SAKETEKILLA › 2015 › January

Archives for January 2015

January 28, 2015 - No Comments!

★ Archery | Mathematical Loops

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Known as a Tumblr GIF artist, Archery has achieved broadly recognition in the GIF world thanks to his absorbing and enigmatic GIF animations. With a strong passion for infinite looping elements and mathematics, this talented artist of unknown identity has found in the computer software Mathematica the essential tool to transform complex codes into fantastic animated pictures.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text] archery7 archery3 archery22 archery8 archery11 archery24 archery18 archery2 archery17 archery14 [/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

In the realm of GIF art, looping is known as the ability of an animated image to rotate in a ceaseless sequence. Creating the optimum looping experience is no easy task; an artist needs to monitor diverse aspects -such as design, duration (time of the loop), speed, rhythm, and continuity- to completely captivate the viewer’s attention.

Tumblr GIF artist Archery has managed to do so in his hypnotic and typically black-and-white GIF images. To Archery, the loop is one of the most important aspects of the GIF. It is what gives life to a static image, and when created in the perfect interval of time, it is what provides the strongest impact and eternal nature that truly attracts the spectator.

“If the gif takes too long to loop then it may not reinforce its content with as dramatic of an effect”. - Shares the artist on his Tumblr site.

Usually of a symmetrical, ambiguous, and illusive nature, Archery’s mesmerizing animations are created using Mathematica, a software program used prominently in scientific, engineering and mathematical fields. By changing the code’s parameters of the image, the graphics are altered, which provides broader alternatives of forms and movements. The codes of each GIF are shared on his Tumblr website for reference.

More information on Archery here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

In the realm of GIF art, looping is known as the ability of an animated image to rotate in a ceaseless sequence. Creating the optimum looping experience is no easy task; an artist needs to monitor diverse aspects -such as design, duration (time of the loop), speed, rhythm, and continuity- to completely captivate the viewer’s attention.

Tumblr GIF artist Archery has managed to do so in his hypnotic and typically black-and-white GIF images. To Archery, the loop is one of the most important aspects of the GIF. It is what gives life to a static image, and when created in the perfect interval of time, it is what provides the strongest impact and eternal nature that truly attracts the spectator.

“If the gif takes too long to loop then it may not reinforce its content with as dramatic of an effect”. - Shares the artist on his Tumblr site.

Usually of a symmetrical, ambiguous, and illusive nature, Archery’s mesmerizing animations are created using Mathematica, a software program used prominently in scientific, engineering and mathematical fields. By changing the code’s parameters of the image, the graphics are altered, which provides broader alternatives of forms and movements. The codes of each GIF are shared on his Tumblr website for reference.

More information on Archery here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Conocido como un artista GIF de Tumblr, Archery ha alcanzado gran notoriedad en el mundo del arte de las imágenes GIF gracias a sus absorbentes y enigmáticas animaciones. Apasionado de los elementos que recorren una trayectoria circular infinita, así como de las matemáticas, este talentoso artista de identidad desconocida, ha encontrado en el programa computacional Mathematica la herramienta ideal para transformar complejos códigos en fantásticas imágenes en movimiento.

En el ámbito del arte GIF, looping (con trayectoria circular / que completa un circuito) se refiere a la habilidad que tiene una imagen de rotar en círculos de manera infinita. Crear el “loop” perfecto no es una tarea fácil. Los artistas dedicados a esta rama creativa deben monitorear diversos aspectos -tales como el diseño, la duración (del “loop”), la velocidad, el ritmo, y la continuidad- para capturar de manera segura y definitiva la atención del observador.

El artista GIF de Tumblr Archery ha logrado cautivar a los espectadores con sus fascinantes e hipnóticas imágenes GIF comúnmente en blanco y negro. Para él, el “loop” es una de las partes más importante del GIF. Es lo que le da vida a una imagen estática, y cuando éste es creado en el intervalo de tiempo perfecto, es lo que impacta y lo que da la naturaleza eterna al movimiento que fascina al observador.

“Si el GIF toma mucho tiempo en completar un “loop”, entones posiblemente el contenido de la imagen no tenga un efecto tan drásticamente reafirmante” – comentó el artista en su sitio de Tumblr.

De una naturaleza usualmente simétrica, ambigua e ilusoria, las extraordinarias animaciones de Archery son creadas utilizando el programa computacional Mathematica, el cual es usado más que nada en áreas de carácter científico, ingenieril y matemático. Al cambiar los códigos de lo parámetros de la imagen, los gráficos se alteran, lo que incrementa las alternativas de formas y movimientos. Los códigos de cada imagen GIF son compartidos en el sitio Tumblr del artista para futura referencia.

Más información sobre Archery aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Conocido como un artista GIF de Tumblr, Archery ha alcanzado gran notoriedad en el mundo del arte de las imágenes GIF gracias a sus absorbentes y enigmáticas animaciones. Apasionado de los elementos que recorren una trayectoria circular infinita, así como de las matemáticas, este talentoso artista de identidad desconocida, ha encontrado en el programa computacional Mathematica la herramienta ideal para transformar complejos códigos en fantásticas imágenes en movimiento.

En el ámbito del arte GIF, looping (con trayectoria circular / que completa un circuito) se refiere a la habilidad que tiene una imagen de rotar en círculos de manera infinita. Crear el “loop” perfecto no es una tarea fácil. Los artistas dedicados a esta rama creativa deben monitorear diversos aspectos -tales como el diseño, la duración (del “loop”), la velocidad, el ritmo, y la continuidad- para capturar de manera segura y definitiva la atención del observador.

El artista GIF de Tumblr Archery ha logrado cautivar a los espectadores con sus fascinantes e hipnóticas imágenes GIF comúnmente en blanco y negro. Para él, el “loop” es una de las partes más importante del GIF. Es lo que le da vida a una imagen estática, y cuando éste es creado en el intervalo de tiempo perfecto, es lo que impacta y lo que da la naturaleza eterna al movimiento que fascina al observador.

“Si el GIF toma mucho tiempo en completar un “loop”, entones posiblemente el contenido de la imagen no tenga un efecto tan drásticamente reafirmante” – comentó el artista en su sitio de Tumblr.

De una naturaleza usualmente simétrica, ambigua e ilusoria, las extraordinarias animaciones de Archery son creadas utilizando el programa computacional Mathematica, el cual es usado más que nada en áreas de carácter científico, ingenieril y matemático. Al cambiar los códigos de lo parámetros de la imagen, los gráficos se alteran, lo que incrementa las alternativas de formas y movimientos. Los códigos de cada imagen GIF son compartidos en el sitio Tumblr del artista para futura referencia.

Más información sobre Archery aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

 

★ By Dalia Vasquez

 

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January 21, 2015 - No Comments!

★ Thomas Poulsom (UK) | Giving Lego Bricks Life

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Native from Bristol, UK, Thomas Poulsom is a gardener and a bird enthusiast whose formidable passion to create objects with LEGO bricks dates back to his childhood. In 2012, with a vast collection of LEGO pieces and years of experience reproducing man-made objects, Poulsom started a unique project in which he managed to bring to life splendid LEGO birds.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text] lego7 lego10 lego6 lego4 lego2-puffin lego lego8 lego15 lego11 lego12 [youtube http://www.youtube.com/watch?v=G4NaZtU0dhs] [/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Thomas Poulsom’s bird project combines his passion for nature and the magic of building objects with LEGO bricks. Gardening is an activity that has continuously placed him face to face with some of the most outstanding birds’ specimens. An example of that was his encounter with a Robin Red Breast, a bird that landed one day in the costumer’s garden he was working on and which gave him the idea to begin his extraordinary LEGO bird project.

Poulsom’s interest in LEGO has been an important aspect throughout most of his life. He has created exact replicas of different objects, like cars, trucks and spaceships. However, in 2012 he felt the need to build something different, something that reflected what he enjoys about his job and that helped both, adults and kids, appreciate nature and wildlife more. That was how, in an attempt to express his love and concern for the environment, he began his bird journey.

After creating his first seven LEGO birds, Poulsom posted the images on Flickr and to his surprise they rapidly received massive admiration from fans all around the word. “A follower suggested I add the birds to LEGO Ideas and here I am now with an official LEGO set containing my Idea” –Poulsom told LEGO Ideas.

Poulsom’s creative process varies from bird to bird and it can take him a night or several days to finish one replica. He carefully chooses the pieces that will best represent the animal’s features and makes sure that his creations are as accurate as possible in terms of shape, size, color, posture and character. Currently, his LEGO birds are classified in four groups: British birds, North America birds, Oceania birds and Tropical birds.

Finally, it took Thomas Poulsom 10,000 supporters to transform three of his birds (Robin from Europe, the Blue Jay from North America, and the Hummingbird from South America) into official 580-piece LEGO sets. Poulsom’s creations can be purchased since January 2015 here. His future goal is to take the LEGO sets to zoos, schools, universities, museums and galleries from all around the world so all kinds of people can receive his message about the importance of nature.

More information on Thomas Poulsom here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Thomas Poulsom’s bird project combines his passion for nature and the magic of building objects with LEGO bricks. Gardening is an activity that has continuously placed him face to face with some of the most outstanding birds’ specimens. An example of that was his encounter with a Robin Red Breast, a bird that landed one day in the costumer’s garden he was working on and which gave him the idea to begin his extraordinary LEGO bird project.

Poulsom’s interest in LEGO has been an important aspect throughout most of his life. He has created exact replicas of different objects, like cars, trucks and spaceships. However, in 2012 he felt the need to build something different, something that reflected what he enjoys about his job and that helped both, adults and kids, appreciate nature and wildlife more. That was how, in an attempt to express his love and concern for the environment, he began his bird journey.

After creating his first seven LEGO birds, Poulsom posted the images on Flickr and to his surprise they rapidly received massive admiration from fans all around the word. “A follower suggested I add the birds to LEGO Ideas and here I am now with an official LEGO set containing my Idea” –Poulsom told LEGO Ideas.

Poulsom’s creative process varies from bird to bird and it can take him a night or several days to finish one replica. He carefully chooses the pieces that will best represent the animal’s features and makes sure that his creations are as accurate as possible in terms of shape, size, color, posture and character. Currently, his LEGO birds are classified in four groups: British birds, North America birds, Oceania birds and Tropical birds.

Finally, it took Thomas Poulsom 10,000 supporters to transform three of his birds (Robin from Europe, the Blue Jay from North America, and the Hummingbird from South America) into official 580-piece LEGO sets. Poulsom’s creations can be purchased since January 2015 here. His future goal is to take the LEGO sets to zoos, schools, universities, museums and galleries from all around the world so all kinds of people can receive his message about the importance of nature.

More information on Thomas Poulsom here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Proveniente de la ciudad de Bristol, Inglaterra, Thomas Poulsom es un jardinero profesional y apasionado de las aves cuyo interés por crear objetos utilizando LEGOs comenzó a muy temprana edad. En el 2012, gracias a su gran colección de piezas de LEGO así como a sus años de experiencia reproduciendo objetos producidos por el hombre, Poulsom comenzó un proyecto para recrear en LEGO espléndidas especies de aves.

El proyecto de aves de Thomas Poulsom involucra dos de sus más fuertes pasiones: la naturaleza y lo mágico que es para él construir objetos utilizando piezas de LEGO. Jardinería es una actividad que le ha permitido desenvolverse de manera directa en un ambiente donde extraordinarias especies de aves pueden ser vistas en los momentos más inesperados. Un ejemplo de ello fue su encuentro con un Robin Red Breast, un ave que aterrizó un día en el jardín en el que se encontraba trabajando y la cual le dio la idea de comenzar su extraordinario proyecto de aves en LEGO.

El interés de Poulsom por construir piezas en LEGO ha sido un aspecto sumamente especial durante toda su vida. A lo largo de los años, ha creado réplicas exactas de diversos objetos, como carros, camiones y naves espaciales. Sin embargo, en el 2012 Thomas sintió la necesidad de crear algo diferente, algo que de alguna manera reflejara su amor por su trabajo y que además ayudara tanto a adultos como a niños, a apreciar la naturaleza y la fauna un poco más. Fue así como, en un intento por expresar su amor y preocupación por el medio ambiente, Poulsom comenzó su gran travesía.

Después de crear sus primeras siete aves en LEGO, Poulsom compartió las imágenes de su trabajo en Flickr y para su sorpresa, éstas recibieron rápidamente la admiración de centenar de personas alrededor del mundo. “Un seguidor de mi trabajo sugirió que yo añadiera mi proyecto a LEGO Ideas y aquí estoy, creador de un set oficial de LEGO que contiene mi Idea” – Poulsom compartió con LEGO Ideas.

El proceso creativo de Poulsom varía de acuerdo al ave en la que trabaja y puede tomarle de una noche a varios días terminar una réplica. Cuidadosamente escoge las piezas que mejor representarán cada una de las características del animal y se asegura de que sus creaciones sean lo más fieles a la realidad posible en términos de forma, tamaño, color, postura y personalidad. Hoy en día, sus aves en LEGO se clasifican en cuatro grupos: aves Inglesas, aves de Norteamérica, aves de Oceanía y aves Tropicales.

Finalmente, Tomas Poulsom requirió contar con 10,000 seguidores para lograr que tres de sus aves (Robin de Europa, el Blue Jay de Norteamérica, y el Hummingbird de Sudamérica) se convirtieran en sets oficiales de LEGO de 580 piezas cada uno. Sus creaciones pueden ser adquiridas a partir de Enero 2015 aquí. En un futuro, Poulsom espera poder llevar los nuevos sets de aves a zoológicos, escuelas, universidades, museos y galerías de todo el mundo de manera que todo tipo de personas puedan recibir su mensaje sobre la importancia del medio ambiente y la naturaleza.

Más información sobre Thomas Poulsom aquí.

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Proveniente de la ciudad de Bristol, Inglaterra, Thomas Poulsom es un jardinero profesional y apasionado de las aves cuyo interés por crear objetos utilizando LEGOs comenzó a muy temprana edad. En el 2012, gracias a su gran colección de piezas de LEGO así como a sus años de experiencia reproduciendo objetos producidos por el hombre, Poulsom comenzó un proyecto para recrear en LEGO espléndidas especies de aves.

El proyecto de aves de Thomas Poulsom involucra dos de sus más fuertes pasiones: la naturaleza y lo mágico que es para él construir objetos utilizando piezas de LEGO. Jardinería es una actividad que le ha permitido desenvolverse de manera directa en un ambiente donde extraordinarias especies de aves pueden ser vistas en los momentos más inesperados. Un ejemplo de ello fue su encuentro con un Robin Red Breast, un ave que aterrizó un día en el jardín en el que se encontraba trabajando y la cual le dio la idea de comenzar su extraordinario proyecto de aves en LEGO.

El interés de Poulsom por construir piezas en LEGO ha sido un aspecto sumamente especial durante toda su vida. A lo largo de los años, ha creado réplicas exactas de diversos objetos, como carros, camiones y naves espaciales. Sin embargo, en el 2012 Thomas sintió la necesidad de crear algo diferente, algo que de alguna manera reflejara su amor por su trabajo y que además ayudara tanto a adultos como a niños, a apreciar la naturaleza y la fauna un poco más. Fue así como, en un intento por expresar su amor y preocupación por el medio ambiente, Poulsom comenzó su gran travesía.

Después de crear sus primeras siete aves en LEGO, Poulsom compartió las imágenes de su trabajo en Flickr y para su sorpresa, éstas recibieron rápidamente la admiración de centenar de personas alrededor del mundo. “Un seguidor de mi trabajo sugirió que yo añadiera mi proyecto a LEGO Ideas y aquí estoy, creador de un set oficial de LEGO que contiene mi Idea” – Poulsom compartió con LEGO Ideas.

El proceso creativo de Poulsom varía de acuerdo al ave en la que trabaja y puede tomarle de una noche a varios días terminar una réplica. Cuidadosamente escoge las piezas que mejor representarán cada una de las características del animal y se asegura de que sus creaciones sean lo más fieles a la realidad posible en términos de forma, tamaño, color, postura y personalidad. Hoy en día, sus aves en LEGO se clasifican en cuatro grupos: aves Inglesas, aves de Norteamérica, aves de Oceanía y aves Tropicales.

Finalmente, Tomas Poulsom requirió contar con 10,000 seguidores para lograr que tres de sus aves (Robin de Europa, el Blue Jay de Norteamérica, y el Hummingbird de Sudamérica) se convirtieran en sets oficiales de LEGO de 580 piezas cada uno. Sus creaciones pueden ser adquiridas a partir de Enero 2015 aquí. En un futuro, Poulsom espera poder llevar los nuevos sets de aves a zoológicos, escuelas, universidades, museos y galerías de todo el mundo de manera que todo tipo de personas puedan recibir su mensaje sobre la importancia del medio ambiente y la naturaleza.

Más información sobre Thomas Poulsom aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]   ★ By Dalia Vasquez [/cd_text][/cd_column][/cd_row]

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January 14, 2015 - No Comments!

★ Kumi Yamashita (JP) | The Power Of Invisible Art

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in Manhattan and with a studio in Long Island City, Japanese installation artist and sculptor Kumi Yamashita has mastered the use of light and shadow in her minimal artworks. Her innovative creations are the result of a skillful arrangement of elements placed in relation to a single light source that wonderfully cast the silhouette of different profiles and figures.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in Takasaki, Japan, installation artist Kumi Yamashita arrived to the USA as a high school exchange student. She received her Bachelor of Fine Arts degree at Cornish College of the Arts in Seattle. Years later, after studying two years in Florence, she graduated from the Master of Fine Arts at Glasgow School of Art in the United Kingdom.

With a vast experience among different cultures and a strong interest in the human figure, Yamashita’s style has evolved to become a versatile representation of human profiles, portraits and figures. Her work involves the use of numerous elements -like fabrics, wooden pieces, creased pieces of paper, pleated aluminum sheets and thread, among others- that are carefully illuminated with a single light source. The outcome is an outstanding reflection –frequently of human nature- that would be almost impossible to forecast by just looking at the assortment of materials on the surface.

“I'm attracted to both: light and shadow because, simply put, I think they are beautiful. In my work the object and the shadow that it casts are equally important. I love to see the presence of both solidness/weight of materials and the weightlessness/ungraspable aspect of light and shadow; to see permanence and ephemera sharing the same spaces, the same moments” – Kumi Yamashita shared with e-junkie.info

Among Yamashita’s most recognized projects are “Constellation”, a set of several wooden panels painted in white in which a portrait was created in each one of them by winding a single black sewing thread throughout the thousand nails inserted on the surface; “Light & Shadow”, a collection of works in which the artist created the silhouette of a person by positioning numerous objects and then illuminating them from a unique spot; and “Warp & Weft”, a set of portraits created thanks to threads that were removed from the original fabric.

Kumi Yamashita’s illusive shadow art installations are of outstanding detail, precision and complexity, and invite the viewer to reflect about his/her perception of the images that fact, are not there.

More information on Kumi Yamashita here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Born in Takasaki, Japan, installation artist Kumi Yamashita arrived to the USA as a high school exchange student. She received her Bachelor of Fine Arts degree at Cornish College of the Arts in Seattle. Years later, after studying two years in Florence, she graduated from the Master of Fine Arts at Glasgow School of Art in the United Kingdom.

With a vast experience among different cultures and a strong interest in the human figure, Yamashita’s style has evolved to become a versatile representation of human profiles, portraits and figures. Her work involves the use of numerous elements -like fabrics, wooden pieces, creased pieces of paper, pleated aluminum sheets and thread, among others- that are carefully illuminated with a single light source. The outcome is an outstanding reflection –frequently of human nature- that would be almost impossible to forecast by just looking at the assortment of materials on the surface.

“I'm attracted to both: light and shadow because, simply put, I think they are beautiful. In my work the object and the shadow that it casts are equally important. I love to see the presence of both solidness/weight of materials and the weightlessness/ungraspable aspect of light and shadow; to see permanence and ephemera sharing the same spaces, the same moments” – Kumi Yamashita shared with e-junkie.info

Among Yamashita’s most recognized projects are “Constellation”, a set of several wooden panels painted in white in which a portrait was created in each one of them by winding a single black sewing thread throughout the thousand nails inserted on the surface; “Light & Shadow”, a collection of works in which the artist created the silhouette of a person by positioning numerous objects and then illuminating them from a unique spot; and “Warp & Weft”, a set of portraits created thanks to threads that were removed from the original fabric.

Kumi Yamashita’s illusive shadow art installations are of outstanding detail, precision and complexity, and invite the viewer to reflect about his/her perception of the images that fact, are not there.

More information on Kumi Yamashita here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Con residencia en Manhattan y un estudio en Long Island City, la artista y escultora japonesa Kumi Yamashita ha logrado una extraordinaria manipulación de luz y sombra en sus obras de carácter minimalista. Sus innovadoras creaciones son el resultado de un cuidadoso arreglo de elementos que ella sitúa en relación a una única fuente de luz y que como resultado emiten la sombra de diversos perfiles y figuras.

Proveniente de la ciudad de Takasaki en Japón, la artista creadora de magníficas instalaciones Kumi Yamashita llegó por primera vez a los Estados Unidos como una estudiante de intercambio de preparatoria. Posteriormente se tituló de la carrera de Artes Plásticas en el Cornish College of the Arts en Seattle y más tarde, tras dos años de estudios en Florencia, se graduó de la maestría en Artes Plásticas en la Escuela de Arte en Glasgow, UK.

Con una vasta experiencia conociendo diversas culturas y su fuerte interés por la figura humana, el estilo artístico de Yamashita evolucionó hasta convertirse en una versátil representación de perfiles humanos, retratos y otras figuras. Su trabajo incluye un sin fin de elementos -como telas, piezas de madera, pedazos de papel arrugados, hojas de aluminio plegadas, entre otros- y su iluminación utilizando una fuente de luz. El resultado son increíbles siluetas –comúnmente de carácter humano- que de otra forma serían imposible de distinguir con anticipación con tan solo mirar la gran selección de materiales sobre la superficie.

“Me atraen ambas: la luz y la sombra simplemente porque son aspectos de gran belleza. En mi trabajo el objeto y su sombra son igualmente importantes. Me encanta ser testigo de la presencia de la solidez/peso de los materiales y de la ingravidez/inteligibilidad de la luz y la sombra; de poder ver la permanencia y lo efímero compartir un mismo espacio y un mismo momento” – Kumi Yamashita compartió con e-junkie.info

Entre los trabajos más reconocidos de la artista se encuentran “Constelación”, un set de diversos páneles de madera pintados de blanco en el que Yamashita creó el retrato de una persona enredando un único trozo de hilo negro alrededor de las miles de tachuelas clavadas en cada uno de ellos;  “Light & Shadow”, una colección de obras en la que la artista creó siluetas de personas y objetos al posicionar cuidadosamente diversos materiales en relación a una fuente de luz; y “Warp & Weft”, una serie de retratos en tela creados a partir del deshilado de diversos fragmentos.

Las ilusorias instalaciones de sombras de Kumi Yamashita son un magnífico trabajo caracterizado por gran detalle, precisión y complejidad e invitan al observador a reflexionar acerca de las imágenes que observan, las cuales en realidad, no existen.

Más información sobre Kumi Yamashita aquí.

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Con residencia en Manhattan y un estudio en Long Island City, la artista y escultora japonesa Kumi Yamashita ha logrado una extraordinaria manipulación de luz y sombra en sus obras de carácter minimalista. Sus innovadoras creaciones son el resultado de un cuidadoso arreglo de elementos que ella sitúa en relación a una única fuente de luz y que como resultado emiten la sombra de diversos perfiles y figuras.

Proveniente de la ciudad de Takasaki en Japón, la artista creadora de magníficas instalaciones Kumi Yamashita llegó por primera vez a los Estados Unidos como una estudiante de intercambio de preparatoria. Posteriormente se tituló de la carrera de Artes Plásticas en el Cornish College of the Arts en Seattle y más tarde, tras dos años de estudios en Florencia, se graduó de la maestría en Artes Plásticas en la Escuela de Arte en Glasgow, UK.

Con una vasta experiencia conociendo diversas culturas y su fuerte interés por la figura humana, el estilo artístico de Yamashita evolucionó hasta convertirse en una versátil representación de perfiles humanos, retratos y otras figuras. Su trabajo incluye un sin fin de elementos -como telas, piezas de madera, pedazos de papel arrugados, hojas de aluminio plegadas, entre otros- y su iluminación utilizando una fuente de luz. El resultado son increíbles siluetas –comúnmente de carácter humano- que de otra forma serían imposible de distinguir con anticipación con tan solo mirar la gran selección de materiales sobre la superficie.

“Me atraen ambas: la luz y la sombra simplemente porque son aspectos de gran belleza. En mi trabajo el objeto y su sombra son igualmente importantes. Me encanta ser testigo de la presencia de la solidez/peso de los materiales y de la ingravidez/inteligibilidad de la luz y la sombra; de poder ver la permanencia y lo efímero compartir un mismo espacio y un mismo momento” – Kumi Yamashita compartió con e-junkie.info

Entre los trabajos más reconocidos de la artista se encuentran “Constelación”, un set de diversos páneles de madera pintados de blanco en el que Yamashita creó el retrato de una persona enredando un único trozo de hilo negro alrededor de las miles de tachuelas clavadas en cada uno de ellos;  “Light & Shadow”, una colección de obras en la que la artista creó siluetas de personas y objetos al posicionar cuidadosamente diversos materiales en relación a una fuente de luz; y “Warp & Weft”, una serie de retratos en tela creados a partir del deshilado de diversos fragmentos.

Las ilusorias instalaciones de sombras de Kumi Yamashita son un magnífico trabajo caracterizado por gran detalle, precisión y complejidad e invitan al observador a reflexionar acerca de las imágenes que observan, las cuales en realidad, no existen.

Más información sobre Kumi Yamashita aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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January 7, 2015 - No Comments!

★ Gabitsiki (MX) | An Oneiric Mind

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Based in Amsterdam, Gabriela Avalos, also known as Gabitsiki, is a Mexican visual artist, performer, and therapy facilitator that brings the best of her musical passion and personal experiences to her eclectic creations. Her arresting work is made of fragments of Huichol experiences, encounters with patients in psychiatric facilities and even her own journey to become a mother.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text] algoalgo darkglow gabitsiki3 volcani lunatica gabitsiki2 gabitsiki [/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

“The universe, the stars, the wild nature, the infinite space, the opportunity to feel like an animal and not a human being… all of that are things that inspire me” - Gabitsiki

Meet Gabitsiki in this exclusive interview for Saketekilla*.

Could you please tell us a bit about yourself? Where do you come from? 

I was born in Torreon, Coahuila and after that I moved to Monterrey, Nuevo Leon. I studied Visual Arts at U.A.N.L. and I have two diplomas, one in Alternative Therapy at U.A.A.A.N. and the other in Art Therapy at UAM Xochimilco. The first trip I did to Amsterdam was with my family when I was 15 years old. That experience changed my perception of the world and since then I knew that I had to come back.

Why did you choose the name Gabitsiki? 

It is a way to make my name smaller. Gabi is a diminutive of Gabriela and Gabitsiki is even smaller. People have always thought I am younger than I really am; they sometimes see me as a little girl, so I decided to make the most of it.

In your Facebook page we can see that your creative work includes several disciplines and techniques, like photography, different kinds of painting and drawing, and even some poetry. How do you choose the technique and nature of your next artwork? Can you tell us about your creative process?

The idea simply comes to my mind. For example, writing is a reaction to the words I hear in my head. It is as if I am listening to a voice and answering it. I paint when an image is also inside my mind. Sometimes when I try to represent that image the form changes, but at the end, it is a form that is always evolving. Photography is unpredictable. There are days in which I take a lot of pictures and I feel that I need to appreciate my environment and my own perception of it. My creative process starts when I am “not creating” anything; when I am only thinking and looking, imagining and wishing. This feeling accumulates until I choose the materials and begin to work. My first encounter with them is like a fight, an explosion. It is only when my mind and body settle down that I start to define my strokes.

How would you define your style? 

Naïve Oneiric / Brut... or something like that  (laughs).

(Naïve – also known as “child-like art” because of the use of strong colors, spontaneity and lack of perspective. Oneiric – related to dreams. Brut – a term used in the mid-1940s to designate the art that was not considered “traditional”).

In your website you also mention that you are a performer and an art therapy facilitator. Could you please tell us more about that? 

Music has always been my second strongest passion; sometimes I believe it is my first one. However, it has taken me more time and effort to express myself through it. Some of the reasons are because it challenges me more; it requires a more direct communication with myself and people around me. My previous performances have been inner quests to heal my soul from pain and from fear to express myself. I have challenged myself in front of the public and I promised that I wouldn’t perform in vain, but to pursuit that inner healing. It was at that moment that I knew that performance wouldn’t be my main way of expression, but it has given me the strength to stand on a stage. I guess that is part of the reason I was invited to participate in theater. I am not an actress but now I know how to actively collaborate with others to create new experiences.

Art and madness and art and health are associations that also passionate me, and both of them have taken me to explore psychiatry. I did my social service at the Psychiatry Unit of the University Hospital at U.A.N.L. and during that time I developed strong relationships with patients and staff members. At the end, I stayed for 2 years to work offering Art Therapy to children, teenagers and adults with different psychiatric conditions like depression, schizophrenia, eating disorders and bipolarity. This has been one of the most interesting and gratifying experiences of my life, but also an extremely difficult one due to the great responsibility that it entails.

What do you intent to express with your art? As a Mexican artist, how does your cultural heritage influence your work? What are your main sources of inspiration? 

I think that the way I use colors in my work is an aspect that has been strongly influenced by the art of the Wirrárika culture (better known as Huicholes). It is a style that I truly admire due to its unique beauty and sacred nature. I was very fortunate to have the opportunity to spend nights in the desert in the north of Mexico eating peyote and also to visit a Huichol community. The way they greeted me made me feel like a member of their family. They were extremely welcoming and hospitable. I think that is my strongest connection with my ancestors and also with indigenous cultures that are struggling to survive and preserve their traditions. My experiences in the desert are memories that I continuously want to represent. For me, it is a way to revive what happened, to be there once again. The universe, the stars, the wild nature, the infinite space, the opportunity to feel like an animal and not a human being… all of that are things that inspire me.

In your photographs we see that you give striking colors to some of your artworks, is there any particular reason for that? We also notice that “maternity” is a recurrent subject of yours; can you explain more about that? 

Truth be told, the subject of motherhood is a very recent one. Basically, I am representing my sexual energy in which my pregnancy is the crucial moment. The series Concepción, Pregnancia y Alumbro (Conception, Pregnancy and Give Birth) encloses images that I created before, during and after my pregnancy. I used drawing as a way to prepare myself to give birth. It was the only way I was able to face my fears, to visualize the experience of birth and to gain some peacefulness.

I use fluorescent colors because they are striking and eye-catching. Besides, they are the colors that represent the energy inside me when I paint. Most of the times when I am painting, I am holding a chaotic energy. I work with vivid colors because through them I can express strong emotions like excitement, stress or anger; but also happiness, love, and surprise.

What has been the most gratifying project you have participated in? What are your future projects?

I think that “Teatro de los Sentidos” (Theater of Senses) has been the most satisfactory project I have ever participated in. It is a unique theater company in the world. Their plays are extensive crossroads in which the spectator becomes a traveler and main character and is called “habitante” (resident). It is a completely different way to make theater and to experience it. As an habitante, one must disappear and act with utmost subtlety. You learn to work with two basic elements: silence and darkness. My experience in the play called “El Mundo al Revés” (The World Upside Down) with other Mexican artists, was absolutely life-changing. We fell in love with this new way of making theater and we continue to experiment with the company Los Habitantes. Today, their project is actively working and it is called El Origen.

I believe the future will bring new music and live-playing experiences. Together with Jonathan Ramirez I created Neo Paganos. We have played for several years and I think it is time to record our songs and upload them to the Internet. I also want to continue painting and to increase the size of my artworks. Those are my main plans for next year.

We thank Gabitsiki for this great interview.

More information on Gabitsiki here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

“The universe, the stars, the wild nature, the infinite space, the opportunity to feel like an animal and not a human being… all of that are things that inspire me” - Gabitsiki

Meet Gabitsiki in this exclusive interview for Saketekilla*.

Could you please tell us a bit about yourself? Where do you come from? 

I was born in Torreon, Coahuila and after that I moved to Monterrey, Nuevo Leon. I studied Visual Arts at U.A.N.L. and I have two diplomas, one in Alternative Therapy at U.A.A.A.N. and the other in Art Therapy at UAM Xochimilco. The first trip I did to Amsterdam was with my family when I was 15 years old. That experience changed my perception of the world and since then I knew that I had to come back.

Why did you choose the name Gabitsiki? 

It is a way to make my name smaller. Gabi is a diminutive of Gabriela and Gabitsiki is even smaller. People have always thought I am younger than I really am; they sometimes see me as a little girl, so I decided to make the most of it.

In your Facebook page we can see that your creative work includes several disciplines and techniques, like photography, different kinds of painting and drawing, and even some poetry. How do you choose the technique and nature of your next artwork? Can you tell us about your creative process?

The idea simply comes to my mind. For example, writing is a reaction to the words I hear in my head. It is as if I am listening to a voice and answering it. I paint when an image is also inside my mind. Sometimes when I try to represent that image the form changes, but at the end, it is a form that is always evolving. Photography is unpredictable. There are days in which I take a lot of pictures and I feel that I need to appreciate my environment and my own perception of it. My creative process starts when I am “not creating” anything; when I am only thinking and looking, imagining and wishing. This feeling accumulates until I choose the materials and begin to work. My first encounter with them is like a fight, an explosion. It is only when my mind and body settle down that I start to define my strokes.

How would you define your style? 

Naïve Oneiric / Brut... or something like that  (laughs).

(Naïve – also known as “child-like art” because of the use of strong colors, spontaneity and lack of perspective. Oneiric – related to dreams. Brut – a term used in the mid-1940s to designate the art that was not considered “traditional”).

In your website you also mention that you are a performer and an art therapy facilitator. Could you please tell us more about that? 

Music has always been my second strongest passion; sometimes I believe it is my first one. However, it has taken me more time and effort to express myself through it. Some of the reasons are because it challenges me more; it requires a more direct communication with myself and people around me. My previous performances have been inner quests to heal my soul from pain and from fear to express myself. I have challenged myself in front of the public and I promised that I wouldn’t perform in vain, but to pursuit that inner healing. It was at that moment that I knew that performance wouldn’t be my main way of expression, but it has given me the strength to stand on a stage. I guess that is part of the reason I was invited to participate in theater. I am not an actress but now I know how to actively collaborate with others to create new experiences.

Art and madness and art and health are associations that also passionate me, and both of them have taken me to explore psychiatry. I did my social service at the Psychiatry Unit of the University Hospital at U.A.N.L. and during that time I developed strong relationships with patients and staff members. At the end, I stayed for 2 years to work offering Art Therapy to children, teenagers and adults with different psychiatric conditions like depression, schizophrenia, eating disorders and bipolarity. This has been one of the most interesting and gratifying experiences of my life, but also an extremely difficult one due to the great responsibility that it entails.

What do you intent to express with your art? As a Mexican artist, how does your cultural heritage influence your work? What are your main sources of inspiration? 

I think that the way I use colors in my work is an aspect that has been strongly influenced by the art of the Wirrárika culture (better known as Huicholes). It is a style that I truly admire due to its unique beauty and sacred nature. I was very fortunate to have the opportunity to spend nights in the desert in the north of Mexico eating peyote and also to visit a Huichol community. The way they greeted me made me feel like a member of their family. They were extremely welcoming and hospitable. I think that is my strongest connection with my ancestors and also with indigenous cultures that are struggling to survive and preserve their traditions. My experiences in the desert are memories that I continuously want to represent. For me, it is a way to revive what happened, to be there once again. The universe, the stars, the wild nature, the infinite space, the opportunity to feel like an animal and not a human being… all of that are things that inspire me.

In your photographs we see that you give striking colors to some of your artworks, is there any particular reason for that? We also notice that “maternity” is a recurrent subject of yours; can you explain more about that? 

Truth be told, the subject of motherhood is a very recent one. Basically, I am representing my sexual energy in which my pregnancy is the crucial moment. The series Concepción, Pregnancia y Alumbro (Conception, Pregnancy and Give Birth) encloses images that I created before, during and after my pregnancy. I used drawing as a way to prepare myself to give birth. It was the only way I was able to face my fears, to visualize the experience of birth and to gain some peacefulness.

I use fluorescent colors because they are striking and eye-catching. Besides, they are the colors that represent the energy inside me when I paint. Most of the times when I am painting, I am holding a chaotic energy. I work with vivid colors because through them I can express strong emotions like excitement, stress or anger; but also happiness, love, and surprise.

What has been the most gratifying project you have participated in? What are your future projects?

I think that “Teatro de los Sentidos” (Theater of Senses) has been the most satisfactory project I have ever participated in. It is a unique theater company in the world. Their plays are extensive crossroads in which the spectator becomes a traveler and main character and is called “habitante” (resident). It is a completely different way to make theater and to experience it. As an habitante, one must disappear and act with utmost subtlety. You learn to work with two basic elements: silence and darkness. My experience in the play called “El Mundo al Revés” (The World Upside Down) with other Mexican artists, was absolutely life-changing. We fell in love with this new way of making theater and we continue to experiment with the company Los Habitantes. Today, their project is actively working and it is called El Origen.

I believe the future will bring new music and live-playing experiences. Together with Jonathan Ramirez I created Neo Paganos. We have played for several years and I think it is time to record our songs and upload them to the Internet. I also want to continue painting and to increase the size of my artworks. Those are my main plans for next year.

We thank Gabitsiki for this great interview.

More information on Gabitsiki here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicada en Ámsterdam, Holanda, Gabriela Ávalos, también conocida como Gabitsiki, es una artista visual, intérprete y terapeuta mexicana decida a unir lo mejor de su pasión por la música y sus experiencias personales en sus eclécticas creaciones. Su llamativo trabajo está formado por fragmentos de sus experiencias con los Huicholes, sus encuentros con pacientes en una institución psiquiátrica e incluso su propio trayecto que la llevó a convertirse en madre.

“El universo, las estrellas, la naturaleza salvaje, la inmensidad, el sentirse como un animal antes que humano. Todo esto son cosas que me inspiran” - Gabitsiki

Conoce a Gabitsiki en esta entrevista exclusiva con Saketekilla*.

¿Podrías por favor hablarnos un poco de ti? ¿De dónde vienes? 

Nací en Torreón, Coahuila y después me adoptaron como regia (Monterrey, Nuevo León.) Estudié Artes Visuales en la U.A.N.L. e hice dos diplomados, uno en Terapias Alternativas en la U.A.A.A.N. y uno en Arte Terapia impartido por la UAM Xochimilco. La primera vez que vine a Ámsterdam fue con mi familia cuando tenía 15 años. Ese viaje amplió mi forma de ver el mundo y desde entonces supe que tenía que volver.

¿Por qué elegiste el nombre Gabitsiki?

Es una forma de hacer mi nombre más pequeño. Gabi es un diminutivo de Gabriela y Gabitsiki es aún más pequeño. Siempre he representado menos edad; la gente me ha percibido como una niña,  así que decidí acentuarlo.

En tu página de Facebook vemos que tu trabajo abarca distintas disciplinas y técnicas artísticas, como fotografía, diversos tipos de pintura y dibujo e incluso un poco de poesía. ¿De qué manera escoges la técnica y la naturaleza de tu siguiente trabajo? ¿Podrías hablarnos de tu proceso creativo?

La idea simplemente aparece en mi mente. Por ejemplo, cuando escribo algo es porque empiezo a escucharlo en mi mente; es como una voz que escucho y a la que voy respondiendo. Cuando pinto es porque me llega una idea en forma de imagen. Al momento de tratar de reproducirla sale algo diferente, pero es una forma que va evolucionando. La fotografía es circunstancial. Tengo periodos en que tomo muchas fotos cada día; es como una forma de apreciar mi entorno inmediato y ampliar mi percepción sobre él. Mi proceso creativo viene de un periodo de reposo en el que no estoy "creando" nada. Solo estoy pensando y observando, imaginando y deseando. Esto se va acumulando hasta que empieza el proceso en que voy tomando los materiales; el primer encuentro con ellos es un desencanto, una lucha, una explosión. Después mi cuerpo y mi mente se van calmando y empiezo a depurar mi trazo.

¿Cómo definirías tu estilo?

Naive Onírico / Bruto ... o algo así (risas).

(Naive – denominado en ocasiones “arte infantil” por el uso de fuertes colores, espontaneidad y falta de perspectiva. Onírico – relacionado a los sueños. Bruto – término utilizado durante la década de los 40s para referirse a un arte fuera de lo “tradicional”.

En tu página también mencionas que eres una artista intérprete y una facilitadora de terapia artística. ¿Podrías hablarnos más al respecto? 

La música siempre ha sido mi segundo amor, aunque a veces pienso que el primero. Pero me ha tomado más tiempo comenzar a expresarme en ese medio porque me confronta más, me pone en una comunicación más directa conmigo misma y con los demás. Las interpretaciones que he realizado han sido una búsqueda ritual para curar mi alma del sufrimiento pasado y el miedo a expresarme. Me he puesto en situaciones límite con el público y me prometí que no haría interpretaciones a la ligera, sino solamente para lograr esa búsqueda espiritual de curación. En ese momento supe que la interpretación no sería mi medio, sin embargo, me ha dado la seguridad para pisar un escenario. Supongo que por eso después me invitaron a participar en proyectos de teatro. No soy actriz, pero sé estar presente para crear activamente con los demás.

Mi fascinación por la relación entre el arte y locura y el arte y la sanación me llevan a lo psiquiátrico. Realicé mi servicio social en la Unidad de Psiquiatría del Hospital Universitario de la U.A.N.L. y durante ese tiempo me integré muy bien tanto con los pacientes como con el personal de enfermería. Finalmente me quedé trabajando por 2 años, realizando la actividad de Arte Terapia con niños, adolescentes y adultos diagnosticados con diferentes padecimientos psiquiátricos como depresión, esquizofrenia, bi-polaridad, desórdenes alimenticios, etc. Ésta ha sido una de las experiencias más interesantes y gratificantes de mi vida, pero también un trabajo sumamente difícil que conlleva mucha, mucha responsabilidad.

¿Qué es lo que buscas expresar con tus distintas formas de arte? Como artista mexicana, ¿de qué manera tu herencia cultural influencia tu trabajo? ¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración? 

Pienso que la manera en que utilizo el color está muy influenciada por el arte de la cultura Wirrárika (mejor conocidos como Huicholes). Es un trabajo que admiro bastante por ser de una belleza única y porque además es un arte sagrado. Tuve la gran fortuna de poder pasar noches en el desierto del norte de México comiendo peyote y también de poder estar en una comunidad Huichol. La forma en que me recibieron me hizo sentir como un miembro de su familia. La gente fue sumamente hospitalaria. Creo que esa es mi mayor conexión con mis antepasados y que me acerca también a las culturas indígenas que se encuentran resistiendo para preservar sus tradiciones. Mis experiencias en el desierto son algo que constantemente quiero recrear, porque al hacerlo es como estar nuevamente ahí. El universo, las estrellas, la naturaleza salvaje, la inmensidad, el sentirse como un animal antes que humano. Todo esto son cosas que me inspiran.

En tus fotografías podemos ver que en ocasiones utilizas colores llamativos para dar vida a tus creaciones, ¿hay alguna razón en particular para eso? También notamos que el tema de la maternidad es recurrente en tus obras, ¿podrías explicar más al respecto?

A decir verdad, el tema de la maternidad es un asunto reciente. Más que nada, estoy representando mi energía sexual, siendo mi embarazo un momento culminante de ésta. La serie Concepción, Pregnancia y Alumbro contiene las imágenes que produje en el periodo previo, durante y posterior a mi embarazo. Una de las formas en que me preparé mentalmente para el parto fue dibujando, así podía encontrarme con mis miedos, visualizar la experiencia del nacimiento y darme serenidad.

Utilizo colores fosforescentes porque son estridentes, saltan a la vista, y son el color que representa la energía que siento cuando pinto. Cuando me acerco a la pintura la mayoría de las veces tengo una energía caótica. Los colores llamativos me sirven para expresar emociones fuertes como excitación, estrés o enojo, pero también felicidad, amor, enamoramiento y sorpresa.

¿Cuál ha sido el proyecto más satisfactorio en el que has participado? ¿Qué te depara el futuro? 

Yo creo que en cierta forma ha sido "Teatro de los Sentidos". Es una compañía de teatro única en el mundo. Sus obras son grandes laberintos donde el espectador se convierte en un viajero protagonista de la historia y a los actores se les llama habitantes. Es una forma diferente de hacer teatro y de vivirlo; como habitante de la obra tienes que desaparecer, ser muy sutil. El silencio y la penumbra son dos elementos básicos con los que aprendes a trabajar. Tuve la oportunidad de habitar en la obra "El mundo al revés" junto con otro grupo de artistas mexicanos. La experiencia resultó transformadora. Nos enamoramos de esta forma de hacer teatro y posteriormente seguimos experimentando con la compañía Los Habitantes. Actualmente el proyecto que está activo con actores mexicanos  se llama El Origen.

Yo creo que lo que sigue es hacer música y tocar en vivo. Junto con Jonathan Ramírez somos los Neo Paganos. Hemos estado tocando ya por algunos años y creo que es hora de grabar esas canciones y subirlas a la red. También quiero seguir pintando y ampliar el formato de mis obras. Básicamente esos son mis planes para el próximo año.

Agradecemos a Gabitsiki por esta magnífica entrevista.

Más información sobre Gabitsiki aquí.

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Ubicada en Ámsterdam, Holanda, Gabriela Ávalos, también conocida como Gabitsiki, es una artista visual, intérprete y terapeuta mexicana decida a unir lo mejor de su pasión por la música y sus experiencias personales en sus eclécticas creaciones. Su llamativo trabajo está formado por fragmentos de sus experiencias con los Huicholes, sus encuentros con pacientes en una institución psiquiátrica e incluso su propio trayecto que la llevó a convertirse en madre.

“El universo, las estrellas, la naturaleza salvaje, la inmensidad, el sentirse como un animal antes que humano. Todo esto son cosas que me inspiran” - Gabitsiki

Conoce a Gabitsiki en esta entrevista exclusiva con Saketekilla*.

¿Podrías por favor hablarnos un poco de ti? ¿De dónde vienes? 

Nací en Torreón, Coahuila y después me adoptaron como regia (Monterrey, Nuevo León.) Estudié Artes Visuales en la U.A.N.L. e hice dos diplomados, uno en Terapias Alternativas en la U.A.A.A.N. y uno en Arte Terapia impartido por la UAM Xochimilco. La primera vez que vine a Ámsterdam fue con mi familia cuando tenía 15 años. Ese viaje amplió mi forma de ver el mundo y desde entonces supe que tenía que volver.

¿Por qué elegiste el nombre Gabitsiki?

Es una forma de hacer mi nombre más pequeño. Gabi es un diminutivo de Gabriela y Gabitsiki es aún más pequeño. Siempre he representado menos edad; la gente me ha percibido como una niña,  así que decidí acentuarlo.

En tu página de Facebook vemos que tu trabajo abarca distintas disciplinas y técnicas artísticas, como fotografía, diversos tipos de pintura y dibujo e incluso un poco de poesía. ¿De qué manera escoges la técnica y la naturaleza de tu siguiente trabajo? ¿Podrías hablarnos de tu proceso creativo?

La idea simplemente aparece en mi mente. Por ejemplo, cuando escribo algo es porque empiezo a escucharlo en mi mente; es como una voz que escucho y a la que voy respondiendo. Cuando pinto es porque me llega una idea en forma de imagen. Al momento de tratar de reproducirla sale algo diferente, pero es una forma que va evolucionando. La fotografía es circunstancial. Tengo periodos en que tomo muchas fotos cada día; es como una forma de apreciar mi entorno inmediato y ampliar mi percepción sobre él. Mi proceso creativo viene de un periodo de reposo en el que no estoy "creando" nada. Solo estoy pensando y observando, imaginando y deseando. Esto se va acumulando hasta que empieza el proceso en que voy tomando los materiales; el primer encuentro con ellos es un desencanto, una lucha, una explosión. Después mi cuerpo y mi mente se van calmando y empiezo a depurar mi trazo.

¿Cómo definirías tu estilo?

Naive Onírico / Bruto ... o algo así (risas).

(Naive – denominado en ocasiones “arte infantil” por el uso de fuertes colores, espontaneidad y falta de perspectiva. Onírico – relacionado a los sueños. Bruto – término utilizado durante la década de los 40s para referirse a un arte fuera de lo “tradicional”.

En tu página también mencionas que eres una artista intérprete y una facilitadora de terapia artística. ¿Podrías hablarnos más al respecto? 

La música siempre ha sido mi segundo amor, aunque a veces pienso que el primero. Pero me ha tomado más tiempo comenzar a expresarme en ese medio porque me confronta más, me pone en una comunicación más directa conmigo misma y con los demás. Las interpretaciones que he realizado han sido una búsqueda ritual para curar mi alma del sufrimiento pasado y el miedo a expresarme. Me he puesto en situaciones límite con el público y me prometí que no haría interpretaciones a la ligera, sino solamente para lograr esa búsqueda espiritual de curación. En ese momento supe que la interpretación no sería mi medio, sin embargo, me ha dado la seguridad para pisar un escenario. Supongo que por eso después me invitaron a participar en proyectos de teatro. No soy actriz, pero sé estar presente para crear activamente con los demás.

Mi fascinación por la relación entre el arte y locura y el arte y la sanación me llevan a lo psiquiátrico. Realicé mi servicio social en la Unidad de Psiquiatría del Hospital Universitario de la U.A.N.L. y durante ese tiempo me integré muy bien tanto con los pacientes como con el personal de enfermería. Finalmente me quedé trabajando por 2 años, realizando la actividad de Arte Terapia con niños, adolescentes y adultos diagnosticados con diferentes padecimientos psiquiátricos como depresión, esquizofrenia, bi-polaridad, desórdenes alimenticios, etc. Ésta ha sido una de las experiencias más interesantes y gratificantes de mi vida, pero también un trabajo sumamente difícil que conlleva mucha, mucha responsabilidad.

¿Qué es lo que buscas expresar con tus distintas formas de arte? Como artista mexicana, ¿de qué manera tu herencia cultural influencia tu trabajo? ¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración? 

Pienso que la manera en que utilizo el color está muy influenciada por el arte de la cultura Wirrárika (mejor conocidos como Huicholes). Es un trabajo que admiro bastante por ser de una belleza única y porque además es un arte sagrado. Tuve la gran fortuna de poder pasar noches en el desierto del norte de México comiendo peyote y también de poder estar en una comunidad Huichol. La forma en que me recibieron me hizo sentir como un miembro de su familia. La gente fue sumamente hospitalaria. Creo que esa es mi mayor conexión con mis antepasados y que me acerca también a las culturas indígenas que se encuentran resistiendo para preservar sus tradiciones. Mis experiencias en el desierto son algo que constantemente quiero recrear, porque al hacerlo es como estar nuevamente ahí. El universo, las estrellas, la naturaleza salvaje, la inmensidad, el sentirse como un animal antes que humano. Todo esto son cosas que me inspiran.

En tus fotografías podemos ver que en ocasiones utilizas colores llamativos para dar vida a tus creaciones, ¿hay alguna razón en particular para eso? También notamos que el tema de la maternidad es recurrente en tus obras, ¿podrías explicar más al respecto?

A decir verdad, el tema de la maternidad es un asunto reciente. Más que nada, estoy representando mi energía sexual, siendo mi embarazo un momento culminante de ésta. La serie Concepción, Pregnancia y Alumbro contiene las imágenes que produje en el periodo previo, durante y posterior a mi embarazo. Una de las formas en que me preparé mentalmente para el parto fue dibujando, así podía encontrarme con mis miedos, visualizar la experiencia del nacimiento y darme serenidad.

Utilizo colores fosforescentes porque son estridentes, saltan a la vista, y son el color que representa la energía que siento cuando pinto. Cuando me acerco a la pintura la mayoría de las veces tengo una energía caótica. Los colores llamativos me sirven para expresar emociones fuertes como excitación, estrés o enojo, pero también felicidad, amor, enamoramiento y sorpresa.

¿Cuál ha sido el proyecto más satisfactorio en el que has participado? ¿Qué te depara el futuro? 

Yo creo que en cierta forma ha sido "Teatro de los Sentidos". Es una compañía de teatro única en el mundo. Sus obras son grandes laberintos donde el espectador se convierte en un viajero protagonista de la historia y a los actores se les llama habitantes. Es una forma diferente de hacer teatro y de vivirlo; como habitante de la obra tienes que desaparecer, ser muy sutil. El silencio y la penumbra son dos elementos básicos con los que aprendes a trabajar. Tuve la oportunidad de habitar en la obra "El mundo al revés" junto con otro grupo de artistas mexicanos. La experiencia resultó transformadora. Nos enamoramos de esta forma de hacer teatro y posteriormente seguimos experimentando con la compañía Los Habitantes. Actualmente el proyecto que está activo con actores mexicanos  se llama El Origen.

Yo creo que lo que sigue es hacer música y tocar en vivo. Junto con Jonathan Ramírez somos los Neo Paganos. Hemos estado tocando ya por algunos años y creo que es hora de grabar esas canciones y subirlas a la red. También quiero seguir pintando y ampliar el formato de mis obras. Básicamente esos son mis planes para el próximo año.

Agradecemos a Gabitsiki por esta magnífica entrevista.

Más información sobre Gabitsiki aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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