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Archives for October 2014

October 29, 2014 - No Comments!

★ V ARE (AU) | Presenting The Unknown

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

V ARE ["we are"], a creative duo based in Vienna, Austria formed by Adia Trischler and Andreas Waldschuetz, specializes in the combination of music, light, visual elements and space in order to generate their own whimsical interpretations of life. BREATHE”, their last collaborative undertaking, is another one of their captivating projects that has left multiple visitors immersed in a deep mayhem of complex sensations and abstract thoughts.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Adia Trischler is a film director and creative consultant from New York with an extensive background in fashion, style and theater. Andreas Waldschuetz is a fashion photographer and video artist originally from Vienna, Austria. During the last years, these two talented artists have pursued the ambition of discovering unexplored surroundings and new creative minds with the sole purpose of producing a brand-new hub for upcoming artists.

Supported by different types of documentation like film, press and vinyl, Trischler and Waldschuetz expose unseen forms of art with the aim of generating an eclectic network of talent and revolutionary ideas.

Their more recent collective project “BREATHE” was an art film successfully presented at an abandoned building in Altes Zollamt, Austria. From October 17 to October 26, the spectator became part of the fictional story by being guided through different settings around the mysterious and somber exhibition. An extraordinary use of light, shadows and theatrical production made of the project a unique experience in which feelings and memories were strongly stimulated.

The event also included the performance of dancer Mickey Mahar and musician Manu Mayr, as well as the presentation of fashion designer Andrea Cammarosano and Vienna-based jewelry label Henwoodcraft.

More information on V ARE here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Adia Trischler is a film director and creative consultant from New York with an extensive background in fashion, style and theater. Andreas Waldschuetz is a fashion photographer and video artist originally from Vienna, Austria. During the last years, these two talented artists have pursued the ambition of discovering unexplored surroundings and new creative minds with the sole purpose of producing a brand-new hub for upcoming artists.

Supported by different types of documentation like film, press and vinyl, Trischler and Waldschuetz expose unseen forms of art with the aim of generating an eclectic network of talent and revolutionary ideas.

Their more recent collective project “BREATHE” was an art film successfully presented at an abandoned building in Altes Zollamt, Austria. From October 17 to October 26, the spectator became part of the fictional story by being guided through different settings around the mysterious and somber exhibition. An extraordinary use of light, shadows and theatrical production made of the project a unique experience in which feelings and memories were strongly stimulated.

The event also included the performance of dancer Mickey Mahar and musician Manu Mayr, as well as the presentation of fashion designer Andrea Cammarosano and Vienna-based jewelry label Henwoodcraft.

More information on V ARE here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Ubicado en la ciudad de Viena, Austria, V ARE ["we are" / “nosotros somos”] es un dúo creativo conformado por los artistas Adia Trischler y Andreas Waldschuetz quienes se especializan en la combinación de música, luz, elementos visuales y espacios para la generación de sus propias interpretaciones de la realidad. “BREATHE” [“respirar”] constituye su último proyecto artístico, el cual dejó inmersos a los múltiples espectadores en un profundo estado abstracto de desconcierto.

Proveniente de Nueva York, Adia Trischler es una directora de cine y consultora creativa con amplia experiencia en los rubros de la moda, el estilo y el teatro. Por su parte, Andreas Waldschuetz es un fotógrafo de moda y un hábil creador de videos originario de Viena, Austria. Durante los últimos años, ambos personajes han puesto en práctica el descubrimiento y exhibición de nuevas y extrañas locaciones así como nuevas mentes creativas, con el fin de generar una plataforma única para los artistas emergentes.

Utilizando diversos elementos para documentar su trabajo, como videos, la prensa y discos de vinilo, Trischler y Waldschuetz se dedican a exponer desconocidas formas de arte con el propósito de crear una red de contactos e ideas totalmente ecléctica.

Su más reciente trabajo colectivo “BREATHE” consistió en la creación y exitosa exhibición de su trabajo cinematográfico en un edificio abandonado en Altes Zollamt, Austria. Desde el 17 de Octubre hasta el 26 del mismo mes, el espectador se volvió parte de la historia creativa al ser dirigido por diversas habitaciones dentro de un ambiente sombrío y lleno de misterio. El extraordinario uso de luz y sombras, así como una excelente producción teatral, hizo del proyecto una experiencia única que estimuló todo tipo de sentimientos y recuerdos en la mente del visitante.

El evento también incluyó el desempeño del bailarín Mickey Mahar y el músico Manu Mayr, así como la presentación de la diseñadora de modas Andrea Cammarosano y la marca de joyas localizada en Viana, Henwoodcraft.

Más información sobre V ARE aquí.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Ubicado en la ciudad de Viena, Austria, V ARE ["we are" / “nosotros somos”] es un dúo creativo conformado por los artistas Adia Trischler y Andreas Waldschuetz quienes se especializan en la combinación de música, luz, elementos visuales y espacios para la generación de sus propias interpretaciones de la realidad. “BREATHE” [“respirar”] constituye su último proyecto artístico, el cual dejó inmersos a los múltiples espectadores en un profundo estado abstracto de desconcierto.

Proveniente de Nueva York, Adia Trischler es una directora de cine y consultora creativa con amplia experiencia en los rubros de la moda, el estilo y el teatro. Por su parte, Andreas Waldschuetz es un fotógrafo de moda y un hábil creador de videos originario de Viena, Austria. Durante los últimos años, ambos personajes han puesto en práctica el descubrimiento y exhibición de nuevas y extrañas locaciones así como nuevas mentes creativas, con el fin de generar una plataforma única para los artistas emergentes.

Utilizando diversos elementos para documentar su trabajo, como videos, la prensa y discos de vinilo, Trischler y Waldschuetz se dedican a exponer desconocidas formas de arte con el propósito de crear una red de contactos e ideas totalmente ecléctica.

Su más reciente trabajo colectivo “BREATHE” consistió en la creación y exitosa exhibición de su trabajo cinematográfico en un edificio abandonado en Altes Zollamt, Austria. Desde el 17 de Octubre hasta el 26 del mismo mes, el espectador se volvió parte de la historia creativa al ser dirigido por diversas habitaciones dentro de un ambiente sombrío y lleno de misterio. El extraordinario uso de luz y sombras, así como una excelente producción teatral, hizo del proyecto una experiencia única que estimuló todo tipo de sentimientos y recuerdos en la mente del visitante.

El evento también incluyó el desempeño del bailarín Mickey Mahar y el músico Manu Mayr, así como la presentación de la diseñadora de modas Andrea Cammarosano y la marca de joyas localizada en Viana, Henwoodcraft.

Más información sobre V ARE aquí.

[/cd_text][/cd_tabs][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

 

 

★ By Dalia Vasquez

 

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October 22, 2014 - No Comments!

★ Suzan Drummen (NE) | Radiant Juxtaposition Of Contrasts

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Suzan Drummen is a Dutch artist that decorates urban settings with her large-scale floor installations mainly made out of mirrors and colored glass. Her artworks are the result of an incredible patient and time-consuming process of selection and arrangement of elements that challenge the viewer’s reality and perception of space and architecture.


[Ver artículo en español abajo]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_text] drummen17 drummen1 drummen2 drummen5 drummen7 drummen9 drummen10 drummen12 drummen18 [/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Working as a visual arts teacher in the Netherlands, Suzan Drummen has attracted the viewer’s attention thanks to her hypnotic and bright installations. With a background in painting, Drummen ended up creating fascinating floor artistic mosaics as a result of her passion for collecting glass and shiny objects. It was in 2003 that while taking part of an exhibition, she discovered the joy of randomly placing crystals on the floor with the purpose of beautifying an empty space.

Suzan’s complex circular patterns have been exhibited in many indoors and outdoors galleries in Hong Kong, Amsterdam, The Hague, Chicago, and Zurich, among other places. She loves having the opportunity to manipulate so many different environments by analyzing the idea of optical effects and illusions. With her creations, she can direct the viewer’s glance and create the impression that a room is smaller or bigger than its reality.

Based on the scale of the project and the space, Drummen’s creative process takes from 1 to 3 weeks to be completed. Usually helped by a team of 6 to 10 people, the artist uses different materials to create her kaleidoscopic compositions: colored crystals, chrome-plated metals, precious stones, mirrors and optical glasses. Looking at the artwork from a far distance is a totally different experience upon looking at it more closely. The accumulation and repetition of objects gradually cause confusion and dizziness on the viewer’s mind, and the realization that each piece that forms the artwork is placed loosely on the floor always causes great astonishment.

Drummen works without a drawn design. She achieves extraordinary symmetrical compositions by entirely looking at the space available. “The whole atmosphere actually guides me” she says. “I check the light, the route of the visitors, the colors, the height, etc., on spot.” Every location is unique and it requires different approaches. Suzan works slowly, playing with the elements, changing their position and improvising. “This is obviously not the most convenient or clever way of working, but, in the end, in this way I reach the best and most surprising result.”

Among her more challenging projects in 2014 is her collaboration with fashion designer Christie Vander Haak, in which Drummen associated her sparkling art to Vander Haak’s cloth patterns and produced floor installations that resemble beautiful textiles; and her project at a station/shopping mall in Hong Kong, in which the artist used more than 15,000 stones.

More information on Suzan Drummen here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Working as a visual arts teacher in the Netherlands, Suzan Drummen has attracted the viewer’s attention thanks to her hypnotic and bright installations. With a background in painting, Drummen ended up creating fascinating floor artistic mosaics as a result of her passion for collecting glass and shiny objects. It was in 2003 that while taking part of an exhibition, she discovered the joy of randomly placing crystals on the floor with the purpose of beautifying an empty space.

Suzan’s complex circular patterns have been exhibited in many indoors and outdoors galleries in Hong Kong, Amsterdam, The Hague, Chicago, and Zurich, among other places. She loves having the opportunity to manipulate so many different environments by analyzing the idea of optical effects and illusions. With her creations, she can direct the viewer’s glance and create the impression that a room is smaller or bigger than its reality.

Based on the scale of the project and the space, Drummen’s creative process takes from 1 to 3 weeks to be completed. Usually helped by a team of 6 to 10 people, the artist uses different materials to create her kaleidoscopic compositions: colored crystals, chrome-plated metals, precious stones, mirrors and optical glasses. Looking at the artwork from a far distance is a totally different experience upon looking at it more closely. The accumulation and repetition of objects gradually cause confusion and dizziness on the viewer’s mind, and the realization that each piece that forms the artwork is placed loosely on the floor always causes great astonishment.

Drummen works without a drawn design. She achieves extraordinary symmetrical compositions by entirely looking at the space available. “The whole atmosphere actually guides me” she says. “I check the light, the route of the visitors, the colors, the height, etc., on spot.” Every location is unique and it requires different approaches. Suzan works slowly, playing with the elements, changing their position and improvising. “This is obviously not the most convenient or clever way of working, but, in the end, in this way I reach the best and most surprising result.”

Among her more challenging projects in 2014 is her collaboration with fashion designer Christie Vander Haak, in which Drummen associated her sparkling art to Vander Haak’s cloth patterns and produced floor installations that resemble beautiful textiles; and her project at a station/shopping mall in Hong Kong, in which the artist used more than 15,000 stones.

More information on Suzan Drummen here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Suzan Drummen es una artista holandesa que se dedica a decorar lugares públicos con sus grandes y brillantes instalaciones ubicadas en el suelo. Éstas están fabricadas principalmente con espejos y cristales de colores y son el resultado de un exhaustivo y paciente proceso de selección y colocación de elementos. Sus hipnóticas composiciones desafían la realidad y alteran la percepción que el observador tiene del espacio y su arquitectura.

Con amplia experiencia en el mundo de la pintura, Suzan Drummen trabaja hoy en día como profesora de artes visuales en Holanda. Fue su pasión por coleccionar cristales y objetos brillantes la que la llevó a crear fascinantes mosaicos artísticos en el suelo. En el año 2003, mientras formaba parte de una exhibición, Suzan descubrió el placer de posicionar una y otra vez cristales sobre una superficie con el simple objetivo de embellecer dicho espacio.

Sus complejos patrones circulares han sido exhibidos dentro y fuera de galerías y sitios urbanos en Hong Kong, Ámsterdam, La Haya, Chicago y Zúrich, entre otros lugares. Uno de los aspectos que más disfruta de su experiencia trabajando en diversos ambientes públicos es su oportunidad de manipular y alterar el espacio que la rodea. Su trabajo consiste en analizar efectos ópticos y de ilusión, y al hacerlo, logra dirigir la mirada del observador y crear la impresión de que un cuarto es más pequeño o más grande de lo que es en realidad.

Dependiendo de la complejidad del trabajo a realizar y el espacio disponible, Suzan dedica de 1 a 3 semanas por proyecto. Normalmente trabaja con un equipo de 6 a 10 personas y con su ayuda, la artista logra crear magníficas composiciones caleidoscópicas utilizando materiales como cristales de colores, metales cromados, piedras preciosas, espejos y cristales ópticos. Observar su obra de arte final es una experiencia única, sin embargo, mirarla a menor distancia crea diversas impresiones en el observador. Por un lado, la acumulación y repetición de los objetos termina por causar un grado creciente de confusión y mareo en la mente del espectador; por otra parte, el darse cuenta de que cada uno de los objetos que conforman la obra está suelto en el suelo, causa gran impresión en el mismo.

La artista no utiliza un diseño planeado, sino que logra sus simétricas composiciones únicamente observando el espacio que tiene disponible. “La realidad es que toda la atmósfera me guía” comenta Drummen. “Observo la luz, la ruta que tomarán los visitantes, los colores, la altura, etc., todo en ese preciso momento.” Cada sitio es único y por lo tanto Suzan requiere una manera distinta de abordar el proyecto cada vez. Trabaja lentamente, juega con los elementos, cambia su posición en la superficie e improvisa. “Obviamente esta no es la manera más conveniente o ingeniosa de trabajar, pero al final, solo así logro un resultado sorprendente.”

Entre sus proyectos más desafiantes en el 2014 están su colaboración con la diseñadora de modas Christie Vander Haak, en la cual Drummen logró asociar su arte de cristal a los patrones de Vander Haak, produciendo magníficas instalaciones que asemejan extraordinarias piezas textiles; y su proyecto en la estación/centro comercial en Hong Kong, en la que la artista utilizó más de 15,000 cristales y piedras preciosas para realizar el diseño.

Más información sobre Suzan Drummen aquí.

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Suzan Drummen es una artista holandesa que se dedica a decorar lugares públicos con sus grandes y brillantes instalaciones ubicadas en el suelo. Éstas están fabricadas principalmente con espejos y cristales de colores y son el resultado de un exhaustivo y paciente proceso de selección y colocación de elementos. Sus hipnóticas composiciones desafían la realidad y alteran la percepción que el observador tiene del espacio y su arquitectura.

Con amplia experiencia en el mundo de la pintura, Suzan Drummen trabaja hoy en día como profesora de artes visuales en Holanda. Fue su pasión por coleccionar cristales y objetos brillantes la que la llevó a crear fascinantes mosaicos artísticos en el suelo. En el año 2003, mientras formaba parte de una exhibición, Suzan descubrió el placer de posicionar una y otra vez cristales sobre una superficie con el simple objetivo de embellecer dicho espacio.

Sus complejos patrones circulares han sido exhibidos dentro y fuera de galerías y sitios urbanos en Hong Kong, Ámsterdam, La Haya, Chicago y Zúrich, entre otros lugares. Uno de los aspectos que más disfruta de su experiencia trabajando en diversos ambientes públicos es su oportunidad de manipular y alterar el espacio que la rodea. Su trabajo consiste en analizar efectos ópticos y de ilusión, y al hacerlo, logra dirigir la mirada del observador y crear la impresión de que un cuarto es más pequeño o más grande de lo que es en realidad.

Dependiendo de la complejidad del trabajo a realizar y el espacio disponible, Suzan dedica de 1 a 3 semanas por proyecto. Normalmente trabaja con un equipo de 6 a 10 personas y con su ayuda, la artista logra crear magníficas composiciones caleidoscópicas utilizando materiales como cristales de colores, metales cromados, piedras preciosas, espejos y cristales ópticos. Observar su obra de arte final es una experiencia única, sin embargo, mirarla a menor distancia crea diversas impresiones en el observador. Por un lado, la acumulación y repetición de los objetos termina por causar un grado creciente de confusión y mareo en la mente del espectador; por otra parte, el darse cuenta de que cada uno de los objetos que conforman la obra está suelto en el suelo, causa gran impresión en el mismo.

La artista no utiliza un diseño planeado, sino que logra sus simétricas composiciones únicamente observando el espacio que tiene disponible. “La realidad es que toda la atmósfera me guía” comenta Drummen. “Observo la luz, la ruta que tomarán los visitantes, los colores, la altura, etc., todo en ese preciso momento.” Cada sitio es único y por lo tanto Suzan requiere una manera distinta de abordar el proyecto cada vez. Trabaja lentamente, juega con los elementos, cambia su posición en la superficie e improvisa. “Obviamente esta no es la manera más conveniente o ingeniosa de trabajar, pero al final, solo así logro un resultado sorprendente.”

Entre sus proyectos más desafiantes en el 2014 están su colaboración con la diseñadora de modas Christie Vander Haak, en la cual Drummen logró asociar su arte de cristal a los patrones de Vander Haak, produciendo magníficas instalaciones que asemejan extraordinarias piezas textiles; y su proyecto en la estación/centro comercial en Hong Kong, en la que la artista utilizó más de 15,000 cristales y piedras preciosas para realizar el diseño.

Más información sobre Suzan Drummen aquí.

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October 15, 2014 - No Comments!

★ Jesse Reno (USA) | Following The Patterns Of A Human Mind

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

As a self-thought mixed media painter based in Portland, Oregon, Jesse Reno’s abstract artworks can be described as striking portrayals of magical, detailed, and primitive worlds. His collection of more than 3000 paintings created in the last 12 years is the result of animals and humans merging to produce eerie anthropomorphic creatures.


[Ver artículo en español abajo]

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radiate-like-butterflies

all-lines-are-imaginary

WithGrowthComesChange_l

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[youtube http://www.youtube.com/watch?v=9bae11yYx9Q]

[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Born in New Jersey, US in 1974, Jesse Reno is a contemporary artist, muralist and musician who started drawing at age 5. Throughout his career he has developed a unique style for representing primitive beings as part of universes dominated by organic and geometric figures as well as numerous symbolic features. Since 2000, Reno has exhibited his paintings mainly in galleries around the US, Canada, France and Mexico.

“Contemporary-primitivism” is the term the artist uses to identify his work. Deeply inspired by indigenous cultures, elements and traditions from non-Western lands, Jesse Reno creates extraordinary stories based on abstract images that vibrantly represent the outcomes of his own self-examination.

“I am always exerting my feelings and energy into my work weather I know what I’m painting or not. A lot of the times I don’t know what I'm doing, I am more following colors and lines than an idea of the finished piece. By approaching the work in this way, I find it to be more honest, a purer creation.” - Jesse Reno

Reno uses symbolism as a way of understanding human nature and the purpose of our own existence. In his paintings, animals, objects and varied forms speak of good and evil, life choices, human temptations and the vast possibilities individuals have to achieve peace and self-actualization.

When working, Jesse Reno immerses on 5 or 10 different artworks all together for small intervals of time. This practice allows him to improvise and acquire a renewed glance of his work each time. Painting at a fast speed also prevents him from analyzing his thoughts, leading him to freely portray the images in his head just as they blurt out continuously into the surface.

Unbound from standardized techniques and critic’s opinion, Jesse Reno’s works of art are a combination of different artistic tools like acrylic painting, oil pastel, pencils, colored pencils, and collages. His creative process is an impulsive bodily performance that ends when elements like feeling, composition, meaning and color reach absolute balance.

More information on Jesse Reno here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Born in New Jersey, US in 1974, Jesse Reno is a contemporary artist, muralist and musician who started drawing at age 5. Throughout his career he has developed a unique style for representing primitive beings as part of universes dominated by organic and geometric figures as well as numerous symbolic features. Since 2000, Reno has exhibited his paintings mainly in galleries around the US, Canada, France and Mexico.

“Contemporary-primitivism” is the term the artist uses to identify his work. Deeply inspired by indigenous cultures, elements and traditions from non-Western lands, Jesse Reno creates extraordinary stories based on abstract images that vibrantly represent the outcomes of his own self-examination.

“I am always exerting my feelings and energy into my work weather I know what I’m painting or not. A lot of the times I don’t know what I'm doing, I am more following colors and lines than an idea of the finished piece. By approaching the work in this way, I find it to be more honest, a purer creation.” - Jesse Reno

Reno uses symbolism as a way of understanding human nature and the purpose of our own existence. In his paintings, animals, objects and varied forms speak of good and evil, life choices, human temptations and the vast possibilities individuals have to achieve peace and self-actualization.

When working, Jesse Reno immerses on 5 or 10 different artworks all together for small intervals of time. This practice allows him to improvise and acquire a renewed glance of his work each time. Painting at a fast speed also prevents him from analyzing his thoughts, leading him to freely portray the images in his head just as they blurt out continuously into the surface.

Unbound from standardized techniques and critic’s opinion, Jesse Reno’s works of art are a combination of different artistic tools like acrylic painting, oil pastel, pencils, colored pencils, and collages. His creative process is an impulsive bodily performance that ends when elements like feeling, composition, meaning and color reach absolute balance.

More information on Jesse Reno here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

Jesse Reno es un artista autodidacta, muralista y músico contemporáneo nacido en Nueva Jersey en 1974 y con residencia actual en Portland, Oregon. Comenzó a dibujar a los 5 años de edad. A lo largo de su carrera ha desarrollado un estilo abstracto único en el que seres primitivos se desenvuelven en mundos mágicos y llenos de detalle. Hoy en día sus más de 3000 obras producidas en los últimos 12 años pueden ser identificadas por la creación de seres antropomórficos nacidos de la combinación de humanos y animales.

“Primitivismo Contemporáneo” es el término con el cual el pintor identifica su trabajo artístico. Fuertemente inspirado por culturas indígenas, elementos y tradiciones provenientes de mundos ajenos al Occidente, Reno crea extraordinarias historias basadas en imágenes abstractas las cuales representan con brillantes colores el resultado de su propia introspección. Su estilo se caracteriza por seres primitivos que habitan universos dominados por figuras orgánicas y geométricas, así como un gran número de elementos simbólicos.

“Constantemente ejerzo mis sentimientos y energía al máximo cuando estoy trabajando, ya sea que esté consciente de lo que estoy pintando o no. Muchas veces no sé lo que hago, más que nada sigo colores y líneas a deferencia de una idea de en particular. De esta manera, logro una creación más honesta y pura.” – Jesse Reno

Reno utiliza el simbolismo como una forma de entender la naturaleza humana y el propósito de nuestra existencia en la tierra. En sus pinturas, animales y diversos elementos nos hablan de lo bueno y lo malo, las múltiples decisiones de la vida, las tentaciones humanas y el gran número de posibilidades que tiene un individuo para alcanzar la paz y la máxima realización de sus habilidades y capacidades.

Al momento de trabajar, Jesse Reno se enfoca en 5 o 10 pinturas a la vez por breves lapsos de tiempo. Esta práctica le permite improvisar y adquirir una nueva visión de la obra en cada momento. Pintar con velocidad también lo previene de analizar de más sus pensamientos y lo lleva a expresar libremente las imágenes de su mente tal cual las logra vislumbrar.

Sin tomar en cuenta estándares de técnicas artísticas o la opinión pública, Reno crea sus obras mezclando diversas herramientas, como pinturas de aceite, acrílicos, lápices de colores, collages y mucho más. Su proceso creativo se ha convertido también en una representación física de su cuerpo, la cual llega a su fin cuando elementos como el sentimiento, la composición, el significado y el color alcanzan una total armonía.

Desde el año 2000, Jesse Reno ha expuesto sus obras en galerías en Estados Unidos, Canadá, Francia y México.

Más información sobre Jesse Reno aquí.

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Jesse Reno es un artista autodidacta, muralista y músico contemporáneo nacido en Nueva Jersey en 1974 y con residencia actual en Portland, Oregon. Comenzó a dibujar a los 5 años de edad. A lo largo de su carrera ha desarrollado un estilo abstracto único en el que seres primitivos se desenvuelven en mundos mágicos y llenos de detalle. Hoy en día sus más de 3000 obras producidas en los últimos 12 años pueden ser identificadas por la creación de seres antropomórficos nacidos de la combinación de humanos y animales.

“Primitivismo Contemporáneo” es el término con el cual el pintor identifica su trabajo artístico. Fuertemente inspirado por culturas indígenas, elementos y tradiciones provenientes de mundos ajenos al Occidente, Reno crea extraordinarias historias basadas en imágenes abstractas las cuales representan con brillantes colores el resultado de su propia introspección. Su estilo se caracteriza por seres primitivos que habitan universos dominados por figuras orgánicas y geométricas, así como un gran número de elementos simbólicos.

“Constantemente ejerzo mis sentimientos y energía al máximo cuando estoy trabajando, ya sea que esté consciente de lo que estoy pintando o no. Muchas veces no sé lo que hago, más que nada sigo colores y líneas a deferencia de una idea de en particular. De esta manera, logro una creación más honesta y pura.” – Jesse Reno

Reno utiliza el simbolismo como una forma de entender la naturaleza humana y el propósito de nuestra existencia en la tierra. En sus pinturas, animales y diversos elementos nos hablan de lo bueno y lo malo, las múltiples decisiones de la vida, las tentaciones humanas y el gran número de posibilidades que tiene un individuo para alcanzar la paz y la máxima realización de sus habilidades y capacidades.

Al momento de trabajar, Jesse Reno se enfoca en 5 o 10 pinturas a la vez por breves lapsos de tiempo. Esta práctica le permite improvisar y adquirir una nueva visión de la obra en cada momento. Pintar con velocidad también lo previene de analizar de más sus pensamientos y lo lleva a expresar libremente las imágenes de su mente tal cual las logra vislumbrar.

Sin tomar en cuenta estándares de técnicas artísticas o la opinión pública, Reno crea sus obras mezclando diversas herramientas, como pinturas de aceite, acrílicos, lápices de colores, collages y mucho más. Su proceso creativo se ha convertido también en una representación física de su cuerpo, la cual llega a su fin cuando elementos como el sentimiento, la composición, el significado y el color alcanzan una total armonía.

Desde el año 2000, Jesse Reno ha expuesto sus obras en galerías en Estados Unidos, Canadá, Francia y México.

Más información sobre Jesse Reno aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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October 8, 2014 - No Comments!

★ Andy Scott (UK) | Outer Metallic Craftsmanship

[cd_row][cd_column width="span12"][cd_text]

Graduated from the Bachelor and Post Graduate Diploma of Fine Art Sculpture at Glasgow School of Art, Andy Scott is an internationally prominent artist whose figurative sculptures have become famous landmarks in the Scottish scenery. His work is the result of an assortment of traditional practices, contemporary production techniques and an outstanding team effort.


[Ver artículo en español abajo]

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[vimeo 90747645 w=100 h=338]

The Kelpies from The Helix on Vimeo.

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Born in the district of Springburn in the city of Glasgow, Andy Scott received from his father the passion for art and an honest work ethic. Based in the area of Maryhill, Scott has transcended within the realm of contemporary public art thanks to the creative design and successful production and assembly of more than 70 projects. His versatility to work with different materials as well as his great endowment are aspects that have made of his career an incomparable artistic journey.

Always supported by remarkable concepts, and carefully sited according the history, legends and geography they are based on, Scott’s sculptures diverge in size and go from 3 to 30 meters high. He is best known for his work with bronze, fiberglass and galvanized steel and some of his greatest artworks include thousands of steel plates warily adapted in order to convey the most delicate and organic forms. An example of this is his sculpture called “Rise”, located at Meadowside Square in Glasgow.

Andy Scott’s magnificent creatures merge with the environment thanks to their powerful ability to attract the viewer’s attention and emotions. The sculptures’ semi-translucency, detail and great magnitude, combined with the external light that usually complements the project, make of the setting an striking attraction.

Scott’s figures have travelled around the world. However, since 2007, art enthusiasts can appreciate six of his artworks in the Andy Scott Sculpture Trail, which runs throughout the county of Clackmannanshire in Scotland. Among his most acknowledged projects is "The Kelpies", a huge set of two horse-head sculptures based on the legend of water-spirits and which honor the horse heritage across the country. Such massive structure took more than 7 years to be completed and 1 year to assemble.

More information on Andy Scott here.

[/cd_text][/cd_tab][cd_text]

Born in the district of Springburn in the city of Glasgow, Andy Scott received from his father the passion for art and an honest work ethic. Based in the area of Maryhill, Scott has transcended within the realm of contemporary public art thanks to the creative design and successful production and assembly of more than 70 projects. His versatility to work with different materials as well as his great endowment are aspects that have made of his career an incomparable artistic journey.

Always supported by remarkable concepts, and carefully sited according the history, legends and geography they are based on, Scott’s sculptures diverge in size and go from 3 to 30 meters high. He is best known for his work with bronze, fiberglass and galvanized steel and some of his greatest artworks include thousands of steel plates warily adapted in order to convey the most delicate and organic forms. An example of this is his sculpture called “Rise”, located at Meadowside Square in Glasgow.

Andy Scott’s magnificent creatures merge with the environment thanks to their powerful ability to attract the viewer’s attention and emotions. The sculptures’ semi-translucency, detail and great magnitude, combined with the external light that usually complements the project, make of the setting an striking attraction.

Scott’s figures have travelled around the world. However, since 2007, art enthusiasts can appreciate six of his artworks in the Andy Scott Sculpture Trail, which runs throughout the county of Clackmannanshire in Scotland. Among his most acknowledged projects is "The Kelpies", a huge set of two horse-head sculptures based on the legend of water-spirits and which honor the horse heritage across the country. Such massive structure took more than 7 years to be completed and 1 year to assemble.

More information on Andy Scott here.

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Andy Scott es un artista conocido a nivel internacional cuyas esculturas de carácter figurativo se han convertido en famosas estructuras de origen escocés. Graduado de la licenciatura y posgrado en Arte y Escultura en la Escuela de Arte de Glasgow, el trabajo de este talentoso artista es el resultado de una combinación de métodos tradicionales, técnicas de producción modernas y una magnífica labor colectiva.

Nacido en el distrito de Springburn en la ciudad de Glasgow, Andy Scott heredó de su padre su pasión por el arte y su honesta y fuerte ética de trabajo. Actualmente basado en el área de Maryhill, Scott ha trascendido en el ámbito del arte público contemporáneo gracias al diseño, producción y ensamblaje de más de 70 proyectos en los que ha participado. Su talento y habilidad para trabajar con diversos materiales han hecho de su carrera una experiencia artística incomparable.

Sus esculturas se encuentran constantemente basadas en extraordinarios conceptos y situadas en lugares de acuerdo a la historia, leyenda y/o geografía que las apoyan. El tamaño de sus figuras varía de los 3 a los 30 metros de altura. Su gran talento es conocido por su trabajo en bronce, fibra de vidrio y acero galvanizado y algunas de sus más destacadas obras incluyen miles de placas de acero posicionadas cuidadosamente de manera que representen delicadas formas orgánicas. Un ejemplo de esto es su escultura llamada “Rise”, ubicada en Meadowside Square en Glasgow.

Las esculturas creadas por Andy Scott tienen el poder de atraer la atención y emoción del espectador debido a su imponente naturaleza y fusión con el ambiente. Su nivel de detalle, gran tamaño y semi-transparencia son aspectos básicos que al combinarse con la luz que las complementa hacen del escenario una atracción única.

Su trabajo ha viajado a diversas ciudades alrededor del mundo. Sin embargo, desde el año 2007, seis de sus esculturas pueden ser apreciadas al aire libre en el Andy Scott Sculpture Trail, el cual forma parte del condado de Clackmannanshire en Escocia. Entre sus proyectos más reconocidos está "The Kelpies", un enorme set de dos cabezas de caballo basado en la leyenda de espíritus marinos y el cual honra la gran influencia equina del país. Dicha obra le tomó al artista más de 7 años en construirse y un año en ensamblarse.

Más información sobre Andy Scott aquí.

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Andy Scott es un artista conocido a nivel internacional cuyas esculturas de carácter figurativo se han convertido en famosas estructuras de origen escocés. Graduado de la licenciatura y posgrado en Arte y Escultura en la Escuela de Arte de Glasgow, el trabajo de este talentoso artista es el resultado de una combinación de métodos tradicionales, técnicas de producción modernas y una magnífica labor colectiva.

Nacido en el distrito de Springburn en la ciudad de Glasgow, Andy Scott heredó de su padre su pasión por el arte y su honesta y fuerte ética de trabajo. Actualmente basado en el área de Maryhill, Scott ha trascendido en el ámbito del arte público contemporáneo gracias al diseño, producción y ensamblaje de más de 70 proyectos en los que ha participado. Su talento y habilidad para trabajar con diversos materiales han hecho de su carrera una experiencia artística incomparable.

Sus esculturas se encuentran constantemente basadas en extraordinarios conceptos y situadas en lugares de acuerdo a la historia, leyenda y/o geografía que las apoyan. El tamaño de sus figuras varía de los 3 a los 30 metros de altura. Su gran talento es conocido por su trabajo en bronce, fibra de vidrio y acero galvanizado y algunas de sus más destacadas obras incluyen miles de placas de acero posicionadas cuidadosamente de manera que representen delicadas formas orgánicas. Un ejemplo de esto es su escultura llamada “Rise”, ubicada en Meadowside Square en Glasgow.

Las esculturas creadas por Andy Scott tienen el poder de atraer la atención y emoción del espectador debido a su imponente naturaleza y fusión con el ambiente. Su nivel de detalle, gran tamaño y semi-transparencia son aspectos básicos que al combinarse con la luz que las complementa hacen del escenario una atracción única.

Su trabajo ha viajado a diversas ciudades alrededor del mundo. Sin embargo, desde el año 2007, seis de sus esculturas pueden ser apreciadas al aire libre en el Andy Scott Sculpture Trail, el cual forma parte del condado de Clackmannanshire en Escocia. Entre sus proyectos más reconocidos está "The Kelpies", un enorme set de dos cabezas de caballo basado en la leyenda de espíritus marinos y el cual honra la gran influencia equina del país. Dicha obra le tomó al artista más de 7 años en construirse y un año en ensamblarse.

Más información sobre Andy Scott aquí.

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★ By Dalia Vasquez

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October 1, 2014 - No Comments!

★ Lorenzo Petrantoni (IT) | Fashionable Silk Collages

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Italian illustrator Lorenzo Petrantoni demonstrates once again his extraordinary combination of creativity and unusual style in his new collection of silk scarves.


[Ver artículo en español abajo]

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[/cd_text][/cd_column][/cd_row][cd_row][cd_column width="span12"][cd_tabs type="normal-tabs"][cd_tab title="English"][cd_text]

Lorenzo Petrantoni is a Milan-based graphic designer with a broad experience in the advertising industry. Throughout his career he has collaborated with numerous international magazines, brands and communication agencies, such as Nike, Coca Cola, Swatch and The New York Times.

He is recognized for creating exquisite collages of images using pictures from the period of the 1800’s that he extracts mainly from historic dictionaries and books.

With the support of the latest printing techniques, Petrantoni has recently created a unique collection of dazzling scarves characterized by an ingenious combination of illustrations from the XIX century, different typographies and a particular array of colors.

Each scarf is made out of the finest Italian silk and it contains a complex and absorbing composition of elements that transform it into an authentic artistic garment.

More information on Lorenzo Petrantoni here.

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Lorenzo Petrantoni is a Milan-based graphic designer with a broad experience in the advertising industry. Throughout his career he has collaborated with numerous international magazines, brands and communication agencies, such as Nike, Coca Cola, Swatch and The New York Times.

He is recognized for creating exquisite collages of images using pictures from the period of the 1800’s that he extracts mainly from historic dictionaries and books.

With the support of the latest printing techniques, Petrantoni has recently created a unique collection of dazzling scarves characterized by an ingenious combination of illustrations from the XIX century, different typographies and a particular array of colors.

Each scarf is made out of the finest Italian silk and it contains a complex and absorbing composition of elements that transform it into an authentic artistic garment.

More information on Lorenzo Petrantoni here.

[/cd_text][cd_tab title="Español"][cd_text]

El ilustrador italiano Lorenzo Petrantoni demuestra una vez más su extraordinaria combinación de creatividad e inusual estilo artístico en su nueva colección de mascadas de seda.

Ubicado en Milán, Italia, Petrantoni es un diseñador gráfico con una amplia experiencia en el mundo de la publicidad. A lo largo de su carrera ha colaborado con numerosas revistas, marcas y agencias publicitarias internacionales como Nike, Coca Cola, Swatch y The New York Times.

Este talentoso artista es ampliamente reconocido por su creación de magníficos collages en los que utiliza ilustraciones pertenecientes al período de 1800, las cuales extrae principalmente de diccionarios y libros antiguos.

Utilizando las más efectivas técnicas de impresión, Petrantoni ha creado recientemente una colección única de mascadas caracterizadas por ingeniosas combinaciones de ilustraciones del siglo XIX, diversas tipografías y una gama de colores única.

Cada mascada está fabricada con fina seda italiana y contiene una compleja y cautivante composición de elementos que la transforman en una llamativa y auténtica prenda de vestir.

Más información sobre Lorenzo Petrantoni aquí.

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El ilustrador italiano Lorenzo Petrantoni demuestra una vez más su extraordinaria combinación de creatividad e inusual estilo artístico en su nueva colección de mascadas de seda.

Ubicado en Milán, Italia, Petrantoni es un diseñador gráfico con una amplia experiencia en el mundo de la publicidad. A lo largo de su carrera ha colaborado con numerosas revistas, marcas y agencias publicitarias internacionales como Nike, Coca Cola, Swatch y The New York Times.

Este talentoso artista es ampliamente reconocido por su creación de magníficos collages en los que utiliza ilustraciones pertenecientes al período de 1800, las cuales extrae principalmente de diccionarios y libros antiguos.

Utilizando las más efectivas técnicas de impresión, Petrantoni ha creado recientemente una colección única de mascadas caracterizadas por ingeniosas combinaciones de ilustraciones del siglo XIX, diversas tipografías y una gama de colores única.

Cada mascada está fabricada con fina seda italiana y contiene una compleja y cautivante composición de elementos que la transforman en una llamativa y auténtica prenda de vestir.

Más información sobre Lorenzo Petrantoni aquí.

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★ By Dalia Vasquez

 

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