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Archives for December 2014

December 24, 2014 - No Comments!

★ Binho Ribeiro (BR) | The Brazilian Side Of Graffiti

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Based in São Paulo, Binho Ribeiro is currently one of the most influential artistic figures and pioneers of the street art scene in Brazil. At a very young age he witnessed the exciting art of the graffiti and felt immediately drawn to its beauty and representation technique. Today, Ribeiro is the author of vibrant artworks depicting extraordinary 3D texts and different characters inspired by Brazilian wildlife and color. Throughout his career, he has created his flamboyant paintings in places like Paris, Tokyo, Los Angeles, Amsterdam, Beirut, Cape Town, Beijing and almost the entire Brazilian country.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Fabio Luiz Santos Ribeiro, also known as Binho Ribeiro, is a passionate artist and one of the first ones to bring to life the art of the graffiti in Brazil. His career began in 1984 as a result of his experience as a break-dancer and skater. “It was natural for me to express myself through graffiti” he shared with Global Street Art. Other sources of great influence were also his acquaintances with urban artists Os Gemeos and Speto, who would go out to the streets and paint. Little by little, Binho’s graffiti artworks grew in creativity and technique and soon enough he was able to transition from the representation of characters to a fantastic depiction of letters. Nowadays, his humorous style is known worldwide for his balanced contrast of smooth strokes, colors and forms inspired on Brazilian elements.

Nevertheless, Ribeiro’s 3D graffiti letters, illustrations and comical characters are by far his unique interest. He also works to help people, create a better environment for society, and support the street art platform in Brazil. In recent years, he has organized and curated street art cultural events –like the International Biennial of Fine Art Graffiti at the MUBE museum (Museu Brasileiro de Esculturas / Brazilian Museum of Sculptures) - in the hopes of reuniting young artists, expose their work and expand the embellishment of Brazilian streets.

“In Brazil graffiti is an art that educates young people. In many places it is used as a force against crime and vandalism. People support us now and we do projects with a big impact, supported by companies and the government”. – Binho Ribeiro told Global Street Art

Brazil is a country where street art is turning into a way a life. Artists from all over the world travel to Brazilian lands to participate in this collective movement in which they create magnificent works of art in all types of cities and neighborhoods. There is no doubt that in a place with such a powerful source of inspiration and support, the imaginary art of Binho Ribeiro will continue to thrive.

More information on Binho Ribeiro here.

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Fabio Luiz Santos Ribeiro, also known as Binho Ribeiro, is a passionate artist and one of the first ones to bring to life the art of the graffiti in Brazil. His career began in 1984 as a result of his experience as a break-dancer and skater. “It was natural for me to express myself through graffiti” he shared with Global Street Art. Other sources of great influence were also his acquaintances with urban artists Os Gemeos and Speto, who would go out to the streets and paint. Little by little, Binho’s graffiti artworks grew in creativity and technique and soon enough he was able to transition from the representation of characters to a fantastic depiction of letters. Nowadays, his humorous style is known worldwide for his balanced contrast of smooth strokes, colors and forms inspired on Brazilian elements.

Nevertheless, Ribeiro’s 3D graffiti letters, illustrations and comical characters are by far his unique interest. He also works to help people, create a better environment for society, and support the street art platform in Brazil. In recent years, he has organized and curated street art cultural events –like the International Biennial of Fine Art Graffiti at the MUBE museum (Museu Brasileiro de Esculturas / Brazilian Museum of Sculptures) - in the hopes of reuniting young artists, expose their work and expand the embellishment of Brazilian streets.

“In Brazil graffiti is an art that educates young people. In many places it is used as a force against crime and vandalism. People support us now and we do projects with a big impact, supported by companies and the government”. – Binho Ribeiro told Global Street Art

Brazil is a country where street art is turning into a way a life. Artists from all over the world travel to Brazilian lands to participate in this collective movement in which they create magnificent works of art in all types of cities and neighborhoods. There is no doubt that in a place with such a powerful source of inspiration and support, the imaginary art of Binho Ribeiro will continue to thrive.

More information on Binho Ribeiro here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Con residencia en São Paulo, Binho Ribeiro es en la actualidad uno de los pioneros y figuras artísticas más sobresalientes en el mundo del arte urbano en Brasil. A muy temprana edad fue testigo del no tan conocido arte del graffiti y desde entonces se sintió atraído por su belleza y técnica de representación. Hoy en día, Ribeiro es el creador de vibrantes obras de arte que expresan extraordinarios textos en tercera dimensión y diversos personajes cuya inspiración ha nacido de la fauna y los llamativos colores Brasileños. A lo largo de su carrera, Binho ha trabajado en lugares como París, Tokio, Los Ángeles, Ámsterdam, Beirut, Ciudad del Cabo, Beijing y casi todos los estados en Brasil.

Fabio Luiz Santos Ribeiro, también conocido como Binho Ribeiro, es un apasionado artista y uno de los primeros en iniciar el movimiento del arte urbano en Brasil. Su carrera comenzó en 1984 como resultado de sus experiencias como bailarín de break-dance y patinador. “Era natural para mi expresarme a través del graffiti” comentó con Global Street Art. Otras fuentes de inspiración fueron a su vez su amistad con los artistas urbanos Os Gemeos y Speto, con quienes solía salir a las calles a pintar. Poco a poco, los graffitis hechos por Binho evolucionaron en creatividad y técnica y muy pronto fue capaz de crear no solamente personajes sino también fantásticas letras y textos. En la actualidad su estilo lleno de humor es conocido a nivel internacional por su excelente balance de contrastes de líneas suaves, colores y formas inspiradas en elementos Brasileños.

Sin embargo, los graffitis, letras, ilustraciones y cómicos personajes creados por Ribeiro están lejos de ser su único interés. También trabaja para ayudar a la gente, crear un mejor ambiente para la sociedad y apoyar la plataforma del arte urbano en Brasil. En los últimos años, Binho ha sido el organizador y curador de diversos eventos culturales -como el International Biennial of Fine Art Graffiti at the MUBE museum (Museu Brasileiro de Esculturas / Museo Brasileño de Esculturas)- con la esperanza de reunir a artistas jóvenes, exponer su trabajo y expandir la decoración en las calles del país.

“En Brasil el graffiti es un arte que educa a personas jóvenes. En muchos lugares es usado como un arma en contra del crimen y el vandalismo. La gente nos apoya ahora y nosotros creamos proyectos con un gran impacto, muchas veces con el apoyo de diferentes compañías y del gobierno”. Binho Ribeiro dijo a Global Street Art

Brasil es un país donde el arte urbano es una forma de vida. Artistas de todas partes del mundo viajan a las tierras del país sudamericano para participar en este gran movimiento colectivo en donde son capaces de decorar todo tipo de ciudades y vecindarios. No cabe duda de que en un lugar con fuente de inspiración tan grande y un apoyo incondicional, el imaginario arte de Binho Ribeiro continuará prosperando.

Más información sobre Binho Ribeiro aquí.

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Con residencia en São Paulo, Binho Ribeiro es en la actualidad uno de los pioneros y figuras artísticas más sobresalientes en el mundo del arte urbano en Brasil. A muy temprana edad fue testigo del no tan conocido arte del graffiti y desde entonces se sintió atraído por su belleza y técnica de representación. Hoy en día, Ribeiro es el creador de vibrantes obras de arte que expresan extraordinarios textos en tercera dimensión y diversos personajes cuya inspiración ha nacido de la fauna y los llamativos colores Brasileños. A lo largo de su carrera, Binho ha trabajado en lugares como París, Tokio, Los Ángeles, Ámsterdam, Beirut, Ciudad del Cabo, Beijing y casi todos los estados en Brasil.

Fabio Luiz Santos Ribeiro, también conocido como Binho Ribeiro, es un apasionado artista y uno de los primeros en iniciar el movimiento del arte urbano en Brasil. Su carrera comenzó en 1984 como resultado de sus experiencias como bailarín de break-dance y patinador. “Era natural para mi expresarme a través del graffiti” comentó con Global Street Art. Otras fuentes de inspiración fueron a su vez su amistad con los artistas urbanos Os Gemeos y Speto, con quienes solía salir a las calles a pintar. Poco a poco, los graffitis hechos por Binho evolucionaron en creatividad y técnica y muy pronto fue capaz de crear no solamente personajes sino también fantásticas letras y textos. En la actualidad su estilo lleno de humor es conocido a nivel internacional por su excelente balance de contrastes de líneas suaves, colores y formas inspiradas en elementos Brasileños.

Sin embargo, los graffitis, letras, ilustraciones y cómicos personajes creados por Ribeiro están lejos de ser su único interés. También trabaja para ayudar a la gente, crear un mejor ambiente para la sociedad y apoyar la plataforma del arte urbano en Brasil. En los últimos años, Binho ha sido el organizador y curador de diversos eventos culturales -como el International Biennial of Fine Art Graffiti at the MUBE museum (Museu Brasileiro de Esculturas / Museo Brasileño de Esculturas)- con la esperanza de reunir a artistas jóvenes, exponer su trabajo y expandir la decoración en las calles del país.

“En Brasil el graffiti es un arte que educa a personas jóvenes. En muchos lugares es usado como un arma en contra del crimen y el vandalismo. La gente nos apoya ahora y nosotros creamos proyectos con un gran impacto, muchas veces con el apoyo de diferentes compañías y del gobierno”. Binho Ribeiro dijo a Global Street Art

Brasil es un país donde el arte urbano es una forma de vida. Artistas de todas partes del mundo viajan a las tierras del país sudamericano para participar en este gran movimiento colectivo en donde son capaces de decorar todo tipo de ciudades y vecindarios. No cabe duda de que en un lugar con fuente de inspiración tan grande y un apoyo incondicional, el imaginario arte de Binho Ribeiro continuará prosperando.

Más información sobre Binho Ribeiro aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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December 17, 2014 - No Comments!

★ Marie Rime (SW) | The New Portrayal Of Tribal Art

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Tribal art is the fundamental constituent in some of Marie Rime’s most recognized works. Recently graduated from the bachelor in Photography at ECAL, this talented 24-year-old Swiss artist has created remarkable masques that bear a resemblance to those used in antique ceremonial rituals. Her unique ability to transform multiple objects into her fantastic costumes have helped defined her eccentric and colorful style.


[Ver artículo en español abajo]

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Native from Charmey, Switzerland and currently based in Lausanne, Marie Rime has taken the essence of the art of indigenous cultures and adapted it to her own artistic and quirky masks, headpieces and collars. Using tribal art as her main source of inspiration, Rime works with different every-day materials to analyze her impressions regarding a broad extension of subjects. What started as pieces glued to Rime’s own head, eventually resulted in flamboyant artworks of an extraordinary conception, detail and craftsmanship.

Among her most distinguished collections are “Masques”, a project about the meaning of games and the role of players in which Rime crafted masks gluing cards and board game pieces together; “Armures”, an exploration of the relationship between ornament, power and war; and “Symétrie de pouvoir”, a series of images that analyze the concept of symmetry taking as a starting point the butterfly.

“I like that you can see that it's handmade and where the paper background ends at the bottom. It sets the person in the image, like a statue". – Marie Rime told The Guardian

Of an imposing, geometric and elaborate nature, Marie Rime’s female portraits have been exhibited in countries like France, Italy, China and Switzerland.

More information on Marie Rime here.

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Native from Charmey, Switzerland and currently based in Lausanne, Marie Rime has taken the essence of the art of indigenous cultures and adapted it to her own artistic and quirky masks, headpieces and collars. Using tribal art as her main source of inspiration, Rime works with different every-day materials to analyze her impressions regarding a broad extension of subjects. What started as pieces glued to Rime’s own head, eventually resulted in flamboyant artworks of an extraordinary conception, detail and craftsmanship.

Among her most distinguished collections are “Masques”, a project about the meaning of games and the role of players in which Rime crafted masks gluing cards and board game pieces together; “Armures”, an exploration of the relationship between ornament, power and war; and “Symétrie de pouvoir”, a series of images that analyze the concept of symmetry taking as a starting point the butterfly.

“I like that you can see that it's handmade and where the paper background ends at the bottom. It sets the person in the image, like a statue". – Marie Rime told The Guardian

Of an imposing, geometric and elaborate nature, Marie Rime’s female portraits have been exhibited in countries like France, Italy, China and Switzerland.

More information on Marie Rime here.

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Recién graduada de la carrera de Fotografía en el ECAL, la talentosa artista de 24 años Marie Rime ha creado extraordinarias máscaras que llevan al observador a recordar aquellos disfraces utilizados en antiguas ceremonias y rituales. Su gran habilidad por transformar múltiples objetos en fantásticos vestuarios la han ayudado a definir su excéntrico y colorido estilo.

Proveniente de la región de Charmey en Suiza y actualmente ubicada en Lausanne, Marie Rime ha adaptado la esencia del arte de las culturas indígenas en sus extravagantes máscaras, collares y tocados. Tomando el arte tribal como principal fuente de inspiración, Rime utiliza diferentes objetos de la vida diaria para analizar su opinión y postura acerca de diversos temas. Lo que comenzó como un proceso de adherir los objetos a la propia cabeza de la artista, terminó convirtiéndose en un conjunto de obras de arte de una calidad, concepto y detalle sorprendentes.

Entre sus colecciones más famosas se encuentran “Masques”, un proyecto que habla del significado de los juegos y el papel que fungen los jugadores en el que Rime creó máscaras a partir de diversas piezas de juegos de mesa y cartas; “Armures”, una serie de imágenes que exploran la relación entre decoración, poder y guerra; y “Symétrie de pouvoir”, un proyecto sobre el análisis de lo simétrico que toma como base a la mariposa.

“Me gusta que el observador puede distinguir que es hecho a mano así como dónde termina el papel del fondo. Pienso que ubica a la persona en la imagen, algo así como una estatua”. – Marie Rime compartió con The Guardian

De una naturaleza imponente, geométrica y altamente compleja, los retratos femeninos de Marie Rime han sido exhibidos en países como Francia, China, Italia y Suiza.

Más información sobre Marie Rime aquí.

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Recién graduada de la carrera de Fotografía en el ECAL, la talentosa artista de 24 años Marie Rime ha creado extraordinarias máscaras que llevan al observador a recordar aquellos disfraces utilizados en antiguas ceremonias y rituales. Su gran habilidad por transformar múltiples objetos en fantásticos vestuarios la han ayudado a definir su excéntrico y colorido estilo.

Proveniente de la región de Charmey en Suiza y actualmente ubicada en Lausanne, Marie Rime ha adaptado la esencia del arte de las culturas indígenas en sus extravagantes máscaras, collares y tocados. Tomando el arte tribal como principal fuente de inspiración, Rime utiliza diferentes objetos de la vida diaria para analizar su opinión y postura acerca de diversos temas. Lo que comenzó como un proceso de adherir los objetos a la propia cabeza de la artista, terminó convirtiéndose en un conjunto de obras de arte de una calidad, concepto y detalle sorprendentes.

Entre sus colecciones más famosas se encuentran “Masques”, un proyecto que habla del significado de los juegos y el papel que fungen los jugadores en el que Rime creó máscaras a partir de diversas piezas de juegos de mesa y cartas; “Armures”, una serie de imágenes que exploran la relación entre decoración, poder y guerra; y “Symétrie de pouvoir”, un proyecto sobre el análisis de lo simétrico que toma como base a la mariposa.

“Me gusta que el observador puede distinguir que es hecho a mano así como dónde termina el papel del fondo. Pienso que ubica a la persona en la imagen, algo así como una estatua”. – Marie Rime compartió con The Guardian

De una naturaleza imponente, geométrica y altamente compleja, los retratos femeninos de Marie Rime han sido exhibidos en países como Francia, China, Italia y Suiza.

Más información sobre Marie Rime aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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December 10, 2014 - No Comments!

★ Darren Moore (UK) | Long Exposure Mastermind

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Darren Moore’s passion to create his own delicate white and black landscapes began in 2008 after looking at Michael Levin’s long exposure photograph “Reveal”. Such technique allows the artist to capture static objects in full detail while the moving ones appear softly blurred. Today, specialized in daytime long exposure photography, Moore creates ethereal and dreamlike atmospheres enhancing the beauty and peacefulness of isolated places. His work has been exhibited in countries like Australia, USA, Canada, France and the UK.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Based in Surrey, England, self-thought photographer Darren Moore has mastered the art of long exposure photography during daytime. Using this technique he captures fully-detailed motionless objects -like bridges, buildings, rocks, shipwrecks, and other elements of nature and mankind-, usually surrounded by a blurred and faded firmament or by serene and almost imperceptible sea waters. Taken mostly at the break of the dawn, Moore’s photographs are the result of a camera’s filter time exposition that ranges from 30 seconds to 15 minutes.

It is during that exposure phase that all elements must be as accurate as possible. That is why, in order to achieve such level of perfection, Moore visits the selected place in several occasions, studies the weather, the setting, the tides, the composition, the light, and even the likelihood of fog, which for the artist is the greatest bonus due to the unique effect that it can give to the image. He works primarily with different hues of whites, blacks and greys to help the viewer appreciate the simple forms at their full extent.

Darren Moore’s style is simple, sinister and at times extraordinarily symmetric. The nature of his work has taken him to enjoy the isolation and mystery that comes with the conception of a new image. During his trajectory he has discovered that the difficult time-consuming creative process of each take is essential to generate new ideas and to recognize the hidden beauty of each place.

More information on Darren Moore here.

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Based in Surrey, England, self-thought photographer Darren Moore has mastered the art of long exposure photography during daytime. Using this technique he captures fully-detailed motionless objects -like bridges, buildings, rocks, shipwrecks, and other elements of nature and mankind-, usually surrounded by a blurred and faded firmament or by serene and almost imperceptible sea waters. Taken mostly at the break of the dawn, Moore’s photographs are the result of a camera’s filter time exposition that ranges from 30 seconds to 15 minutes.

It is during that exposure phase that all elements must be as accurate as possible. That is why, in order to achieve such level of perfection, Moore visits the selected place in several occasions, studies the weather, the setting, the tides, the composition, the light, and even the likelihood of fog, which for the artist is the greatest bonus due to the unique effect that it can give to the image. He works primarily with different hues of whites, blacks and greys to help the viewer appreciate the simple forms at their full extent.

Darren Moore’s style is simple, sinister and at times extraordinarily symmetric. The nature of his work has taken him to enjoy the isolation and mystery that comes with the conception of a new image. During his trajectory he has discovered that the difficult time-consuming creative process of each take is essential to generate new ideas and to recognize the hidden beauty of each place.

More information on Darren Moore here.

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La pasión del artista autodidacta Darren Moore por crear sus propias imágenes en blanco y negro nació al observar por primera vez en el 2008 la fotografía “Reveal”, realizada bajo la técnica de larga exposición por el artista Michael Levin. Hoy en día, Moore se especializa en dicha técnica, la cual permite que los elementos estáticos sean capturados con gran detalle, mientras que los elementos en movimiento son reproducidos con un cierto nivel de desenfoque. Sus imágenes han sido exhibidas en países como Australia, Estados Unidos, Canadá, Francia y el Reino Unido.

Ubicado en Surrey, Inglaterra, el trabajo de Darren Moore incluye magníficos paisajes con puentes, edificios, rocas, barcos y otros elementos, en los que se destaca la belleza de un cielo, atmósfera u horizonte poco definidos. Realizadas casi siempre antes del amanecer, las fotografías de Moore son el producto de una exposición que va de los 30 segundos a los 15 minutos.

Es durante este tiempo que todos los elementos deben de encajar de la mejor manera posible y para asegurarse de que así sea, Moore visita el lugar en repetidas ocasiones, analiza el clima, el espacio, la marea, la composición, la luz, e incluso la probabilidad de que haya niebla, ya que ésta produce efectos únicos en las imágenes. Darren Moore trabaja con diferentes tonalidades de blancos, negros y grises con el objetivo de permitir al observador enfocar su total atención en formas sencillas.

El estilo de Darren Moore es simple, siniestro y en ocasiones asombrosamente simétrico. La naturaleza de su trabajo lo ha llevado a disfrutar de la soledad y misterio que caracterizan la concepción de una nueva fotografía. Durante su trayectoria, ha descubierto que el largo proceso creativo de cada toma es necesario para generar nuevas ideas y para reconocer la belleza que se esconde en cada lugar.

Más información sobre Darren Moore aquí.

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La pasión del artista autodidacta Darren Moore por crear sus propias imágenes en blanco y negro nació al observar por primera vez en el 2008 la fotografía “Reveal”, realizada bajo la técnica de larga exposición por el artista Michael Levin. Hoy en día, Moore se especializa en dicha técnica, la cual permite que los elementos estáticos sean capturados con gran detalle, mientras que los elementos en movimiento son reproducidos con un cierto nivel de desenfoque. Sus imágenes han sido exhibidas en países como Australia, Estados Unidos, Canadá, Francia y el Reino Unido.

Ubicado en Surrey, Inglaterra, el trabajo de Darren Moore incluye magníficos paisajes con puentes, edificios, rocas, barcos y otros elementos, en los que se destaca la belleza de un cielo, atmósfera u horizonte poco definidos. Realizadas casi siempre antes del amanecer, las fotografías de Moore son el producto de una exposición que va de los 30 segundos a los 15 minutos.

Es durante este tiempo que todos los elementos deben de encajar de la mejor manera posible y para asegurarse de que así sea, Moore visita el lugar en repetidas ocasiones, analiza el clima, el espacio, la marea, la composición, la luz, e incluso la probabilidad de que haya niebla, ya que ésta produce efectos únicos en las imágenes. Darren Moore trabaja con diferentes tonalidades de blancos, negros y grises con el objetivo de permitir al observador enfocar su total atención en formas sencillas.

El estilo de Darren Moore es simple, siniestro y en ocasiones asombrosamente simétrico. La naturaleza de su trabajo lo ha llevado a disfrutar de la soledad y misterio que caracterizan la concepción de una nueva fotografía. Durante su trayectoria, ha descubierto que el largo proceso creativo de cada toma es necesario para generar nuevas ideas y para reconocer la belleza que se esconde en cada lugar.

Más información sobre Darren Moore aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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December 3, 2014 - No Comments!

★ Iris Van Herpen (NE) | A Future Of Sculptural Fashion

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Always surrounded by multi-disciplinary artists and scientists, Dutch fashion designer Iris Van Herpen creates enigmatic garments made out of brand-new materials, innovative technologies and eclectic manufacture techniques. Her bizarre inspiration, futuristic style and unusual fabrication process have made her designs attractive to eccentric celebrities like Björk, Lady Gaga and Beyoncé.


[Ver artículo en español abajo]

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Native from the town of Wamel in The Netherlands, 30-year-old Iris Van Herpen has rapidly positioned herself as one of the most transcendental fashion designers in the international couture industry. With a background in Fashion Design at the Artez Institute of the Arts in Arnhem and internships at Alexander McQueen in London and Claudy Jongstra in Amsterdam, Van Herpen’s futuristic style has become her most fascinating trademark.

Since the conception of her label in 2007, Van Herpen’s collections have been characterized by their fictional style, which is only achieved through the hard work of a multi-disciplinary team. A professional group of artists, architects, photographers, dancers, musicians, and scientists, to mention just a few, work together to manufacture entirely new materials, forms and structures that can jointly become a medium of a woman’s self-expression.

“For me fashion is an expression of art that is very close related to me and to my body. I see it as my expression of identity combined with desire, moods and cultural setting. In all my work I try to make clear that fashion is an artistic expression, showing and wearing art, and not just a functional and devoid of content or commercial tool.” – Shared Iris Van Herpen on her website.

With no specific design laid out, Iris Van Herpen starts the creative process of each garment with only a vision in her mind that she explains to her co-workers. Such idea develops into unexpected features as the fabrication procedure progresses. The final piece is a masterful combination of a diligent craftsmanship and exclusive production techniques – particularly 3D printing, injection molding, and laser cutting- which give the clothing a sculpture-like appearance that remarkably adapts to the body’s movement.

Among her most remarkable collections are her Autumn/Winter 2014 exhibition "Biopiracy", in which her models were suspended in a fetus-like position within a vacuumed plastic installation wearing gleaming dresses; “Crystallization”, a digitally printed collection of garments based on the transformation of liquids into crystals; “Mummification”, a couture collection based on the Egyptian mummies and their wrapping practices; and her Spring/Summer 2015 exhibition titled "Magnetic Motion", which depicts magnetic clothing inspiried by the fusion of technology and nature.

With a strong passion for dancing and other creative disciplines, like painting and sculpting, Iris Van Herpen continues to create beautiful and elusive garments. She never lets that ordinary fabrics limit her creativity and point out how far she can go with her designs. For her, anything is possible within the realm of fashion.

More information on Iris Van Herpen here.

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Native from the town of Wamel in The Netherlands, 30-year-old Iris Van Herpen has rapidly positioned herself as one of the most transcendental fashion designers in the international couture industry. With a background in Fashion Design at the Artez Institute of the Arts in Arnhem and internships at Alexander McQueen in London and Claudy Jongstra in Amsterdam, Van Herpen’s futuristic style has become her most fascinating trademark.

Since the conception of her label in 2007, Van Herpen’s collections have been characterized by their fictional style, which is only achieved through the hard work of a multi-disciplinary team. A professional group of artists, architects, photographers, dancers, musicians, and scientists, to mention just a few, work together to manufacture entirely new materials, forms and structures that can jointly become a medium of a woman’s self-expression.

“For me fashion is an expression of art that is very close related to me and to my body. I see it as my expression of identity combined with desire, moods and cultural setting. In all my work I try to make clear that fashion is an artistic expression, showing and wearing art, and not just a functional and devoid of content or commercial tool.” – Shared Iris Van Herpen on her website.

With no specific design laid out, Iris Van Herpen starts the creative process of each garment with only a vision in her mind that she explains to her co-workers. Such idea develops into unexpected features as the fabrication procedure progresses. The final piece is a masterful combination of a diligent craftsmanship and exclusive production techniques – particularly 3D printing, injection molding, and laser cutting- which give the clothing a sculpture-like appearance that remarkably adapts to the body’s movement.

Among her most remarkable collections are her Autumn/Winter 2014 exhibition "Biopiracy", in which her models were suspended in a fetus-like position within a vacuumed plastic installation wearing gleaming dresses; “Crystallization”, a digitally printed collection of garments based on the transformation of liquids into crystals; “Mummification”, a couture collection based on the Egyptian mummies and their wrapping practices; and her Spring/Summer 2015 exhibition titled "Magnetic Motion", which depicts magnetic clothing inspiried by the fusion of technology and nature.

With a strong passion for dancing and other creative disciplines, like painting and sculpting, Iris Van Herpen continues to create beautiful and elusive garments. She never lets that ordinary fabrics limit her creativity and point out how far she can go with her designs. For her, anything is possible within the realm of fashion.

More information on Iris Van Herpen here.

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Rodeada continuamente por científicos y artistas provenientes de distintas disciplinas, la diseñadora de modas holandesa Iris Van Herpen se dedica a crear enigmáticas prendas de vestir a partir de innovadores materiales y tecnologías y eclécticas técnicas de producción. Sus vanguardistas diseños son el resultado de una extraña fuente inspiración, un estilo futurista y un inusual proceso creativo que han atraído a excéntricas celebridades como Björk, Lady Gaga y Beyoncé.

Proveniente de la ciudad de Wamel, Holanda y con tan solo 30 años de edad, Iris Van Herpen se ha posicionado rápidamente como una de las más trascendentales diseñadoras de moda en la industria internacional de alta costura. Estudió Diseño de Modas en el Artez Institute of the Arts en Arnhem y adquirió experiencia en las casas de moda Alexander McQueen en Londres y Claudy Jongstra en Ámsterdam. Su innovador estilo la ha diferenciado del resto desde la concepción de su marca en el año 2007.

Desde sus inicios, las colecciones de Van Herpen se han distinguido por su magnífico estilo de naturaleza ficticia el cual es logrado gracias a un arduo trabajo de equipo. Artistas, arquitectos, fotógrafos, bailarines, músicos y científicos profesionales –entre otros- trabajan en conjunto para crear materiales, formas y estructuras completamente nuevas que al unirse sean capaces de formar un medio de expresión para la mujer que los viste.

“Para mí, la moda es una expresión del arte que se relaciona directamente conmigo y con mi cuerpo. La veo como una expresión de identidad combinada con deseo, carácter y ambiente cultural. En todos mis diseños trato de dejar en claro que la moda –el mostrarla y el vestirla- es una forma de expresión artística y no una herramienta comercial sin significado.” – Iris Van Herpen comenta en su página de Internet.

El proceso creativo de la diseñadora holandesa es una experiencia totalmente diferente. Comienza la fabricación de cada prenda únicamente con una idea/imagen en su mente, la cual comparte con su equipo de trabajo y toma formas inesperadas conforme el proceso se desarrolla. La pieza final se convierte en una magnífica combinación de trabajo artesanal y técnicas de producción exclusivas -como impresión en 3D, moldeado por inyección y cortes con láser- las cuales dan al vestido una apariencia escultórica que de manera notable se adapta al movimiento del cuerpo.

Entre sus colecciones más sobresalientes se encuentran su exhibición de Otoño/Invierno 2014 "Biopiracy", en la cual sus modelos vistieron brillantes vestidos y fueron suspendidas en posición fetal en una instalación plástica a la que se le extrajo el aire; “Cristalización”, prendas impresas en 3D inspirada en la transformación de líquidos en cristales; “Mummification”, una colección basada en las momias egipcias y sus prácticas de envoltura; y su exhibición Primavera/Verano 2015 titulada "Magnetic Motion", la cual presenta vestidos fabricados con imanes y está inspirada en la fusión de la tecnoloía y la naturaleza.

Apasionada por el baile y otras disciplinas creativas, como la pintura y la escultura, Iris van Herpen continua creando sorprendentes prendas de alta costura. Jamás permite que lo ordinario de un material textil la limite y le indique hasta dónde puede llegar como diseñadora. Para ella, todo es posible dentro del mundo de la moda.

Más información sobre Iris Van Herpen aquí.

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Rodeada continuamente por científicos y artistas provenientes de distintas disciplinas, la diseñadora de modas holandesa Iris Van Herpen se dedica a crear enigmáticas prendas de vestir a partir de innovadores materiales y tecnologías y eclécticas técnicas de producción. Sus vanguardistas diseños son el resultado de una extraña fuente inspiración, un estilo futurista y un inusual proceso creativo que han atraído a excéntricas celebridades como Björk, Lady Gaga y Beyoncé.

Proveniente de la ciudad de Wamel, Holanda y con tan solo 30 años de edad, Iris Van Herpen se ha posicionado rápidamente como una de las más trascendentales diseñadoras de moda en la industria internacional de alta costura. Estudió Diseño de Modas en el Artez Institute of the Arts en Arnhem y adquirió experiencia en las casas de moda Alexander McQueen en Londres y Claudy Jongstra en Ámsterdam. Su innovador estilo la ha diferenciado del resto desde la concepción de su marca en el año 2007.

Desde sus inicios, las colecciones de Van Herpen se han distinguido por su magnífico estilo de naturaleza ficticia el cual es logrado gracias a un arduo trabajo de equipo. Artistas, arquitectos, fotógrafos, bailarines, músicos y científicos profesionales –entre otros- trabajan en conjunto para crear materiales, formas y estructuras completamente nuevas que al unirse sean capaces de formar un medio de expresión para la mujer que los viste.

“Para mí, la moda es una expresión del arte que se relaciona directamente conmigo y con mi cuerpo. La veo como una expresión de identidad combinada con deseo, carácter y ambiente cultural. En todos mis diseños trato de dejar en claro que la moda –el mostrarla y el vestirla- es una forma de expresión artística y no una herramienta comercial sin significado.” – Iris Van Herpen comenta en su página de Internet.

El proceso creativo de la diseñadora holandesa es una experiencia totalmente diferente. Comienza la fabricación de cada prenda únicamente con una idea/imagen en su mente, la cual comparte con su equipo de trabajo y toma formas inesperadas conforme el proceso se desarrolla. La pieza final se convierte en una magnífica combinación de trabajo artesanal y técnicas de producción exclusivas -como impresión en 3D, moldeado por inyección y cortes con láser- las cuales dan al vestido una apariencia escultórica que de manera notable se adapta al movimiento del cuerpo.

Entre sus colecciones más sobresalientes se encuentran su exhibición de Otoño/Invierno 2014 "Biopiracy", en la cual sus modelos vistieron brillantes vestidos y fueron suspendidas en posición fetal en una instalación plástica a la que se le extrajo el aire; “Cristalización”, prendas impresas en 3D inspirada en la transformación de líquidos en cristales; “Mummification”, una colección basada en las momias egipcias y sus prácticas de envoltura; y su exhibición Primavera/Verano 2015 titulada "Magnetic Motion", la cual presenta vestidos fabricados con imanes y está inspirada en la fusión de la tecnoloía y la naturaleza.

Apasionada por el baile y otras disciplinas creativas, como la pintura y la escultura, Iris van Herpen continua creando sorprendentes prendas de alta costura. Jamás permite que lo ordinario de un material textil la limite y le indique hasta dónde puede llegar como diseñadora. Para ella, todo es posible dentro del mundo de la moda.

Más información sobre Iris Van Herpen aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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