, todo depende del tamaño y nivel de complejidad de la misma. Stark comienza por crear un boceto del concepto. Posteriormente, apila el papel en el orden en que lo utilizará – el número de hojas que utiliza va de las 50 a un máximo de 150. Finalmente, corta el agujero más grande y a partir de ahí trabaja hacia adentro cortando cada hoja de manera individual. Por increíble que parezca, ninguno de los cortes es hecho por computadora. Todo el trabajo es manual utilizando un cuchillo X-ACTO.

Dos años después de su graduación de la carrera, el trabajo de Jen Stark comenzó a ser ampliamente reconocido en múltiples blogs en línea. Fue entonces que diversas de las mejores galerías del mundo pidieron a la artista que exhibiera sus obras. Desde ese momento, su trabajo se ha encontrado en lugares como Nueva York, Seattle, Washington, Tailandia, Canadá y Australia. A los 32 años de edad, Stark es una de las más grandes y emerges artistas que continua creando extraordinarias obras geométricas que cautivan e influencian al resto del mundo.

Más información sobre Jen Stark aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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March 18, 2015 - No Comments!

★ Alejandra Quesada (MX) | Mexico, A Unique Stream Of Inspiration

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Born in Mexico City, Alejandra Quesada is rapidly becoming one of the most transcendental fashion designers in the couture industry. Her colorful collections, beautifully influenced by her intrinsic Mexican background and her distinctive feminine trademark, are making of her youthful designs unique and versatile outfits.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Specialized in embroidery, knitting and textile design, Mexican fashion designer Alejandra Quesada has achieved outstanding recognition since the beginning of her brand in 2006. Her particular girly style has revolutionized the Mexican fashion industry and has also successfully positioned her in the international fashion sphere, including Dubai, Hong Kong, and Japan.

Alejandra studied Fashion Design at the IESModa Casa de Francia in Mexico and at the ESMOD International in Paris, France. She also worked with couture houses like Tata-Naka, Alexander McQueen and Isabel Marant and with the textile design bureau Fortier & Price. It was during these experiences that she found her love for textiles and decorative prints. She also felt drawn to the techniques and colorful designs and embroideries found in Indian fashion, which she realized that at some extent are very much alike to the ones in Mexico.

In time, Alejandra developed a fresh style influenced by Mexican tradition and color, incorporating a woman-girl distinctive quality that makes her work balance between two worlds. The first world is the one of a girl, a universe occupied by innocence, curiosity, and playfulness; the second one is the one of a woman, a world marked by vanity, stylishness and a daring spirit. In the end, the outcomes are remarkable feminine collections that belong to a fantastic world and which Quesada complements with beautiful patterns and embroideries, Mexican-inspired colors and artisanal techniques, high-end fabrics and laces, and a talented teamwork.

Inspired by told stories, memories, movies and books, Alejandra starts every project looking for the right textile design. “For me, fabric is what makes a collection unique” she told La Ciudad de Frente. Among her most interesting projects are her 2012 collection where she used works created by the Mexican painter Pedro Friedeberg as inspiration; and her latest Spring-Summer 2015 collection called “The Visit”, which is inspired by the metaphoric visit of a raccoon. It includes a gamut of extraordinary long and short dresses, pants and tops, all with different patterns and designs that reflect the nature of such peculiar animal.

In a high-competitive world, Alejandra Quesada works day by day to keep growing and developing her brand. In the future, she hopes to be able to create clothing for men and children as well.

More information on Alejandra Quesada here.

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Specialized in embroidery, knitting and textile design, Mexican fashion designer Alejandra Quesada has achieved outstanding recognition since the beginning of her brand in 2006. Her particular girly style has revolutionized the Mexican fashion industry and has also successfully positioned her in the international fashion sphere, including Dubai, Hong Kong, and Japan.

Alejandra studied Fashion Design at the IESModa Casa de Francia in Mexico and at the ESMOD International in Paris, France. She also worked with couture houses like Tata-Naka, Alexander McQueen and Isabel Marant and with the textile design bureau Fortier & Price. It was during these experiences that she found her love for textiles and decorative prints. She also felt drawn to the techniques and colorful designs and embroideries found in Indian fashion, which she realized that at some extent are very much alike to the ones in Mexico.

In time, Alejandra developed a fresh style influenced by Mexican tradition and color, incorporating a woman-girl distinctive quality that makes her work balance between two worlds. The first world is the one of a girl, a universe occupied by innocence, curiosity, and playfulness; the second one is the one of a woman, a world marked by vanity, stylishness and a daring spirit. In the end, the outcomes are remarkable feminine collections that belong to a fantastic world and which Quesada complements with beautiful patterns and embroideries, Mexican-inspired colors and artisanal techniques, high-end fabrics and laces, and a talented teamwork.

Inspired by told stories, memories, movies and books, Alejandra starts every project looking for the right textile design. “For me, fabric is what makes a collection unique” she told La Ciudad de Frente. Among her most interesting projects are her 2012 collection where she used works created by the Mexican painter Pedro Friedeberg as inspiration; and her latest Spring-Summer 2015 collection called “The Visit”, which is inspired by the metaphoric visit of a raccoon. It includes a gamut of extraordinary long and short dresses, pants and tops, all with different patterns and designs that reflect the nature of such peculiar animal.

In a high-competitive world, Alejandra Quesada works day by day to keep growing and developing her brand. In the future, she hopes to be able to create clothing for men and children as well.

More information on Alejandra Quesada here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Proveniente de la Ciudad de México, Alejandra Quesada es una de las diseñadoras de moda más trascendentales que se encuentra actualmente en rápidas vías de crecimiento dentro el mercado nacional e internacional de la alta costura. Sus fuertes raíces mexicanas, su gran talento y su extraordinario toque femenino, son aspectos que están logrado que sus juveniles colecciones se conviertan en reconocidos diseños.

Con especialidad en bordado, tejido y diseño textil, Alejandra ha obtenido un amplio reconocimiento desde el inicio de su marca homónima en el 2006. Sus femeninos atuendos han revolucionado la industria de la moda mexicana y la han posicionado fuertemente en lugares como Dubái, Hong Kong y Japón.

Quesada estudió Diseño de Modas en el IESModa Casa de Francia en México y en el ESMOD International en París, Francia. También ha trabajado en casas de alta costura como Tata-Naka, Alexander McQueen e Isabel Marant y en el buró de diseño Fortier & Price. Durante esta época fue cuando se sintió atraída por las técnicas de costura, coloridos diseños y bordados de la India, los cuales le recordaron inmediatamente a los encontrados en su país natal.

Con el tiempo, Quesada desarrolló un estilo novedoso influenciado por la tradición y el color de México y al que incorporó un rasgo femenino distintivo que hace que su trabajo se equilibre entre dos mundos. El primer mundo es aquel de una niña, un universo dominado por la inocencia, la curiosidad y la gracia infantil; el segundo es el de una mujer, un mundo definido por la vanidad, la coquetería, el estilo y la astucia. Al final, lo que resulta de esta fusión es una extraordinaria colección femenina que pertenece únicamente a un mundo de fantasía y la cual Alejandra complementa con bellos patrones y bordados, colores y técnicas artesanales únicas de su país, telas y encajes de alta calidad y un talentoso trabajo en equipo.

Inspirada por historias antiguas, recuerdos, películas y libros, Alejandra comienza cada proyecto enfocándose en el diseño de la tela. “Para mí, la tela es lo que hace que una colección sea única” comentó la diseñadora con La Ciudad de Frente. Entre sus proyectos más interesantes están su colección del 2012, para la cual tomó como inspiración obras del pintor mexicano Pedro Friedeberg; y su más reciente colección Primavera-Verano 2015, un trabajo que lleva por nombre “La Visita” y el cual se basa en la metáfora de la visita de un mapache. Dicha colección incluye una gama de extraordinarios vestidos largos y cortos, pantalones y blusas confeccionados en telas de distintos colores, patrones y diseños que reflejan la naturaleza de tan peculiar animal.

En un mundo tan competitivo como el de ahora, Alejandra Quesada continúa trabajando para seguir creciendo y desarrollando su marca. En un futuro, espera poder diseñar ropa para hombre y niños.

Más información sobre Alejandra Quesada aquí.

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Proveniente de la Ciudad de México, Alejandra Quesada es una de las diseñadoras de moda más trascendentales que se encuentra actualmente en rápidas vías de crecimiento dentro el mercado nacional e internacional de la alta costura. Sus fuertes raíces mexicanas, su gran talento y su extraordinario toque femenino, son aspectos que están logrado que sus juveniles colecciones se conviertan en reconocidos diseños.

Con especialidad en bordado, tejido y diseño textil, Alejandra ha obtenido un amplio reconocimiento desde el inicio de su marca homónima en el 2006. Sus femeninos atuendos han revolucionado la industria de la moda mexicana y la han posicionado fuertemente en lugares como Dubái, Hong Kong y Japón.

Quesada estudió Diseño de Modas en el IESModa Casa de Francia en México y en el ESMOD International en París, Francia. También ha trabajado en casas de alta costura como Tata-Naka, Alexander McQueen e Isabel Marant y en el buró de diseño Fortier & Price. Durante esta época fue cuando se sintió atraída por las técnicas de costura, coloridos diseños y bordados de la India, los cuales le recordaron inmediatamente a los encontrados en su país natal.

Con el tiempo, Quesada desarrolló un estilo novedoso influenciado por la tradición y el color de México y al que incorporó un rasgo femenino distintivo que hace que su trabajo se equilibre entre dos mundos. El primer mundo es aquel de una niña, un universo dominado por la inocencia, la curiosidad y la gracia infantil; el segundo es el de una mujer, un mundo definido por la vanidad, la coquetería, el estilo y la astucia. Al final, lo que resulta de esta fusión es una extraordinaria colección femenina que pertenece únicamente a un mundo de fantasía y la cual Alejandra complementa con bellos patrones y bordados, colores y técnicas artesanales únicas de su país, telas y encajes de alta calidad y un talentoso trabajo en equipo.

Inspirada por historias antiguas, recuerdos, películas y libros, Alejandra comienza cada proyecto enfocándose en el diseño de la tela. “Para mí, la tela es lo que hace que una colección sea única” comentó la diseñadora con La Ciudad de Frente. Entre sus proyectos más interesantes están su colección del 2012, para la cual tomó como inspiración obras del pintor mexicano Pedro Friedeberg; y su más reciente colección Primavera-Verano 2015, un trabajo que lleva por nombre “La Visita” y el cual se basa en la metáfora de la visita de un mapache. Dicha colección incluye una gama de extraordinarios vestidos largos y cortos, pantalones y blusas confeccionados en telas de distintos colores, patrones y diseños que reflejan la naturaleza de tan peculiar animal.

En un mundo tan competitivo como el de ahora, Alejandra Quesada continúa trabajando para seguir creciendo y desarrollando su marca. En un futuro, espera poder diseñar ropa para hombre y niños.

Más información sobre Alejandra Quesada aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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March 11, 2015 - No Comments!

★ Robert Montgomery (UK) | Inspiring Subversive Words

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

London-based artist Robert Montgomery is one of the recent figures who have captivated countless of worldwide readers with his poetic narratives placed in public locations. Of a tender and melancholic nature, his text-art installations are writings that express his deepest beliefs regarding modern life and the detrimental influence that capitalism and the advertisement industry have over society.


[Ver artículo en español abajo]

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Born in Chapelhall, Scotland, Robert Montgomery is a fine artist who has gained public acknowledgement -particularly in magazines and online blogs- for his extraordinary use of text-art installations. He got his BA and MFA at the Edinburgh College of Art, and during his time as a student, he became passionate of the text-based art and the Situationist Movement from the 1960s.

The Situationists were a group of artists, writers, and filmmakes in Europe that criticized the power of public images, the loss of the people’s willpower to make decisions, and the creation of a society immersed in an unreal and materialistic world. They advertised their ideas in the form of public communication-guerilla propaganda, like comics, pamphlets, posters, slogans, collages and graffitis.

Following the same principle, Robert Montgomery works in what is now called “Brandalism” (graffiti + brand + vandalism), a contemporary movement that challenges the advertising industry by publicly placing different artworks in the same rectangular spaces where people usually find commercial ads. In 2012, Montgomery and other 25 artists appropriated 37 billboards in five important cities across the United Kingdom and altered them with their defiant artistic style.

Montgomery uses a simple yet effective tactic to make his work as impactful as possible. Unlike the regular ads which people should be able to read in a few seconds while walking, Robert makes his texts long enough so people have to stop and read them. By disregarding the established time that should take a billboard to be read by passers-by, he defies one of the most basic guidelines of advertising.

Among his most renowned texts are “THE PEOPLE YOU LOVE BECOME GHOSTS INSIDE OF YOU AND LIKE THIS YOU KEEP THEM ALIVE” and his 2009 piece “WHENEVER YOU SEE THE SUN REFLECTED IN THE WINDOW OF A BUILDING IT IS AN ANGEL”, which was then selected to appear in the new pop-up Dior Homme store in SoHo, New York in 2012.

Tired of meaningless ads, Robert Montgomery started his career by “illegally” working on someone else’s billboards in 2004. Today, he also creates recycled sunlight artworks, fire poems that burn and disintegrate, woodcut panels, and watercolors. His style remains simple, frequently working in white and black and often adding bright LED lights to illuminate his remarkable poems.

More information on Robert Montgomery here.

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Born in Chapelhall, Scotland, Robert Montgomery is a fine artist who has gained public acknowledgement -particularly in magazines and online blogs- for his extraordinary use of text-art installations. He got his BA and MFA at the Edinburgh College of Art, and during his time as a student, he became passionate of the text-based art and the Situationist Movement from the 1960s.

The Situationists were a group of artists, writers, and filmmakes in Europe that criticized the power of public images, the loss of the people’s willpower to make decisions, and the creation of a society immersed in an unreal and materialistic world. They advertised their ideas in the form of public communication-guerilla propaganda, like comics, pamphlets, posters, slogans, collages and graffitis.

Following the same principle, Robert Montgomery works in what is now called “Brandalism” (graffiti + brand + vandalism), a contemporary movement that challenges the advertising industry by publicly placing different artworks in the same rectangular spaces where people usually find commercial ads. In 2012, Montgomery and other 25 artists appropriated 37 billboards in five important cities across the United Kingdom and altered them with their defiant artistic style.

Montgomery uses a simple yet effective tactic to make his work as impactful as possible. Unlike the regular ads which people should be able to read in a few seconds while walking, Robert makes his texts long enough so people have to stop and read them. By disregarding the established time that should take a billboard to be read by passers-by, he defies one of the most basic guidelines of advertising.

Among his most renowned texts are “THE PEOPLE YOU LOVE BECOME GHOSTS INSIDE OF YOU AND LIKE THIS YOU KEEP THEM ALIVE” and his 2009 piece “WHENEVER YOU SEE THE SUN REFLECTED IN THE WINDOW OF A BUILDING IT IS AN ANGEL”, which was then selected to appear in the new pop-up Dior Homme store in SoHo, New York in 2012.

Tired of meaningless ads, Robert Montgomery started his career by “illegally” working on someone else’s billboards in 2004. Today, he also creates recycled sunlight artworks, fire poems that burn and disintegrate, woodcut panels, and watercolors. His style remains simple, frequently working in white and black and often adding bright LED lights to illuminate his remarkable poems.

More information on Robert Montgomery here.

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Nacido en Chapelhall, Escocia y con residencia actual en Londres, Reino Unido, Robert Montgomery es uno de los más recientes artistas que ha logrado cautivar a un sin fin de lectores con sus extraordinarios poemas ubicados en lugares públicos. De una naturaleza tierna y melancólica, sus instalaciones de arte-texto son escritos que expresan sus más profundas creencias en cuanto a la vida moderna y el inquietante impacto que el capitalismo y la industria publicitaria tienen sobre la sociedad.

Su trabajo ha recibido gran reconocimiento principalmente en revistas y blogs en línea. Estudió su licenciatura y maestría en Arte en el Edinburgh College of Art y fue durante su época como estudiante que nació su pasión por el arte basado en textos y su interés en el Movimiento Situacionista de los años 60’s.

Los Situacionistas fueron un grupo de artistas, escritores y cinematógrafos en Europa que criticaron la influencia de las imágenes públicas, la pérdida del poder de las personas para tomar decisiones y la creación de una sociedad inmersa en un mundo irreal y materialista. Se dedicaron a publicar sus protestas a través de métodos de mercadotecnia poco convencionales, como cómics, panfletos, posters, slogans, collages y graffitis.

Bajo el mismo principio, Robert Montgomery trabaja en lo que hoy en día ha sido definido como “Brandalism” (graffiti + brand (marca) + vandalism), un movimiento contemporáneo que desafía la industria publicitaria por medio de la creación de obras en los mismos espacios públicos donde se suelen observar los anuncios publicitarios de diversas marcas. En el 2012, Montgomery y 25 otros artistas se apropiaron “ilegalmente” de 37 carteles en cinco ciudades importantes del Reino Unido, alterándolos con su desafiante estilo artístico.

Montgomery utiliza una técnica simple pero altamente efectiva para lograr que su trabajo tenga el mayor impacto posible en las personas. A diferencia de los anuncios comunes que deben tomar sólo unos segundos en ser leídos mientras la gente camina, Robert hace que sus escritos sean lo suficientemente largos para que el transeúnte se vea en la necesidad de detenerse a leerlos. De esta manera, al ignorar el tiempo establecido que debe tomar un anuncio en ser leído, el artista desafía una de las pautas más básicas de la publicidad.

Entre sus escritos más famosos se encuentran “THE PEOPLE YOU LOVE BECOME GHOSTS INSIDE OF YOU AND LIKE THIS YOU KEEP THEM ALIVE” (La gente que amas se convierte en fantasma dentro de ti y de esta manera los mantienes vivos) y su trabajo creado en el 2009 “WHENEVER YOU SEE THE SUN REFLECTED IN THE WINDOW OF A BUILDING IT IS AN ANGEL” (Cuando quiera que veas el sol reflejado en la ventana de un edificio es un ángel), el cual fue posteriormente seleccionado para aparecer en el nuevo aparador de Dior Homme en Soho, Nueva York en el 2012.

Harto de anuncios publicitarios sin sentido, Robert Montgomery comenzó su carrera apropiándose de manera “ilegal” de escaparates ajenos en el 2004. Hoy en día también es creador de trabajos que reciclan la luz solar, poemas que se incendian y se desintegran, páneles de madera y acuarelas. Su estilo se mantiene simple, trabajando frecuentemente en blanco y negro y añadiendo luz LED para iluminar sus increíbles pensamientos.

Más información sobre Robert Montgomery aquí.

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Nacido en Chapelhall, Escocia y con residencia actual en Londres, Reino Unido, Robert Montgomery es uno de los más recientes artistas que ha logrado cautivar a un sin fin de lectores con sus extraordinarios poemas ubicados en lugares públicos. De una naturaleza tierna y melancólica, sus instalaciones de arte-texto son escritos que expresan sus más profundas creencias en cuanto a la vida moderna y el inquietante impacto que el capitalismo y la industria publicitaria tienen sobre la sociedad.

Su trabajo ha recibido gran reconocimiento principalmente en revistas y blogs en línea. Estudió su licenciatura y maestría en Arte en el Edinburgh College of Art y fue durante su época como estudiante que nació su pasión por el arte basado en textos y su interés en el Movimiento Situacionista de los años 60’s.

Los Situacionistas fueron un grupo de artistas, escritores y cinematógrafos en Europa que criticaron la influencia de las imágenes públicas, la pérdida del poder de las personas para tomar decisiones y la creación de una sociedad inmersa en un mundo irreal y materialista. Se dedicaron a publicar sus protestas a través de métodos de mercadotecnia poco convencionales, como cómics, panfletos, posters, slogans, collages y graffitis.

Bajo el mismo principio, Robert Montgomery trabaja en lo que hoy en día ha sido definido como “Brandalism” (graffiti + brand (marca) + vandalism), un movimiento contemporáneo que desafía la industria publicitaria por medio de la creación de obras en los mismos espacios públicos donde se suelen observar los anuncios publicitarios de diversas marcas. En el 2012, Montgomery y 25 otros artistas se apropiaron “ilegalmente” de 37 carteles en cinco ciudades importantes del Reino Unido, alterándolos con su desafiante estilo artístico.

Montgomery utiliza una técnica simple pero altamente efectiva para lograr que su trabajo tenga el mayor impacto posible en las personas. A diferencia de los anuncios comunes que deben tomar sólo unos segundos en ser leídos mientras la gente camina, Robert hace que sus escritos sean lo suficientemente largos para que el transeúnte se vea en la necesidad de detenerse a leerlos. De esta manera, al ignorar el tiempo establecido que debe tomar un anuncio en ser leído, el artista desafía una de las pautas más básicas de la publicidad.

Entre sus escritos más famosos se encuentran “THE PEOPLE YOU LOVE BECOME GHOSTS INSIDE OF YOU AND LIKE THIS YOU KEEP THEM ALIVE” (La gente que amas se convierte en fantasma dentro de ti y de esta manera los mantienes vivos) y su trabajo creado en el 2009 “WHENEVER YOU SEE THE SUN REFLECTED IN THE WINDOW OF A BUILDING IT IS AN ANGEL” (Cuando quiera que veas el sol reflejado en la ventana de un edificio es un ángel), el cual fue posteriormente seleccionado para aparecer en el nuevo aparador de Dior Homme en Soho, Nueva York en el 2012.

Harto de anuncios publicitarios sin sentido, Robert Montgomery comenzó su carrera apropiándose de manera “ilegal” de escaparates ajenos en el 2004. Hoy en día también es creador de trabajos que reciclan la luz solar, poemas que se incendian y se desintegran, páneles de madera y acuarelas. Su estilo se mantiene simple, trabajando frecuentemente en blanco y negro y añadiendo luz LED para iluminar sus increíbles pensamientos.

Más información sobre Robert Montgomery aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]     ★ By Dalia Vasquez   [/cd_text][/cd_column][/cd_row]

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March 4, 2015 - No Comments!

★ INSA (UK) | Graffiti Walls Animated

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Based in London, UK, INSA is an anonymous urban artist and animator known for the transformation of his street designs into fantastic GIF animations. Creating what he calls GIF-ITI (GIF art + Graffiti), INSA has brought together in his work the demanding art of painting and the retro technology used to produce looping images. With a bachelor in Design at Goldsmiths, this talented street artist has made possible the elusive combination of both, his real and virtual worlds.


[Ver artículo en español abajo]

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[youtube http://www.youtube.com/watch?v=yXtSnq-Nvro]

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=qD4jFWux93s]

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Painting and photographing the same wall over and over is the essential feature of the artistic process of London-based artist INSA. Known as GIF-ITI, he paints and repaints graffitis on a street surface and then photographs every change he makes on it. He repeats this process as many times as necessary until he achieves the exact number of images he will later put together in a single, looping animation. Examples of such practice are the 72 different skulls he painted during 2 days for his ‘C’est La Vie’ colorful animation, and the 8 paintings depicting each one of them a head in different positions for the Roskilde Festival in 2014.

In late 2014, INSA and a crew of 20 people worked for 4 days in Rio de Janeiro to produce their most ambitious street-art project. Their goal was to create an artwork that could be seen from space. Covering a total of 57,515 square meters of land, INSA and his team completed one painting each day which was then photographed by a satellite situated 431 miles away on space. INSA’s final one-second animated artwork is today the largest GIF-ITI painting on the planet.

INSA’s work has been produced in places like Los Angeles, Bogota, Paris, Sydney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, and Canada, among other places. He pursues unexplored ideas with the purpose to create unique art for a contemporary society greatly influenced by technology. With a keen passion for innovation and challenge, INSA continues to search for bigger buildings where to create designs that he can later transform into fantastical motion artworks.

More information on INSA here.

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Painting and photographing the same wall over and over is the essential feature of the artistic process of London-based artist INSA. Known as GIF-ITI, he paints and repaints graffitis on a street surface and then photographs every change he makes on it. He repeats this process as many times as necessary until he achieves the exact number of images he will later put together in a single, looping animation. Examples of such practice are the 72 different skulls he painted during 2 days for his ‘C’est La Vie’ colorful animation, and the 8 paintings depicting each one of them a head in different positions for the Roskilde Festival in 2014.

In late 2014, INSA and a crew of 20 people worked for 4 days in Rio de Janeiro to produce their most ambitious street-art project. Their goal was to create an artwork that could be seen from space. Covering a total of 57,515 square meters of land, INSA and his team completed one painting each day which was then photographed by a satellite situated 431 miles away on space. INSA’s final one-second animated artwork is today the largest GIF-ITI painting on the planet.

INSA’s work has been produced in places like Los Angeles, Bogota, Paris, Sydney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, and Canada, among other places. He pursues unexplored ideas with the purpose to create unique art for a contemporary society greatly influenced by technology. With a keen passion for innovation and challenge, INSA continues to search for bigger buildings where to create designs that he can later transform into fantastical motion artworks.

More information on INSA here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicado en Londres, Reino Unido, INSA es un artista urbano y animador anónimo conocido por la magnífica transformación de sus diseños en fantásticas animaciones GIF. Creador de lo que él llama GIF-ITI (arte GIF + Graffiti), INSA combina el exhaustivo arte de la pintura con la tecnología utilizada para producir secuencias infinitas de imágenes animadas. Habiendo estudiado la carrera de Diseño en Goldsmiths, este talentoso artista ha hecho posible la sutil combinación de su mundo real y virtual.

Pintar y fotografiar una pared una y otra vez es la característica distintiva del proceso creativo del artista urbano INSA. Trabajando en lo que él llama GIF-ITI, se dedica a pintar y repintar las superficies urbanas de edificios para después fotografiar cada uno de los cambios que hace en sus diseños. Este proceso lo repite tantas veces sea necesario hasta que logra el número exacto de fotografías que posteriormente une en una animación GIF. Ejemplos de dicho proceso son las 72 distintas calaveras que pintó durante 2 días para su colorida animación ‘C’est La Vie’, y las 8 pinturas representando una cabeza en diferentes posiciones para el Festival Roskilde en el 2014.

A finales del 2014, INSA trabajó por 4 días en Río de Janeiro en uno de sus más ambiciosos proyectos de arte urbano. Su objetivo fue lograr una obra de arte que pudiera ser vista desde el espacio. Abarcando un total d 57,515 metros cuadrados de tierra, INSA y un equipo de 20 personas completaron una pintura por día la cual fue posteriormente fotografiada por un satélite ubicado en el espacio a una distancia de 431 millas. La animación final del artista, con una duración total de 1 segundo, es en la actualidad la pintura GIF-ITI más grande del mundo.

INSA ha trabajado en lugares como Los Ángeles, Bogotá, París, Sídney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, y Canadá, entre otros. Se dedica a explorar ideas nuevas con el propósito de crear un arte único para una sociedad actual altamente influenciada por la tecnología. Apasionado de la innovación y los retos, INSA continúa buscando más grandes edificios donde poder crear sus diseños para posteriormente convertirlos en fantásticas obras de arte animadas.

Más información sobre INSA aquí.

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Ubicado en Londres, Reino Unido, INSA es un artista urbano y animador anónimo conocido por la magnífica transformación de sus diseños en fantásticas animaciones GIF. Creador de lo que él llama GIF-ITI (arte GIF + Graffiti), INSA combina el exhaustivo arte de la pintura con la tecnología utilizada para producir secuencias infinitas de imágenes animadas. Habiendo estudiado la carrera de Diseño en Goldsmiths, este talentoso artista ha hecho posible la sutil combinación de su mundo real y virtual.

Pintar y fotografiar una pared una y otra vez es la característica distintiva del proceso creativo del artista urbano INSA. Trabajando en lo que él llama GIF-ITI, se dedica a pintar y repintar las superficies urbanas de edificios para después fotografiar cada uno de los cambios que hace en sus diseños. Este proceso lo repite tantas veces sea necesario hasta que logra el número exacto de fotografías que posteriormente une en una animación GIF. Ejemplos de dicho proceso son las 72 distintas calaveras que pintó durante 2 días para su colorida animación ‘C’est La Vie’, y las 8 pinturas representando una cabeza en diferentes posiciones para el Festival Roskilde en el 2014.

A finales del 2014, INSA trabajó por 4 días en Río de Janeiro en uno de sus más ambiciosos proyectos de arte urbano. Su objetivo fue lograr una obra de arte que pudiera ser vista desde el espacio. Abarcando un total d 57,515 metros cuadrados de tierra, INSA y un equipo de 20 personas completaron una pintura por día la cual fue posteriormente fotografiada por un satélite ubicado en el espacio a una distancia de 431 millas. La animación final del artista, con una duración total de 1 segundo, es en la actualidad la pintura GIF-ITI más grande del mundo.

INSA ha trabajado en lugares como Los Ángeles, Bogotá, París, Sídney, Newcastle, Glasgow, Shanghai, y Canadá, entre otros. Se dedica a explorar ideas nuevas con el propósito de crear un arte único para una sociedad actual altamente influenciada por la tecnología. Apasionado de la innovación y los retos, INSA continúa buscando más grandes edificios donde poder crear sus diseños para posteriormente convertirlos en fantásticas obras de arte animadas.

Más información sobre INSA aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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